Supergirl busca una segunda oportunidad en HBO Max tras su decepcionante paso por los cines

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La película de Milly Alcock se estrenará en streaming en septiembre, mientras DC ya prepara el regreso de la actriz como Kara Zor-El/Supergirl en Man of Tomorrow

El recorrido cinematográfico de Supergirl no fue el que DC Studios esperaba. La película protagonizada por Milly Alcock terminó recaudando 126,4 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto estimado de entre 170 y 186 millones, por lo que ahora tendrá que buscar una segunda oportunidad entre el público de HBO Max.

La plataforma ha confirmado que Supergirl estará disponible para sus suscriptores a partir del jueves 10 de septiembre de 2026. Dos días después, el sábado 12, la película también llegará a la programación de HBO a las 20:00 horas de la costa este de Estados Unidos. Ese mismo día se incorporará a HBO Max una versión en lengua de signos americana (ASL), interpretada por Catalene Sacchetti.

La llegada al streaming se producirá poco más de dos meses después del estreno cinematográfico del 26 de junio. De esta forma, quienes no acudieron a las salas tendrán ahora la posibilidad de descubrir la segunda película del nuevo Universo DC de James Gunn desde casa.

Craig Gillespie dirige esta aventura, perteneciente al Capítulo Uno del DCU, Dioses y Monstruos, con Milly Alcock dando vida a Kara Zor-El. La película presenta a una Supergirl muy marcada por su pasado y la sitúa en un viaje por distintos rincones de la galaxia. Su objetivo está relacionado con una cuestión especialmente personal: vengarse del villano que ha hecho daño a Krypto, su inseparable perro.

El reparto se completa con Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham y Jason Momoa, mientras que David Corenswet vuelve a aparecer como Superman.

El problema para la producción llegó en las salas. Aunque las previsiones apuntaban a un debut de entre 40 y 55 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, Supergirl consiguió solamente 38 millones durante su primer fin de semana en ese mercado y alcanzó unos 68 millones a nivel mundial. La situación se agravó todavía más en su segunda semana, cuando la recaudación doméstica se desplomó un 76 %.

Al finalizar su recorrido comercial, la cinta había acumulado los mencionados 126,4 millones de dólares en todo el mundo, una cifra insuficiente para recuperar un presupuesto de producción situado entre 170 y 186 millones.

La recepción tampoco fue unánime. En Rotten Tomatoes, Supergirl cuenta actualmente con un 53 % de aprobación entre los críticos mediante el Tomatometer, mientras que la valoración de los espectadores se sitúa en el 72 % con el Popcornmeter.

Ahora HBO Max se presenta como una nueva oportunidad para la película. El estreno permitirá que Supergirl llegue a una audiencia mucho mayor que la que consiguió atraer durante su permanencia en los cines y, además, lo hará antes de que Milly Alcock vuelva a ponerse el traje de Kara.

La actriz ya tiene asegurado su regreso en Man of Tomorrow, la próxima película de Superman del Universo DC, cuyo estreno está previsto para el 9 de julio de 2027. Por tanto, independientemente de sus resultados en taquilla, el futuro de esta versión de Supergirl dentro del DCU continúa adelante.

Marvel convierte a Coloso en una auténtica bestia y su nueva fuerza ya juega en la liga de Hulk

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El mítico X-Men estrena una transformación que mezcla magia, tecnología y una sorprendente referencia al universo de Spider-Man

Hay personajes de Marvel a los que resulta complicado imaginar mucho más poderosos. Coloso lleva décadas siendo uno de los pesos pesados de los X-Men, pero su última transformación demuestra que siempre existe margen para exagerar un poco más. Y en esta ocasión Marvel ha decidido hacerlo a lo grande: nuevo cuerpo, nueva apariencia y una fuerza capaz de competir con algunos de los seres más devastadores de su universo.

La sorpresa llega en Marvel Mangaverse: Web of Blood #1, de Joe Kelly, Jack Kelly y Kenny Ruiz, una historia que recupera uno de los rincones más peculiares del multiverso de Marvel. Allí, Piotr Rasputin ya no se limita a transformar su piel en acero orgánico. Su alma ha terminado vinculada a una gigantesca máquina de combate que convierte al mutante en algo mucho más cercano a un arma de destrucción masiva.

Coloso alcanza un nivel de fuerza prácticamente absurdo

El dato que deja bastante claro hasta dónde ha llegado esta versión aparece durante uno de sus enfrentamientos. Los ataques del nuevo Coloso superan la potencia de “una ojiva atómica de tres megatones”, una descripción que coloca sus golpes dentro de una escala que normalmente asociaríamos con personajes como Hulk.

Su transformación tampoco procede únicamente de tecnología convencional. En este renovado Mangaverse, la magia y la tecnología se han mezclado hasta crear la llamada tecnomancia, una disciplina que permite utilizar dispositivos para canalizar energía mística. El mundo ha cambiado profundamente desde las antiguas historias de Marvel Mangaverse y ahora buena parte de la humanidad está dividida entre quienes dominan la magia de forma natural y quienes recurren a estas herramientas.

Laura Kinney pertenece precisamente al segundo grupo. Esta versión de X-23 utiliza Weapon X-Tremis, una tecnología sobrenatural integrada directamente en su organismo. Cuando la situación se complica, Laura puede convocar a Coloso, cuya alma se encuentra ligada a un mecha experimental conocido como Marvellier Leapordon.

Una transformación que esconde un guiño para los fans de Spider-Man

El nombre y el diseño de esta gigantesca máquina no parecen elegidos al azar. Leapordon es una referencia bastante evidente a Leopardon, el enorme robot utilizado por Spider-Man en la serie japonesa Supaidāman, estrenada en 1978.

Aquella producción japonesa tenía bastante poco que ver con el Spider-Man que conocían los lectores de Marvel. Su protagonista disponía incluso de su propio robot gigante, algo que años después acabaría convirtiéndose en una parte curiosamente importante de la historia del personaje. Leopardon terminó incorporándose oficialmente al multiverso de Marvel, especialmente gracias a las aventuras relacionadas con el Spider-Verse.

La conexión encaja perfectamente dentro del nuevo Mangaverse. Coloso no solo está fusionado con una máquina de enorme poder, sino que la tecnología X-Tremis de Laura potencia todavía más sus capacidades. El resultado es una combinación de ciencia, magia y fuerza bruta en la que incluso resulta complicado saber cuánto queda realmente de Piotr Rasputin dentro de esa estructura mecánica.

Coloso y Juggernaut vuelven a enfrentarse de una forma completamente diferente

Como cabría esperar, semejante aumento de poder necesita un rival a la altura. La respuesta de Marvel ha sido recuperar uno de los enfrentamientos clásicos relacionados con los X-Men: Coloso contra Juggernaut, aunque aquí prácticamente todo ha cambiado.

Illyana Rasputina, Magik y hermana de Piotr, puede invocar criaturas Yokai y una de ellas representa precisamente a esta realidad alternativa de Juggernaut. Su extravagante denominación completa es “Crimson Engine Infinite Battle March Yokai-God Cyttorak”, una reinterpretación que lleva hasta el extremo la relación tradicional del villano con la entidad mística Cyttorak. Laura termina invocando a Coloso para hacer frente a la criatura. Pero detrás de la espectacular pelea hay también un conflicto mucho más personal entre Laura e Illyana. Ambas quieren impedir una futura catástrofe, aunque sus métodos son completamente diferentes.

El nuevo Mangaverse prepara una amenaza mucho mayor

La Tierra de esta realidad sufrió un acontecimiento mágico de proporciones apocalípticas que provocó la aparición de los Yokai y una serie de visiones colectivas sobre una futura destrucción. Ese momento recibió el nombre de The Day of Vision y ha provocado que diferentes grupos intenten evitar el desastre siguiendo estrategias incompatibles.

Illyana acepta utilizar precisamente a las criaturas que están destruyendo el planeta, algo que Laura considera intolerable. Magik, por su parte, todavía guarda resentimiento hacia ella por haber abandonado las enseñanzas de Wong, antiguo mentor de ambas. La tensión alcanza otro nivel cuando descubre que Laura controla una máquina alimentada por el alma de su propio hermano.

El primer número termina insinuando que el temido Día de la Visión podría estar comenzando finalmente, pero la historia no continuará de forma convencional. Marvel repartirá este argumento entre varios especiales conectados.

Marvel Mangaverse apenas acaba de empezar

Tras Web of Blood, la trama continuará en títulos como Iron Knight, Arcane Avengers y Ghostlocke antes de regresar a Laura Kinney, Illyana Rasputina y Miles Morales en Web of Destiny. Eso significa que la nueva transformación de Coloso probablemente sea solo una muestra de lo que Marvel tiene preparado. El regreso del Mangaverse está apostando por rediseñar a héroes conocidos sin demasiados complejos, mezclando conceptos procedentes del manga, los mechas, la fantasía y el propio multiverso de la editorial.

Para Coloso supone además una evolución especialmente llamativa. Desde su debut en 1975, Piotr Rasputin siempre ha representado la fuerza física dentro de los X-Men, pero personajes como Hulk o Juggernaut tradicionalmente han ocupado escalones superiores cuando Marvel quería hablar de auténticos monstruos de potencia.

Esta versión cambia las reglas. Entre su conexión espiritual con el mecha, la tecnomancia de Laura y una fuerza descrita en términos nucleares, el nuevo Coloso parece diseñado directamente para competir entre los pesos pesados de Marvel. Y si Web of Blood sirve de anticipo para lo que viene, el renovado Mangaverse promete ofrecernos unas cuantas transformaciones igual de disparatadas.

Marvel Mangaverse: Web of Blood #1 ya está disponible dentro de la nueva línea Mangaverse de Marvel Comics.

Ryan Reynolds vuelve a acercarse a Green Lantern y HBO Max ya juega con su cameo en Lanterns

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Una broma de HBO Max ha reabierto una puerta que muchos fans de DC y Ryan Reynolds daban por cerrada desde hace años

Hay películas que sus protagonistas intentan olvidar y otras que, con los años, terminan convirtiéndose casi en una broma privada con el público. Ryan Reynolds lleva más de una década riéndose de Green Lantern, pero parece que su relación con Hal Jordan está entrando en una fase bastante más amistosa. Tanto, que el actor ya no descarta volver a ponerse —aunque solo sea durante unos segundos— cerca del anillo verde.

La posibilidad parecía poco más que una ocurrencia hasta que HBO Max decidió sumarse al juego aprovechando el estreno y éxito de Lanterns. Después de que Reynolds confesara que aceptaría realizar un cameo en la serie, la plataforma publicó una promoción en redes sociales en la que insertaba al Hal Jordan interpretado por el actor en 2011. No confirma absolutamente nada, claro, pero tampoco es precisamente la clase de broma que ayuda a apagar las especulaciones.

Lanterns podría recuperar al Green Lantern de Ryan Reynolds

Durante la promoción de Mayday, su nueva película para Apple TV junto a Kenneth Branagh, Reynolds fue preguntado por la nueva adaptación televisiva de los Green Lanterns. Su respuesta sorprendió porque no mostró ningún rechazo hacia su pasado dentro de DC. Al contrario, aseguró que estaría encantado de aparecer brevemente en Lanterns.

«Haría totalmente un cameo. Me encantaría», afirmó Reynolds. Una declaración bastante llamativa teniendo en cuenta que durante años el propio actor convirtió Green Lantern en uno de sus chistes recurrentes, especialmente después de alcanzar un éxito enorme como Deadpool.

Pero Reynolds también quiso desmontar la idea de que su experiencia en aquella película fuese únicamente negativa. El actor considera que Green Lantern fue fundamental para entender cómo quería afrontar sus proyectos posteriores. «Aprendí muchísimo haciendo esa película. Y sé lo que estáis pensando: “Aprendiste lo que no había que hacer…”. En parte, sí. Pero siempre que haces algo de esa magnitud hay lecciones fundamentales que puedes sacar».

El intérprete fue incluso más lejos al señalar que aquella superproducción acabó convirtiéndose indirectamente en uno de los pilares de su carrera. Según explicó, aprendió que disponer de demasiado dinero y demasiado tiempo no necesariamente beneficia a una producción. Para Reynolds, esas limitaciones pueden obligar a encontrar soluciones más creativas.

HBO Max responde a Ryan Reynolds con humor

La reacción de HBO Max no tardó demasiado. La plataforma publicó posteriormente una imagen promocional relacionada con Lanterns en la que aparecía Ryan Reynolds caracterizado como su versión de Hal Jordan, acompañándola únicamente con un mensaje que podía traducirse como «Avistado».

Es difícil interpretar la publicación como algo más que una broma… por ahora. Sin embargo, el simple hecho de que HBO Max haya alimentado públicamente la posibilidad resulta especialmente divertido para los fans, porque la nueva serie ya cuenta con otro Hal Jordan perfectamente establecido y muy diferente al de Reynolds.

En Lanterns, Kyle Chandler interpreta a una versión veterana de Hal Jordan, mientras que Aaron Pierre da vida a John Stewart. La historia apuesta además por un planteamiento bastante alejado de la película de 2011, acercándose más al thriller detectivesco que a la clásica aventura espacial de superhéroes.

La serie coloca a ambos Green Lanterns ante la investigación de un asesinato aparentemente aislado en Rushville, Nebraska. Lo que comienza como un crimen local terminará conduciendo a Jordan y Stewart hacia una amenaza mucho mayor y a secretos capaces de ponerlos frente a algunos de los rincones más oscuros de su universo.

El nuevo universo DC conecta cada vez más personajes

Una posible aparición de Reynolds tampoco tendría por qué transformar al personaje en parte estable de la continuidad. El multiverso y el tono autoconsciente que rodea muchos proyectos actuales permiten prácticamente cualquier tipo de guiño, desde un cameo puramente humorístico hasta una referencia a otra realidad.

Además, Lanterns ya sirve como punto de conexión con otros proyectos del nuevo DCU. Nathan Fillion vuelve como Guy Gardner después de aparecer previamente en Superman, reforzando la intención de DC Studios de construir personajes que puedan desplazarse entre cine y televisión sin necesidad de separar ambos formatos.

El reparto incluye también nombres importantes. Ulrich Thomsen interpreta a Sinestro, uno de los grandes personajes de la mitología de Green Lantern y antiguo mentor de Hal Jordan. Kelly Macdonald encarna a la sheriff Kerry, una figura especialmente relevante dentro del misterio que articula la temporada.

Garret Dillahunt aparece como William Macon, un hombre obsesionado con las teorías de la conspiración, mientras Jason Ritter interpreta a su hijo Billy. Nicole Ari Parker forma igualmente parte del reparto como Bernadette, la madre de John Stewart.

La adaptación de Criminal de Prime Video queda bajo una sombra incómoda tras una demanda contra Ed Brubaker

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Un antiguo asistente de producción acusa al creador de acoso, discriminación y una inquietante conducta durante el rodaje de Criminal

Hay una ironía difícil de ignorar alrededor de Criminal. La adaptación de uno de los cómics negros más celebrados de las últimas décadas todavía no ha llegado a Prime Video y, sin embargo, su producción se encuentra ahora rodeada por un conflicto judicial bastante más serio que cualquier ficción. Ed Brubaker, cocreador del cómic y uno de los responsables de trasladarlo a televisión, ha sido demandado por un antiguo asistente de producción.

El demandante es Ijaaz Noohu, quien trabajó en la producción de la serie y reclama una indemnización económica de cuantía no especificada. Su demanda incluye acusaciones de acoso sexual y racial, discriminación religiosa, agresión y lesiones, mientras que Amazon MGM Studios y Big Indie Pictures también aparecen señaladas por, supuestamente, no haber actuado ante la situación. Por ahora, se trata de acusaciones recogidas en una demanda civil y no de hechos establecidos por un tribunal.

Ed Brubaker, en el centro de graves acusaciones durante la producción de Criminal

Según lo expuesto en la demanda, Noohu asegura que el comportamiento comenzó poco después de incorporarse al equipo. Entre otras conductas, acusa a Brubaker de realizar comentarios sobre pasarle las manos por el pelo, frotarle la espalda sin consentimiento y hacer bromas relacionadas con la violación. El escrito describe estos episodios como un comportamiento reiterado y no como un incidente aislado.

También se denuncian comentarios que Noohu considera estereotipos raciales y culturales. La demanda menciona referencias al curry, al tópico conocido como “Tiger Mom”, a la serie Yo nunca (Never Have I Ever) y a una supuesta facilidad del asistente para las matemáticas. Las acusaciones abarcan además discriminación por motivos religiosos y de origen.

Pero uno de los episodios descritos en el documento resulta especialmente llamativo. Noohu afirma que Brubaker llegó a apuntarle al rostro con un arma de fuego funcional y accionó el gatillo. Según su versión, un productor de alto rango habría presenciado el incidente, aunque posteriormente habría actuado como si no hubiese visto lo ocurrido.

La demanda también señala al entorno de la serie de Prime Video

Fahim Rahman, abogado de Noohu, sostiene en la demanda que el supuesto episodio del arma mostraría una cultura en la que determinados comportamientos podían quedar sin consecuencias dentro de la producción. Traducidas sus palabras, afirma que el hecho de que alguien con autoridad sobre toda la serie pudiera cometer presuntamente un acto semejante “y que quedara sin control” reflejaría una cultura de impunidad.

La cuestión, por tanto, no afecta únicamente a Ed Brubaker. Amazon MGM Studios y la productora Big Indie Pictures figuran entre las partes demandadas, al considerar Noohu que responsables de la producción habrían permitido que continuase un entorno laboral hostil. En el momento en que se conocieron las informaciones, las partes señaladas no habían ofrecido una respuesta pública a la petición de comentarios realizada por The Hollywood Reporter.

criminal ed brubaker

El asunto llega además en un momento especialmente delicado para una producción que Prime Video prepara como uno de sus proyectos criminales más ambiciosos. La intención es construir un universo de historias conectadas inspirado en el trabajo que Brubaker y Sean Phillips llevan desarrollando durante años en las viñetas.

Criminal reúne a un reparto difícil de ignorar

El reparto explica por qué había tanta expectación alrededor del proyecto. Emilia Clarke, Charlie Hunnam, Richard Jenkins, John Hawkes y Adria Arjona encabezan una lista en la que también aparecen Logan Browning, Kadeem Hardison, Pat Healy, Taylor Sele, Aliyah Camacho, Michael Mando, Marvin Jones III, Michael Xavier y Dominic Burgess.

En el apartado creativo, Brubaker ejerce como coshowrunner y productor ejecutivo junto a Jordan Harper, mientras que Sean Phillips, Sarah Carbiener y Phillip Barnett también participan en labores de producción ejecutiva. Ryan Fleck y Anna Boden, responsables de Capitana Marvel, se encargaron además de dirigir los primeros cuatro episodios.

criminal ed brubaker

Cuando Amazon MGM anunció oficialmente Criminal, el entusiasmo era considerable. Nick Pepper, responsable del estudio, describió el cómic como una obra muy querida y expresó su confianza en que los espectadores de Prime Video abrazarían rápidamente este universo de crimen. Brubaker también celebró entonces la oportunidad de trasladar a televisión el mundo construido junto a Phillips durante más de una década.

Una polémica que aparece antes incluso del estreno

Precisamente por eso, la demanda introduce una incómoda incógnita alrededor de una serie que todavía tiene pendiente presentarse ante el gran público. No se ha anunciado que estas acusaciones hayan provocado cambios creativos ni que vayan a modificar los planes de estreno, por lo que cualquier consecuencia concreta para Criminal sería por ahora especulativa.

También conviene mantener una distinción fundamental: una demanda contiene la versión y las acusaciones de quien la presenta, pero no equivale a una sentencia. Será el procedimiento judicial el que determine qué puede acreditarse y qué responsabilidad corresponde, en su caso, a cada uno de los demandados.

Mientras tanto, Criminal pasa de ser simplemente una esperada adaptación televisiva del universo creado por Ed Brubaker y Sean Phillips a convertirse en una producción sobre la que inevitablemente pesará esta controversia. Y tratándose de un proyecto que pretendía destacar precisamente por sus complejas historias sobre delitos, poder y consecuencias, la situación fuera de las cámaras resulta especialmente difícil de separar de la conversación que rodeará a la serie.

Spider-Noir se queda sin temporada 2 y el verdadero motivo de su cancelación no son las críticas

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La serie de Spider-Noir, protagonizada por Nicolas Cage, convenció a crítica y público, pero Prime Video tenía otro problema mucho más difícil de ignorar

Tener buenas críticas, el respaldo de buena parte del público e incluso varias nominaciones a los Emmy ya no parece suficiente para sobrevivir en el competitivo mundo del streaming. Prime Video ha cancelado Spider-Noir después de una única temporada, poniendo fin a las posibilidades de volver a ver a Nicolas Cage resolviendo otro caso como este peculiar héroe arácnido.

La decisión resulta especialmente llamativa porque la serie estaba lejos de haber sido un fracaso en términos tradicionales. Spider-Noir cuenta con un 92% de valoraciones positivas de la crítica y un 90% entre el público en Rotten Tomatoes. A eso hay que sumar 11 nominaciones a los Emmy, aunque prácticamente todas corresponden a apartados técnicos como diseño de producción o edición de sonido.

La cancelación de Spider-Noir esconde un problema de audiencia

El gran enemigo de Spider-Noir no parece haber sido una mala recepción, sino algo mucho más importante para las plataformas actuales: la serie no consiguió mantener la atención del público durante suficiente tiempo. Su estreno funcionó razonablemente bien, pero su presencia entre los contenidos más vistos desapareció demasiado rápido.

Durante su primera semana, la producción llegó hasta el segundo puesto del Top 10 estadounidense de Nielsen entre las series originales. Además, acumuló alrededor de 2.600 millones de minutos reproducidos durante sus primeras seis semanas. Sobre el papel son cifras considerables, aunque Prime Video esperaba aparentemente un rendimiento superior teniendo en cuenta el coste de la producción.

Spider-Noir

El problema apareció después del impulso inicial. Según Deadline, Spider-Noir cayó rápidamente de los rankings de Prime Video y terminó ofreciendo unas cifras consideradas «respetables, pero no extraordinarias». Para una serie de presupuesto elevado, esa diferencia puede acabar siendo decisiva.

Prime Video buscaba algo más que un buen estreno

Este es uno de los cambios más importantes que ha vivido la televisión durante la era del streaming. Ya no basta necesariamente con conseguir muchos espectadores durante el estreno. Plataformas como Prime Video, Netflix o Disney+ estudian hasta qué punto una producción consigue conservar audiencia durante semanas y si su rendimiento justifica la inversión necesaria para producir nuevas temporadas.

Spider-Noir tuvo además otro elemento jugando en su contra: todos los episodios estuvieron disponibles de golpe. Ese modelo permite hacer maratones, pero también provoca que una serie pueda desaparecer rápidamente de la conversación. Producciones estrenadas semanalmente pueden permanecer durante varias semanas generando debates, teorías y comentarios en redes sociales.

Es precisamente ahí donde la comparación con otras series recientes resulta interesante. Un lanzamiento semanal permite que cada episodio tenga su propio momento, mientras que Spider-Noir concentró buena parte de su impacto en unos pocos días. La falta de ese denominado «staying power», o capacidad para permanecer relevante, habría terminado pesando bastante en la decisión.

Nicolas Cage no consiguió retener a todos los espectadores

También hay indicios de que la curiosidad inicial por Nicolas Cage y esta particular reinterpretación del universo de Spider-Man no logró mantener enganchados a todos los espectadores. ComicBookMovie asegura haber consultado fuentes que apuntan a una caída importante de audiencia después de los dos primeros episodios. La propuesta tampoco era precisamente convencional. La serie trasladaba la acción hasta la Nueva York de los años 30, donde Ben Reilly era presentado como un investigador privado veterano y golpeado por la vida que debía enfrentarse nuevamente a su pasado como superhéroe después de una tragedia personal.

Esa mezcla de detectives, estética noir y superhéroes tenía una identidad muy marcada, pero una propuesta diferente no siempre significa una propuesta capaz de atraer a un público masivo. Algunos fans de Marvel también cuestionaron varias de las libertades tomadas respecto a los cómics originales.

El presupuesto terminó sentenciando a Spider-Noir

La combinación de todos esos elementos terminó generando el escenario menos favorable posible: una serie cara, bien recibida, pero incapaz de producir una audiencia lo suficientemente grande y duradera. Según las informaciones publicadas, ese equilibrio entre coste y rendimiento habría sido el verdadero motivo detrás de la cancelación.

Prime Video habría comparado además su funcionamiento con otros éxitos de su catálogo como Reacher, Off Campus o Ride or Die, producciones capaces de alcanzar cifras superiores o permanecer durante más tiempo entre los contenidos más populares de la plataforma.

No es un fenómeno exclusivo de Spider-Noir. El mercado del streaming está entrando en una etapa en la que las compañías analizan cada vez con mayor atención cuánto cuesta conseguir y mantener a cada espectador. Las buenas críticas pueden ayudar, pero difícilmente compensan un presupuesto elevado cuando los datos internos no acompañan.

El Spider-Noir de Nicolas Cage todavía tiene futuro

La cancelación tampoco significa que Nicolas Cage vaya a despedirse completamente del personaje. El actor tiene previsto volver como la versión animada de Spider-Man Noir en Spider-Man: Beyond the Spider-Verse, donde retomará el personaje que ya interpretó con enorme popularidad dentro de la saga del Spider-Verse.

Sony continúa además trabajando junto a Amazon en otra serie relacionada con sus personajes Marvel, aunque por ahora no se ha revelado públicamente cuál será ese proyecto. El destino de Spider-Noir sirve, en cualquier caso, como otro recordatorio de lo imprevisible que se ha convertido el streaming.

Porque quizás esa sea la parte más sorprendente de toda esta historia: Spider-Noir no fue cancelada porque la gente la odiara. Gustó, consiguió buenas críticas y recibió reconocimiento de la industria. Simplemente no logró convertirse en el fenómeno prolongado que Prime Video necesitaba para justificar su coste. Y hoy, para muchas series, esa diferencia puede valer más que cualquier puntuación en Rotten Tomatoes.

Atari y Activision vuelven a hacer historia casi 50 años después con unos cartuchos que disparan la nostalgia

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La inesperada alianza entre Atari y Activision recupera clásicos como Pitfall! y River Raid, aunque las ediciones más completas no serán precisamente baratas

Hubo un tiempo en el que abandonar Atari para crear videojuegos por cuenta propia parecía poco menos que una rebelión. Casi medio siglo después, aquella ruptura histórica ha terminado dando una vuelta completa: Atari y Activision vuelven a encontrarse alrededor de los mismos cartuchos que ayudaron a transformar para siempre la industria del videojuego. El resultado es Atari x Activision Collection, una nueva línea de lanzamientos físicos que recuperará algunos de los títulos más conocidos de Activision para utilizarlos tanto en las consolas originales como en sistemas actuales compatibles.

Atari x Activision Collection recupera una historia que comenzó con una ruptura

Para comprender por qué esta colaboración tiene algo de reconciliación histórica hay que regresar hasta 1979. David Crane, Alan Miller, Bob Whitehead y Larry Kaplan abandonaron Atari después de mostrarse descontentos con el trato que recibían como programadores y decidieron emprender un camino que terminaría cambiando las reglas del juego.

De aquella salida nació Activision, considerada la primera gran desarrolladora externa capaz de publicar videojuegos para una consola fabricada por otra compañía. Su éxito demostró que los fabricantes de hardware no tenían por qué controlar todo el catálogo de sus máquinas, abriendo una puerta que hoy resulta fundamental para entender PlayStation, Xbox, Nintendo o prácticamente cualquier plataforma moderna.

Pitfall!, River Raid y otros clásicos volverán al formato físico

La nueva colección reúne inicialmente 12 videojuegos clásicos de Activision, entre los que aparecen nombres tan reconocibles como Pitfall!, River Raid, Kaboom! y H.E.R.O.. No serán simples descargas digitales ni emulaciones escondidas dentro de otra recopilación: Atari vuelve a apostar directamente por el cartucho.

Estos lanzamientos serán compatibles con el hardware Atari original y con las nuevas Atari 2600+ y Atari 7800+, dos sistemas concebidos precisamente para combinar la nostalgia del formato físico con componentes actuales. Cada lanzamiento estándar ronda los 30 euros al cambio, así que completar una colección amplia puede convertirse rápidamente en un pequeño agujero para el bolsillo.

Las ediciones Deluxe llevan el coleccionismo a otro nivel

Para quienes consideran que un simple cartucho no es suficiente, Atari prepara cuatro recopilaciones Deluxe denominadas Treasure, Speed, Secrets y Victory. Entre todas suman 39 juegos y añaden objetos de coleccionismo como parches y pines, reforzando una estrategia claramente orientada al público más entregado al videojuego retro.

El precio también deja claro quién es el destinatario: cada caja Deluxe ronda los 215 euros al cambio. Estamos, por tanto, bastante lejos de una compra casual para recordar durante un rato cómo era jugar a Pitfall! durante los primeros años de las consolas domésticas.

La colección completa roza los 900 euros

Todavía queda un escalón más. Atari comercializará una Complete Collection que reúne todo el proyecto y cuyo precio original en Estados Unidos alcanza los 999,96 dólares, aproximadamente 862 euros al cambio. Una cifra que convierte esta colección directamente en material para coleccionistas especialmente comprometidos.

A cambio, Atari incluirá además un objeto misterioso que todavía no ha sido revelado. Teniendo en cuenta el precio del conjunto, cuesta no imaginar algo bastante especial dentro del paquete. Un simple pin extra probablemente no sería suficiente para convencer a quien acaba de dejarse prácticamente el presupuesto de una consola de gama alta en videojuegos lanzados originalmente hace décadas.

Atari recuerda a los desarrolladores que cambiaron el negocio

Matt Burnett, vicepresidente de hardware de Atari, ha aprovechado el anuncio para recordar precisamente aquella ruptura que dio origen a Activision. “En 1979, un grupo de programadores de Atari se propuso demostrar que los grandes juegos podían proceder de creadores independientes y acabó cambiando la industria para siempre”, explica el directivo.

Burnett añade que “Atari x Activision Collection devuelve ese legado a la vida a través de los propios juegos”, dando a los fans la posibilidad de experimentar, coleccionar y preservar el trabajo de unos desarrolladores que ayudaron a establecer un nuevo modelo para la industria del videojuego.

Mucho más que otra recopilación de juegos retro

El atractivo del proyecto no reside únicamente en volver a jugar a títulos que han sido reeditados en numerosas ocasiones. Recuperar el cartucho como objeto físico cambia completamente la propuesta, especialmente ahora que Atari dispone de máquinas modernas capaces de leer formatos clásicos sin obligar a tener conectado al televisor un hardware fabricado hace más de cuatro décadas.

También abre una posibilidad bastante más interesante: explorar juegos menos evidentes del catálogo histórico de Activision. Títulos como Dragonfire, Laser Gates o Moonsweeper podrían tener una segunda oportunidad si la colaboración continúa creciendo y Atari decide mirar más allá de los éxitos que siempre aparecen en las recopilaciones retro.

Una alianza que podría rescatar auténticas rarezas

La nostalgia funciona cuando devuelve recuerdos, pero resulta mucho más atractiva cuando sirve para rescatar videojuegos que habían quedado atrapados en catálogos prácticamente olvidados. Pitfall! y River Raid forman parte inevitable de la historia del videojuego, pero los verdaderos tesoros pueden encontrarse precisamente entre aquellos cartuchos que nunca tuvieron el mismo reconocimiento.

La Atari x Activision Collection demuestra al menos que las barreras corporativas y de licencias que durante años han mantenido separados determinados catálogos pueden superarse. Ahora queda comprobar si este peculiar reencuentro se limita a una espectacular celebración para coleccionistas o si se convierte en el principio de algo bastante más grande.

La guerra de Vietnam (1945-1975) en el cómic

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La guerra de Vietnam ha sido representada de forma recurrente en el cómic, no tanto del conflicto contra la metrópoli colonial (1945-1954), como la de la reunificación del país contra los EE. UU. (1965-1975)

Pocas guerras del siglo XX han dejado una huella cultural comparable a la de Vietnam. Los helicópteros Huey sobrevolando la jungla, las patrullas que no saben dónde se encuentra el enemigo… todo ello aderezado con música rock, corresponsales de guerra, protestas universitarias y veteranos forman parte de un imaginario convertido prácticamente en un género propio.

El enemigo ya no era siempre fácilmente reconocible y la victoria tampoco. El soldado podía ser simultáneamente héroe y víctima. Los mandos podían equivocarse. Las instituciones podían mentir y regresar a casa no significaba necesariamente que la guerra hubiese terminado.

Las guerras de Vietnam

Pero la historia comienza mucho antes de la llegada de los soldados estadounidenses. Para comprenderla hay que remontarse al siglo XIX, cuando Francia comenzó a construir su imperio colonial en el sudeste asiático. Además, en aquel primer episodio aparece un protagonista que normalmente desaparece de los relatos sobre Vietnam: España.

A mediados del siglo XIX, la mayor parte de los actuales territorios vietnamitas se encontraba bajo la dinastía Nguyen y constituía un espacio sobre el que las potencias europeas habían comenzado a mostrar un creciente interés. La persecución de los misioneros católicos proporcionó a Napoleón III un argumento para intervenir.

El asesinato en 1857 del obispo español José María Díaz Sanjurjo se convirtió en uno de los detonantes de la expedición militar que Francia utilizó para apoderarse del territorio vietnamita. La expedición franco-española contra la Cochinchina iniciada en 1858, tenía tropas españolas, la mayoría de ellas procedían del archipiélago filipino.

Francia fue consolidando sus conquistas hasta crear la Indochina francesa, formada esencialmente por los territorios de los actuales Vietnam, Laos y Camboya. Durante las primeras décadas del siglo XX fue creciendo un nacionalismo vietnamita que acabaría encontrando en Ho Chi Minh a su figura internacional más conocida.

Francia fue derrotada por Alemania en 1940 y Japón extendió su dominio por el sudeste asiático. La Indochina francesa quedó sometida a una compleja convivencia entre la administración colonial francesa y el poder militar japonés hasta que, la derrota japonesa abrió un vacío de poder.

En septiembre de 1945 se proclamó en Hanói la independencia de la República Democrática de Vietnam, pero sin la aprobación de Francia, que mandó tropas e inició la guerra. Las fuerzas independentistas dirigidas por el Viet Minh se convirtieron en una pesadilla militar para Francia.

El desenlace llegó en Dien Bien Phu, en 1954. Los franceses establecieron una gran posición fortificada esperando atraer y destruir allí a las fuerzas vietnamitas. El general Vo Nguyen Giap hizo exactamente lo contrario de lo esperado y rodeó la posición, trasladó su artillería por terrenos que los franceses consideraban prácticamente impracticables y sometió a la guarnición a un largo asedio. El 7 de mayo cayó el bastión francés.

Los acuerdos de Ginebra pusieron fin al dominio colonial francés y establecieron los países de Laos, Camboya y, provisionalmente, dos zonas separadas por el paralelo 17, al norte la República Democrática de Vietnam, comunista, con capital en Hanói. Al sur, el Estado de Vietnam, con capital en Saigón, anticomunista.

Para Washington, Vietnam era una pieza dentro del tablero mundial de la Guerra Fría. La teoría del dominó sostenía que la caída de un país bajo un gobierno comunista podía provocar sucesivamente la caída de sus vecinos. Tras China, Corea y Vietnam del Norte, Washington temía una expansión comunista por todo el sudeste asiático.

Estados Unidos comenzó enviando asesores, dinero y material al gobierno de Vietnam del Sur. En 1965 comenzaron a llegar masivamente tropas de combate estadounidenses. El Viet Cong operaba mediante guerrillas en Vietnam del Sur mientras el ejército norvietnamita podía trasladar hombres y suministros utilizando una compleja red logística conocida como la ruta Ho Chi Minh a través de Camboya.

Los norteamericanos, pese a ganar las batallas, comenzó a perder la guerra en la opinión pública, las pantallas de televisión y en las calles de Estados Unidos. En 1973 Estados Unidos retiró sus fuerzas de combate. Dos años después, las tropas norvietnamitas entraron en Saigón. El 30 de abril de 1975 la guerra había terminado.

Los cómics de la guerra de Indochina

El cirujano de Dien Bien Phu e Indochina, son dos de los cómics de esta guerra que han aparecido en el mercado español narrando el conflicto entre la metrópoli francesa y los guerrilleros del Viet Minh.

Indochina, publicado por Norma Editorial de Jean-Pierre Pécau, Maza y Fernández, narra la contienda desde el punto de vista del piloto Armand Baverel, un antiguo piloto militar expulsado del ejército, quien tendrá una segunda oportunidad en el sudeste asiático.

Por otra parte, El cirujano de Dien Bien Phu, también de Jean-Pierre Pécau, esta vez acompañado por Vladimir Davidenko y publicado por Cartem Cómics, narra la historia de del médico militar Jacques Gindrey, que es trasladado a esa base militar donde tendrá que trabajar sin descanso en la que será su última campaña en Indochina.

Los héroes de Marvel “nacidos” en Vietnam

Hoy se asocia a Tony Stark con conflictos ficticios, Afganistán o amenazas cósmicas, pero el Iron Man original nació en Vietnam. Tony Stark apareció por primera vez en Tales of Suspense #39, publicado por Marvel en marzo de 1963. En aquella versión, Stark era un industrial y fabricante de armamento estadounidense que viajaba al sudeste asiático para demostrar sus nuevas tecnologías militares.

Stark resulta gravemente herido y es capturado. Un fragmento de metralla queda incrustado cerca de su corazón. Strark se ve obligado a fabricar armas para sus captores, pero secretamente construye junto al científico Ho Yinsen una armadura que mantiene su corazón funcionando y le permite escapar.

El Iron Man de 1963 es una cápsula cultural de la Guerra Fría. Tony Stark representa inicialmente la confianza estadounidense en la ciencia, la industria y la superioridad tecnológica. Frente a la amenaza comunista, la respuesta es una máquina todavía más poderosa.  

Si Iron Man representa el Vietnam tecnológico de la Guerra Fría, El Castigador representa sus fantasmas. Frank Castle apareció originalmente como antagonista de Spiderman en The Amazing Spider-Man #129 en 1974. El antihéroe marvelita por excelencia era un vigilante que consideraba insuficientes los métodos de los superhéroes convencionales y estaba dispuesto a matar a los criminales.

Iron Man

Castle era un veterano de la guerra de Vietnam, lo cual proporcionaba una explicación cultural inmediata para comprender quién era aquel hombre. Durante los años setenta y ochenta, el veterano de Vietnam se convirtió en un arquetipo recurrente de la cultura popular estadounidense. El cine haría lo mismo con personajes como John Rambo.

El Castigador no actúa como un superhéroe convencional porque, en muchos sentidos, sigue comportándose como un soldado que reconoce a sus objetivos, planifica las operaciones, estudia el armamento, prepara las emboscadas y utiliza tácticas militares. Castle divide el mundo entre amenazas que deben ser neutralizadas y personas que deben ser protegidas.

El Castigador fue representado en varios escenarios de la guerra en el sudeste asiático, en el cual distintas historias ampliarían su pasado vietnamita, hasta el punto de que Marvel recopiló varias de ellas bajo el significativo título de Punisher Invades The ’Nam.

Serían Garth Ennis y Darick Robertson quienes llevaría esta idea mucho más lejos en El Castigador: Nacimiento. La historia se sitúa en 1971 donde Castle es un capitán de los Marines y se encuentra destinado en una posición cada vez más abandonada mientras la retirada estadounidense comienza a resultar inevitable. Frank no sería simplemente un buen hombre transformado por una tragedia posterior, quizá dentro de él hay una parte que necesita la guerra.

Pelotón

Ennis acompañado por Goran Parlov volvió sobre el personaje años después en El Castigador. El pelotón. Aquí Frank Castle es más joven, durante su primera experiencia de mando en Vietnam. La guerra deja de funcionar como un simple antecedente biográfico y se convierte en una especie de laboratorio moral.

En El Castigador: La caza de Furia, Garth Ennis regresó nuevamente a Vietnam para reunir a Nick Furia y Frank Castle. Furia ha sido capturado por el Viet Cong y conoce secretos cuya revelación podría causar graves daños a los Estados Unidos, por ello la CIA decide enviar a Castle a matarlo.

El planteamiento muestra hasta qué punto Vietnam continúa funcionando como un territorio narrativo para explorar la zona más oscura del universo Marvel con operaciones clandestinas, secretos de Estado, soldados sacrificables y decisiones que difícilmente encajan en el heroísmo tradicional.

The ’Nam el Vietnam sin superhéroes

Si existe una colección imprescindible para hablar de Vietnam en el cómic estadounidense es The ’Nam. Marvel comenzó a publicarla en 1986. Su principal guionista inicial, Doug Murray, había servido personalmente en Vietnam; Michael Golden fue el dibujante de los primeros números y Larry Hama, también veterano de esa guerra, fue el editor.

El primer número presenta al joven Ed Marks llegando a Vietnam después de su instrucción militar. Su primera patrulla funciona como una puerta de entrada para el lector, porque Marks sabe aproximadamente tan poco de aquella guerra como quien abre el cómic.

The ’Nam quería mostrar cómo era estar allí y cada número avanzaría aproximadamente un mes en la vida de los personajes. Vietnam dejaba así de ser el escenario y se convertía en el protagonista. La colección podía permitirse que una patrulla terminase sin victoria, que un personaje desapareciera porque había terminado su periodo de servicio o que una muerte no tuviera ningún significado especial.

DC y el difícil encaje de Vietnam

La editorial tenía una enorme tradición de cómic bélico, donde personajes como el sargento Rock habían convertido la Segunda Guerra Mundial en un territorio habitual de las viñetas; pero precisamente ahí estaba el problema, esa contienda permitía construir un relato heroico mucho más cómodo que Vietnam, que no proporcionaba esa seguridad moral.

En 2006 el sello adulto de DC, Vertigo (Planeta en España), publicó El otro bando, una miniserie de cinco números escrita por Jason Aaron y dibujada por Cameron Stewart con un planteamiento magnífico por su sencillez.

Bill Everette es un joven estadounidense que termina convertido en marine, mientras que Vo Binh Dai es un joven norvietnamita que se incorpora al ejército de su país. La narración avanza alternativamente siguiendo a ambos. Los uniformes e ideologías son diferentes, pero el miedo es extraordinariamente parecido.

Jason Aaron construye una historia con ambos como protagonistas, por lo que el recurso obliga al lector a cambiar constantemente de perspectiva. Ambos creen inicialmente en determinados ideales e irán descubriendo progresivamente la realidad del combate.

Vietnam sin capas y perspectivas más realistas del conflicto

Fuera de las grandes editoriales estadounidenses hay obras como El último día en Vietnam, de Will Eisner, publicado por Norma Editorial. Este cómic es una obra costumbrista donde el autor se centra en los combatientes rasos, con sus problemas y miedos.

De esa misma editorial es necesario resaltar Blazing Combat, donde varios autores narraban la realidad del combate en el país asiático. El proyecto de Archie Goodwin y Jim Warren que mostraba los horrores de la guerra, fueron boicoteados por los militares y grandes mayoristas en los años 60 del siglo XX.

Motofumi Kobayashi mostró las operaciones de la guerra en su obra Vietnam War, publicada por Glénat, en la cual, además de la historia se cuenta con muchos detalles sobre las batallas, junto con mapas de operaciones y gráficos.

En La guerra de Quarry de Max Allan Collins, Szymon Kudranski y Edu Menna, publciado por Cartem Cómics, el autor alterna dos momentos de la vida de Quarry, su servicio como francotirador de los Marines en Vietnam en 1969 y su actividad como asesino a sueldo en Estados Unidos en 1972, donde ambas tramas terminan confluyendo, con especial interés en las secuelas morales de la guerra.

Bomb Road y Misty Mission, ambos de Michel Koeniguer publicados por Norma Editorial, narran dos aspectos de la guerra. El primero muestra la contienda desde la perspectiva de la aviación estadounidense. Un veterano coronel de los Marines recuerda sus misiones aéreas sobre Vietnam, destacando la representación del combate aéreo y la experiencia de los pilotos.

En Misty Mission, la trama sigue a dos amigos de la infancia destinados en Vietnam. Nicholas como piloto y Joshua como un infante. El contraste permite contemplar simultáneamente la guerra desde el aire y desde la jungla, pero también sus consecuencias psicológicas y las dificultades para regresar posteriormente a la vida civil.

El cómic ofrece una perspectiva especialmente interesante. Vietnam apareció en las viñetas mientras la guerra todavía se estaba desarrollando y décadas después regresó convertido en un trauma y objeto de revisión. Incluso algunos de los personajes más conocidos de Marvel nacieron vinculados al conflicto.

La guerra podía presentarse mediante un lenguaje relativamente sencillo de democracia contra totalitarismo, héroes contra villanos. Vietnam resultaba mucho más difícil de contar, porque la propia sociedad estadounidense dejó de ponerse de acuerdo sobre qué significaba aquella guerra y las viñetas comenzaron a reflejarlo.

Un nuevo rumor de Vengadores: Doomsday apunta a un final devastador y varias sorpresas

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Una supuesta filtración del argumento de Vengadores: Doomsday revela cómo terminaría la película, incluyendo una gran batalla contra Doom, un giro relacionado con Steve Rogers y dos escenas poscréditos

Una nueva filtración relacionada con Vengadores: Doomsday está dando mucho que hablar al anticipar prácticamente el desenlace de la película. El material describe una conclusión a gran escala en la que los héroes del multiverso se enfrentan directamente a Doctor Doom y que serviría además para preparar el escenario de Secret Wars.

Según esta versión, el enfrentamiento definitivo tendría lugar en Latveria. Allí, numerosos héroes unirían fuerzas para enfrentarse al ejército de Doombots de Doom. Deadpool participaría en la batalla junto a personajes como el Spider-Man de Tom Holland, y Capitana Marvel.

Doom, sin embargo, tendría preparados sus propios combatientes. Entre ellos aparecería una especie de variante de Hulk que acabaría enfrentándose a La Cosa, mientras el resto de héroes intenta sobrevivir al ataque.

La batalla también tendría una víctima especialmente importante. Bucky Barnes moriría a manos de Doctor Doom, en una de las muertes más relevantes de toda la película. La pérdida de Bucky se produciría antes del colapso definitivo del multiverso y tendría un peso especial para los héroes que sobrevivan al enfrentamiento.

El final de Doomsday sería precisamente la desaparición del multiverso tal y como se conoce. Pero, en lugar de cerrar la historia, el final mostraría la nueva realidad de Doom: Battleworld.

En esa nueva realidad, Victor von Doom ocuparía una posición de poder absoluto y estaría acompañado por una versión de Sue Storm convertida en su esposa, además de Franklin y Valeria, que pasarían a formar parte de su familia. De esta manera, la película establecería una versión de Battleworld inspirada en los acontecimientos de los cómics y dejaría preparada directamente la historia de Secret Wars.

La situación sería todavía más extraña por la presencia de varios personajes que terminarían sirviendo a Doom. Namor y una adaptación de los Thor Corps (formada por los guerreros del Valhalla que luchan en la batalla final) estarían entre sus aliados, mientras que Steve Rogers aparecería bajo una identidad completamente distinta: Capitán HYDRA.

Otra imagen especialmente llamativa de la filtración mostraría a Doom sentado en su trono mientras a su alrededor pueden verse restos de lugares fundamentales para los héroes, entre ellos partes de la Torre de los Vengadores y del Edificio Baxter. La escena serviría como representación visual de la destrucción de las antiguas realidades y del dominio de Doom sobre lo que queda del multiverso.

Y todavía habría más sorpresas después de los créditos.

La primera escena poscréditos mostraría que Lobezno y el Spider-Man de Tobey Maguire han conseguido sobrevivir a la destrucción del multiverso. Ambos conservarían sus recuerdos, lo que podría convertirlos en piezas importantes para Secret Wars.

La segunda escena sería todavía más misteriosa. En ella aparecería Wanda Maximoff, la Bruja Escarlata, acompañada por otros héroes. El rumor relaciona este regreso con la supuesta participación de Elizabeth Olsen en el rodaje de Secret Wars, aunque tampoco existe confirmación oficial de que esta escena vaya a formar parte de Doomsday.

Por ahora, todo esto debe tratarse como una filtración y no como información confirmada. La cantidad de detalles que contiene hace imposible determinar desde fuera cuáles podrían proceder realmente de la película y cuáles son simplemente invenciones creadas para hacerse pasar por información filtrada.

Lo que sí está confirmado es que Vengadores: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, con Joe y Anthony Russo nuevamente a cargo de la dirección.

Los 2 futuros proyectos cinematográficos en live-action de Hanna Barbera

Hanna Barbera ya tiene planeados dos nuevas películas live-action de famosos personajes de dibujos animados.

Como ya comentamos en su momento, son muchos los personajes animados de Hanna Barbera que han logrado dar el salto desde la pequeña pantalla para ser llevados al mundo del séptimo arte en las salas de cine, pero no solo en el terreno de la animación sino también en el live-action, aunque hay que reconocer que con mayor acierto en algunos caso que en otros.

No obstante, en los últimos años, esta tendencia parece haberse ralentizado un poco, aunque eso no significa que haya sido olvidada del todo, ya que están empezando a correr rumores, con bastante fundamento, de que dos nuevos películas protagonizadas por personajes populares de Hanna Barbera podrían llegar a la gran pantalla para convertir en personajes de carne y hueso a inolvidables caricaturas con las que todos hemos disfrutado en nuestra infancia, tal y como puedes llegar a comprobar si continúas con la lectura de este artículo hasta el final.

Bam-Bam

Los Picapiedra comenzó como una serie de animación de Hanna Barbera que, con un total de seis temporadas, consiguió mantenerse en antena entre 1960 y 1966. Sus protagonistas principañes eran dos matrimonios de la Edad de Piedra (aunque bastante modernizada, la verdad) formados por Pedro y Wilma Picapiedra y Pablo y Betty Mármol. Este espacio televisivo cosechó el éxito necesario para contar con diversas adaptaciones posteriores, tanto en formato doméstico como cinematográfico, además de dar el salto a otros medios, lo que les ha permitido seguir estando tan vigentes hoy en día como en la década de los sesenta.

Por fin, en 1994, Hanna Barbera sacó a la luz la primera película live-action de estos personajes, bajo el título de Los Picapiedra, que contó con una especie de precuela en el año 2000, aunque con un elenco completamente diferente, llamada Los Picapiedra en: Viva Rock Vegas, por lo que queda patente que Pedro, Pablo y sus esposas ya cuentan con su propio recorrido en este formato. Sin embargo, la cosa no termina ahí, ya que se avecina algo que hasta ahora se encontraba en territorio inexplorado.

Y es que, mientras que en las dos películas mencionadas en el párrafo anterior eran los dos matrimonios los que llevaban la voz cantante, este nuevo filme de Hanna Barbera contaría con Bam-Bam como personaje principal, por lo que suponemos que también contaremos con la presencia de Pebbles. Al hijo adoptivo de Pablo y Betty ya lo hemos visto, encarnado por los hermanos Hlynur y Marinó Sigurðsson, en el largometraje de los noventa, pero aquí se trataría de su versión adulta, un concepto que ya se ha utilizado tanto en versiones animadas como en cómics, pero que nunca había dado el salto al live-action.

La película de este conocido personaje de Hanna Barbera aún no tiene fecha de estreno ni protagonista elegido. No obstante, teniendo en cuenta que la va a desarrollar General Admission, que es el nombre de la productora de Ryan Gosling, y este actor está en el candelero desde que eclipsó a la propia Margot Robbie en la versión live-action de Barbie (2023), no sería de extrañar que él fuera el actor que acabara dando vida a Bam-Bam, tal y como se rumorea por las redes, en las que ya circulan imágenes del estilo de la que acompaña a este apartado del artículo.

Los Supersónicos

Y damos el salto del pasado al futuro con la serie que lleva por título Los Supersónicos, que vio la luz durante tres temporadas retransmitidas entre los años 1962 y 1963. Sus personajes principales son George Jetson (Super Sónico), su mujer Jane Jetson (Ultra Sónico), la hija Judy Jetson (Lucero Sónico), el hijo Elroy Jetson (Cometín Sónico) y Rosie (Robotina), que es la criada arttificial de la familia. Aunque en menor medida, su éxito también dio lugar a continuaciones en diferentes formatos, destacando los de series y películas.

A pesar de que Hanna Barbera creó a Los Supersónicos como una versión futurista de Los Picadiedra, la verdad es que sus personajes nunca han contado con una versión live-action, pero eso es algo que podría estar a punto de cambiar, ya que parece ser que se está trabajando en un largometraje con actores de carne y hueso que se encargará de contar las vivencias de George Jetson y su familia.

No obstante, estos simpáticos personajes de Hanna Barbera todavía tendrán que esperar algún tiempo para que eso suceda, ya que no está previsto que su película vea la luz hasta después del 2027, aunque, en este caso, sí que sabemos algo sobre el reparto, ya que las noticias que se tienen al respecto son que Jim Carrey podría encargarse de dar vida a George Jetson, tal y como se puede ver en la imagen superior de este apartado del artículo.

Power Rangers cambia el destino de Kimberly Hart más de 30 años después

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La Ranger Rosa descubre que dejar atrás el equipo no significó encontrar para siempre su lugar en el mundo

Durante décadas parecía que Kimberly Hart había encontrado el camino perfecto después de abandonar los Power Rangers. Mientras sus antiguos compañeros continuaban ligados a monstruos, invasiones y amenazas relacionadas con la Red de Morphin, ella había tomado una decisión mucho más personal: dejar el traje de Ranger Rosa para perseguir su sueño como gimnasta profesional. Más de treinta años después de su debut televisivo, los cómics han decidido explorar qué ocurrió realmente con aquella nueva vida. Mighty Morphin Power Rangers #3, publicado por BOOM! Studios, recupera a una Kimberly adulta y ofrece una visión bastante más compleja de una de las despedidas más recordadas de la serie original.

Power Rangers cambia el destino de Kimberly Hart

Kimberly abandonó el equipo en 1995 durante A Different Shade of Pink, cuando decidió concentrarse en la gimnasia y prepararse para participar en los Pan Global Games. Su marcha supuso uno de los primeros grandes cambios del reparto de Mighty Morphin Power Rangers, donde Amy Jo Johnson había convertido al personaje en uno de los favoritos del público.

La decisión nunca fue presentada como una derrota. Kimberly estaba tomando las riendas de su vida y escogiendo un objetivo propio más allá de salvar Angel Grove. Sin embargo, el nuevo cómic, escrito por Marguerite Bennett y dibujado por Phillip Sevy, plantea algo que la serie de televisión dejó fuera: qué sucede cuando ese sueño se termina mucho antes que el resto de tu vida.

La carrera de la Ranger Rosa no duró como esperaba

La nueva historia se sitúa aproximadamente una década después de la serie original y muestra nuevamente a Kimberly ejerciendo como Ranger Rosa. Es entonces cuando reconoce que su carrera como gimnasta fue importante para ella, pero también considerablemente más breve de lo que había imaginado. La propia Kimberly lo resume de manera bastante amarga: «mi final feliz simplemente… no duró demasiado».

Eso no significa que el cómic presente su decisión como equivocada. Kimberly continúa orgullosa de haber competido en los Pan Global Games y de haber inspirado a otras personas con su trayectoria. El problema llega después, cuando la limitada duración de una carrera en la gimnasia de élite la obliga a buscar una nueva dirección para su vida.

Rita Repulsa aprovecha las dudas de Kimberly

Como no podía ser de otra manera tratándose de los Power Rangers, los problemas personales terminan mezclándose con una amenaza mucho más peligrosa. Rita Repulsa utiliza una criatura conocida como Parastructionsite, un parásito psíquico capaz de aprovechar las inseguridades y cargas emocionales de sus enemigos para debilitarlos.

Lo interesante es que el monstruo no crea artificialmente las dudas de Kimberly, sino que se limita a potenciar sentimientos que ya estaban presentes. La antigua gimnasta no lamenta haber abandonado el equipo, pero tampoco puede ignorar que aquella etapa terminó y que ahora necesita encontrar otro propósito. Esa contradicción proporciona al personaje una profundidad poco habitual en sus primeras aventuras televisivas.

Los Power Rangers también tienen que hacerse mayores

Ahí está precisamente una de las claves de esta nueva etapa de los cómics. Los niños y adolescentes que conocieron Mighty Morphin Power Rangers durante los años 90 han crecido junto a aquellos personajes, por lo que recuperar ahora a Kimberly, Tommy Oliver y compañía permite abordar conflictos que difícilmente habrían encajado en la serie original.

¿Qué haces después de cumplir aquello que parecía ser el gran sueño de tu vida? ¿Cómo empiezas otra vez cuando una etapa que definía quién eras llega a su fin? La historia de Kimberly utiliza la nostalgia para hablar del paso del tiempo, pero sin borrar ni menospreciar las decisiones que tomó el personaje cuando era más joven.

Tommy Oliver también recibe un nuevo destino

Kimberly no es la única figura clásica cuya vida está siendo revisada por los cómics. Tommy Oliver protagoniza Power Rangers: Green, una propuesta de Paul Allor y Gustaffo Vargas que lleva al antiguo Ranger Verde por un camino considerablemente más oscuro que el de su compañera.

La historia transcurre en un futuro distópico donde un despiadado gobernante persigue a todos los seres vinculados con la magia y la Red de Morphin. Allí, Tommy es conocido como el «Último Ranger» y vive refugiado en su antiguo Dragonzord hasta que Goldar vuelve a aparecer para intentar convencerlo de participar en una rebelión.

BOOM! Studios apuesta por unos Rangers más maduros

Aunque ambas series utilizan enfoques muy diferentes, comparten una idea bastante clara: mostrar qué ocurre cuando los héroes adolescentes dejan de ser adolescentes. Los nuevos cómics pueden seguir ofreciendo transformaciones, monstruos gigantes y espectaculares combates mientras profundizan en las consecuencias de haber dedicado una parte de la juventud a ser un Power Ranger.

Es una estrategia especialmente atractiva para los seguidores veteranos. En lugar de limitarse a explotar la nostalgia repitiendo situaciones conocidas, BOOM! Studios utiliza el pasado como punto de partida para desarrollar a los personajes, demostrando que todavía quedan historias interesantes que contar varias décadas después de su creación.

Kimberly Hart vuelve a tener una historia propia

El caso de Kimberly resulta especialmente significativo porque su marcha de la serie parecía cerrar de manera bastante clara su trayectoria. Su carrera como gimnasta se convirtió durante años en el destino que justificaba haber dejado atrás su identidad como Ranger Rosa, aunque posteriormente el personaje haya regresado en diferentes versiones y continuidades de la franquicia.

La propia Amy Jo Johnson volvió a conectar con Kimberly como guionista de Mighty Morphin Power Rangers: The Return en 2023. Ahora, esta nueva etapa vuelve a demostrar que abandonar los Power Rangers nunca tuvo por qué ser el último capítulo de su historia. Mighty Morphin Power Rangers #3 ya está disponible y deja una idea especialmente interesante: a veces conseguir aquello que deseas solamente significa que ha llegado el momento de descubrir qué quieres después.