El secreto que Dolly Parton escondió durante 20 años sobre “Buffy, cazavampiros”

Fernando Cantillo
-
0
El secreto que Dolly Parton escondió durante 20 años sobre “Buffy, cazavampiros”

Hay secretos de Hollywood que tardan años en salir a la luz, y este es de los buenos. Resulta que Dolly Parton fue productora de “Buffy, cazavampiros” durante toda su etapa como serie de culto, y prácticamente nadie del reparto lo sabía. La confesión llegó de la mano de la propia protagonista, Sarah Michelle Gellar, aunque como veremos, la propia Parton también ha ido soltando prenda con los años.

Sarah Michelle Gellar cuenta el secreto de Dolly Parton en pleno late night

Todo salió a relucir durante una visita de Gellar a The Tonight Show Starring Jimmy Fallon. Fue el propio Fallon quien sacó el tema tras leer por ahí que Dolly Parton había sido “productora sin acreditar” de la serie.

Gellar no lo dudó ni un segundo:

  • Confirmó que “la leyenda Dolly” fue productora de la serie.
  • Reconoció que el reparto “nunca la vio” en persona durante el rodaje.
  • Contó que, al principio, recibían regalos de Navidad con sus nombres puestos por parte de Parton.

Regalos de Navidad y una anécdota que la dejó sin palabras

Durante bastante tiempo, Gellar ni siquiera sabía si Parton tenía idea de quién era ella. Hasta que un día alguien le preguntó a la cantante por la serie, y esta no dudó en elogiar tanto el programa como su interpretación.

La reacción de la actriz, tal y como ella misma la resume, fue de pura incredulidad: sentir que Dolly Parton sabía quién era y, además, pensaba que lo hacía bien fue todo un subidón para ella.

Sandollar Productions, la empresa detrás del secreto

La clave de todo este misterio tiene nombre propio: Sandollar Productions (también conocida como Sandollar Entertainment), la compañía que Dolly Parton fundó en 1986 junto a su entonces representante, Sandy Gallin.

Este dato explica por qué el nombre de Parton nunca apareció como productora en los créditos de “Buffy”:

  • Sandy Gallin fue productor ejecutivo de la serie durante sus siete temporadas, entre 1997 y 2003.
  • Sandollar Productions sí aparece listada en los créditos del programa.
  • La propia productora ya había estado detrás de la película de 1992 en la que se basó posteriormente la serie, tras comprar los derechos del guion de Joss Whedon en el otoño de 1991.
  • Sandollar también estuvo detrás del spin-off “Angel”.

En otras palabras: aunque el nombre de Dolly Parton nunca figuró como productora, su empresa estuvo detrás de “Buffy, cazavampiros” desde la película original hasta el último episodio de la serie.

Lo que dice la propia Dolly Parton sobre su papel real

Años después de la confesión de Gellar, la propia Dolly Parton acabó pronunciándose sobre el asunto. En una entrevista con Business Insider, la cantante reconoció que su implicación en el día a día del rodaje fue más bien discreta: la mayor parte de su trabajo consistía en hablar por teléfono con los ejecutivos y responsables de la cadena, ya que ella vivía en Nashville mientras la serie se grababa en Los Ángeles.

Parton fue clara reivindicando el mérito ajeno: quiso dejar constancia de que el verdadero trabajo lo hizo otra gente y que ella apenas tuvo un papel menor en el resultado final.

Ya en 2021, durante una entrevista con Andy Cohen en Watch What Happens Live, la artista se había referido a la serie como un programa maravilloso del que se sentía muy orgullosa de haber formado parte, aunque fuera de forma discreta a través de Sandollar.

El cheque sorpresa a Gail Berman

Entre las anécdotas menos conocidas sobre la implicación de Parton en “Buffy” destaca una protagonizada por Gail Berman, productora ejecutiva de la serie. Berman contó al New York Times en 2016 que, a finales de los años noventa, Parton la invitó a comer.

Durante esa comida, la cantante le confesó que no le parecía justo que sus compañeros varones cobraran más royalties que ella por el mismo trabajo. Acto seguido, y según relató Berman, Parton sacó un cheque y se lo entregó allí mismo.

¿Comparten cumpleaños Buffy y Dolly Parton?

Como curiosidad adicional, algunas fuentes apuntan a que el personaje de Buffy Summers compartiría fecha de cumpleaños con la propia Dolly Parton, un guiño que habría pasado desapercibido para la mayoría del público durante años.

Dolly Parton Buffy cazavampiros

Sandollar sigue vivo: de “Angel” a la nueva “Buffy”

La historia entre Dolly Parton y el universo “Buffy” no se quedó en el pasado. Sandollar Productions figura también entre las productoras de Buffy the Vampire Slayer: New Sunnydale, la serie secuela con piloto encargado por Hulu y dirigida por Chloé Zhao, en la que Sarah Michelle Gellar retomaría su papel.

Esta vez, la propia Dolly Parton aparece acreditada como productora ejecutiva del proyecto, junto a nombres como Gail Berman, Fran Rubel Kuzui y Kaz Kuzui.

Además, en otra entrevista con Business Insider, Parton confirmó que el proyecto de reboot de “Buffy the Vampire Slayer” —que había quedado en pausa en 2022— sigue en marcha y que están trabajando en darle una nueva vuelta.

Una leyenda que nunca dejó de estar presente

Así que ya sabéis: la próxima vez que veáis “Buffy, cazavampiros”, recordad que detrás de esas estacas, ese instituto de Sunnydale y ese Scooby Gang había una leyenda de la música country vigilando de cerca, aunque fuera desde la distancia. Y si finalmente llega esa nueva serie, esta vez su nombre sí aparecerá en los créditos.

Los finales más oscuros de PlayStation 1 que todavía dejan mal cuerpo a los jugadores

Jesús Reche Alonso
-
0
Los finales más oscuros de PlayStation 1 que todavía dejan mal cuerpo a los jugadores

Algunos clásicos de PlayStation demostraron que un videojuego no siempre necesita un final feliz para convertirse en inolvidable

Los videojuegos de terror actuales destacan por sus gráficos fotorrealistas y su capacidad para generar tensión constante, pero mucho antes de la llegada de la alta definición, la primera PlayStation ya había demostrado que era capaz de dejar cicatrices emocionales. Muchos de sus títulos apostaron por desenlaces que no buscaban satisfacer al jugador, sino hacerle reflexionar o incluso incomodarle. La generación de PS1 fue un auténtico laboratorio para el survival horror, un género que encontró en la consola de Sony el escenario perfecto para explorar historias llenas de tragedia, desesperanza y finales donde sobrevivir no siempre significaba ganar. Algunos de esos desenlaces siguen siendo recordados décadas después precisamente porque se alejaban del típico “vivieron felices para siempre”.

Los finales más oscuros de PS1

Entre todos esos títulos, Resident Evil ocupa un lugar privilegiado. El clásico de Capcom no solo sentó las bases del survival horror moderno, sino que también sorprendió a los jugadores con varios finales alternativos. Dependiendo de las decisiones tomadas durante la partida, Chris Redfield podía perder a Jill Valentine y Rebecca Chambers, dos personajes fundamentales de la saga.

Ese desenlace cambia por completo el destino del universo Resident Evil. Sin sus compañeras, la misión fracasa, la mansión Spencer permanece intacta y el virus T queda libre para extenderse todavía más rápido. Un final especialmente cruel para una franquicia acostumbrada a poner a sus protagonistas al límite.

Un terror que no siempre terminaba con la victoria

Otro de los juegos que dejó huella fue Parasite Eve, una mezcla de rol y terror desarrollada por Square. Tras derrotar aparentemente a Eve, todo parece haber terminado, pero los últimos instantes del juego siembran una inquietud difícil de olvidar.

La protagonista, Aya Brea, presencia cómo el extraño poder de sus mitocondrias parece afectar a quienes la rodean, insinuando que ella podría convertirse en la próxima amenaza. El juego nunca ofrece una respuesta definitiva, y precisamente esa ambigüedad convierte su final en uno de los más inquietantes de la consola.

La oscuridad también impregnó Shadow Tower, una de las primeras obras de FromSoftware. Su historia parecía concluir de forma heroica después de que Ruus Hardy derrotara al demonio Darius y recuperara el reino de Zeptar.

Sin embargo, la corona obtenida tras la victoria plantea una inquietante duda. Si ese objeto fue el responsable de corromper al villano, nada impide pensar que el propio héroe termine sufriendo el mismo destino. Un desenlace que deja al jugador imaginando un futuro mucho más trágico del que muestra la pantalla.

Cuando sobrevivir tampoco era suficiente

Si existe un título donde prácticamente ningún final resulta satisfactorio, ese es Koudelka. El RPG de terror ambientado en un monasterio galés presenta varios desenlaces, pero ninguno puede calificarse de verdaderamente feliz.

En uno de ellos, los protagonistas mueren de una forma especialmente horrible, mientras que otro obliga a los supervivientes a escapar tras sacrificar a uno de sus compañeros durante el enfrentamiento definitivo. En ambos casos, el coste de la aventura resulta devastador.

También merece un lugar destacado D, una peculiar aventura de terror diseñada para jugarse de una sola vez, sin guardar partida ni pausas. Tras enfrentarse a su padre y detener su transformación en vampiro, Laura parece haber puesto fin a la pesadilla.

Pero el llanto de un bebé durante los créditos finales deja abierta la posibilidad de que nada haya terminado realmente. Esa última escena sigue alimentando teorías entre los jugadores, que todavía debaten si Laura logró escapar o nunca abandonó la mente de su padre.

Resident Evil y Silent Hill elevaron el listón del horror

La saga de Capcom volvió a demostrar su crudeza con Resident Evil 3: Nemesis. Jill Valentine consigue escapar de Raccoon City, pero la única forma de contener la infección consiste en destruir completamente la ciudad mediante un bombardeo.

La victoria llega acompañada de una destrucción absoluta, recordando que en el universo Resident Evil incluso los finales más positivos exigen enormes sacrificios.

Por su parte, Clock Tower: The First Fear ofrecía numerosos desenlaces diferentes dependiendo de las decisiones del jugador. Muchos de ellos terminaban con personajes asesinados de formas especialmente violentas o con Jennifer sobreviviendo completamente traumatizada.

Silent Hill convirtió el sufrimiento en arte

Pocas franquicias han entendido el terror psicológico como Silent Hill. Incluso su denominado “final bueno” resulta profundamente melancólico. Harry Mason logra derrotar a la deidad responsable de la pesadilla, pero descubre una verdad que transforma completamente su búsqueda.

La reencarnación de su hija y el sacrificio de Alessa convierten el desenlace en una victoria tremendamente amarga, muy alejada del alivio que suele acompañar al final de una aventura.

Aún más demoledor resulta el llamado “final malo”. Todo apunta a que Harry nunca abandonó el coche accidentado del comienzo y que los acontecimientos vividos podrían haber sido únicamente las últimas alucinaciones antes de morir.

El listado incluido en el contenido también menciona Hellnight, un inquietante survival horror en primera persona cuyo desenlace protagonizado por Kamiya lleva el horror psicológico hasta un extremo perturbador. La pérdida total de identidad y la transformación en el llamado Mesías Oscuro convierten su final en uno de los más retorcidos de la primera PlayStation.

Lejos de buscar únicamente el sobresalto, estos videojuegos demostraron que el miedo también podía construirse a través de la narrativa. Décadas después, muchos de estos finales siguen siendo objeto de debate porque no ofrecían respuestas fáciles ni recompensas tradicionales. En lugar de cerrar la historia con esperanza, dejaban una sensación incómoda que acompañaba al jugador mucho después de apagar la consola.

Descubre 10 animes que marcaron una década irrepetible y muchas siguen siendo referentes para los fans actuales

Jesús Reche Alonso
-
0
Descubre 10 animes que marcaron una década irrepetible y muchas siguen siendo referentes para los fans actuales

Los 90 demostraron que el anime podía conquistar al mundo y aquí repasamos algunos de sus exponentes

Hubo un tiempo en el que el anime todavía era un descubrimiento para buena parte del público occidental. Sin embargo, la década de los noventa cambió para siempre esa percepción gracias a una sucesión de series que demostraron la enorme variedad creativa de la animación japonesa. Desde aventuras de ciencia ficción hasta fantasía, deportes o historias psicológicas, aquellos años dejaron una colección de obras que hoy siguen siendo imprescindibles. El listado elaborado por Collider repasa el mejor estreno de cada año de la década, una selección que no solo mide la calidad de cada producción, sino también su influencia, recepción y legado entre los aficionados. fileciteturn0file0

Los mejores animes de los 90

Nadia: El misterio de la piedra azul abrió la década en 1990 reinterpretando libremente la novela de Julio Verne. Hideaki Anno ofreció una aventura repleta de imaginación que aún hoy continúa siendo una joya poco reivindicada.

En 1991 llegó City Hunter ’91, el cierre de una de las franquicias más populares del anime clásico. Ryo Saeba se despidió manteniendo intacta la mezcla de humor, acción y carisma que convirtió la serie en un referente.

Una década repleta de iconos

Sailor Moon S representó uno de los momentos más brillantes de la obra de Naoko Takeuchi. La incorporación de nuevas Sailor Guardians y un tono más oscuro elevaron el nivel de una franquicia histórica.

Pocos títulos cambiaron tanto un deporte como Slam Dunk. El manga y el anime despertaron el interés por el baloncesto entre toda una generación japonesa y siguen siendo un referente del género deportivo.

Rurouni Kenshin llevó el shōnen histórico a otro nivel gracias a un protagonista marcado por su pasado y decidido a no volver a matar.

El tramo final fue legendario

Si existe una adaptación que continúa despertando admiración es Berserk (1997). Su arco de la Edad Dorada y la relación entre Guts y Griffith continúan siendo de las más recordadas del medio.

Yu Yu Hakusho redefinió el shōnen de combates con personajes memorables y torneos que inspiraron a innumerables series posteriores.

Hablar de los noventa también implica mencionar Neon Genesis Evangelion, una producción que rompió las reglas del género mecha al explorar los conflictos psicológicos de sus protagonistas.

El impacto internacional de Cowboy Bebop ayudó a que muchos espectadores occidentales descubrieran el anime. Su mezcla de western, jazz, ciencia ficción y cine negro sigue pareciendo única décadas después.

La década se cerró con One Piece, estrenada en 1999. Aunque su auténtico fenómeno explotaría en los años siguientes, el viaje de Luffy ya dejaba entrever que estaba naciendo una de las franquicias más importantes de la historia del manga y el anime.

Una generación para el recuerdo

También resulta llamativo comprobar cómo cada una dejó una huella diferente. Sailor Moon abrió la puerta a nuevas generaciones de espectadores, mientras Slam Dunk convirtió el deporte en una historia de crecimiento personal. Evangelion llevó el mecha hacia terrenos mucho más introspectivos, y Cowboy Bebop demostró que una serie podía mezclar géneros sin perder identidad. Berserk y Yu Yu Hakusho reforzaron, cada una a su manera, la fuerza de personajes y conflictos capaces de enganchar durante años. Ese mosaico de estilos explica por qué los noventa siguen siendo una década tan querida entre los fans del anime.

Más allá del orden del ranking, todas estas series comparten un rasgo común: demostraron que el anime podía contar historias para públicos muy distintos y competir de tú a tú con cualquier producción internacional. Su influencia continúa presente en títulos modernos y explica por qué tantos fans siguen regresando a ellas una y otra vez.

Harry Potter cambia de profesor en HBO: Kit Harington se une a la serie

Jesús Javier Ferrin
-
0
Harry Potter cambia de profesor en HBO: Kit Harington se une a la serie

La adaptación televisiva de Harry Potter pierde a Nicholas Hoult antes de comenzar su trabajo como Gilderoy Lockhart, mientras Kit Harington asume el papel en la producción de HBO

La nueva serie de Harry Potter ha tenido que modificar uno de sus principales fichajes. Nicholas Hoult, anunciado recientemente como el profesor Gilderoy Lockhart, abandona el proyecto debido a problemas de agenda y será sustituido por Kit Harington, conocido por Juego de Tronos e Industry.

Harington interpretará al carismático profesor de Defensa contra las Artes Oscuras, personaje que el actor ya había dado voz en la adaptación de audiodrama de Audible basada en las novelas.

juego de tronos
Jon Nieve

El reparto principal continúa encabezado por Dominic McLaughlin como Harry, Arabella Stanton como Hermione y Alastair Stout como Ron. Junto a ellos aparecen John Lithgow como Dumbledore, Paapa Essiedu como Snape, Janet McTeer como McGonagall, Nick Frost como Hagrid y Luke Thallon como Quirrell.

La producción también cuenta con numerosos personajes secundarios y estudiantes de las cuatro casas de Hogwarts, además de Warwick Davis como Flitwick y otros nombres ya anunciados para los papeles de la familia Weasley, los Malfoy y distintos profesores y alumnos.

Francesca Gardiner, responsable de Succession, His Dark Materials y Killing Eve, ejerce como showrunner y guionista, mientras que Mark Mylod, con quien Gardiner coincidió en Succession, dirigirá varios episodios y será productor ejecutivo. Neil Blair, Ruth Kenley-Letts y David Heyman también participan como productores ejecutivos.

harry potter

La serie de Harry Potter se desarrolla para HBO en colaboración con Brontë Film and TV y Warner Bros. Television, con un amplio equipo creativo encargado de fotografía, diseño de producción, vestuario, efectos especiales, y efectos visuales. Hans Zimmer y Bleeding Fingers estarán al frente de la música.

Por otra parte, la segunda temporada ya afronta su primera baja. Gracie Cochrane, que interpreta a Ginny Weasley, no continuará en Harry Potter y la Cámara Secreta debido a “circunstancias imprevistas”.

VisionQuest descubre el destino de Ultrón tras su derrota ante Visión

Jesús Javier Ferrin
-
0
VisionQuest descubre el destino de Ultrón tras su derrota ante Visión

James Spader ha aclarado qué ocurrió con el antiguo enemigo de los Vengadores después de los acontecimientos de Vengadores: La era de Ultrón, y su situación será una pieza importante en la serie centrada en Visión

Durante años quedó la duda de si Ultrón había sido realmente destruido al final de Vengadores: La era de Ultrón. Ahora, James Spader ha confirmado que el villano sobrevivió, aunque en unas condiciones bastante particulares.

Según explicó el actor en una nueva entrevista, la conciencia de Ultrón permanece encerrada dentro de la mente de Visión desde su enfrentamiento de 2015. Allí ha tenido acceso a internet, televisión e información sobre la historia del mundo, pasando el tiempo incluso pintando mientras permanece junto a las demás inteligencias artificiales.

Esta revelación conecta directamente con la historia de VisionQuest. La serie mostrará a un Visión reconstruido que intenta descubrir quién es y encontrar un nuevo propósito después de escapar de quienes pretendían utilizarlo como arma. Para ello contará con la ayuda de varias IA relacionadas con su pasado, entre ellas JARVIS, FRIDAY, EDITH y el propio Ultrón.

Ultrón

Paul Bettany también ha explicado que estas inteligencias ayudarán a Visión a procesar lo que le ocurre, aunque su presencia podría convertirse en un problema. Especialmente en el caso de Ultrón, cuya relación de amor y odio con su antiguo “padre” podría tener consecuencias importantes.

La trama seguirá además a Visión durante su huida junto a Thomas Shepard, un joven misterioso que podría estar relacionado con su familia. Mientras ambos intentan sobrevivir, el antiguo Vengador tendrá que enfrentarse a su propia crisis de identidad y a la influencia de Ultrón.

La serie también contará con Jocasta, aunque todavía se desconoce cuál será exactamente su función en la historia. El showrunner Terry Matalas ha adelantado que VisionQuest estará centrada especialmente en la evolución personal de Visión.

El reparto incluye a Paul Bettany, James Spader, Ruaridh Mollica, Todd Stashwick, T’Nia Miller, Orla Brady, Diane Morgan, Emily Hampshire y James D’Arcy, entre otros.

VisionQuest llegará a Disney+ el 14 de octubre.

Cuando los actores pasan el testigo: repasamos los encuentros más emotivos entre las viejas y nuevas estrellas de los superhéroes

Jesús Reche Alonso
-
0
Cuando los actores pasan el testigo: repasamos los encuentros más emotivos entre las viejas y nuevas estrellas de los superhéroes

Estos actores compartieron pantalla con quienes heredaron sus icónicos personajes y regalaron momentos inolvidables a los fans

Durante décadas, el cine y la televisión de superhéroes han vivido un constante relevo generacional. Cada cierto tiempo llega un nuevo actor dispuesto a enfundarse un traje legendario, con la difícil misión de convencer a unos seguidores que siempre comparan con sus predecesores. Sin embargo, en algunas ocasiones ese cambio ha ido acompañado de un bonito gesto: reunir en pantalla a ambas generaciones. Lejos de despertar rivalidades, estos encuentros se han convertido en auténticos homenajes a la historia del género. Algunos fueron simples cameos, mientras que otros tuvieron un importante peso dentro de la trama. En todos los casos, consiguieron emocionar a quienes llevaban años siguiendo a estos personajes.

Los actores de superhéroes que compartieron pantalla con sus sucesores

Uno de los casos más recordados es el de Christopher Reeve y Tom Welling. El inolvidable Superman de 1978 apareció en Smallville interpretando al doctor Virgil Swann, un científico que ayuda al joven Clark Kent a comprender sus orígenes kryptonianos. Su presencia sirvió para bendecir simbólicamente al futuro Hombre de Acero televisivo, además de dejar un emotivo mensaje sobre la Fundación Christopher Reeve, creada tras el accidente que cambió su vida.

Otro ejemplo inolvidable fue Lou Ferrigno, el Hulk televisivo de finales de los setenta. El actor no solo apareció como vigilante de seguridad tanto en Hulk (2003) como en El increíble Hulk (2008), sino que también puso la voz al gigante esmeralda en la película protagonizada por Edward Norton y posteriormente en las dos primeras entregas de Los Vengadores.

Homenajes que fueron mucho más que simples cameos

Adam West también recibió un homenaje inolvidable gracias a Batman: La serie animada. El legendario Batman de los años sesenta dio voz al Fantasma Gris, un héroe ficticio que había inspirado al joven Bruce Wayne antes de convertirse en el Caballero Oscuro. El episodio sigue siendo considerado uno de los mejores de toda la serie.

La historia de Helen Slater fue diferente. Después de protagonizar Supergirl en 1984, regresó décadas después al universo DC como la madre adoptiva de Kara Danvers en la serie protagonizada por Melissa Benoist. Su participación fue mucho más extensa que un simple guiño, ya que apareció en trece episodios y volvió a estar ligada al personaje que la convirtió en un icono.

El Spider-Man animado de los años noventa tampoco quedó en el olvido. Christopher Daniel Barnes, la voz del trepamuros para toda una generación, regresó años después en Ultimate Spider-Man interpretando distintos personajes, entre ellos Electro y Wolf Spider. Fue una forma curiosa de mantener vivo su vínculo con el universo arácnido, aunque ya no fuese como Peter Parker.

Cuando dos generaciones coinciden en el mismo universo

Pocas escenas emocionaron tanto a los seguidores de los mutantes como el encuentro entre Patrick Stewart y James McAvoy en X-Men: Días del futuro pasado. Gracias al viaje temporal de Lobezno, el joven Charles Xavier pudo conversar con la versión veterana de sí mismo.

Ese momento no solo unió dos interpretaciones del Profesor X, sino que representó el puente entre las distintas etapas cinematográficas de los X-Men de Fox. Para muchos aficionados continúa siendo una de las secuencias más emotivas de toda la saga.

Marvel también quiso reconocer a Garrett Morris, el primer actor que interpretó a Ant-Man en imagen real durante un famoso sketch de Saturday Night Live. Décadas después apareció brevemente en la película protagonizada por Paul Rudd, convirtiéndose en un simpático guiño para quienes conocían aquella curiosa historia.

Mientras tanto, Lynda Carter hizo realidad el deseo de muchos seguidores de Wonder Woman. La inolvidable protagonista de la serie de los años setenta apareció finalmente en Wonder Woman 1984 como Asteria, una antigua guerrera amazona. Aunque la película dividió a la crítica, su cameo fue uno de los momentos más celebrados por los fans del personaje.

Spider-Man y Batman demostraron el poder de la nostalgia

El multiverso permitió que Batman reuniera hasta tres versiones distintas del personaje en The Flash. Michael Keaton, Ben Affleck y George Clooney formaron parte del reparto, aunque nunca coincidieron directamente en la misma escena. Aun así, ver a tres Bruce Wayne diferentes en una sola película fue un acontecimiento histórico para DC.

Pero si existe un ejemplo que marcó un antes y un después fue Spider-Man: No Way Home. La película consiguió reunir a Tom Holland, Tobey Maguire y Andrew Garfield, algo que durante años parecía imposible. Lejos de limitarse a un cameo, los tres compartieron buena parte de la aventura y construyeron una historia que celebraba dos décadas de películas del héroe arácnido.

Más allá del espectáculo del multiverso, el verdadero éxito de aquella reunión fue demostrar que cada generación de Spider-Man tiene su lugar. Ninguno sustituyó al otro; todos convivieron para recordar que los grandes héroes pueden cambiar de rostro, pero nunca dejan de inspirar a los fans.

El orden definitivo para ver Star Wars: The Clone Wars cambia por completo la experiencia de la serie

Jesús Reche Alonso
-
0
El orden definitivo para ver Star Wars: The Clone Wars cambia por completo la experiencia de la serie

La cronología oficial de Star Wars: The Clone Wars demuestra que la obra de Dave Filoni es todavía mejor cuando se deja atrás el orden de estreno

Más de quince años después de su estreno, Star Wars: The Clone Wars sigue dando de qué hablar. Aunque la serie se convirtió en una de las producciones más queridas de toda la franquicia, muchos espectadores todavía desconocen que sus episodios nunca se emitieron siguiendo el orden cronológico de la historia. Ese detalle provoca que algunos personajes reaparezcan después de haber muerto o que determinados acontecimientos parezcan desarrollarse antes de otros ya vistos. Por ese motivo, Lucasfilm publicó hace tiempo una cronología oficial que reorganiza los 134 episodios y la película de animación, permitiendo seguir el conflicto de las Guerras Clon de una forma mucho más coherente.

El orden cronológico de The Clone Wars

Lejos de ser un error, George Lucas decidió que la serie funcionara como una especie de antología. La prioridad no era avanzar linealmente en el tiempo, sino contar las historias que le parecían más interesantes durante la producción. Si una idea encajaba mejor al principio de la guerra, pero surgía mientras se desarrollaba una temporada posterior, simplemente se incorporaba sin preocuparse demasiado por la continuidad cronológica.

Ese planteamiento creativo terminó generando una estructura poco convencional, especialmente durante las primeras temporadas. Algunos personajes desaparecen y vuelven a aparecer, mientras que determinadas misiones ocurren antes de episodios emitidos meses o incluso años antes. Aunque la historia sigue siendo comprensible, verla cronológicamente ayuda a evitar esas confusiones.

Tras reorganizar los capítulos según la línea temporal oficial, la evolución de Anakin Skywalker, Obi-Wan Kenobi, Ahsoka Tano y el resto de protagonistas resulta mucho más natural. También se entienden mejor las relaciones entre personajes, el desarrollo de la guerra y la importancia de determinados acontecimientos que más tarde tendrían consecuencias directas en La venganza de los Sith.

Una serie que conecta toda la era de las precuelas

La historia de The Clone Wars transcurre entre Star Wars: Episodio II – El ataque de los clones y Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith. Durante esos tres años se desarrollan algunos de los conflictos más importantes de toda la saga, profundizando en personajes que apenas tuvieron tiempo de brillar en las películas.

Uno de los mayores beneficiados fue Ahsoka Tano, creada exclusivamente para la serie y convertida con el paso de los años en una de las figuras más populares del universo creado por George Lucas. Del mismo modo, personajes como Rex, Asajj Ventress, Cad Bane o Darth Maul adquirieron una relevancia inesperada gracias a estas aventuras.

Especialmente llamativos son los últimos episodios de la séptima temporada, que se desarrollan al mismo tiempo que los acontecimientos de La venganza de los Sith. Mientras Anakin cae definitivamente al Lado Oscuro, la historia muestra qué estaba haciendo Ahsoka durante la ejecución de la Orden 66, ofreciendo uno de los desenlaces más emotivos de toda la franquicia.

La influencia de Dave Filoni sigue creciendo

El legado de The Clone Wars continúa muy vivo dentro de Star Wars. Gran parte de las series estrenadas en Disney+, como The Bad Batch, Star Wars Rebels, Ahsoka o Tales of the Jedi, nacen directamente de personajes y acontecimientos presentados originalmente en esta producción animada.

Incluso historias que nunca pudieron llegar a la televisión encontraron una segunda vida mediante novelas y cómics, mientras que otras continúan ampliándose con nuevas series protagonizadas por personajes como Darth Maul. Todo ello demuestra que la importancia de The Clone Wars ha ido creciendo con el paso de los años.

Los arcos imprescindibles para cualquier fan

Aunque la serie cuenta con 134 episodios, hay varios arcos considerados imprescindibles. Entre ellos destacan la trilogía de Mandalore, la introducción de las Hermanas de la Noche, la misteriosa aventura de Mortis, el espectacular regreso de Darth Maul, la salida de Ahsoka de la Orden Jedi, la explicación de la Orden 66 y, por supuesto, el inolvidable Asedio de Mandalore, considerado por muchos como uno de los mejores relatos jamás producidos dentro de Star Wars.

Precisamente por la enorme importancia de todos estos acontecimientos, seguir el orden cronológico recomendado por Lucasfilm permite apreciar mucho mejor la evolución de la historia y de sus protagonistas. Lo que comenzó como una curiosa decisión creativa de George Lucas terminó convirtiéndose en una de las mayores peculiaridades de la serie, pero también en el motivo por el que muchos fans recomiendan abandonar definitivamente el orden de estreno.

Crítica de ‘La constelación del perro’: el fin del mundo íntimo según Ridley Scott

Fernando Cantillo
-
0
Crítica de ‘La constelación del perro’: el fin del mundo íntimo según Ridley Scott

La constelación del perro

Ridley Scott vuelve a un terreno que conoce bien, el fin del mundo, pero lo hace desde un ángulo que sorprende dentro de su filmografía. “La constelación del perro” no es una nueva epopeya de acción a gran escala como “Napoleón” o “Gladiator II”, sino una película que se mueve, sobre todo, en el terreno íntimo: la soledad, el duelo y la necesidad de conexión humana cuando ya casi no queda nadie con quien conectar.

De qué trata “La constelación del perro”

La historia adapta la novela homónima de Peter Heller, publicada en 2012 y convertida en un éxito de ventas. Está ambientada en 2035, en un condado ficticio de Colorado, tras una gripe letal que ha diezmado a la población mundial y ha dejado a buena parte de los supervivientes afectados por una enfermedad sanguínea.

Hig (Jacob Elordi), un piloto que perdió a su mujer, sobrevive junto a su perro Jasper y a Bangley (Josh Brolin), un personaje hosco y hiperalerta, en un aeródromo abandonado que han convertido en un pequeño refugio autosuficiente. Mientras Bangley no tiene intención de moverse de allí, Hig usa su avioneta para explorar los alrededores, repartir suministros a una comunidad menonita cercana y buscar señales de vida. Una transmisión de radio misteriosa le empuja a alejarse de la seguridad de su hogar, lo que le lleva hasta el cañón donde viven Pops (Guy Pearce) y su hija Cima (Margaret Qualley), dos supervivientes con su propio código de desconfianza hacia el exterior.

Lo que promete diferenciar esta película de otras distopías

Lo más llamativo probablemente es la intención declarada del propio Scott: evitar el cliché del género apocalíptico y priorizar el lado humano y emocional del relato por encima del espectáculo destructivo. El director ha explicado que buscaba huir de la fórmula habitual de “zombis y caos” para centrarse en personajes con humor, ternura y contradicciones, algo que define especialmente la relación de convivencia forzada entre Hig y Bangley.

Ese tono se aprecia en la mayor parte del metraje, donde el protagonismo recae en los silencios, los paisajes vacíos y los recuerdos de Hig de su vida anterior, más que en la amenaza constante. El propio compositor Harry Gregson-Williams, en su octava colaboración con Ridley Scott, ha descrito la partitura como un intento de reflejar tanto la belleza del paisaje como el peligro latente, con un tema central pensado para transmitir la esperanza del protagonista antes de virar hacia pasajes más oscuros en los momentos de mayor tensión.

La constelación del perro Ridley Scott

Dicho esto, la película no renuncia a la acción: el equipo ha hablado de secuencias de vuelo rodadas con helicópteros reales sobre los Dolomitas italianos (que sustituyen a las Montañas Rocosas), y de una segunda mitad marcada por la amenaza de otros supervivientes mucho menos benévolos que Pops y Cima. Si algo caracteriza a Ridley Scott como narrador visual es su manera de filmar la acción con varias cámaras simultáneas para preservar la espontaneidad de los actores, un método que, a juzgar por sus películas anteriores, suele traducirse en secuencias fluidas y bien coreografiadas más que en un puro despliegue de artificio.

El reparto

Bajo el mando de Ridley Scott, Jacob Elordi, que llega a este papel tras su exposición como la criatura en “Frankenstein” de Guillermo del Toro, encarna a un personaje introspectivo, marcado por el duelo pero todavía capaz de empatía. Junto a él, Josh Brolin aporta el contrapunto pragmático y sardónico de Bangley, mientras que Margaret Qualley (Cima) y Guy Pearce (Pops) construyen la otra mitad emocional de la historia: la de una hija que empieza a pensar en su futuro y un padre que la protege a cualquier precio. Completan el reparto Allison Janney y Benedict Wong, este último en su cuarta colaboración con Ridley Scott.

La constelación del perro Ridley Scott

Veredicto

La constelación del perro Ridley Scott

Con todo lo anterior sobre la mesa, “La constrelación del perro” de Ridley Scott se perfila como una rareza dentro del género apocalíptico: una historia que usa el fin del mundo como excusa para hablar de duelo, comunidad y lo que significa seguir siendo humano, sin renunciar del todo al espectáculo que se le presupone a un director como Ridley Scott. La combinación de un reparto con peso interpretativo real, un equipo técnico habitual del director y una fuente literaria bien valorada por la crítica hacen de esta una de las apuestas más interesantes del cine de otoño.

Ya me diréis si, en vuestra opinión, esa promesa de intimismo dentro del caos se sostiene en pantalla, pero todo apunta a una película que prefiere la emoción contenida a la grandilocuencia, algo poco habitual en una superproducción de este calibre.

Ficha técnica

  • Director: Ridley Scott
  • Guion: Mark L. Smith, basado en la novela de Peter Heller
  • Reparto: Jacob Elordi, Josh Brolin, Margaret Qualley, Guy Pearce, Allison Janney, Benedict Wong
  • Fotografía: Erik Messerschmidt
  • Música: Harry Gregson-Williams
  • Rodaje: Italia (Cinecittà, Dolomitas, Parque Nacional del Circeo), abril–junio de 2025
  • Estreno: 28 de agosto de 2026, en cines e IMAX

El RPG de acción y ciencia ficción EXODUS se lanzará el 7 de abril de 2027. Anunciado durante la Opening Night Live de la Gamescom

Yagros Stilav
-
0
El RPG de acción y ciencia ficción EXODUS se lanzará el 7 de abril de 2027. Anunciado durante la Opening Night Live de la Gamescom

El nuevo tráiler de EXODUS fue presentado durante la Opening Night Live de la Gamescom, y también presentó a Salt, un singular pulpo que acompañará al jugador, ofreciendo un vistazo al combate de este RPG de acción y ciencia ficción. Durante la Opening Night Live de la gamescom de esta pasada noche, Archetype Entertainment ha anunciado que EXODUS, su próximo RPG de acción y ciencia ficción, llegará a todo el mundo el 7 de abril de 2027 para PlayStation®5, Xbox Series X|S, Steam y Epic Games Store.

EXODUS llega con una carga de acción brutal y con Salt, el pulpo que se ha robado el protagonismo del juego

El nuevo tráiler cinemático, que incluye secuencias del juego, profundiza en la presentación de Salt, un pulpo mercenario y cazarrecompensas que se une al viaje de Jun. El vídeo también ofrece a los fans un nuevo vistazo al combate y al rico universo que explorarán cuando EXODUS se lance el próximo año.

Entre las novedades desveladas durante la Opening Night Live de la gamescom se incluyen:

  • Fecha de lanzamiento confirmada: EXODUS emprenderá su llegada galáctica el 7 de abril de 2027.
  • Salt presentada: a los mandos de un mech de combate especializado, Salt domina las habilidades de francotirador de largo alcance, las maniobras evasivas rápidas y las cortinas de humo, similares a tinta, que confunden y desorientan a los enemigos. Supera obstáculos que otros no pueden. En pleno combate, nadie cubre las espaldas de Jun como ella.
  • Jun y Salt, dos desconocidos moldeados por mundos muy distintos, terminan luchando espalda contra espalda contra el mismo enemigo. No solo pelean por sobrevivir, sino también por proteger aquello a lo que merece la pena regresar: el hogar.

No pierdas de vista a Emrys: Salt no es la única aliada que lucha junto a Jun. Emrys, integrante de los Deva, una enigmática especie Celestial definida por la coexistencia de múltiples conciencias, también se suma al combate. Emrys cumple una función de apoyo: lanza Remnant Orbs que drenan y debilitan a los enemigos, al tiempo que devuelve a Jun la energía robada en forma de protección.

Durante la Opening Night Live de la gamescom de esta pasada noche, Archetype Entertainment ha anunciado que EXODUS, su próximo RPG de acción y ciencia ficción, llegará a todo el mundo el 7 de abril de 2027 para PlayStation®5, Xbox Series X|S, Steam y Epic Games Store.

Antes de esta presentación, Archetype ya anunció los hitos de la lista de deseados de EXODUS como una muestra de agradecimiento a todas las personas que esperan el lanzamiento del juego. Tras superar ya los 500.000 deseados, el primer hito de recompensas ha sido alcanzado y los jugadores recibirán un mapa estelar Celestial para su apartamento dentro del juego, además de desbloquear una nuevas imágenes de arte conceptual y el primer tema musical disponible de EXODUS, «Elegy for a Forgotten World». 

Los seguidores podrán seguir desbloqueando recompensas tanto dentro como fuera del juego —como cosméticos para los atuendos, la cinemática de la historia de Salt y más temas musicales— conforme se alcancen los próximos hitos.

EXODUS se lanzará el 7 de abril de 2027 y ya puede añadirse a la lista de deseados en PlayStation Store, Xbox Store, Steam y Epic Games Store.

Gamescom nos trae el increíble trailer de la nueva aventura de Dungeons & Dragons: Warlock, de la que ya habíamos visto el avance

Yagros Stilav
-
0
Gamescom nos trae el increíble trailer de la nueva aventura de Dungeons & Dragons: Warlock, de la que ya habíamos visto el avance

El nuevo juego de Wizards of the Coast e Invoke ya está aquí: WARLOCK, una aventura de acción ambientada en el mundo de Dungeons & Dragons que ha mostrado sus primeros detalles en la Gamescom. El evento ha dado mucho de sí, pero hace unos días tuvimos la oportunidad de ver el trailer de uno de los juegos más esperados, y por fin se ha mostrado. El primer tráiler del contenido del juego muestra un mundo abierto creado para la exploración, que incluye la primera mazmorra, monstruos y mucho más.

La pinta espectacular que tiene el trailer se ha visto apoyada por el gameplay, que ha demostrado un nivel técnico y artístico que estará a la altura de una de las clases más complejas y entretenidas de jugar en D&D. El/La Warlock es una clase que combina lucha y magia, pero siempre con un coste. Eso hace que éste juego tenga un componente de rol muy alto, al meternos en la piel de una Warlock que va a tener que medir el precio del uso de sus poderes. En el trailer pudimos experimentar lo poderosa que puede llegar a ser si abraza esa fuerza. Warlock se encuentra actualmente en desarrollo para PC, PlayStation 5 y Xbox Series X|S y su lanzamiento está previsto para 2027.

El casting incluye a la aclamada Tricia Helfer en el papel de Kaatri y a Maggie Robertson como Tasha.

Warlock te pone en la piel de una de las clases más complejas de Dungeons & Dragons

Wizards of the Coast , filial de Hasbro Inc. (NASDAQ: HAS), ha revelado la pasada noche el primer tráiler de gameplay de Warlock: Dungeons & Dragons , un juego original de acción y aventura en tercera persona para un solo jugador. Warlock está ambientado en un mundo abierto de fantasía oscura inspirado en Dungeons & Dragons, donde la magia es una herramienta que los jugadores usarán de manera creativa tanto en el combate como en la exploración. Desarrollado por Invoke Studios , el título pone a los jugadores en la piel de Kaatri, una veterana maestra de armas que acepta un pacto para usar magia de otro mundo contra las fuerzas oscuras.

El nuevo juego de Wizards of the Coast e Invoke ya está aquí: WARLOCK, una aventura de acción ambientada en el mundo de Dungeons & Dragons que ha mostrado sus primeros detalles en la Gamescom.

Kaatri está interpretada por la aclamada Tricia Helfer (Battlestar Galactica, Lucifer). Warlock incita a los jugadores a usar la magia para superar una amplia variedad de obstáculos. A la hora de explorar, cada hechizo es una llave que desbloquea nuevos caminos y posibilidades en un precioso, aunque también inquietante mundo. Al enfrentarte a los enemigos, la magia y el combate cuerpo a cuerpo se combinan para ofrecer una experiencia de combate que es a la vez táctica y brutal.

El tráiler de la jugabilidad de Warlock ofrece a los jugadores más detalles sobre este próximo título, comenzando por la presentación de un nuevo personaje: Tasha. Maggie Robertson interpretará a Tasha en el papel de maestra y fuente de poder de Kaatri. Tasha enseña a Kaatri a sentir la Raw Magic, un poder oculto a lo largo y ancho de Darkon que le permitirá ampliar y transformar su habilidad mágica. Este nuevo tráiler cumple la promesa principal de Warlock: demostrar cómo la magia permite a los jugadores conocer, dar forma y controlar el mundo que les rodea. Kaatri convierte el entorno, la localización de sus enemigos e incluso el clima en oportunidades tácticas, combinando hechizos antes de usar sus habilidades como experimentada maestra de armas.

El resultado de todo ello son fluidos sistemas de combate y exploración donde la observación y la experimentación permiten descubrir nuevos caminos, revelar soluciones inesperadas y
producir espectaculares combinaciones.

Warlock se encuentra actualmente en desarrollo para PC, PlayStation 5 y Xbox Series X|S y su lanzamiento está previsto para 2027.

123...6.170Página 1 de 6.170