Todos los actores que han dado vida a Namor en el mundo del cine.
En 1939, el guionista y dibujante Bill Everett creó a Namor McKenzie, el rey de Atlantis, para la aventura titulada Here is the Sub-Mariner!, publicada como la primera historieta del cómic Motion Picture Funnies Weekly nº 1, aunque acabó convirtiéndose en un personaje más de Marvel, como amigo o enemigo según el rumbo de la aventura en cuestión, cuyas características más conocidas son sus sentimientos hacia Sue Richards y el haber militado en diferentes, grupos como los Invasores, el Escuadrón de Vencedores, Los Vengadores, Los Cuatro Fantásticos, Los Illuminatti, Camarilla o X-Men, además de su ya mencionado papel como monarca del mundo submarino.
No es de extrañar, por tanto, que Namor haya acabado dando el salto de las viñetas a la gran pantalla, al igual que otros personajes de La Casa de las Ideas, que es, precisamente, el objeto de análisis de este artículo. tal y como se puede comprobar si continúas con su lectura hasta el final.
Brent Briscoe
Comenzamos nuestro listado con este actor, que interpretó, en la película Spider-Man 2 (2004), a un vagabundo que encontró el traje de hombre araña que Peter Parker había tirado a la basura y se lo entregó a J. Jonah Jameson para que le diera una recompensa (que consistió en cincuenta dólares y una pastilla de jabón). Aunque, en un principio, no parece que eso tenga nada que ver con Namor, la novelización de la película dejaba claro que se trataba de él. Y es que no debemos olvidar que la historia original del personaje nos cuenta qu pasó un tiempo vagabundeando por la superficie, sin recordar su verdadera identidad.
En cualquier caso, se trata de un dato que no deja de resultar curioso, ya que no fue una historia que fuera desarrollada con posterioridad, además de que Spiderman, que nunca ha tenido mucho que ver con Namor, y Los Cuatro Fantásticos aún no pertenecía a un universo compartido en el que este personaje pudiera haber hecho aquí su primer acto de presencia para luego aparecer en un filme de la Primera Familia de Marvel.
Manuel Chávez
Continuamos nuestro repaso con este niño, que se encargó de dar vida a un pequeño Namor en la película Black Panther: Wakanda Forever (2022). Como ya dijimos en su momento, según nos narra el filme, el nombre del personaje corresponde a una abreviatura de la frase “niño sin amor“, que fue cómo lo denominó un soldado que lo encontró, cuando este habitante submarino aún era pequeño, observando la destrucción en el mundo de la superficie, aunque Bill Everett, en realidad, se limitó a escribir al revés la traducción al inglés de la palabra “romano“.
Pese a el poco tiempo que podemos ver a este joven actor en pantalla, no cabe la menor duda de que se tata de una correcta opción a la hora de elegirlo como una versión infantil de Namor.
Ténoch Huerta
Y, como no podía ser de otra forma, terminamos nuestro listado con el actor que ha dado vida a la versión adulta de Namor en la ya citada Black Panther: Wakanda Forever. No obstante, en esta versión del Universo Cinematográfico de Marvel no se trata del rey de Atlantis sino del monarca mutante de Talokan, que es una civilización submarina oculta inspirada en la cultura mesoamericana. Todo parece indicar que el principal motivo de este cambio se debe a que los espectadores no iniciados podrían llegar a confundirse entre este personaje y Aquaman, ya que ambos ostentan el mismo papel en el mundo del noveno arte, lo que no deja de ser una pobre excusa, ya que los lectores de cómics nunca han tenido problemas a la hora de diferenciarlos.
Ya esta confirmado que este actor regresará, al menos en la película Vengadores: Doomsday (que se estrena a finales de este año) en su papel de Namor.
Conclusiones
En este caso no es nada complicado elegir a la mejor versión de Namor, ya que nadie que no se haya leído la versión novelada de Spider-Man 2 podrá identificar a Brent Briscoe en dicho papel, mientras que Manuel Chávez solo lo ha interpretado en su versión infantil, de modo que nos queda Ténoch Huerta, a pesar de que ya hemos comentado que su origen cinematográfico difiere mucho del narrado en los cómics.
Suelo acabar estos artículos recordando que siempre puede llegar una mejor versión del personaje que eclipse a las que ya conocemos. Sin embargo, en el caso concreto de Namor, la cosa se complica porque el personaje acaba de empezar su recorrido en el Universo Cinematográfico de Marvel, de modo que, si sobrevive al reinicio que se llevará a cabo a finales del año que viene, con Vengadores: Secret Wars, lo más probable es que no cuente con un reemplazo en el futuro cercano.
Dark Matter temporada 2 pone a Daniela contra las cuerdas
Daniela queda profundamente afectada por haber matado a otra versión de su marido, mientras Jason, Charlie y ella se ven obligados a abandonar una vez más el lugar que pretendían convertir en su hogar. La familia había escapado del caos de la primera temporada, pero Apple TV parece decidida a demostrar que encontrar a los tuyos era solo la parte sencilla de la historia.
Jennifer Connelly ha explicado que este acontecimiento prácticamente destruye la estabilidad emocional del personaje. «Creo que pone completamente patas arriba su mundo», aseguró la actriz. Daniela siente una enorme culpabilidad, no comprende del todo cómo ha podido llegar hasta ese punto y comienza a cuestionarse qué significa lo que ha hecho.
La familia Dessen descubre que volver a estar junta no basta
Este cambio también permite que Dark Matter profundice mucho más en la familia Dessen. Durante la primera temporada existía una misión bastante clara: Jason debía regresar con Daniela y Charlie después de que otra versión de sí mismo le robara literalmente su vida.
Ahora los tres están juntos, pero eso no significa que puedan volver a comportarse como si nada hubiera ocurrido. El trauma acumulado empieza a pesar sobre cada miembro de la familia, y la convivencia deja de ser ese premio final que parecía representar al terminar la primera temporada.
Encontrar un hogar se convierte en una misión imposible
Joel Edgerton considera que precisamente ahí está una de las grandes diferencias respecto a la primera entrega. Entonces la historia podía parecer tremendamente compleja por todo lo relacionado con universos alternativos y diferentes versiones de los personajes, pero en el fondo Jason tenía un objetivo muy sencillo: regresar con su familia.
La segunda temporada elimina esa certeza. Los Dessen viajan juntos intentando localizar una realidad que pueda resultar suficientemente segura para ellos. «Los vemos intentando encontrar cierta normalidad y emprendiendo una búsqueda como familia para encontrar un lugar que pueda ser seguro», explica Edgerton.
Dark Matter mira ahora debajo de la superficie de sus protagonistas
Y precisamente ahí puede encontrarse uno de los aspectos más interesantes de esta segunda temporada. El multiverso deja de ser solamente una herramienta narrativa para crear mundos sorprendentes y comienza a funcionar como una forma de examinar decisiones, arrepentimientos y relaciones personales.
Hay muchos Jason, pero ninguno es exactamente el mismo
La existencia de múltiples Jason continúa siendo una de las piezas más llamativas de la serie. Edgerton bromea diciendo que al final de la primera temporada prácticamente había «un almacén lleno de Jasons». Muchos proceden de pequeñas desviaciones del protagonista original y algunos estuvieron extraordinariamente cerca de recuperar a Daniela y Charlie.
Sin embargo, llegaron demasiado tarde. La nueva temporada aprovechará precisamente esas posibilidades y contará con episodios centrados en versiones concretas del personaje. Uno de ellos seguirá a un Jason que cree que ya no tiene nada por lo que continuar adelante después de perder su oportunidad de recuperar a la familia.
Uno de los Jason tendrá su propia oportunidad para empezar de nuevo
Edgerton adelanta que lo que ocurre con esa versión termina convirtiéndose en una especie de renacimiento. Para el actor, la historia funciona como una reflexión sobre la capacidad humana para reconstruirse, volver a conectar con otras personas y seguir adelante después de una pérdida.
Interpretar tantas versiones tampoco consiste simplemente en transformar completamente al personaje. El actor explica que las diferencias pueden ser extremadamente pequeñas: cicatrices, ropa, detalles físicos o incluso una goma de determinado color colocada en el dedo ayudaban al equipo a identificar qué Jason aparecía en cada momento.
Las diferencias entre los Jason son mucho más sutiles de lo que parece
Edgerton considera que esa sutileza es fundamental. Al principio podría parecer que interpretar diferentes versiones de un mismo hombre obligaría a construir personalidades completamente opuestas, pero todos siguen siendo esencialmente Jason.
Jason 2 puede dejar de parecer simplemente el villano
La temporada también parece dispuesta a difuminar la frontera entre héroes y antagonistas. Jason 2 comenzó siendo el responsable de desencadenar prácticamente toda la pesadilla, pero las diferentes circunstancias que rodean a cada versión pueden cambiar nuestra percepción de ellas.
Para Edgerton, no son personas completamente distintas, sino individuos que han terminado recorriendo caminos diferentes. Esa perspectiva permite que personajes que parecían claramente definidos durante la primera temporada puedan resultar mucho más ambiguos ahora.
El multiverso sirve para hacer preguntas bastante incómodas
Esa idea representa uno de los grandes atractivos de Dark Matter. La ciencia ficción funciona como espectáculo, pero el multiverso sirve sobre todo para plantear preguntas personales: ¿seguiríamos siendo nosotros mismos después de tomar otra decisión?
Y todavía hay otra cuestión más inquietante. ¿Cuánto tendría que cambiar nuestra vida para convertirnos en alguien capaz de hacer algo que ahora consideramos impensable? La propia Daniela comienza la temporada enfrentándose precisamente a esa pregunta después de cruzar una línea que nunca imaginó atravesar.
El matrimonio de Daniela y Jason afronta su mayor prueba
Por supuesto, queda otro problema todavía más complicado: si el matrimonio puede sobrevivir a todo esto. Connelly reconoce que los propios personajes se hacen esa pregunta durante la temporada. Daniela quiere permanecer junto a Jason y conservar a su familia, pero antes necesita aceptar sus decisiones.
La actriz explica que su personaje intenta curarse, asumir la responsabilidad por lo ocurrido y encontrar una forma de convivir con esta nueva realidad. Sin embargo, también adelanta que la situación podría no quedar completamente resuelta al finalizar esta parte de la historia.
Jason también tendrá que enfrentarse a sus propios fantasmas
Jason tampoco llega precisamente libre de heridas emocionales. Según Edgerton, tiene que superar su sensación de fracaso y dejar atrás su obsesión por esas vidas alternativas que podría haber vivido si hubiese elegido caminos diferentes.
Solo entonces podrá continuar su relación con Daniela de otra manera. Porque uno de los grandes problemas del personaje sigue siendo precisamente esa necesidad de mirar constantemente hacia aquello que pudo ser, algo especialmente peligroso cuando puedes visitar literalmente otras versiones de tu propia existencia.
Hasta un terapeuta tendría problemas con los Dessen
Edgerton terminó incluso imaginando una escena bastante divertida: Jason y Daniela tratando de explicar sus problemas a un terapeuta convencional. Algo comprensible. Intentar resumir que existen innumerables versiones de tu marido y que una de ellas secuestró a otra ya sería complicado.
Si además hay que añadir viajes entre realidades, asesinatos y familias alternativas, cualquier sesión de terapia matrimonial podría descarrilar bastante rápido. El comentario resulta divertido, pero también resume perfectamente hasta qué punto los problemas emocionales de los Dessen nacen de situaciones completamente extraordinarias.
Dark Matter ya no trata solo de escapar del multiverso
Los Dessen han logrado permanecer juntos, pero todavía queda descubrir si después de todo lo ocurrido siguen siendo capaces de reconocerse como la familia que alguna vez fueron. Y quizá esa sea finalmente una pregunta mucho más difícil de responder que encontrar el camino correcto entre miles de universos.
Según la sinopsis oficial, Grace y Rocky tendrán que trabajar juntos frente a un desastre que amenaza la nave, tratando además de conseguir que su valioso cargamento llegue hasta Eridani, el planeta natal del extraterrestre y también el nuevo hogar de Grace. La idea encaja perfectamente con uno de los grandes atractivos del universo creado por Andy Weir: enfrentarse a problemas aparentemente imposibles utilizando ciencia, ingenio y bastante improvisación.
Para Ortiz, regresar al personaje ha supuesto algo más que repetir unas cuantas líneas de diálogo. El actor considera especialmente interesante que los fans puedan relacionarse directamente con Rocky, utilizando además el mismo modelo del personaje empleado en la película.
Rocky vuelve con la misma voz y aspecto de la película
«Volver a interpretar a Rocky para el juego ha sido realmente especial», explicó James Ortiz al hablar del proyecto. «Los fans podrán entrar en el mundo de Project Hail Mary, interactuar con Rocky utilizando el mismo modelo del personaje de la película y vivir una parte completamente nueva de su viaje con Grace».
El tráiler muestra al jugador manipulando objetos y dispositivos dentro de la Hail Mary para descubrir qué está fallando. No bastará con mirar alrededor o seguir una sucesión de escenas predeterminadas. Habrá que investigar averías, probar soluciones y utilizar los recursos disponibles para evitar que la misión termine antes de tiempo.
La ciencia será una herramienta y no simple decoración
Eso significa que la experiencia pretende aprovechar uno de los elementos que hicieron reconocible la obra de Andy Weir, también autor deThe Martian: convertir el razonamiento científico en parte de la aventura. Los jugadores tendrán que diagnosticar problemas y llevar al límite sus conocimientos de ingeniería mientras la situación alrededor de Grace y Rocky continúa deteriorándose.
También será necesario gestionar tanto la nave como su cargamento durante el viaje espacial. Sobre el papel puede sonar como una colección de tareas técnicas, pero precisamente la relación entre ambos protagonistas puede evitar que la experiencia termine convirtiéndose en un simple simulador. Buena parte del encanto de esta historia reside en ver cómo dos seres completamente diferentes encuentran maneras de entenderse y colaborar.
Hay además una razón importante para prestar atención al argumento: esta historia no es una adaptación directa de algún episodio ya conocido. Andy Weir ha escrito específicamente esta nueva aventura para el videojuego, lo que convierte el proyecto en una expansión narrativa del universo y no únicamente en un producto promocional relacionado con la película.
Una extensión del universo pensada para la realidad mixta
La decisión resulta especialmente curiosa porque Project Hail Maryencaja de manera natural con un formato interactivo. Buena parte de su identidad gira alrededor de espacios cerrados, experimentos, herramientas, problemas técnicos y decisiones tomadas bajo presión. Elementos que en una película funcionan como parte del suspense pueden convertirse aquí en acciones realizadas directamente por el jugador.
Por ahora habrá que tener algo de paciencia para comprobar hasta dónde llega esa interacción. Project Hail Mary: Journey Among the Starsse estrenará mundialmente este otoño, aunque sus responsables todavía no han anunciado una fecha concreta de lanzamiento.
Meta Quest 3 y otros dispositivos recibirán la aventura
La experiencia estará disponible para Meta Quest 3, Meta Quest 3S, PICO y dispositivos Android XR, apostando así por varias de las principales plataformas compatibles con realidad virtual y realidad mixta. Los interesados ya pueden añadir el título a su lista de deseos desde la página oficial del estudio.
Lo curioso es que esto no convierte a ninguna de las dos series en una copia de la otra. De hecho, cuanto más se parecen sus secretos, más evidente resulta lo diferentes que son sus formas de contar el fin del mundo. Una apuesta por la tragedia y la opresión casi claustrofóbica; la otra abraza el humor negro, la violencia y una sátira tan desatada como reconocible.
Silo y Fallout esconden secretos demasiado parecidos
El gran cambio llega cuando Siloempieza a levantar definitivamente las alfombras de su propia mitología. El Silo 1 no es simplemente otro refugio dentro del sistema, sino el centro desde el que una élite conocida como los fundadores supervisa lo que ocurre en las demás instalaciones. Y aquí aparece una semejanza difícil de ignorar para cualquiera que haya visto Fallout.
En la adaptación de Prime Video descubrimos que la Cámara 31 guarda ejecutivos de Vault-Tec criogenizados, personas destinadas a despertar periódicamente para controlar el desarrollo de las Cámaras 32 y 33. Silo utiliza una idea sorprendentemente próxima: sus fundadores también pasan por ciclos de sueño criogénico y regresan cuando es necesario intervenir en el gigantesco experimento social construido bajo tierra.
La intención tampoco parece demasiado diferente. Ambos grupos creen tener derecho a decidir cómo debe reconstruirse la humanidad, incluso aunque para conseguirlo deban manipular generaciones enteras. Es esa convicción de estar actuando por un supuesto bien mayor la que termina convirtiendo a los salvadores en algo bastante más inquietante.
El fin del mundo podría no haber sido lo que parecía
La conexión se vuelve todavía más evidente cuando entra en juego el origen del desastre. Fallout lleva años jugando con la posibilidad de que Vault-Tec estuviese dispuesta a provocar una guerra nuclear para controlar el mundo posterior a las bombas, una idea que su adaptación televisiva convirtió en uno de sus grandes misterios.
La temporada 3 de Silo se mueve por un territorio similar. Las nuevas revelaciones apuntan a una conspiración relacionada con explosiones nucleares simuladas para obligar a la población a refugiarse en los silos, poniendo en marcha un plan diseñado para prolongarse durante siglos. Lo que comenzó como una aparente operación para garantizar la supervivencia adquiere así unas implicaciones mucho más oscuras.
Y la manipulación no termina ahí. Los responsables del sistema son capaces de recurrir a medidas extremas para conservar el orden, desde envenenar comunidades enteras hasta introducir sustancias destinadas a alterar o suprimir recuerdos. En ese punto, las diferencias entre un silo y una cámara de Vault-Tec empiezan a ser sorprendentemente pequeñas.
Dos apocalipsis que hablan idiomas completamente distintos
Sin embargo, basta ver unos minutos de cualquiera de las dos producciones para comprobar que su personalidad es radicalmente diferente. Fallout convierte el desastre nuclear en una grotesca caricatura del capitalismo, el consumismo y el optimismo estadounidense, mezclando asesinatos salvajes con anuncios publicitarios y una estética retrofuturista deliberadamente exagerada.
Silo apenas deja espacio para esa clase de humor. Su mundo resulta frío, opresivo y dolorosamente creíble. Incluso quienes ocupan posiciones de poder pueden aparecer como personas atrapadas dentro de un mecanismo institucional que lleva generaciones funcionando, en lugar de simples villanos moviendo los hilos desde una oficina. Ese matiz cambia profundamente el mensaje. Mientras Fallout dispara contra el capitalismo corporativo utilizando a Vault-Tec como representación llevada al extremo, Silo explora cómo una estructura autoritaria puede erosionar lentamente la identidad, la memoria y la empatía de quienes viven dentro de ella.
Silo y Fallout demuestran por qué el género todavía tiene mucho que ofrecer
Las historias sobre sociedades posteriores al apocalipsis no son precisamente escasas. Durante décadas, el cine, la televisión y los videojuegos han imaginado refugios subterráneos, gobiernos autoritarios, pandemias, guerras nucleares y pequeños grupos de humanos intentando reconstruir aquello que ellos mismos destruyeron.
Precisamente por eso resulta especialmente meritorio que Silo y Fallout hayan conseguido construir universos reconocibles con personalidad propia. La serie protagonizada por Rebecca Ferguson utiliza el misterio como motor narrativo y va desmontando poco a poco las certezas de Juliette y del espectador. Su funcionamiento recuerda en ocasiones a grandes rompecabezas televisivos como Lost, aunque aquí existe una clara intención de ir proporcionando respuestas.
Fallout, en cambio, parte de décadas de videojuegos y aprovecha todo ese legado para construir una versión televisiva que conserva el humor macabro, la brutalidad y el extraño encanto retrofuturista de Bethesda. Su mundo admite monstruos, mutaciones y situaciones deliberadamente absurdas que desentonarían completamente dentro del tono mucho más contenido de Silo.
Y posiblemente ahí esté la clave. Las coincidencias entre ambas series son cada vez mayores, pero sus objetivos siguen siendo distintos. Las dos hablan de élites que manipulan a supervivientes encerrados bajo tierra, experimentos sociales y verdades cuidadosamente enterradas. Sin embargo, una lo convierte en una tragedia humana mientras la otra lo transforma en una sátira feroz.
Después de la temporada 3, comparar Silo con Fallout ya no parece simplemente un juego entre fans de la ciencia ficción. Las similitudes forman parte de algunas de las revelaciones más importantes de la serie de Apple TV, aunque su tratamiento siga demostrando que dos historias pueden partir de ideas sorprendentemente próximas y terminar ofreciendo experiencias completamente diferentes.
Todo sucede precisamente cuando Eddie Brock vuelve a reunirse con su viejo compañero alienígena, después de años siguiendo caminos separados y tras la etapa en la que Mary Jane Watson terminó vinculada a la criatura. La reunión no solo recuperará una de las parejas más reconocibles de los cómics de Spider-Man: también servirá para zanjar —o quizá alimentar todavía más— una discusión sobre quién puede utilizar realmente el nombre de Venom.
Venom ya no necesita a Eddie Brock para llamarse así
La clave aparece en la descripción oficial de Venom #1, escrito por Charles Soule y dibujado por Tommaso Bianchi. Marvel presenta el regreso con la frase clásica “¡Ellos son Venom!”, pero inmediatamente antes asegura que “Eddie Brock y Venom se han reunido”.
La elección de palabras no parece accidental. Si Eddie se reúne con alguien llamado Venom, entonces el propio simbionte puede utilizar ese nombre aunque no esté unido a Brock. Después, cuando ambos vuelven a fusionarse, los dos pasan nuevamente a constituir esa identidad conjunta que los lectores conocen desde finales de los años 80.
Marvel describe así el punto de partida de la nueva colección:
“¡ELLOS SON VENOM! Eddie Brock y Venom vuelven a estar juntos, ¡y qué bien sienta! Después de años separados, una vez más ELLOS SON VENOM, y Eddie no piensa desaprovechar esta oportunidad. Está decidido a convertirse en el anfitrión definitivo para el simbionte y en el héroe que sabe que puede ser”.
Es una solución curiosa porque permite que las dos interpretaciones sean correctas simultáneamente. La criatura alienígena puede llamarse Venom por sí sola, mientras que su unión con Eddie también recibe exactamente el mismo nombre.
Una decisión que divide a los lectores veteranos
Para algunos fans, este pequeño detalle resulta extraño porque el nombre nació asociado a la unión de Eddie Brock con el alienígena. Cuando ambos aparecieron como enemigos de Spider-Man, la gracia del concepto estaba precisamente en esa identidad compartida. No teníamos simplemente a un humano vestido con un organismo extraterrestre: teníamos a dos seres unidos por su resentimiento hacia Peter Parker.
Sin embargo, el universo de los simbiontes ha crecido muchísimo desde aquellas primeras historias. Lo que comenzó conel traje negro que Spider-Man consiguió durante Secret Wars acabó convirtiéndose en toda una mitología extraterrestre con especies, planetas, dioses, descendientes y personajes como Carnage, Toxin o Knull.
En ese contexto resulta cada vez más complicado referirse al protagonista simplemente como “el simbionte”. Hay demasiados. Identificarlo mediante un nombre propio facilita las cosas, especialmente cuando el organismo cambia constantemente de anfitrión.
Marvel encuentra una solución bastante cómoda
Además, Eddie nunca ha sido la única persona que ha llevado esa identidad. Mac Gargan, Flash Thompson o Mary Jane Watson, entre otros personajes, han terminado relacionados de distintas maneras con la criatura, demostrando que su concepto ya no depende exclusivamente del periodista que ayudó a popularizarlo.
La nueva interpretación permite incluso establecer una pequeña diferencia lingüística. Cuando hablamos del organismo independientemente, podemos tratarlo como una entidad individual. Cuando se une a Eddie, recuperamos el famoso plural asociado históricamente al personaje: “nosotros”.
Y ahí está probablemente la parte más inteligente del cambio. Marvel no está borrando completamente lo anterior, sino intentando hacer compatibles varias décadas de historias que no siempre han tratado la identidad de la misma forma.
Eddie Brock recupera el lugar que muchos fans echaban de menos
Más importante todavía será lo que esta aclaración significa narrativamente. Tras sus respectivas aventuras, Brock y su compañero vuelven a compartir cuerpo, una situación que durante años definió al personaje tanto en sus etapas como villano de Spider-Man como en su posterior transformación en antihéroe.
Charles Soule tiene ahora la oportunidad de explorar una relación que ha cambiado enormemente. Eddie ya no es aquel periodista resentido de sus primeras apariciones y el organismo tampoco es simplemente una criatura alienígena obsesionada con Peter Parker. Ambos han vivido suficientes acontecimientos cósmicos como para que su reencuentro tenga un significado bastante diferente.
La cuestión es cuánto durará esta nueva definición. Los cómics de superhéroes llevan décadas demostrando que ninguna regla permanece intocable para siempre, especialmente cuando cambia el equipo creativo. Un futuro guionista podría reinterpretar nuevamente el nombre, recuperar su significado original o inventar una explicación completamente distinta.
Por ahora, Marvel parece haber escogido el camino más sencillo: Venom puede ser tanto el simbionte como la unión entre este y Eddie Brock. Una respuesta que posiblemente no convencerá a todos los lectores, pero que permite mantener intactas buena parte de las versiones anteriores del personaje.
Venom #1 llegará a las tiendas estadounidenses el 14 de octubre de 2026, iniciando la nueva etapa de Charles Soule y Tommaso Bianchi. Y después de tantos cambios de anfitrión, guerras cósmicas y reinvenciones, resulta casi reconfortante comprobar que Eddie y su viejo compañero vuelven a estar donde muchos fans consideran que nunca deberían haberse separado.
La película de Milly Alcock se estrenará en streaming en septiembre, mientras DC ya prepara el regreso de la actriz como Kara Zor-El/Supergirl en Man of Tomorrow
El recorrido cinematográfico de Supergirl no fue el que DC Studios esperaba. La película protagonizada por Milly Alcock terminó recaudando 126,4 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto estimado de entre 170 y 186 millones, por lo que ahora tendrá que buscar una segunda oportunidad entre el público de HBO Max.
La llegada al streaming se producirá poco más de dos meses después del estreno cinematográfico del 26 de junio. De esta forma, quienes no acudieron a las salas tendrán ahora la posibilidad de descubrir la segunda película del nuevo Universo DC de James Gunn desde casa.
Craig Gillespie dirige esta aventura, perteneciente al Capítulo Uno del DCU, Dioses y Monstruos, con Milly Alcock dando vida a Kara Zor-El. La película presenta a una Supergirl muy marcada por su pasado y la sitúa en un viaje por distintos rincones de la galaxia. Su objetivo está relacionado con una cuestión especialmente personal: vengarse del villano que ha hecho daño a Krypto, su inseparable perro.
El reparto se completa con Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham y Jason Momoa, mientras que David Corenswet vuelve a aparecer como Superman.
El problema para la producción llegó en las salas. Aunque las previsiones apuntaban a un debut de entre 40 y 55 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, Supergirl consiguió solamente 38 millones durante su primer fin de semana en ese mercado y alcanzó unos 68 millones a nivel mundial. La situación se agravó todavía más en su segunda semana, cuando la recaudación doméstica se desplomó un 76 %.
Al finalizar su recorrido comercial, la cinta había acumulado los mencionados 126,4 millones de dólares en todo el mundo, una cifra insuficiente para recuperar un presupuesto de producción situado entre 170 y 186 millones.
La recepción tampoco fue unánime. En Rotten Tomatoes, Supergirl cuenta actualmente con un 53 % de aprobación entre los críticos mediante el Tomatometer, mientras que la valoración de los espectadores se sitúa en el 72 % con el Popcornmeter.
Ahora HBO Max se presenta como una nueva oportunidad para la película. El estreno permitirá que Supergirl llegue a una audiencia mucho mayor que la que consiguió atraer durante su permanencia en los cines y, además, lo hará antes de que Milly Alcock vuelva a ponerse el traje de Kara.
La actriz ya tiene asegurado su regreso en Man of Tomorrow, la próxima película de Superman del Universo DC, cuyo estreno está previsto para el 9 de julio de 2027. Por tanto, independientemente de sus resultados en taquilla, el futuro de esta versión de Supergirl dentro del DCU continúa adelante.
La sorpresa llega en Marvel Mangaverse: Web of Blood #1, de Joe Kelly, Jack Kelly y Kenny Ruiz, una historia que recupera uno de los rincones más peculiares del multiverso de Marvel. Allí, Piotr Rasputin ya no se limita a transformar su piel en acero orgánico. Su alma ha terminado vinculada a una gigantesca máquina de combate que convierte al mutante en algo mucho más cercano a un arma de destrucción masiva.
Coloso alcanza un nivel de fuerza prácticamente absurdo
El dato que deja bastante claro hasta dónde ha llegado esta versión aparece durante uno de sus enfrentamientos.Los ataques del nuevo Coloso superan la potencia de “una ojiva atómica de tres megatones”, una descripción que coloca sus golpes dentro de una escala que normalmente asociaríamos con personajes como Hulk.
Su transformación tampoco procede únicamente de tecnología convencional. En este renovado Mangaverse, la magia y la tecnología se han mezclado hasta crear la llamada tecnomancia, una disciplina que permite utilizar dispositivos para canalizar energía mística. El mundo ha cambiado profundamente desde las antiguas historias de Marvel Mangaverse y ahora buena parte de la humanidad está dividida entre quienes dominan la magia de forma natural y quienes recurren a estas herramientas.
Laura Kinney pertenece precisamente al segundo grupo. Esta versión de X-23 utiliza Weapon X-Tremis, una tecnología sobrenatural integrada directamente en su organismo. Cuando la situación se complica, Laura puede convocar a Coloso, cuya alma se encuentra ligada a un mecha experimental conocido como Marvellier Leapordon.
Una transformación que esconde un guiño para los fans de Spider-Man
El nombre y el diseño de esta gigantesca máquina no parecen elegidos al azar. Leapordon es una referencia bastante evidente a Leopardon, el enorme robot utilizado por Spider-Man en la serie japonesa Supaidāman, estrenada en 1978.
Aquella producción japonesa tenía bastante poco que ver con el Spider-Man que conocían los lectores de Marvel. Su protagonista disponía incluso de su propio robot gigante, algo que años después acabaría convirtiéndose en una parte curiosamente importante de la historia del personaje. Leopardon terminó incorporándose oficialmente al multiverso de Marvel, especialmente gracias a las aventuras relacionadas con el Spider-Verse.
La conexión encaja perfectamente dentro del nuevo Mangaverse. Coloso no solo está fusionado con una máquina de enorme poder, sino que la tecnología X-Tremis de Laura potencia todavía más sus capacidades. El resultado es una combinación de ciencia, magia y fuerza bruta en la que incluso resulta complicado saber cuánto queda realmente de Piotr Rasputin dentro de esa estructura mecánica.
Coloso y Juggernaut vuelven a enfrentarse de una forma completamente diferente
Como cabría esperar, semejante aumento de poder necesita un rival a la altura. La respuesta de Marvel ha sido recuperar uno de los enfrentamientos clásicos relacionados con los X-Men: Coloso contra Juggernaut, aunque aquí prácticamente todo ha cambiado.
Illyana Rasputina, Magik y hermana de Piotr, puede invocar criaturas Yokai y una de ellas representa precisamente a esta realidad alternativa de Juggernaut. Su extravagante denominación completa es “Crimson Engine Infinite Battle March Yokai-God Cyttorak”, una reinterpretación que lleva hasta el extremo la relación tradicional del villano con la entidad mística Cyttorak. Laura termina invocando a Coloso para hacer frente a la criatura. Pero detrás de la espectacular pelea hay también un conflicto mucho más personal entre Laura e Illyana. Ambas quieren impedir una futura catástrofe, aunque sus métodos son completamente diferentes.
El nuevo Mangaverse prepara una amenaza mucho mayor
La Tierra de esta realidad sufrió un acontecimiento mágico de proporciones apocalípticas que provocó la aparición de los Yokai y una serie de visiones colectivas sobre una futura destrucción. Ese momento recibió el nombre de The Day of Vision y ha provocado que diferentes grupos intenten evitar el desastre siguiendo estrategias incompatibles.
Illyana acepta utilizar precisamente a las criaturas que están destruyendo el planeta, algo que Laura considera intolerable. Magik, por su parte, todavía guarda resentimiento hacia ella por haber abandonado las enseñanzas de Wong, antiguo mentor de ambas. La tensión alcanza otro nivel cuando descubre que Laura controla una máquina alimentada por el alma de su propio hermano.
El primer número termina insinuando que el temido Día de la Visión podría estar comenzando finalmente, pero la historia no continuará de forma convencional. Marvel repartirá este argumento entre varios especiales conectados.
Marvel Mangaverse apenas acaba de empezar
Tras Web of Blood, la trama continuará en títulos como Iron Knight, Arcane Avengers y Ghostlocke antes de regresar a Laura Kinney, Illyana Rasputina y Miles Morales en Web of Destiny. Eso significa que la nueva transformación de Coloso probablemente sea solo una muestra de lo que Marvel tiene preparado. El regreso del Mangaverse está apostando por rediseñar a héroes conocidos sin demasiados complejos, mezclando conceptos procedentes del manga, los mechas, la fantasía y el propio multiverso de la editorial.
Para Coloso supone además una evolución especialmente llamativa. Desde su debut en 1975, Piotr Rasputin siempre ha representado la fuerza física dentro de los X-Men, pero personajes como Hulk o Juggernaut tradicionalmente han ocupado escalones superiores cuando Marvel quería hablar de auténticos monstruos de potencia.
Esta versión cambia las reglas. Entre su conexión espiritual con el mecha, la tecnomancia de Laura y una fuerza descrita en términos nucleares, el nuevo Coloso parece diseñado directamente para competir entre los pesos pesados de Marvel. Y si Web of Blood sirve de anticipo para lo que viene, el renovado Mangaverse promete ofrecernos unas cuantas transformaciones igual de disparatadas.
Marvel Mangaverse: Web of Blood #1ya está disponible dentro de la nueva línea Mangaverse de Marvel Comics.
La posibilidad parecía poco más que una ocurrencia hasta que HBO Max decidió sumarse al juego aprovechando el estreno y éxito de Lanterns. Después de que Reynolds confesara que aceptaría realizar un cameo en la serie, la plataforma publicó una promoción en redes sociales en la que insertaba al Hal Jordan interpretado por el actor en 2011. No confirma absolutamente nada, claro, pero tampoco es precisamente la clase de broma que ayuda a apagar las especulaciones.
Lanterns podría recuperar al Green Lantern de Ryan Reynolds
Durante la promoción de Mayday, su nueva película para Apple TV junto a Kenneth Branagh, Reynolds fue preguntado por la nueva adaptación televisiva de los Green Lanterns. Su respuesta sorprendió porque no mostró ningún rechazo hacia su pasado dentro de DC. Al contrario, aseguró que estaría encantado de aparecer brevemente en Lanterns.
«Haría totalmente un cameo. Me encantaría», afirmó Reynolds. Una declaración bastante llamativa teniendo en cuenta que durante años el propio actor convirtióGreen Lanternen uno de sus chistes recurrentes, especialmente después de alcanzar un éxito enorme como Deadpool.
Pero Reynolds también quiso desmontar la idea de que su experiencia en aquella película fuese únicamente negativa. El actor considera que Green Lantern fue fundamental para entender cómo quería afrontar sus proyectos posteriores. «Aprendí muchísimo haciendo esa película. Y sé lo que estáis pensando: “Aprendiste lo que no había que hacer…”. En parte, sí. Pero siempre que haces algo de esa magnitud hay lecciones fundamentales que puedes sacar».
El intérprete fue incluso más lejos al señalar que aquella superproducción acabó convirtiéndose indirectamente en uno de los pilares de su carrera. Según explicó, aprendió que disponer de demasiado dinero y demasiado tiempo no necesariamente beneficia a una producción. Para Reynolds, esas limitaciones pueden obligar a encontrar soluciones más creativas.
HBO Max responde a Ryan Reynolds con humor
La reacción de HBO Max no tardó demasiado. La plataforma publicó posteriormente una imagen promocional relacionada con Lanterns en la que aparecía Ryan Reynolds caracterizado como su versión de Hal Jordan, acompañándola únicamente con un mensaje que podía traducirse como «Avistado».
Es difícil interpretar la publicación como algo más que una broma… por ahora. Sin embargo, el simple hecho de que HBO Max haya alimentado públicamente la posibilidad resulta especialmente divertido para los fans, porque la nueva serie ya cuenta con otro Hal Jordan perfectamente establecido y muy diferente al de Reynolds.
En Lanterns, Kyle Chandler interpreta a una versión veterana de Hal Jordan, mientras que Aaron Pierre da vida a John Stewart. La historia apuesta además por un planteamiento bastante alejado de la película de 2011, acercándose más al thriller detectivesco que a la clásica aventura espacial de superhéroes.
La serie coloca a ambos Green Lanterns ante la investigación de un asesinato aparentemente aislado en Rushville, Nebraska. Lo que comienza como un crimen local terminará conduciendo a Jordan y Stewart hacia una amenaza mucho mayor y a secretos capaces de ponerlos frente a algunos de los rincones más oscuros de su universo.
El nuevo universo DC conecta cada vez más personajes
Una posible aparición de Reynolds tampoco tendría por qué transformar al personaje en parte estable de la continuidad. El multiverso y el tono autoconsciente que rodea muchos proyectos actuales permiten prácticamente cualquier tipo de guiño, desde un cameo puramente humorístico hasta una referencia a otra realidad.
Además, Lanterns ya sirve como punto de conexión con otros proyectos del nuevo DCU. Nathan Fillion vuelve como Guy Gardner después de aparecer previamente en Superman, reforzando la intención de DC Studios de construir personajes que puedan desplazarse entre cine y televisión sin necesidad de separar ambos formatos.
El reparto incluye también nombres importantes. Ulrich Thomsen interpreta a Sinestro, uno de los grandes personajes de la mitología de Green Lantern y antiguo mentor de Hal Jordan. Kelly Macdonald encarna a la sheriff Kerry, una figura especialmente relevante dentro del misterio que articula la temporada.
Garret Dillahunt aparece como William Macon, un hombre obsesionado con las teorías de la conspiración, mientras Jason Ritter interpreta a su hijo Billy. Nicole Ari Parker forma igualmente parte del reparto como Bernadette, la madre de John Stewart.
El demandante es Ijaaz Noohu, quien trabajó en la producción de la serie y reclama una indemnización económica de cuantía no especificada. Su demanda incluye acusaciones de acoso sexual y racial, discriminación religiosa, agresión y lesiones, mientras que Amazon MGM Studios y Big Indie Pictures también aparecen señaladas por, supuestamente, no haber actuado ante la situación. Por ahora, se trata de acusaciones recogidas en una demanda civil y no de hechos establecidos por un tribunal.
Ed Brubaker, en el centro de graves acusaciones durante la producción de Criminal
Según lo expuesto en la demanda, Noohu asegura que el comportamiento comenzó poco después de incorporarse al equipo. Entre otras conductas, acusa a Brubaker de realizar comentarios sobre pasarle las manos por el pelo, frotarle la espalda sin consentimiento y hacer bromas relacionadas con la violación. El escrito describe estos episodios como un comportamiento reiterado y no como un incidente aislado.
También se denuncian comentarios que Noohu considera estereotipos raciales y culturales. La demanda menciona referencias al curry, al tópico conocido como “Tiger Mom”, a la serie Yo nunca (Never Have I Ever) y a una supuesta facilidad del asistente para las matemáticas. Las acusaciones abarcan además discriminación por motivos religiosos y de origen.
Pero uno de los episodios descritos en el documento resulta especialmente llamativo. Noohu afirma que Brubaker llegó a apuntarle al rostro con un arma de fuego funcional y accionó el gatillo. Según su versión, un productor de alto rango habría presenciado el incidente, aunque posteriormente habría actuado como si no hubiese visto lo ocurrido.
La demanda también señala al entorno de la serie de Prime Video
Fahim Rahman, abogado de Noohu, sostiene en la demanda que el supuesto episodio del arma mostraría una cultura en la que determinados comportamientos podían quedar sin consecuencias dentro de la producción. Traducidas sus palabras, afirma que el hecho de que alguien con autoridad sobre toda la serie pudiera cometer presuntamente un acto semejante “y que quedara sin control” reflejaría una cultura de impunidad.
La cuestión, por tanto, no afecta únicamente a Ed Brubaker. Amazon MGM Studios y la productora Big Indie Pictures figuran entre las partes demandadas, al considerar Noohu que responsables de la producción habrían permitido que continuase un entorno laboral hostil. En el momento en que se conocieron las informaciones, las partes señaladas no habían ofrecido una respuesta pública a la petición de comentarios realizada por The Hollywood Reporter.
El asunto llega además en un momento especialmente delicado para una producción que Prime Video prepara como uno de sus proyectos criminales más ambiciosos. La intención es construir un universo de historias conectadas inspirado en el trabajo que Brubaker y Sean Phillips llevan desarrollando durante años en las viñetas.
Criminal reúne a un reparto difícil de ignorar
El reparto explica por qué había tanta expectación alrededor del proyecto. Emilia Clarke, Charlie Hunnam, Richard Jenkins, John Hawkes y Adria Arjona encabezan una lista en la que también aparecen Logan Browning, Kadeem Hardison, Pat Healy, Taylor Sele, Aliyah Camacho, Michael Mando, Marvin Jones III, Michael Xavier y Dominic Burgess.
En el apartado creativo, Brubaker ejerce como coshowrunner y productor ejecutivo junto a Jordan Harper, mientras que Sean Phillips, Sarah Carbiener y Phillip Barnett también participan en labores de producción ejecutiva. Ryan Fleck y Anna Boden, responsables de Capitana Marvel, se encargaron además de dirigir los primeros cuatro episodios.
Cuando Amazon MGM anunció oficialmente Criminal, el entusiasmo era considerable. Nick Pepper, responsable del estudio, describió el cómic como una obra muy querida y expresó su confianza en que los espectadores de Prime Video abrazarían rápidamente este universo de crimen. Brubaker también celebró entonces la oportunidad de trasladar a televisión el mundo construido junto a Phillips durante más de una década.
Una polémica que aparece antes incluso del estreno
Precisamente por eso, la demanda introduce una incómoda incógnita alrededor de una serie que todavía tiene pendiente presentarse ante el gran público. No se ha anunciado que estas acusaciones hayan provocado cambios creativos ni que vayan a modificar los planes de estreno, por lo que cualquier consecuencia concreta para Criminal sería por ahora especulativa.
También conviene mantener una distinción fundamental: una demanda contiene la versión y las acusaciones de quien la presenta, pero no equivale a una sentencia. Será el procedimiento judicial el que determine qué puede acreditarse y qué responsabilidad corresponde, en su caso, a cada uno de los demandados.
Mientras tanto, Criminalpasa de ser simplemente una esperada adaptación televisiva del universo creado por Ed Brubaker y Sean Phillips a convertirse en una producción sobre la que inevitablemente pesará esta controversia. Y tratándose de un proyecto que pretendía destacar precisamente por sus complejas historias sobre delitos, poder y consecuencias, la situación fuera de las cámaras resulta especialmente difícil de separar de la conversación que rodeará a la serie.
La serie de Spider-Noir, protagonizada por Nicolas Cage, convenció a crítica y público, pero Prime Video tenía otro problema mucho más difícil de ignorar
La decisión resulta especialmente llamativa porque la serie estaba lejos de haber sido un fracaso en términos tradicionales. Spider-Noir cuenta con un 92% de valoraciones positivas de la crítica y un 90% entre el público en Rotten Tomatoes. A eso hay que sumar 11 nominaciones a los Emmy, aunque prácticamente todas corresponden a apartados técnicos como diseño de producción o edición de sonido.
La cancelación de Spider-Noir esconde un problema de audiencia
El gran enemigo de Spider-Noir no parece haber sido una mala recepción, sino algo mucho más importante para las plataformas actuales: la serie no consiguió mantener la atención del público durante suficiente tiempo. Su estreno funcionó razonablemente bien, pero su presencia entre los contenidos más vistos desapareció demasiado rápido.
Durante su primera semana, la producción llegó hasta el segundo puesto del Top 10 estadounidense de Nielsen entre las series originales. Además, acumuló alrededor de 2.600 millones de minutos reproducidos durante sus primeras seis semanas. Sobre el papel son cifras considerables, aunque Prime Video esperaba aparentemente un rendimiento superior teniendo en cuenta el coste de la producción.
El problema apareció después del impulso inicial. Según Deadline, Spider-Noir cayó rápidamente de los rankings de Prime Video y terminó ofreciendo unas cifras consideradas «respetables, pero no extraordinarias». Para una serie de presupuesto elevado, esa diferencia puede acabar siendo decisiva.
Prime Video buscaba algo más que un buen estreno
Este es uno de los cambios más importantes que ha vivido la televisión durante la era del streaming. Ya no basta necesariamente con conseguir muchos espectadores durante el estreno. Plataformas como Prime Video, Netflix o Disney+ estudian hasta qué punto una producción consigue conservar audiencia durante semanas y si su rendimiento justifica la inversión necesaria para producir nuevas temporadas.
Spider-Noir tuvo además otro elemento jugando en su contra:todos los episodios estuvieron disponibles de golpe. Ese modelo permite hacer maratones, pero también provoca que una serie pueda desaparecer rápidamente de la conversación. Producciones estrenadas semanalmente pueden permanecer durante varias semanas generando debates, teorías y comentarios en redes sociales.
Es precisamente ahí donde la comparación con otras series recientes resulta interesante. Un lanzamiento semanal permite que cada episodio tenga su propio momento, mientras que Spider-Noir concentró buena parte de su impacto en unos pocos días. La falta de ese denominado «staying power», o capacidad para permanecer relevante, habría terminado pesando bastante en la decisión.
Nicolas Cage no consiguió retener a todos los espectadores
También hay indicios de que la curiosidad inicial por Nicolas Cage y esta particular reinterpretación del universo de Spider-Man no logró mantener enganchados a todos los espectadores. ComicBookMovie asegura haber consultado fuentes que apuntan a una caída importante de audiencia después de los dos primeros episodios. La propuesta tampoco era precisamente convencional. La serie trasladaba la acción hasta la Nueva York de los años 30, donde Ben Reilly era presentado como un investigador privado veterano y golpeado por la vida que debía enfrentarse nuevamente a su pasado como superhéroe después de una tragedia personal.
Esa mezcla de detectives, estética noir y superhéroes tenía una identidad muy marcada, pero una propuesta diferente no siempre significa una propuesta capaz de atraer a un público masivo. Algunos fans de Marvel también cuestionaron varias de las libertades tomadas respecto a los cómics originales.
El presupuesto terminó sentenciando a Spider-Noir
La combinación de todos esos elementos terminó generando el escenario menos favorable posible: una serie cara, bien recibida, pero incapaz de producir una audiencia lo suficientemente grande y duradera. Según las informaciones publicadas, ese equilibrio entre coste y rendimiento habría sido el verdadero motivo detrás de la cancelación.
Prime Video habría comparado además su funcionamiento con otros éxitos de su catálogo como Reacher, Off Campus o Ride or Die, producciones capaces de alcanzar cifras superiores o permanecer durante más tiempo entre los contenidos más populares de la plataforma.
No es un fenómeno exclusivo de Spider-Noir. El mercado del streaming está entrando en una etapa en la que las compañías analizan cada vez con mayor atención cuánto cuesta conseguir y mantener a cada espectador. Las buenas críticas pueden ayudar, pero difícilmente compensan un presupuesto elevado cuando los datos internos no acompañan.
El Spider-Noir de Nicolas Cage todavía tiene futuro
La cancelación tampoco significa que Nicolas Cage vaya a despedirse completamente del personaje. El actor tiene previsto volver como la versión animada de Spider-Man Noir en Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, donde retomará el personaje que ya interpretó con enorme popularidad dentro de la saga del Spider-Verse.
Sony continúa además trabajando junto a Amazon en otra serie relacionada con sus personajes Marvel, aunque por ahora no se ha revelado públicamente cuál será ese proyecto. El destino de Spider-Noir sirve, en cualquier caso, como otro recordatorio de lo imprevisible que se ha convertido el streaming.
Porque quizás esa sea la parte más sorprendente de toda esta historia: Spider-Noir no fue cancelada porque la gente la odiara. Gustó, consiguió buenas críticas y recibió reconocimiento de la industria. Simplemente no logró convertirse en el fenómeno prolongado que Prime Video necesitaba para justificar su coste. Y hoy, para muchas series, esa diferencia puede valer más que cualquier puntuación en Rotten Tomatoes.
