Hafþór “Thor” Björnsson es el actor que interpretará a Sir Gregor Clegane, más conocido como La Montaña, en la temporada 4 de la serie Juego de Tronos de la cadena HBO.
En la siguiente imagen el actor ya está caracterizado como su personaje en la serie:
Es de origen islándes y aunque no tiene experiencia previa como actor, su nombre es muy conocido ya que ha ganado el título de “El Hombre más fuerte de Islandia” los últimos tres años seguidos y se alzó con el tercer puesto en la competición “El Hombre más fuerte del mundo” en el año 2012.
Sir Gregor Clegane fue interpretado por otros dos actores a lo largo de la serie; Conan Stevens en la primera y en la segunda temporada, Ian Whyte. A lo largo de la tercera temporada no tuvo ninguna aparición y se especula que en la cuarta no tenga diálogos.
En la siguiente galería podréis ver nuevas imágenes del rodaje de la temporada 4 de Juego de Tronos.
La Temporada 4 de Juego de Tronos se estrenará en la primavera de 2014.
Os traemos la confirmación de que los Dinobots sí aparecerán en la película Transformers 4 tal y como su productor Lorenzo Di Bonaventura ha declarado en una entrevista concedida a The Beijing News.
A pesar de que Bonaventura no pueda revelar más detalles, opina que la llegada de los Dinobots hará más emocionante para los espectadores la saga de Transformers.
Por otra parte, nuevos rumores nos llegan sobre la presencia de Cyclonus, uno de los secuaces de Unicron en la serie animada de Transformers, aunque puede que su presencia sólo se traduzca en el nombre de un personaje y poco más.
Transformers 4 dirigida por Michael Bay se estrenará el 27 de junio de 2014.
Seguimos mostrando novedades de las próximas lecturas de las que podremos disfrutar y, en esta ocasión La Factoría de Ideas nos anuncia lo que saldrá en los próximos meses. Entre otras cosas, podemos destacar, El Laberinto de Matthew Reilly, Atlantes de David Lynn Golemon o Los Cazahuesos de Steven Erikson. A continuación todo esto y mucho más.
En una entrevista reciente, Bryan Cranston desmiente que a día de hoy haya firmado nada con Warner para interpretar al personaje de Lex Luthor, por lo que la noticia que os traíamos hace una semana ha resultado ser un fake de Cosmic Book News.
Según las propias palabras de Cranston, él no ha firmado nada de momento y menos para interpretar a Lex Luthor en 6 películas.
Cree que su nombre está de moda ya que todos le conocen por ser calvo y opina que para interpretar a Lex Luthor podrían coger a cualquier actor y afeitarle la cabeza.
Tampoco han sido confirmados el resto de rumores acerca de que Ben Affleck vaya a interpretar a Batman hasta en 13 ocasiones ni que Mark Strong vaya a repetir el papel de Sinestro.
[note color=”#fff9a9″]Prevista para iniciar su rodaje a principios del año que viene con intención de estrenarse en julio de 2015, siguiendo el éxito de El hombre de acero la nueva película de Superman le llevará a conocer al otro gran héroe de DC Comics, Batman, en el camino hacia la Liga de la Justicia.
Zack Snyder repetirá en el asiento del director con una historia creada junto a David S. Goyer. Henry Cavill repetirá también su papel de Clark Kent/Superman, y se espera lo mismo de los actores Amy Adams, Laurence Fishburne y Diane Lane. Por otra parte, Ben Affleck interpretará al hombre murciélago y todavía no hay confirmación oficial de quién interpretará a Lex Luthor.[/note]
ABC, la cadena que emitirá la futura Agentes de S.H.I.E.L.D, ha emitido este nuevo vídeo de detrás de las cámaras que incluye una entrevistas al elenco de la serie y algunas imágenes nuevas. Os dejamos el vídeo más abajo para que podáis disfrutar de él.
[note color=”#fff9a9″]Clark Gregg retoma su papel del agente Phil Coulson que le hizo famoso en las películas del universo cinematográfico de Marvel, para reunir a un pequeño y selecto grupo de agentes de la organización S.H.I.E.L.D. Juntos investigarán lo nuevo, lo extraño y lo desconocido a lo largo de todo el mundo, protegiendo a gente ordinaria de personas extraordinarias.
El equipo de Coulson está formado por el agente Grant Ward (Brett Dalton), entrenado en combate y espionaje, la agente Melinda May (Ming-Na Wen), piloto experta y buena en las artes marciales, el agente Leo Fitz (Iain De Caestecker), un ingeniero brillante y la agente Jemma Simmons (Elizabeth Henstridge), una genio en la bio-química, a los que pronto se les unirá la nueva recluta y hacker Skye (Chloe Bennet).
De los productores Joss Whedon, Maurissa Tancharoen y Jed Whedon, “Agentes de S.H.I.E.L.D.” es la primera serie para televisión producida por Marvel y ambientada en su universo cinematográfico. El guion del episodio piloto es obra de Jeffrey Bell (“Angel”, “Alias”) y Jeph Loeb (“Smallville”), cuyo estreno está previsto el 24 de setiembre en la cadena de televisión norteamericana ABC.[/note]
A lo largo de la Historia del Séptimo Arte hay infinidad de películas que se han convertido en el placer culpable de muchos espectadores. Películas que, con muy pocos medios pero rodadas con mucho oficio, han quedado en la retina y en el recuerdo del fandom cinéfilo. Un ejemplo paradigmático puede ser Robocop (Paul Verhoeven, 1987): un presupuesto ajustadísimo de 13 millones de dólares y un guión plagado de tópicos no impidieron que la dirección de Verhoeven y el diseño de Rob Bottin convirtieran lo que pudo ser un film vulgar en todo un ejercicio de estilo, caracterizado por su extrema violencia y un humor que, aunque minimizado, es muy negro. Películas que dan lo que prometen y que si por algo se caracterizan es por su falta de pretenciosidad y su honestidad con el espectador. En ese mismo grupo puede catalogarse Kick-Ass: Listo para machacar (Kick-Ass, Matthew Vaughn, 2010).
No obstante, antes de poner en alza los valores cinematográficos de Kick-Ass, conviene, como señalaba nuestro compañero Adolfo Saro en su crítica de la secuela, calibrar, aunque sea superficialmente, su calidad como adaptación (si bien es algo que, personalmente, me resulta poco relevante). La película adapta con cierta libertad y un buen puñado de licencias el cómic del mismo nombre (Kick-Ass, Mark Millar -guión-, John Romita Jr -dibujo-, Tom Palmer -entintado, 2008). Justo por esas licencias podría abrirse un intenso debate sobre la fidelidad a la obra original, pero realmente es algo que no me parece tan importante como a priori pudiera parecer. Primeramente, hay que tener en cuenta que cuando se proyectó la idea de la película y se esbozó el guión de la misma, el primer número en papel aún no se había publicado y el final de la historia aún no había salido de la pluma del experto en blockbusters en el Noveno Arte, Mark Millar. Seguidamente, hay que recordar por enésima vez que el lenguaje y ritmo cinematográfico no pueden compararse con su contrapartida en papel, por lo que muchas veces hay que hacer concesiones en busca de una mejor película. Por último, pero no menos importante, el film es muy fiel al espíritu del material original (compuesto por una inteligente amalgama de humor paródico y violencia extrema). Además de todo esto, personalmente diría que la película mejora algunos aspectos del cómic, sobre todo la caracterización de ciertos personajes. Frank D’Amico, interpretado por un Mark Strong en estado de gracia, resulta mucho más interesante en la película que el personaje que adapta, John Genovese; o los amigos nerds de Dave, de los que sabemos más, por poner sólo un par de ejemplos. Por todo ello, creo que las concesiones y divergencias respecto al material original están justificadas y contribuyen a una película más dinámica y accesible. Más allá de ello, cada cual valorará si prefiere una adaptación más fiel en los hechos (porque, como decía, en espíritu sobresale su fidelidad) a cambio de una película más difícil de visionar.
Portada del nº 2 USA de la serie original
Ya centrando el objetivo en lo estrictamente cinematográfico, no puede analizarse Kick-Ass sin mencionar un nombre: el de su director, Matthew Vaughn. Lejos de hacer una película impersonal o de encargo, algo habitual en el catálogo del género, el habilidoso director británico se involucra completamente desempeñando labores de producción y de guionista, escribiendo junto a Jane Goldman un libreto ágil muy coherente con el resto de elementos. Su mano se nota en cada fotograma y si algo puede alabarse de este realizador es su implicación en cada película que hace, supervisando concienzudamente cada aspecto de la misma. Pero más allá de alabar el amor o pasión que pueda poner en cada proyecto, hay dos características en el hacer fílmico de Vaughn que, como no podía ser de otra manera, se encuentran en Kick-Ass: 1) Es un director ingenioso y capaz de ofrecer productos dignos dotados de escaso presupuesto (28 millones de euros en el caso que nos ocupa). 2) Es especialista en captar el tono que debe dar a cada película.
Profundizando en el punto 2), es algo que se aprecia echando un vistazo a su filmografía reciente. En Stardust (2007), lo que la hace funcionar es la mezcla de humor blanco con un sentido de la aventura notable, en un perfecto equilibrio; en X-Men: Primera Generación (X-Men: First Class, 2011), la profundidad de los personajes principales y, de nuevo, un acertado toque de humor. Kick-Ass no es el éxito de una gran historia, es el éxito de una gran narración, salpicada de un humor autoconsciente, de una acción muy bien rodada y de una violencia exagerada. Asistimos a escenas tremendamente dramáticas que se las arreglan para no perder un ápice de dramatismo pero ser al mismo tiempo cómicas. Un gran ejemplo de esto pudiera ser la primera aparición de Hit-Girl: impactante, rodada de forma impecable, molona, pero al mismo tiempo, notabilisíma a un nivel cómico, fruto de la interpretación de una espléndida Chloë Grace-Moretz, que no deja de ser una niña en ningún momento. Es ese perfecto equilibrio entre un drama contenido, un humor socarrón bordado a una violencia exagerada y una cuidada puesta en escena el auténtico triunfo de Kick-Ass y de Vaughn como realizador.
El reparto principal de Kick-Ass: Aaron Johnson, Chloë Grace-Moretz, Nicolas Cage y Christopher Mintz-Plasse
Otro gran acierto de Vaughn, que es otro pilar de las bondades de Kick-Ass, es la dirección de actores. Con un reparto ciertamente limitado, con el amortizado Nicolas Cage como única estrella, consigue, en general, unas interpretaciones más que dignas, sobresaliendo por encima del resto Chloë Grace-Moretz y Mark Strong. La primera consigue una actuación natural y muy fluida, algo bastante extraño en el ámbito de la interpretación infantil; es la que hace creíble el personaje de Hit-Girl, conservando perfectamente la dualidad guerrera mortal/niña, que es lo que define a la perfección a la hija de Big Daddy (con infamia llamado “Big Papi” en la versión española). Perfecta en el drama, perfecta en la acción y no menos buena en la comedia. El segundo contribuye tanto o más a que el tono de la película del que hablábamos antes se mantenga firme a lo largo de toda la película. Strong dota a su personaje de una credibilidad inusitada en los dos ambientes en que se mueve Frank D’Amico y que de forma recurrente hace la película: el drama y la comedia. Su jefe mafioso funciona tanto en los momentos en que se comporta sin piedad (con esa presencia física contundente y poderosa) como en los que participa en alguno de los gags de humor absurdo o paradójico. Sencillamente fantástico.
Además de un guión bien trazado y a unas actuaciones correctas, cuando no sobresalientes, sumamos un apartado técnico notabilísimo. Si algunos directores flojean lo indecible en las escenas de acción (véase el horrible trabajo de Christopher Nolan en The Dark Knight Rises en este sentido), Vaughn mantiene el tipo huyendo del tembleque exorbitado pero manteniendo el dinamismo. De nuevo, un concepto: equilibrio.
Big Daddy y Hit-Girl
Quisiera, en este momento, dedicar unas líneas a un elemento fundamental en Kick-Ass, por su contribución inestimable en la creación de la atmósfera y tono al que hacíamos referencia más arriba: la música. De nuevo, podemos citar unas cuentas películas del género superheróico que tienen una música impersonal, simplemente correcta y funcional, pero nada destacable; por ejemplo, Iron Man 2, de John Debney; Thor, de Patrick Doyle o Capitán América: El Primer Vengador, de Alan Silvestri. Sin embargo, Kick-Ass posee una personalidad sin comparación posible. Doblemente reseñable es esa personalidad cuando uno atisba que la música original ha sido compuesta a ocho manos: John Murphy, quien aporta el tema de Big Daddy y algunos pasajes de acción; Henry Jackman, que compone el tema principal de Kick-Ass ; Marius DeVries e Ilan Eshkeri -que ya había trabajado con Vaughn en Stardust-, que aportan música adicional. A pesar de ello, el sentido de unidad musical se mantiene en todo momento. Pero esa unidad sonora no impide una gran variedad temática, ya que la banda sonora recorre casi todos los registros del género, desde el sonido más superheroico clásico johnwilliamsiano, pasando por Danny Elfman (compositor de películas como Batman, Batman Returns, Dick Tracy, Spider-Man o Darkman) – que compone incluso el tema de Bruma Roja-, hasta el sonido más moderno estilo Hans Zimmer y sus Remote Control. Por destacar algunos ejemplos, podemos citar los temas Roof Jump – que es un perfecto ejemplo de esa mezcolanza de elementos que deviene en el tono de Kick-Ass– o el clásico automático Flying Home. Sin embargo, a pesar del gran trabajo de Henry Jackman (que repetiría con Vaughn en X-Men: First Class, componiendo una de las mejores bandas sonoras de la última década), hay que decir que el tema que John Murphy pergeña para Big Daddy es un ¿autoplagio? del que compusiera para la película 28 días después (28 Days Later, Danny Boyle, 2002). Aquí tenéis ambos temas, comparad vosotros mismos.
http://youtu.be/KSYYEDXaGo0
http://youtu.be/LpZcbgyFbv0
A pesar de todo, la verdadera nota de cuidado musical es el uso de la música no original. Lejos de acudir a un mismo estilo, Vaughn utiliza música tan distinta como el punk ( como Banana Splits, de The Dickies), el pop (Starry Eyed, de Ellie Goulding), o la música electrónica (Omen, de The Prodigy), sin descuidar clásicos (Por un puñado de dólares, de Ennio Morricone). Todos los temas tienen el denominador común de la eficacia en pantalla.
Por todos esto, Kick-Ass acierta con el tono perfecto para ser una cinta muy entretenida. Lejos de las alambicadas propuestas pretenciosas de otros directores que se quedan en metáforas vacías sobre salir de un pozo arrastrando problemas de guión más que notables con la intención de ser considerado cine “adulto”, Vaughn apuesta por la sencillez y por dar aquello que ofrece. Ni más ni menos. Si además lo hace muy bien, como es el caso, es como para felicitarse.
Uno de los cómics más interesantes de leer, semanalmente, en la revista “El Jueves” es el de “Federik Freak”. Su autor, Rubén Fernández, tiene un humor y un estilo que a mi, particularmente, me encantan. También me gusta mucho el trabajo que está haciendo, desde hace más de 2 años, la editorial ¡Caramba! publicando en originales y diferentes formatos diversos cómics de humor realizados por autores independientes. Pues bien, ahora se juntan Rubén, Federik y ¡Caramba! para ofrecernos este imprescindible tomo: “Sea una Piraña Social. Pregúnteme cómo”. Un recopilatorio, junto con material inédito, del “bueno” de Federik. Sale a la venta el día 27 de septiembre. Conviene comprarlo.
Para más información, esta es la web de la editorial:¡Caramba! Comics
Os dejamos con una imagen del autor y la portada del nuevo libro:
Existe una confusión a la hora de catalogar una película según su género, sobre todo cuando se trata de una distopía ya que mucha gente las clasifica inmediatamente como Ciencia Ficción. Oh, la ciencia ficción, ese maravilloso comodín en el que tan pronto entran las películas de superhéroes, como Star Wars y, si me apuráis y como he visto en alguna sinopsis, El señor de los anillos. Recientemente parece que los críticos han descubierto un nuevo filón, la categoría de “Fantasía”, pero eso es otra historia… lo que he querido explicar señalando tan común error es que una distopía no tiene que ser necesariamente una película de ciencia ficción, pues del mismo modo que una película romántica puede tratarse de una comedia o un drama, las historias basadas en un futuro desolador pueden ser una película de aventuras como la clásica Mad Max, una de acción como El libro de Eli e incluso como hemos podido descubrir este verano, una comedia. Sin embargo durante años ha escaseado el género que curiosamente es el primero que nos viene a la mente al pensar en un futuro post-apocaliptico y sin salvación alguna, pero por suerte a finales de 2009 se estrenó La Carretera, adaptación a la gran pantalla de la novela homónima escrita por Cormac McCarthy y que como buen drama que es usa todas las herramientas a su alcance para hacernos experimentar la congoja de un padre en un futuro sin esperanza alguna.
La historia sigue el viaje de un padre del que nunca sabemos el nombre y su joven hijo por las carreteras de lo que queda de la civilización, a través de un mundo muerto gris y sin animales en el que la comida escasea y las pocas personas que todavía no han cedido al desanimo y no se han suicidado sobreviven a duras penas hasta el punto de llegar a considerar el canibalismo.
Pronto el padre se ve obligado a darlo todo para mantener a salvo a su hijo, al mismo tiempo que se esfuerza por mantener intacta la inocencia del niño en un mundo que la perdió hace ya tiempo.
Tal y como hemos dicho, La Carretera es una película basada en un libro escrito por el considerado uno de los mejores escritores de la actualidad, Cormac McCarthy, autor de No es país para viejos entre muchas otras. Como adaptación cumple, trasladando con maestría la atmósfera de desolación que tan bien plasmó McCarthy en sus páginas.
La película cuenta además con la ventaja de tener en el papel de protagonista a Viggo Mortensen en el que probablemente sea uno de sus mejores papeles: con su maravillosa actuación consigue transmitir a la perfección esa mezcla de emociones y miedos con los que convive día a día el padre y la angustia de ver crecer a su hijo en un mundo agonizante y sin futuro. Y en una película con un personaje infantil una mala decisión de casting puede destrozar todo el resultado, pero por suerte el papel del hijo está interpretado por Kodi Smit-McPhee, convincente y con una muy buena química con Viggo, capaces los dos de hacernos creer que estamos ante un padre y un hijo de verdad.
El resto de papeles pueden considerarse poco más que cameos, con una Charlize Theron en el papel de la madre, con más presencia aquí que en la novela y que mediante pesadillas del padre a modo de flashbacks conoceremos más su personaje y sus decisiones. Otros actores que también tienen su momento en la película son Guy Pearce y Robert Duvall.
Dirigida por John Hillcoat, la historia es conmovedora, por momentos cruda y cruel, retratando con realismo las reacciones de la humanidad a esa clase de situaciones que todos imaginamos cuando pensamos en un futuro distópico, y gracias a la maravillosa fotografía y la ausencia casi de colores se crea una atmósfera acorde en todo momento, haciendo casi indispensable disfrutarla en alta definición.
En muchos momentos de la película nos sentiremos invitados a reflexionar sobre las decisiones que toma el padre, si son acertadas o no, o si la sobreprotección a la que somete a su hijo no hace más que condenarlos, pensamiento que llega a su cénit en los instantes finales, con un desenlace quizá confuso y poco acorde con el resto de la película pero que como digo no deja de tener su justificación en el contexto de la historia.
La Carretera es probablemente una de las mejores películas ambientadas en un futuro post-apocalíptico, que utiliza todas sus armas para emocionarnos e incluso dejarnos con un nudo en el estómago en algunos momentos. La disfrutarán aquellos que como yo se sientan atraídos esa temática, pero también aquellos que admiran una buena actuación de un actor como Viggo Mortensen, y por supuesto los que buscan en una película algo más que simple acción.
Colin Trevorror y media vida planeando "Jurassic Park 4"
“Me he encontrado con rumores que circulaban en internet y debo admitir que me he puesto en alerta al leer que íbamos a ponerle un bozal al T-Rex. De modo que no creáis todo lo que leéis, siempre hay más personas con información privilegiada en internet que las que verdaderamente hay en la vida real“.
Así de directo ha sido Colin Trevorrow, director de “Parque Jurásico 4”al hacer frente a los rumores y especulaciones que este verano han estado circulando acerca del rodaje del film. El estreno ha sido retrasado a 2015 debido a algunos contratiempos, pero Trevorrow ha asegurado que no se van a domesticar al T-Rex ni al Velocirraptor. El director también ha querido dejar claro en una entrevista para un blog realizada hace unos días, que no hay que hacer caso a los rumores de que la historia se desarrollará en nuestros días y en la Isla Nublar, o que aparecerán dinosaurios acuáticos.
Por supuesto que todo podría pasar en el mundo de los dinosaurios creados por la avaricia de John Hammond pero Trevorrow nos avisa de que “nadie sabe qué narices estamos haciendo”.
Colin Trevorror y media vida planeando “Jurassic Park 4”
En cuanto a la parte musical, preguntaron a Trevorrow si ha pensado en John Williams para elaborar la banda sonora. Su respuesta también fue esclarecedora:
“¿Que si adoro a John Williams y a su música? Por supuesto que sí.”
Durante la entrevista ha dejado pistas que nos pueden llevar a especulaciones y a dejarnos caer la baba. La finalidad de “Jurassic Park 4” sería la de contentar a fans de la saga y a nuevos espectadores, con lo que hay que elegir con mucho cuidado la trama y el dinosaurio principal. En este plano, Trevorrow contestó:
“Tenemos un dinosaurio nuevo que es muy bueno. No voy a decir nada más sobre él, pero… es bastante agresivo. Creo que Jack Horner dijo algo al respecto”.
El paleontólogo Jack Horner, a quien debemos mucho el éxito de la saga de “Jurassic Park”
Jack Horner es un paleontólogo y dinosauriólogo americano que ha supervisado todas las partes de la saga de “Jurassic Park“. Incluso el personaje de Alan Grant, el paleontólogo interpretado por Sam Neill, está inspirado en Horner. Al comentario de Horner que se refería Trevorrow es al que pronunció hace unos meses acerca del nuevo dinosaurio:
“No puedo hablar sobre el nuevo dinosaurio, pero estoy seguro de que después de ver la película todos dejaréis las luces de casa encencidas“.
¿Será un dinosaurio acuático? ¿Se colarán las criaturas del doctor Hammond en la ciudad cual Godzillas desencadenados? Tenemos muchas razones para confiar en esta producción que lleva escribiéndose desde 2004 y que ha pasado por todo tipo de fases.
La página web de AMC, la cadena encargada de emitir cada semana Breaking Bad, ha colgado una entrevista a Bob Odenkirk, el actor que interpreta al abogado Saul Goodman. Os traemos la entrevista traducida para que podáis disfrutar de este personaje tan singular.
P. ¿Temía por la vida de Saul en esta temporada?
R: Todo el rato. Cada vez que cogía un guion tenía la sensación de que iba a pasar. Me lo temía.
P. ¿Qué se siente cuando te arrea Aaron Paul?
R: Una de las experiencias más divertidas que he tenido como actor. Me encantan los tiroteos y las peleas; todo lo que no puedes hacer en la vida real. ¡No me puedo creer que tenga que hacer esto para ganarme la vida! Fue un gran día; Aaron estaba muy metido en la situación y en el personaje. Estaba tan imponente que había veces que me tenía que recordar que no era testigo de su excelencia si no que tenía que participar. La escena en la que Walter me amenaza al comienzo de la temporada 5 y el momento en el que me tienen junto a una tumba abierta en el desierto, son grandes momentos de mi carrera.
P. Saul se ha vuelto más serio con el paso de las temporadas. Como humorista, ¿prefieres los momentos dramáticos o los cómicos?
R. Saul era más divertido en las primeras temporadas porque podía gastar más bromas. Todo era una broma para él. Pensó que podía ganar mucho dinero con esa gente y ganarlo en serio. Por supuesto, todo se torció. Probablemente la gente piense que sólo quiero hacer las partes divertidas, pero no es cierto. Como actor, me encanta interpretar esos momentos de peligro y miedo. Por eso he tenido un par de escenas de ese tipo cada temporada. Pero cuando descubrió que Walter White era un tipo peligroso, fue toda una revelación para Saul. Pensó que estaba haciendo negocios con un hombre sensato.
P. Todos tenemos una frase favorita de Saul, ¿cuál es la tuya?
R. “Enhorabuena. Ahora eres el guapo del grupo. Paul te presento a Ringo. Ringo, Paul.” Esa fue una gran escena y un gran momento del personaje. He tenido muchas frases realmente divertidas. El otro día estábamos viendo la escena donde le muestro a Walt la tarjeta del tipo que ayuda a desaparecer a gente y la frase: “¿Qué esperabas, el quita manchas definitivo?”, provocó una gran carcajada entre la audiencia. Casi todos sus monólogos han tenido una o dos frases buenas.
P. Ahora que ya dominas a Saul Goodman, ¿qué tipo de peticiones has tenido con los guionistas y con Vince para esta temporada?
R. Lo primero que hice fue hacer una sugerencia sobre el personaje. Vince me llamó y me estuvo hablando del personaje durante casi dos minutos. Le dije que tenía una idea para su pelo: una cortinilla larga para la parte de arriba y largo por detrás. Pero que fuese limpio para ir a la oficina como un abogado. Y dijo: “Genial, me encanta.” Esas han sido todas mis sugerencias para el personaje.
P. Saul y Walt son quizá los dos personajes más intrigantes y manipuladores de la serie. Si se enfrentaran, ¿quién sería el ganador?
R. Walt. Saul tiene una forma de pensar retorcida, algo profunda y conoce el comportamiento humano. Pero Walter White es más inteligente que Saul. En pocas palabras, el puede ir más allá y más hasta el fondo en este ámbito. Los héroes de Breaking Bad son los espectadores por aguantar todo este drama y este dolor.
Aquí os dejamos un vídeo con los mejores momentos del personaje:
