La película de The Drifter ya despierta interés en Hollywood
Según informa Deadline, Dmitri M. Johnson, de Story Kitchen, supervisará el desarrollo de la adaptación, mientras que Michael Lawrence Goldberg ejercerá como productor. Timothy I. Stevenson y Elena Sandoval estarán vinculados al proyecto como productores ejecutivos.
Y aparentemente no estamos ante una licencia que haya pasado precisamente desapercibida. Tras hacerse Sony y Story Kitchen con los derechos cinematográficos, varios guionistas y directores habrían presentado sus propias propuestas para trasladar el videojuego a la gran pantalla. Por ahora no se ha anunciado quién escribirá el guion ni quién ocupará la silla de dirección.
Morir es solo el principio de los problemas de Mick Carter
Durante su regreso, Carter presencia un violento asesinato y acaba perseguido por soldados equipados con tecnología avanzada. La huida termina de la peor manera posible: es arrojado a un depósito de agua y muere ahogado. Algo que, en cualquier otra historia, supondría prácticamente el final.
Pero aquí es donde The Drifter empieza realmente a enseñar sus cartas. La conciencia de Mick regresa misteriosamente a su propio cuerpo apenas unos segundos antes de morir, dándole una inquietante segunda oportunidad. El problema es que vuelve acusado del asesinato que había presenciado y con la sospecha de que quizá no regresó solo del otro lado.
A partir de ese momento, la historia introduce corporaciones clandestinas, asesinatos, recuerdos traumáticos y la obsesión milenaria de un hombre, mezclando elementos propios del thriller de conspiraciones con ciencia ficción y terror sobrenatural. Material bastante agradecido para quienes quieran convertirlo en una película sin tener que desmontar completamente el argumento original.
Sony sigue apostando fuerte por las adaptaciones de videojuegos
La llegada de The Drifter tampoco resulta especialmente sorprendente teniendo en cuenta el interés actual de Sony Pictures por convertir propiedades procedentes de los videojuegos en producciones cinematográficas. El estudio tiene previsto estrenar el 18 de septiembre una nueva adaptación de Resident Evil, demostrando que el sector continúa buscando en el videojuego uno de sus grandes viveros de franquicias.
Pero quizá resulte todavía más significativa la participación de Story Kitchen. La compañía mantiene una extensa cartera de adaptaciones de videojuegos actualmente en desarrollo, incluyendo proyectos relacionados con Tomb Raider para Prime Video y Netflix.
The Drifter podría necesitar menos cambios que otros videojuegos
Adaptar videojuegos sigue teniendo una dificultad evidente: jugar una historia y contemplarla durante dos horas son experiencias muy diferentes. Por esa razón, Hollywood suele modificar personajes, tramas, ritmo e incluso conceptos fundamentales cuando una licencia salta de consola u ordenador al cine.
The Drifter parte, sin embargo, con cierta ventaja. Su estructura de thriller narrativo y su estética pulp ya poseen numerosos elementos propios del lenguaje cinematográfico, por lo que los responsables de la adaptación podrían conservar buena parte del argumento sin necesidad de reinventar completamente la propuesta.
De aventura independiente a posible franquicia cinematográfica
El salto resulta especialmente llamativo porque The Drifter nació como un proyecto independiente desarrollado por Powerhoof, lejos de las gigantescas propiedades que Hollywood suele perseguir. Su llegada a Sony demuestra también cómo las productoras están ampliando el radar más allá de sagas multimillonarias como Resident Evil, Tomb Raider o Sonic.
Todavía queda por resolver prácticamente todo lo importante: reparto, director, guionista, fecha de rodaje y posible estreno. La elección de quién adapte la historia será probablemente la primera gran pista sobre el tono de la película, especialmente teniendo en cuenta la peculiar mezcla de misterio, violencia, ciencia ficción y elementos sobrenaturales del original.
El actor asegura que The Batman Parte II ofrecerá una reinterpretación realmente radical del Caballero Oscuro, una descripción especialmente llamativa viniendo de alguien que conoce perfectamente el guion. Reeves ya sorprendió convirtiendo a Bruce Wayne en un personaje casi consumido por su cruzada contra el crimen, pero Pattinson da a entender que aquello podría parecer conservador comparado con lo que está preparando la secuela.
The Batman Parte II será una reinterpretación radical del personaje
Durante una reciente entrevista, Pattinson no escondió su entusiasmo por las decisiones tomadas para la nueva película. Según explicó: «Es increíble. Es un cambio bastante radical en el guion y mola que Warner Bros. y DC lo apoyen. Es una locura. Creo que Matt Reeves es la única persona a la que permitirían hacerlo porque es, literalmente, una reinterpretación realmente radical de Batman. Creo que la gente estará emocionada».
Sus declaraciones tienen todavía más peso porqueReeves trabaja dentro de un universo separado del nuevo DCU de James Gunn, lo que proporciona a la franquicia una libertad considerable para desviarse de algunas convenciones. The Batman ya funcionaba como una versión alternativa del héroe, influenciada por el cine negro, los thrillers criminales y etapas concretas de los cómics, pero sin intentar reproducir ninguna de ellas directamente.
Bruce Wayne podría ser el verdadero centro de la secuela
Matt Reeves lleva tiempo dejando pistas sobre cuál será uno de los grandes objetivos de la película. El director ha adelantado que esta continuación profundizará todavía más en Bruce Wayne, algo especialmente interesante después de que la primera entrega dedicase gran parte de su metraje a Batman y mostrase relativamente poco al multimillonario que existe debajo de la máscara.
La evolución tiene bastante sentido después del final de The Batman. Bruce comenzaba la historia convencido de que debía convertirse en un símbolo de venganza, pero terminaba comprendiendo que Gotham necesitaba algo más que miedo para cambiar. Esa conclusión dejaba abierta una puerta evidente para explorar cómo el personaje puede empezar a relacionarse con la ciudad no solo como vigilante, sino también utilizando la identidad y los recursos de Bruce Wayne.
A eso se suma otra pista lanzada anteriormente por Reeves. El cineasta ha asegurado que su aproximación al villano de la secuela será algo que todavía no hemos visto en una película, una declaración que inevitablemente ha disparado las especulaciones entre los fans.
Las teorías sobre Robin y los villanos están desatadas
Las imágenes y rumores surgidos alrededor del rodaje han alimentado todo tipo de posibilidades. Uno de los elementos que más conversación está generando es la aparición de un niño, personaje cuya identidad todavía no se ha aclarado oficialmente. Entre las teorías más atrevidas incluso se plantea que pueda existir algún vínculo directo con Bruce Wayne o que Reeves esté construyendo su propia aproximación a Robin.
Tampoco faltan candidatos para ocupar el lugar del gran antagonista.Dos Caras, el Fantasma, la Corte de los Búhos y Victor Zsasz son algunos de los nombres que han aparecido alrededor del proyecto. Sin embargo, precisamente las palabras de Pattinson deberían servir para desconfiar de cualquier apuesta demasiado evidente. Si Reeves realmente pretende reinterpretar la mitología de Batman, el resultado podría apartarse considerablemente de lo que conocemos en las viñetas.
La Corte de los Búhos encajaría especialmente bien dentro del mundo presentado hasta ahora. Creada por Scott Snyder y Greg Capullo, esta organización secreta representa la corrupción enquistada durante generaciones entre las familias más poderosas de Gotham, algo compatible con la investigación sobre los Wayne, los Arkham y las élites de la ciudad desarrollada en la primera película.
Matt Reeves tiene libertad para llevar a Batman por otro camino
Precisamente ahí puede encontrarse una de las mayores fortalezas de esta saga. Reeves no necesita conectar cada acontecimiento con una futura película coral, ni preparar automáticamente la llegada de Superman, Wonder Woman u otros personajes. Su Gotham puede seguir creciendo de manera independiente, como demostró también The Penguin al desarrollar el vacío criminal provocado por los acontecimientos de la primera película.
Por ahora, Robert Pattinson volverá a encabezar un reparto en el que también encontramos a Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Colin Farrell, Andy Serkis, Jeffrey Wright, Charles Dance, Jayme Lawson, Gil Perez-Abraham, Sebastian Koch y Brian Tyree Henry. Matt Reeves dirige nuevamente la película y firma el guion junto a Mattson Tomlin.
Habrá que esperar bastante para comprobar hasta qué punto resulta literal esa prometida «reinterpretación radical». The Batman Parte II tiene previsto llegar a los cines el 18 de febrero de 2028, pero después de las palabras de Pattinson queda una cuestión mucho más interesante que descubrir quién será el próximo villano: qué parte de Batman está dispuesto Matt Reeves a cambiar.
Eso podría estar a punto de cambiar. Hasbro está construyendo una nueva estrategia alrededor de los videojuegos tradicionales de gran presupuesto, alejándose parcialmente de la obsesión de la industria por los títulos como servicio. Y entre las propiedades que la compañía quiere convertir en protagonistas aparece inevitablemente Transformers.
El juego AAA de Transformers empieza a tomar forma
La clave está en una inversión bastante seria. Hasbro anunció en mayo de 2026 que destinaría 1.000 millones de dólares —unos 860 millones de euros al cambio aproximado— a reforzar su producción interna de videojuegos. El plan incluye seis estudios, una estructura propia de publicación y varios proyectos destinados a llegar al mercado durante los próximos años.
Esta operación supone un cambio importante para una compañía acostumbrada durante décadas a ceder muchas de sus grandes licencias a desarrolladores externos. Ahora Hasbro pretende controlar de manera mucho más directa la creación de juegos basados en marcas tan potentes como Dungeons & Dragons, Magic: The Gathering y, por supuesto, Transformers.
Chris Cocks, CEO de Hasbro, confirmó además que estas franquicias estarán en el centro de sus planes. Según explicó, la compañía estará desarrollando juegos principalmente alrededor de D&D, Magic y Transformers, aunque también podría aprovechar otras propiedades e incluso apostar ocasionalmente por nuevas ideas.
Hasbro quiere algo más que otro juego como servicio
Lo realmente interesante para los fans de Optimus Prime y Megatron no es únicamente saber que habrá nuevos videojuegos. Hasbro parece haber comprendido que intentar convertir cualquier licencia en un servicio permanente no siempre es la mejor decisión, especialmente cuando la propia naturaleza de una franquicia pide una experiencia tradicional.
Cocks defendió precisamente esa idea al hablar del futuro de la división. Frente a la posibilidad de perseguir constantemente el próximo fenómeno capaz de generar cientos de millones mediante micropagos y actualizaciones, considera que un juego de entre 40 y 50 horas vendido a un precio razonable puede ser una inversión mucho más segura.
El propio ejecutivo explicó así el razonamiento de la empresa: «Si inviertes una cantidad razonable de dinero, das suficiente tiempo a un equipo con talento y haces un juego más tradicional, probablemente no ganarás miles de millones, pero las posibilidades de recuperar al menos la inversión son mucho mayores». Incluso cuando uno de esos proyectos fracasa, señalaba, parte importante del dinero invertido puede recuperarse.
Transformers tiene todo para convertirse en un gran videojuego
Ese planteamiento encaja especialmente bien con una saga como Transformers. Autobots y Decepticons ofrecen prácticamente todo lo que necesita un gran juego de acción moderno: personajes reconocibles, habilidades completamente diferentes, combates a gran escala, transformación instantánea entre robot y vehículo y escenarios capaces de viajar desde la Tierra hasta Cybertron.
La franquicia ya ha demostrado anteriormente que puede funcionar en este terreno. Juegos como Transformers: War for Cybertron y Fall of Cybertron dejaron un recuerdo especialmente bueno entre los jugadores, precisamente porque intentaban aprovechar el universo de los Transformers como algo más que una simple licencia comercial. Desde entonces, muchos fans llevan esperando otro proyecto con una ambición comparable.
Imaginar qué podría hacer actualmente un estudio con presupuesto AAA resulta especialmente tentador. Un mundo amplio que permitiera recorrer Cybertron transformándose en vehículo, campañas diferentes para Autobots y Decepticons o un sistema de combate que explotase las capacidades particulares de cada Transformer son solo algunas posibilidades. La franquicia prácticamente parece diseñada para un videojuego de acción espectacular.
Lo que sí comienza a quedar claro es que Transformers puede encontrarse ante una oportunidad que llevaba demasiado tiempo esperando. Hasbro está invirtiendo dinero, creando estudios y apostando nuevamente por videojuegos completos para un solo jugador o experiencias tradicionales de gran presupuesto. Si esa filosofía termina aplicándose a Optimus Prime y compañía, podríamos estar ante el regreso que muchos jugadores llevan años reclamando.
Porque Transformers nunca ha tenido un problema de potencial. El problema era encontrar el presupuesto, el estudio y la ambición necesarios para aprovecharlo. Esta vez, Hasbro parece dispuesta a poner al menos las dos primeras piezas sobre la mesa. Ahora solo falta comprobar hasta dónde quieren transformar la tercera.
El futuro de Superman vuelve a ponerse en marcha con caras conocidas, diseños renovados y un misterio bastante más oscuro de lo esperado al rededor de La Legión de Superhéroes
Lo interesante es que la nueva Legión todavía no funciona como esa enorme organización superheroica que conocemos de otras encarnaciones. Joshua Williamson y Hayden Sherman están mostrando sus piezas poco a poco, presentando a varios jóvenes antes de que adopten completamente las identidades que los convertirán en leyendas. Eso permite que los nuevos diseños tengan cierto aire provisional, como si estuviéramos observando la construcción del equipo desde dentro.
Entre los primeros personajes aparecen Brainiac 1 de 5 y Tenzil Kem, más conocido como Matter-Eater Lad, que investigan la muerte de Brande en Superlopolis. Brainiac luce un diseño que recuerda ligeramente a alguna de sus versiones de Elseworlds, mientras que Tenzil apuesta por unas gafas amarillas y una combinación cromática que moderniza su aspecto sin hacerlo irreconocible.
Los miembros clásicos regresan con una imagen renovada
El verdadero festival para los fans comienza cuando aparecen algunos de los integrantes clásicos. Garth Ranzz, Ayla Ranzz, Rokk Krinn, Imra Ardeen y Luorno Durgo vuelven con reinterpretaciones bastante reconocibles de sus atuendos tradicionales. También está Dyrk Magz, que apunta a convertirse nuevamente en Magno, ampliando una formación que todavía parece encontrarse en una fase muy temprana.
Saturn Girl tampoco pasa desapercibida. Imra Ardeen luce uno de los trajes predominantemente blancos más marcados que ha tenido el personaje, acompañado de una chaqueta roja que recupera uno de los colores tradicionalmente asociados a ella. Sin embargo, Cosmic Boy posiblemente protagoniza la presentación visual más espectacular: Rokk Krinn utiliza su manipulación magnética para fabricar sobre la marcha una rudimentaria armadura metálica.
Desde Winath hasta Braal, pasando por Titan y la Tierra, el cómic recupera muchos elementos reconocibles de los orígenes clásicos de estos personajes mientras juega con la idea de que todavía no han encontrado su versión definitiva. Algunos combaten el crimen; otros parecen mucho más interesados en meterse en una buena pelea. Todos, sin embargo, comienzan a acercarse lentamente a aquello que los lectores saben que terminarán siendo.
El asesinato de R.J. Brande esconde una sorpresa familiar
La muerte que desencadena toda la historia termina conectando directamente con uno de los futuros legionarios. Mekt Ranzz, hermano de Garth y Ayla, es señalado como el responsable del asesinato de Brande. Para quienes conozcan la historia de la Legión, el nombre resulta especialmente revelador: Mekt es el personaje que terminará convirtiéndose en Lightning Lord, uno de los enemigos clásicos del grupo.
La revelación resulta todavía más inquietante porque Garth admira en cierto modo a su hermano y quiere seguir sus pasos, sin tener ni idea de lo que este ha estado haciendo. Brainiac 1 de 5 acaba viendo imágenes de seguridad donde Mekt aparece matando aparentemente a sangre fría a Brande, introduciendo desde el comienzo un conflicto personal que amenaza con dividir a los hermanos Ranzz.
Lightning Lord complica el futuro de la Legión
Mekt, además, aparece con un aspecto juvenil y llevando el símbolo de la Legión. Esa utilización del emblema plantea inmediatamente dudas sobre sus verdaderas intenciones y sobre quién está moviendo realmente los hilos. En un futuro donde los superhéroes parecen estar fuera de la ley, incluso el concepto de Superboy es tratado como algo cuya existencia puede ponerse en duda.
La presencia de Lightning Lord también deja claro que esta nueva etapa no pretende limitarse a reunir poco a poco a los héroes clásicos, sino que quiere enfrentarles desde el principio a amenazas ligadas directamente con su pasado y con sus propias familias. Eso da a la historia un componente personal que va más allá de la habitual amenaza cósmica.
Brainiac One Million también mueve sus piezas
Y Lightning Lord no es precisamente el único problema esperando en el horizonte. Saturn Girl percibe la amenaza de Brainiac One Million, una versión capaz de llevar la obsesión tradicional de Brainiac todavía más lejos. En lugar de limitarse a coleccionar mundos, este enemigo parece interesado en algo mucho más ambicioso: coleccionar futuros completos.
La nueva etapa cuenta con Joshua Williamson como guionista, Hayden Sherman al dibujo, Tamra Bonvillain al color y Hassan Otsmane-Elhaou como rotulista. Su propuesta busca recuperar elementos clásicos sin limitarse a reproducirlos, utilizando nuevos diseños y relaciones ligeramente reinterpretadas para construir otra vez uno de los grandes pilares cósmicos de DC.
La serie de Disney+, VisionQuest, recuperará a Ultrón y a varias IA conocidas mientras explora cómo la muerte de Tony Stark afectó a FRIDAY y qué futuro le espera al antiguo Vengador
La muerte de Tony Stark en Vengadores: Endgame no solo cambió el destino de Iron Man. También pudo tener consecuencias para una inteligencia artificial que estuvo junto a él hasta sus últimos momentos, y VisionQuest pretende abordar precisamente esa perspectiva.
FRIDAY estaba presente cuando Tony utilizó las Gemas del Infinito contra Thanos y murió poco después debido al esfuerzo. Según Matalas, esta situación será relevante desde el propio episodio piloto. Kerry Condon, que puso voz al personaje, no será quien interprete su versión física en la serie, ya que Orla Brady asumirá ese papel.
Pero FRIDAY no será la única inteligencia artificial que tendrá importancia. VisionQuest recuperará también a JARVIS, EDITH y, sobre todo, a Ultrón, reuniendo a varias de las IA más reconocibles del UCM alrededor de Visión.
La situación de Ultrón resulta especialmente curiosa. Después de ser derrotado en Vengadores: La era de Ultrón, el personaje habría pasado años conectado a diferentes fuentes de información. James Spader ha explicado que su versión del villano ha tenido acceso a internet, televisión e historia, además de dedicar parte de ese tiempo a pintar.
Spader también ha descrito la relación entre Ultrón y Visión como una combinación muy peculiar de vínculos familiares y psicológicos, comparándolos con una relación entre padre e hijo mezclada con una dinámica de terapeuta y psicópata.
Mientras tanto, Visión tendrá que resolver sus propios problemas. La historia comienza con la versión de Visión Blanco que vimos al final de Bruja Escarlata y Visión, después de que fuera reconstruido y utilizado como un arma. Paul Bettany ha adelantado que el personaje comenzará la serie intentando liberarse definitivamente de quienes lo controlaron.
Su objetivo será encontrar un propósito propio una vez recuperada su libertad, algo que podría convertirse en la base de nuevas historias del personaje después de VisionQuest.
La búsqueda de respuestas lo llevará precisamente hacia las inteligencias artificiales que forman parte de su programación. Visión recurrirá a ellas mientras intenta comprender quién es y qué camino debería seguir, pero la situación se complicará cuando una recompensa puesta sobre su cabeza lo obligue a escapar.
En esa huida estará acompañado por Thomas Shepard, un joven cuya identidad podría estar relacionada con el pasado de Visión. La posibilidad de que se trate de una reencarnación de su hijo añade otro misterio a la historia y convierte al muchacho en una pieza fundamental para el protagonista.
A partir de ahí, Visión deberá sobrevivir mientras intenta descubrir qué hay detrás de Thomas, enfrentarse a la influencia de Ultrón y evitar volver a convertirse en un instrumento controlado por otras personas.
VisionQuest llegará a Disney+ el 14 de octubre y supondrá una nueva etapa para Visión, pero también una oportunidad para profundizar en unos personajes artificiales que hasta ahora habían desempeñado principalmente funciones secundarias dentro del UCM.
John Francis Daley y Jonathan Goldstein preparan una película de Star Trek con personajes nuevos y una estructura cercana al tiempo real, tomando como referencias Día de entrenamiento y Marea roja
La idea no consiste en presentar a la Flota Estelar como una organización malvada ni en convertir Star Trek en una historia completamente pesimista. El propio Daley ha explicado a Inverse que el guion parte de la idea de que cualquier institución veterana puede acabar teniendo miembros capaces de ejercer una influencia negativa sobre ella. En este caso, esas “manzanas podridas” podrían llegar a tener suficiente poder como para afectar a aquello que la Flota Estelar representa.
Ese planteamiento adquiere todavía más sentido al conocer las películas que Daley y Goldstein utilizan como referencias. El dúo ha señalado Día de entrenamiento y Marea roja como dos de sus principales puntos de comparación.
Ambas producciones utilizan situaciones de enorme presión para enfrentar a personajes que pertenecen a una misma estructura de poder. Día de entrenamiento muestra a un joven agente de policía descubriendo hasta dónde puede llegar la corrupción de un superior al que se supone que debe respetar, mientras que Marea roja convierte un conflicto entre oficiales de un submarino nuclear en una lucha por determinar quién está tomando la decisión correcta.
Trasladar ese tipo de enfrentamiento a Star Trek permitiría que el conflicto no dependiera necesariamente de un enemigo alienígena o de una amenaza externa. La tensión podría surgir de la propia cadena de mando y de la dificultad de distinguir entre obedecer a una institución y defender los principios sobre los que fue construida.
Y ahí está precisamente uno de los mayores retos del proyecto. La Flota Estelar ha sido presentada tradicionalmente como una representación idealista del futuro: una organización dedicada a explorar, proteger y ampliar el conocimiento. Cuestionar a sus integrantes sin destruir esa visión optimista es, según las declaraciones de Daley, una de las líneas que seguirá la película.
La franquicia ya ha mostrado almirantes corruptos, conspiraciones y disputas ideológicas en distintas ocasiones, por lo que la idea no sería completamente nueva para Star Trek. La diferencia estaría en convertir esas contradicciones internas en el corazón de una película y no en un problema puntual que los protagonistas deben resolver antes de regresar al funcionamiento habitual de la Flota Estelar.
La forma de contar la historia también será diferente. Daley ha revelado que la película transcurrirá “casi en tiempo real”, una decisión que podría hacer que la presión aumente progresivamente a medida que los personajes tengan que tomar decisiones sin apenas margen para escapar de las consecuencias.
El proyecto, además, pretende servir como una nueva puerta de entrada a la franquicia. Los cineastas han indicado que trabajan con personajes completamente nuevos y no quieren que la película dependa de que el espectador conozca toda la continuidad previa de Star Trek. Su intención es crear una historia capaz de atraer tanto a los seguidores veteranos como a quienes nunca se han considerado fans de la saga.
Todavía quedan muchas incógnitas por resolver. No se ha anunciado el reparto, tampoco se conocen los personajes protagonistas ni existe una fecha de estreno o de producción confirmada. La película continúa en desarrollo y, por tanto, algunos de los elementos comentados por sus responsables podrían cambiar durante la escritura del guion.
Por ahora, sin embargo, el planteamiento resulta bastante claro: Daley y Goldstein quieren utilizar una institución fundamental para Star Trek como escenario de un conflicto de autoridad, confianza y principios, pero sin renunciar al optimismo que caracteriza a la franquicia.
La combinación de un relato prácticamente en tiempo real con la tensión de Día de entrenamiento y Marea roja podría convertir a esta nueva película en una de las aproximaciones más diferentes a Star Trek que se hayan llevado al cine.
Todos los actores que han dado vida a Namor en el mundo del cine.
En 1939, el guionista y dibujante Bill Everett creó a Namor McKenzie, el rey de Atlantis, para la aventura titulada Here is the Sub-Mariner!, publicada como la primera historieta del cómic Motion Picture Funnies Weekly nº 1, aunque acabó convirtiéndose en un personaje más de Marvel, como amigo o enemigo según el rumbo de la aventura en cuestión, cuyas características más conocidas son sus sentimientos hacia Sue Richards y el haber militado en diferentes, grupos como los Invasores, el Escuadrón de Vencedores, Los Vengadores, Los Cuatro Fantásticos, Los Illuminatti, Camarilla o X-Men, además de su ya mencionado papel como monarca del mundo submarino.
No es de extrañar, por tanto, que Namor haya acabado dando el salto de las viñetas a la gran pantalla, al igual que otros personajes de La Casa de las Ideas, que es, precisamente, el objeto de análisis de este artículo. tal y como se puede comprobar si continúas con su lectura hasta el final.
Brent Briscoe
Comenzamos nuestro listado con este actor, que interpretó, en la película Spider-Man 2 (2004), a un vagabundo que encontró el traje de hombre araña que Peter Parker había tirado a la basura y se lo entregó a J. Jonah Jameson para que le diera una recompensa (que consistió en cincuenta dólares y una pastilla de jabón). Aunque, en un principio, no parece que eso tenga nada que ver con Namor, la novelización de la película dejaba claro que se trataba de él. Y es que no debemos olvidar que la historia original del personaje nos cuenta qu pasó un tiempo vagabundeando por la superficie, sin recordar su verdadera identidad.
En cualquier caso, se trata de un dato que no deja de resultar curioso, ya que no fue una historia que fuera desarrollada con posterioridad, además de que Spiderman, que nunca ha tenido mucho que ver con Namor, y Los Cuatro Fantásticos aún no pertenecía a un universo compartido en el que este personaje pudiera haber hecho aquí su primer acto de presencia para luego aparecer en un filme de la Primera Familia de Marvel.
Manuel Chávez
Continuamos nuestro repaso con este niño, que se encargó de dar vida a un pequeño Namor en la película Black Panther: Wakanda Forever (2022). Como ya dijimos en su momento, según nos narra el filme, el nombre del personaje corresponde a una abreviatura de la frase “niño sin amor“, que fue cómo lo denominó un soldado que lo encontró, cuando este habitante submarino aún era pequeño, observando la destrucción en el mundo de la superficie, aunque Bill Everett, en realidad, se limitó a escribir al revés la traducción al inglés de la palabra “romano“.
Pese a el poco tiempo que podemos ver a este joven actor en pantalla, no cabe la menor duda de que se tata de una correcta opción a la hora de elegirlo como una versión infantil de Namor.
Ténoch Huerta
Y, como no podía ser de otra forma, terminamos nuestro listado con el actor que ha dado vida a la versión adulta de Namor en la ya citada Black Panther: Wakanda Forever. No obstante, en esta versión del Universo Cinematográfico de Marvel no se trata del rey de Atlantis sino del monarca mutante de Talokan, que es una civilización submarina oculta inspirada en la cultura mesoamericana. Todo parece indicar que el principal motivo de este cambio se debe a que los espectadores no iniciados podrían llegar a confundirse entre este personaje y Aquaman, ya que ambos ostentan el mismo papel en el mundo del noveno arte, lo que no deja de ser una pobre excusa, ya que los lectores de cómics nunca han tenido problemas a la hora de diferenciarlos.
Ya esta confirmado que este actor regresará, al menos en la película Vengadores: Doomsday (que se estrena a finales de este año) en su papel de Namor.
Conclusiones
En este caso no es nada complicado elegir a la mejor versión de Namor, ya que nadie que no se haya leído la versión novelada de Spider-Man 2 podrá identificar a Brent Briscoe en dicho papel, mientras que Manuel Chávez solo lo ha interpretado en su versión infantil, de modo que nos queda Ténoch Huerta, a pesar de que ya hemos comentado que su origen cinematográfico difiere mucho del narrado en los cómics.
Suelo acabar estos artículos recordando que siempre puede llegar una mejor versión del personaje que eclipse a las que ya conocemos. Sin embargo, en el caso concreto de Namor, la cosa se complica porque el personaje acaba de empezar su recorrido en el Universo Cinematográfico de Marvel, de modo que, si sobrevive al reinicio que se llevará a cabo a finales del año que viene, con Vengadores: Secret Wars, lo más probable es que no cuente con un reemplazo en el futuro cercano.
Dark Matter temporada 2 pone a Daniela contra las cuerdas
Daniela queda profundamente afectada por haber matado a otra versión de su marido, mientras Jason, Charlie y ella se ven obligados a abandonar una vez más el lugar que pretendían convertir en su hogar. La familia había escapado del caos de la primera temporada, pero Apple TV parece decidida a demostrar que encontrar a los tuyos era solo la parte sencilla de la historia.
Jennifer Connelly ha explicado que este acontecimiento prácticamente destruye la estabilidad emocional del personaje. «Creo que pone completamente patas arriba su mundo», aseguró la actriz. Daniela siente una enorme culpabilidad, no comprende del todo cómo ha podido llegar hasta ese punto y comienza a cuestionarse qué significa lo que ha hecho.
La familia Dessen descubre que volver a estar junta no basta
Este cambio también permite que Dark Matter profundice mucho más en la familia Dessen. Durante la primera temporada existía una misión bastante clara: Jason debía regresar con Daniela y Charlie después de que otra versión de sí mismo le robara literalmente su vida.
Ahora los tres están juntos, pero eso no significa que puedan volver a comportarse como si nada hubiera ocurrido. El trauma acumulado empieza a pesar sobre cada miembro de la familia, y la convivencia deja de ser ese premio final que parecía representar al terminar la primera temporada.
Encontrar un hogar se convierte en una misión imposible
Joel Edgerton considera que precisamente ahí está una de las grandes diferencias respecto a la primera entrega. Entonces la historia podía parecer tremendamente compleja por todo lo relacionado con universos alternativos y diferentes versiones de los personajes, pero en el fondo Jason tenía un objetivo muy sencillo: regresar con su familia.
La segunda temporada elimina esa certeza. Los Dessen viajan juntos intentando localizar una realidad que pueda resultar suficientemente segura para ellos. «Los vemos intentando encontrar cierta normalidad y emprendiendo una búsqueda como familia para encontrar un lugar que pueda ser seguro», explica Edgerton.
Dark Matter mira ahora debajo de la superficie de sus protagonistas
Y precisamente ahí puede encontrarse uno de los aspectos más interesantes de esta segunda temporada. El multiverso deja de ser solamente una herramienta narrativa para crear mundos sorprendentes y comienza a funcionar como una forma de examinar decisiones, arrepentimientos y relaciones personales.
Hay muchos Jason, pero ninguno es exactamente el mismo
La existencia de múltiples Jason continúa siendo una de las piezas más llamativas de la serie. Edgerton bromea diciendo que al final de la primera temporada prácticamente había «un almacén lleno de Jasons». Muchos proceden de pequeñas desviaciones del protagonista original y algunos estuvieron extraordinariamente cerca de recuperar a Daniela y Charlie.
Sin embargo, llegaron demasiado tarde. La nueva temporada aprovechará precisamente esas posibilidades y contará con episodios centrados en versiones concretas del personaje. Uno de ellos seguirá a un Jason que cree que ya no tiene nada por lo que continuar adelante después de perder su oportunidad de recuperar a la familia.
Uno de los Jason tendrá su propia oportunidad para empezar de nuevo
Edgerton adelanta que lo que ocurre con esa versión termina convirtiéndose en una especie de renacimiento. Para el actor, la historia funciona como una reflexión sobre la capacidad humana para reconstruirse, volver a conectar con otras personas y seguir adelante después de una pérdida.
Interpretar tantas versiones tampoco consiste simplemente en transformar completamente al personaje. El actor explica que las diferencias pueden ser extremadamente pequeñas: cicatrices, ropa, detalles físicos o incluso una goma de determinado color colocada en el dedo ayudaban al equipo a identificar qué Jason aparecía en cada momento.
Las diferencias entre los Jason son mucho más sutiles de lo que parece
Edgerton considera que esa sutileza es fundamental. Al principio podría parecer que interpretar diferentes versiones de un mismo hombre obligaría a construir personalidades completamente opuestas, pero todos siguen siendo esencialmente Jason.
Jason 2 puede dejar de parecer simplemente el villano
La temporada también parece dispuesta a difuminar la frontera entre héroes y antagonistas. Jason 2 comenzó siendo el responsable de desencadenar prácticamente toda la pesadilla, pero las diferentes circunstancias que rodean a cada versión pueden cambiar nuestra percepción de ellas.
Para Edgerton, no son personas completamente distintas, sino individuos que han terminado recorriendo caminos diferentes. Esa perspectiva permite que personajes que parecían claramente definidos durante la primera temporada puedan resultar mucho más ambiguos ahora.
El multiverso sirve para hacer preguntas bastante incómodas
Esa idea representa uno de los grandes atractivos de Dark Matter. La ciencia ficción funciona como espectáculo, pero el multiverso sirve sobre todo para plantear preguntas personales: ¿seguiríamos siendo nosotros mismos después de tomar otra decisión?
Y todavía hay otra cuestión más inquietante. ¿Cuánto tendría que cambiar nuestra vida para convertirnos en alguien capaz de hacer algo que ahora consideramos impensable? La propia Daniela comienza la temporada enfrentándose precisamente a esa pregunta después de cruzar una línea que nunca imaginó atravesar.
El matrimonio de Daniela y Jason afronta su mayor prueba
Por supuesto, queda otro problema todavía más complicado: si el matrimonio puede sobrevivir a todo esto. Connelly reconoce que los propios personajes se hacen esa pregunta durante la temporada. Daniela quiere permanecer junto a Jason y conservar a su familia, pero antes necesita aceptar sus decisiones.
La actriz explica que su personaje intenta curarse, asumir la responsabilidad por lo ocurrido y encontrar una forma de convivir con esta nueva realidad. Sin embargo, también adelanta que la situación podría no quedar completamente resuelta al finalizar esta parte de la historia.
Jason también tendrá que enfrentarse a sus propios fantasmas
Jason tampoco llega precisamente libre de heridas emocionales. Según Edgerton, tiene que superar su sensación de fracaso y dejar atrás su obsesión por esas vidas alternativas que podría haber vivido si hubiese elegido caminos diferentes.
Solo entonces podrá continuar su relación con Daniela de otra manera. Porque uno de los grandes problemas del personaje sigue siendo precisamente esa necesidad de mirar constantemente hacia aquello que pudo ser, algo especialmente peligroso cuando puedes visitar literalmente otras versiones de tu propia existencia.
Hasta un terapeuta tendría problemas con los Dessen
Edgerton terminó incluso imaginando una escena bastante divertida: Jason y Daniela tratando de explicar sus problemas a un terapeuta convencional. Algo comprensible. Intentar resumir que existen innumerables versiones de tu marido y que una de ellas secuestró a otra ya sería complicado.
Si además hay que añadir viajes entre realidades, asesinatos y familias alternativas, cualquier sesión de terapia matrimonial podría descarrilar bastante rápido. El comentario resulta divertido, pero también resume perfectamente hasta qué punto los problemas emocionales de los Dessen nacen de situaciones completamente extraordinarias.
Dark Matter ya no trata solo de escapar del multiverso
Los Dessen han logrado permanecer juntos, pero todavía queda descubrir si después de todo lo ocurrido siguen siendo capaces de reconocerse como la familia que alguna vez fueron. Y quizá esa sea finalmente una pregunta mucho más difícil de responder que encontrar el camino correcto entre miles de universos.
Según la sinopsis oficial, Grace y Rocky tendrán que trabajar juntos frente a un desastre que amenaza la nave, tratando además de conseguir que su valioso cargamento llegue hasta Eridani, el planeta natal del extraterrestre y también el nuevo hogar de Grace. La idea encaja perfectamente con uno de los grandes atractivos del universo creado por Andy Weir: enfrentarse a problemas aparentemente imposibles utilizando ciencia, ingenio y bastante improvisación.
Para Ortiz, regresar al personaje ha supuesto algo más que repetir unas cuantas líneas de diálogo. El actor considera especialmente interesante que los fans puedan relacionarse directamente con Rocky, utilizando además el mismo modelo del personaje empleado en la película.
Rocky vuelve con la misma voz y aspecto de la película
«Volver a interpretar a Rocky para el juego ha sido realmente especial», explicó James Ortiz al hablar del proyecto. «Los fans podrán entrar en el mundo de Project Hail Mary, interactuar con Rocky utilizando el mismo modelo del personaje de la película y vivir una parte completamente nueva de su viaje con Grace».
El tráiler muestra al jugador manipulando objetos y dispositivos dentro de la Hail Mary para descubrir qué está fallando. No bastará con mirar alrededor o seguir una sucesión de escenas predeterminadas. Habrá que investigar averías, probar soluciones y utilizar los recursos disponibles para evitar que la misión termine antes de tiempo.
La ciencia será una herramienta y no simple decoración
Eso significa que la experiencia pretende aprovechar uno de los elementos que hicieron reconocible la obra de Andy Weir, también autor deThe Martian: convertir el razonamiento científico en parte de la aventura. Los jugadores tendrán que diagnosticar problemas y llevar al límite sus conocimientos de ingeniería mientras la situación alrededor de Grace y Rocky continúa deteriorándose.
También será necesario gestionar tanto la nave como su cargamento durante el viaje espacial. Sobre el papel puede sonar como una colección de tareas técnicas, pero precisamente la relación entre ambos protagonistas puede evitar que la experiencia termine convirtiéndose en un simple simulador. Buena parte del encanto de esta historia reside en ver cómo dos seres completamente diferentes encuentran maneras de entenderse y colaborar.
Hay además una razón importante para prestar atención al argumento: esta historia no es una adaptación directa de algún episodio ya conocido. Andy Weir ha escrito específicamente esta nueva aventura para el videojuego, lo que convierte el proyecto en una expansión narrativa del universo y no únicamente en un producto promocional relacionado con la película.
Una extensión del universo pensada para la realidad mixta
La decisión resulta especialmente curiosa porque Project Hail Maryencaja de manera natural con un formato interactivo. Buena parte de su identidad gira alrededor de espacios cerrados, experimentos, herramientas, problemas técnicos y decisiones tomadas bajo presión. Elementos que en una película funcionan como parte del suspense pueden convertirse aquí en acciones realizadas directamente por el jugador.
Por ahora habrá que tener algo de paciencia para comprobar hasta dónde llega esa interacción. Project Hail Mary: Journey Among the Starsse estrenará mundialmente este otoño, aunque sus responsables todavía no han anunciado una fecha concreta de lanzamiento.
Meta Quest 3 y otros dispositivos recibirán la aventura
La experiencia estará disponible para Meta Quest 3, Meta Quest 3S, PICO y dispositivos Android XR, apostando así por varias de las principales plataformas compatibles con realidad virtual y realidad mixta. Los interesados ya pueden añadir el título a su lista de deseos desde la página oficial del estudio.
Lo curioso es que esto no convierte a ninguna de las dos series en una copia de la otra. De hecho, cuanto más se parecen sus secretos, más evidente resulta lo diferentes que son sus formas de contar el fin del mundo. Una apuesta por la tragedia y la opresión casi claustrofóbica; la otra abraza el humor negro, la violencia y una sátira tan desatada como reconocible.
Silo y Fallout esconden secretos demasiado parecidos
El gran cambio llega cuando Siloempieza a levantar definitivamente las alfombras de su propia mitología. El Silo 1 no es simplemente otro refugio dentro del sistema, sino el centro desde el que una élite conocida como los fundadores supervisa lo que ocurre en las demás instalaciones. Y aquí aparece una semejanza difícil de ignorar para cualquiera que haya visto Fallout.
En la adaptación de Prime Video descubrimos que la Cámara 31 guarda ejecutivos de Vault-Tec criogenizados, personas destinadas a despertar periódicamente para controlar el desarrollo de las Cámaras 32 y 33. Silo utiliza una idea sorprendentemente próxima: sus fundadores también pasan por ciclos de sueño criogénico y regresan cuando es necesario intervenir en el gigantesco experimento social construido bajo tierra.
La intención tampoco parece demasiado diferente. Ambos grupos creen tener derecho a decidir cómo debe reconstruirse la humanidad, incluso aunque para conseguirlo deban manipular generaciones enteras. Es esa convicción de estar actuando por un supuesto bien mayor la que termina convirtiendo a los salvadores en algo bastante más inquietante.
El fin del mundo podría no haber sido lo que parecía
La conexión se vuelve todavía más evidente cuando entra en juego el origen del desastre. Fallout lleva años jugando con la posibilidad de que Vault-Tec estuviese dispuesta a provocar una guerra nuclear para controlar el mundo posterior a las bombas, una idea que su adaptación televisiva convirtió en uno de sus grandes misterios.
La temporada 3 de Silo se mueve por un territorio similar. Las nuevas revelaciones apuntan a una conspiración relacionada con explosiones nucleares simuladas para obligar a la población a refugiarse en los silos, poniendo en marcha un plan diseñado para prolongarse durante siglos. Lo que comenzó como una aparente operación para garantizar la supervivencia adquiere así unas implicaciones mucho más oscuras.
Y la manipulación no termina ahí. Los responsables del sistema son capaces de recurrir a medidas extremas para conservar el orden, desde envenenar comunidades enteras hasta introducir sustancias destinadas a alterar o suprimir recuerdos. En ese punto, las diferencias entre un silo y una cámara de Vault-Tec empiezan a ser sorprendentemente pequeñas.
Dos apocalipsis que hablan idiomas completamente distintos
Sin embargo, basta ver unos minutos de cualquiera de las dos producciones para comprobar que su personalidad es radicalmente diferente. Fallout convierte el desastre nuclear en una grotesca caricatura del capitalismo, el consumismo y el optimismo estadounidense, mezclando asesinatos salvajes con anuncios publicitarios y una estética retrofuturista deliberadamente exagerada.
Silo apenas deja espacio para esa clase de humor. Su mundo resulta frío, opresivo y dolorosamente creíble. Incluso quienes ocupan posiciones de poder pueden aparecer como personas atrapadas dentro de un mecanismo institucional que lleva generaciones funcionando, en lugar de simples villanos moviendo los hilos desde una oficina. Ese matiz cambia profundamente el mensaje. Mientras Fallout dispara contra el capitalismo corporativo utilizando a Vault-Tec como representación llevada al extremo, Silo explora cómo una estructura autoritaria puede erosionar lentamente la identidad, la memoria y la empatía de quienes viven dentro de ella.
Silo y Fallout demuestran por qué el género todavía tiene mucho que ofrecer
Las historias sobre sociedades posteriores al apocalipsis no son precisamente escasas. Durante décadas, el cine, la televisión y los videojuegos han imaginado refugios subterráneos, gobiernos autoritarios, pandemias, guerras nucleares y pequeños grupos de humanos intentando reconstruir aquello que ellos mismos destruyeron.
Precisamente por eso resulta especialmente meritorio que Silo y Fallout hayan conseguido construir universos reconocibles con personalidad propia. La serie protagonizada por Rebecca Ferguson utiliza el misterio como motor narrativo y va desmontando poco a poco las certezas de Juliette y del espectador. Su funcionamiento recuerda en ocasiones a grandes rompecabezas televisivos como Lost, aunque aquí existe una clara intención de ir proporcionando respuestas.
Fallout, en cambio, parte de décadas de videojuegos y aprovecha todo ese legado para construir una versión televisiva que conserva el humor macabro, la brutalidad y el extraño encanto retrofuturista de Bethesda. Su mundo admite monstruos, mutaciones y situaciones deliberadamente absurdas que desentonarían completamente dentro del tono mucho más contenido de Silo.
Y posiblemente ahí esté la clave. Las coincidencias entre ambas series son cada vez mayores, pero sus objetivos siguen siendo distintos. Las dos hablan de élites que manipulan a supervivientes encerrados bajo tierra, experimentos sociales y verdades cuidadosamente enterradas. Sin embargo, una lo convierte en una tragedia humana mientras la otra lo transforma en una sátira feroz.
Después de la temporada 3, comparar Silo con Fallout ya no parece simplemente un juego entre fans de la ciencia ficción. Las similitudes forman parte de algunas de las revelaciones más importantes de la serie de Apple TV, aunque su tratamiento siga demostrando que dos historias pueden partir de ideas sorprendentemente próximas y terminar ofreciendo experiencias completamente diferentes.
