Sabíamos que el evento Original Sin revelaría secretos inconfesables de muchos de los personajes de La Casa de las Ideas, pero aquí os traemos un primer ejemplo de a qué se enfrenta el universo Marvel. La historia transcurrirá en una serie límitada de cuatro números titulada Original Sin: Iron Man vs. Hulk y verá la luz en junio en territorio Norteamericano. La serie explorará la posibilidad de que Tony Stark tuviera algo que ver el día de la trágica explosión de la bomba gamma que transformó a Bruce Banner en Hulk.
Portada para “Original Sin: Iron Man vs. Hulk”
La serie estará escrita por los actuales guionistas de las dos cabeceras, Kieron Gillen (Iron Man) y Mark Waid (Indestructible Hulk) y dibujada por Mark Bagley y Luke Ross. Según Axel Alonso:
“Original Sin revela un secreto profundamente enterrado y compartido por Tony Stark y Bruce Banner que nos devuelve a los tiempos de la bomba gamma que creó a Hulk. Después de esto, cualquier apuesta es válida entre Iron Man y Hulk. Pero no hay vuelta atrás, solo queda afrontar las consecuencias”.
Llegados a este punto, a los dos héroes únicamente les quedará unir fuerzas para descubrir la verdad, pasando por dónde se encontraba Tony en los momentos de la explosión. Según Waid la respuesta es sorprendente aunque “no es algo que no esperarías pero tampoco un truco”. El guionista de Indestructible Hulk continúa comparando este “desastroso viaje emocional” con la serie True Detective de HBO, “dos compañeros desenterrando un montón de escalofriantes y oscuros secretos cuyas consecuencias no están preparados para afrontar”.
The Raid 2 se acaba de estrenar en varias salas extranjeras de cine, y se cree que se irá ampliando, aunque de momento no llegará a España. Ya nos hicimos eco de su primera parte hace algún tiempo aquí.
Lo cierto es que esta cinta debería verse en una sala, ya que merece la pena. Por desgracia tendremos que coger un avión si queremos hacerlo.
Mientras buscáis billete de avión, aquí os dejamos un clip llamando El hombre del bate.
Empiezo esta reseña, como ya he empezado unas cuantas, con otra disertación sobre mi fascinación por la ciencia ficción. Me encanta el sci-fi que usa como excusa la ambientación para ponerse meditabundo sobre la condición humana. Lupus es un cómic de ciencia ficción espacial, pero está muy alejado del género de la space opera. En realidad, me costaría establecer un género concreto en una obra como esta. La obra de Peeters resulta tan íntima que en cierto modo cuesta ponerle etiquetas. De algún modo, sin embargo, el trasfondo futurista y espacial le va que ni pintado. Su potente imaginería lisérgica y onírica se integra en la infinidad del espacio, creando así un impacto emocional que pocas veces he visto. Lupus es una obra centrada en los personajes. La historia no es tan importante como la evolución de los personajes, algo que poco a poco incluso la cultura popular ha ido sabiendo apreciar, con ejemplos recientes como Breaking Bad o True Detective. Lupus y su amigo Tony están de año sabático y deciden gastarlo yendo con su vieja nave espacial a pescar a planetas lejanos, además de a colocarse con cualquier sustancia que pudieran conseguir por el camino. Es en este viaje vacuo, de escapada de la realidad, que encuentran a Sanaa, una mujer misteriosa que decide acompañarles en su viaje, y todo empieza a cambiar. Y ya basta de argumento, porque lo que nos interesa más que el qué, es el cómo.
La historia mezcla escasos momentos de acción con largos silencios reflexivos. Momentos de regresión, recuerdos, sueños, malos viajes, todo en el más puro silencio, el silencio espacial. No digo con esto que sea una obra aburrida, ni mucho menos. El interés está en descubrir lentamente a unos personajes tan redondos y vivos que nos veremos reflejados en ellos una y otra vez. El universo de la obra, muy rico y curioso, queda como una curiosidad de fondo, como un apoyo a la historia más que una ambientación pura, porque los personajes y sus vivencias transcienden sus límites espaciotemporales. Toda la obra está impregnada de una cierta angustia existencial y una melancolía marcada. A transmitir esas sensaciones ayuda mucho el trazo de Peeters, que nos ilustra un mundo en blanco y negro, sin grises, que recuerda a los clásicos del cine de ciencia ficción. Sus encuadres tienen una expresividad casi mágica, sus primeros planos revelan una sutileza de sentimientos entremezclados que sorprenden de un trazo aparentemente tan simple. Las ojeras de los personajes, las sombras que proyectan los objetos, la extraña cinemática del movimiento, todo contribuye a que veamos esta obra a través de unos ojos nostálgicos, reflexivos. El nivel de acción va de más a menos, mientras que la intensidad emocional va in crescendo. No deja de ser un viaje maravilloso, el de Lupus, una especie de rito de paso complejo y lento, con muchos momentos cargados de simbolismo.
Antes de leer Lupus, solo había leído otra obra de Frederik Peeters: Aama. Esta obra, que en España tiene 3 números publicados, es mucho más ciencia ficción pura, tiene mucha más acción. Además, cosa que influye, es una obra a color. No deja de tener esa angustia existencial y ese punto reflexivo, pero es claramente una obra más “ligera” que este Lupus. En cierto modo, entiendo Lupus como una obra de transición entre Píldoras Azules, una obra fuertemente introspectiva y dura (que tengo muchas ganas de leer), y sus recientes creaciones, entre ellas Aama. A decir verdad, tras haber leído dos de sus obras, tengo un interés creciente en ver qué más ha hecho este autor. Astiberri edita la gran mayoría de la obra de Peeters en castellano, pongo link al final de la reseña.
Esta edición integral (cuya segunda edición salió en noviembre de 2013) contiene los 4 volúmenes publicados originalmente entre 2002 y 2006. Es un tomo grueso, cuya portada en negro y naranja destaca por su sobriedad. Editado en tapa dura, este tomo de 400 páginas está hecho hecho para guardar, pero la lectura no se hace pesada. El papel es grueso (necesario con unos negros tan profundos) y de calidad. Se echa en falta la numeración en las páginas, no tanto para la lectura como para hacer referencia a momentos concretos de la obra. Supongo que es una decisión artística. Por los 25€ que vale esta edición, es una adquisición más que interesante. Hay que decir que las portadas individuales de la edición no integral son preciosas, pero comprar los 4 volúmenes por separado sube hasta los 60€.
Edición no integral de Lupus
Para ir acabando; esta obra que transciende géneros gustará a los amantes de la buena ciencia ficción, pero también gustará a todos aquellos que busquen historias profundas, cargadas de significado. La imaginería de Peeters se integra en los mundos fantásticos de esta obra espacial de un modo muy interesante. Una obra personal, madura, de ritmo lento, que resuena con la propia naturaleza del ser humano. Dadle una oportunidad, entrad en la historia de Lupus, leedlo despacio, saboread los silencios y las imágenes evocadoras, veréis cómo os atrapa.
[xrr rating=4.5/5]
Más información sobre este volumen integral de Lupus en la página de Astiberri.
Podéis ver el resto de obras publicadas de Frederik Peeters en Astiberriaquí.
Hace un par de días os mostramos los posters de la tercera entrega de “Los Mercenarios”, protagonizada por aquellas estrellas del cine de acción de los años 80 que se reían de sí mismas. Hoy os enseñamos el primer tráiler, bastante escueto por cierto.
A Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, Jason Statham y Jet Li, entre otros, se suman Antonio Banderas, Harrison Ford y Mel Gibson. La película se estrenará el 15 de agosto.
El hype que ha generado este interesantísimo juego de Ubisoft es algo indiscutible. Este interés radica en su original planteamiento y en los gamplays que han ido surgiendo desde su lanzamiento (donde hemos visto a su protagonista tanto impedir crímenes gracias a su habilidad como hacker como huir de la policía en espectaculares persecuciones a pie y en diversos vehículos). Y, a pesar de las polémicas que han surgido últimamente con respecto al descenso de su calidad gráfica en PS4 y Xbox One, el juego sigue teniendo una cantidad razonable de jugadores deseosos de que llegue el día de su lanzamiento (27/05/2014). Para amenizar la espera, se ha lanzado un “tráiler/unboxing” oficial del juego, donde podemos ver las características que posee la edición “Vigilante” de Watch Dogs.
[note note_color=”#fff9a9″] Ambientado en Chicago, donde una red central de ordenadores conecta a todo y a todos, Watch Dogs explora el impacto de la tecnología en nuestra sociedad. Usando la ciudad como arma, te embarcarás en una misión personal para administrar tu propia justicia.
La gran red de Chicago se conoce como el sistema operativo central (ctOS) y controla casi toda la tecnología y la información de la ciudad, incluidos datos clave de todos sus habitantes.
En el juego eres Aiden Pearce, un brillante hacker y ex matón cuyo pasado delictivo desembocó en una violenta tragedia familiar. Mientras buscas justicia por aquellos hechos, vigilarás y hackearás a cuantos te rodean manipulando el ctOS desde la palma de tu mano. Accederás a las omnipresentes cámaras de seguridad, descargarás información personal para localizar objetivos, controlarás semáforos y el transporte público para detener al enemigo… y mucho más. [/note]
Muchos somos los que recordamos los aterradores sonidos que, sobre todo en la primera entrega, nos ha dado a conocer la saga “Alien“. Una saga donde los silencios eran casi tan aterradores como las propias piezas audibles. SEGA y el estudio de desarrollo Creative Assembly pretenden recuperar esa sensación sofocante que transmitía el apartado sonoro de las películas y para ello se ha servido, no sólo de fragmentos de audio originales de la película de 1979, sino también de toda una orquesta sinfónica para crear la banda sonora del juego, heredera de la música original de Jerry Goldsmith
[note]En una estación comercial fuera de servicio situada en los confines del espacio, la población está desesperada y presa del pánico. Ambientado en una atmósfera de terror y constante peligro de muerte, un Alien impredecible y despiadado está acechando y matando desde la más profunda oscuridad. Sin el armamento adecuado y sin preparación, deberás optimizar los recursos, improvisar soluciones y utilizar tu ingenio, no sólo para superar la misión, simplemente para sobrevivir. [/note]
Si el otro día os mostrábamos las primeras imágenes del nuevo uniforme del Capitán América para Los Vengadores: La Era de Ultrón que llevaba un doble del actor durante el rodaje, esta vez podemos ver al mismo Chris Evans con el nuevo traje que llevará en la secuela, pudiendo ver más en profundidad detalles del uniforme, como el logo de los Vengadores (la A de Avengers) en los hombros.
[note note_color=”#fff9a9″] Formando parte de la Fase 2 del universo cinematográfico de Marvel, Vengadores: La Era de Ultrón, es la secuela de la taquillera Los Vengadores, que hará reunir nuevamente al conocido equipo de superhéroes, para enfrentarse a una de sus mayores amenazas, Ultrón.
También harán su aparición el Barón Von Strucker, La Visión, Mercurio y La Bruja Escarlata.
Con un reparto formado por: Robert Downey Jr., Chris Evans, Mark Ruffalo, Chris Hemsworth, Scarlett Johansson, Cobie Smulders, , Paul Bettany, Samuel L. Jackson, James Spader y Claudia Kim.
Vengadores: La Era de Ultrón dirigida por Joss Whedon, se estrenará en EEUU el 1 de Mayo de 2015.[/note]
Hace un tiempo os contamos cómo Akira Toriyama, el creador de Dragon Ball, iba a mostrar la madre de Goku, a la cual nunca pudimos ver en la serie original. Sólo supimos de ella cuando Raditz, el hermano de Goku, comenta que murió en el planeta Vegeta hace mucho tiempo. En febrero de 2014, en una entrevista en la Saikyou Jump, Akira Toriyama explicó que la madre de Goku, Gine, aparecería en un manga en el que estaba trabajando y que formaba parte del mismo universo aunque no se cruzasen entre ellos (a excepción de este detalle de Gine). Pues bien, ya hemos visto algunas imágenes del esperadísimo momento en el que Goku es enviado a la Tierra.El capítulo en cuestión es un spin-off de Jaco the Galactic Patolman llamado Dragon Ball Minus. Como curiosidad comentar que el nombre, como no podía ser de otro modo también deriva de una verdura, NEGI, que es un tipo de cebolla (en japonés).
Gine tiene un carácter afable y al contrario que muchos Saiyans no siente ese deseo innato de luchar aunque era parte del equipo de Bardock, pero normalmente le tocaba salvarla de los peligros del campo de batalla. Gracias a eso se enamoró del padre de Goku, cosa extraña entre los Saiyans, pues normalmente no desarrollan sentimientos de este tipo. Al no tener muchas habilidades para la lucha se trasladó al centro de distribución de carne en el Planeta Vegeta. Murió como tantos otros por el ataque de Frieza al planeta.
Sin más, las imágenes de Gine:
Gine preparando la comidaGine y BardockDragon Ball MinusGine y Bardock se despiden
Hace unos días os presentamos el tráiler de Dragon Ball Z: La Batalla de los Dioses en castellano, película que se estrenará el 30 de Mayo en algunos cines de España. Muchos pudimos disfrutar de esta serie en la televisión catalana y nos preguntábamos si la iban a estrenar también en Cataluña. Pues bien, ya tenemos el tráiler que muestra las voces en catalán con casi todos los actores de doblaje original además de a Alfonso Vallés como Bills.
Recordad, el 30 y 31 de Mayo y el 1 de Junio podremos disfrutar de la esperada película de la mítica serie en los mejores cines. Para verla en catalán habrá que ir hasta Cataluña aunque prometen también proyectarla en algún que otro cine de otra región:
Hoy se estrena en los cines de nuestro país la conocida historia de Noé, inspirada por la narración bíblica. Darren Aronofsky (Cisne negro, El luchador, La fuente de la vida) lleva a la gran pantalla su personal visión de Noé. Russell Crowe interpreta al hombre elegido para llevar a cabo una trascendental misión de rescate antes de que una inundación apocalíptica destruya el mundo.
La producción embarcó al reparto y al equipo técnico en su propio viaje al introducirlos en una intensiva investigación del mundo de Noé para hacerle justicia al texto. El objetivo del equipo creativo estaba claro: elaborar una versión de “Noé” que resultara inmediata, vibrante y personal. El resultado es el primer retrato cinematográfico de Noé como un hombre imperfecto cuya sobrecogedora tarea se enfrenta contra lo peor de la humanidad a la vez que reafirma nuestra fe en lo mejor de ella.
Toda la historia de Noé y el Arca que se le encomienda fabricar antes de que la Tierra sea anegada ocupa solamente unas pocas páginas en el Libro del Génesis. Pero esos pocos párrafos son sumamente conocidos por millones de personas de todo el mundo, creyentes o no, evocando tanto lo más profundo de la maldad como lo más elevado de la fe, y manteniendo la esperanza en la redención tras la catástrofe. Pero para Aronofsky todo comenzaba siendo la historia del primer Apocalipsis de la historia y cómo podría sobrevivir a eso una familia.
Eso se convirtió en el punto de partida de un proceso de escritura de Aronofsky y el co-guionista y productor ejecutivo Ari Handel. Puesto que el texto del Génesis es breve, no contiene prácticamente ningún diálogo y ofrece pocas pistas acerca de los sentimientos de Noé respecto de la inminente inundación, consultaron muchas fuentes religiosas, históricas y eruditas para intentar entender mejor la época de Noé, así como la relevancia de sus acciones. No se propusieron atenerse literalmente a los escritos, centrándose por el contrario en dramatizar lo que ellos consideraban como los temas esenciales de la historia de Noé e investigando las cuestiones que planteaba la narración bíblica. Es decir, inventándose todo lo necesario para rellenar los huecos que no cuenta la Biblia, intentando que estos añadidos no contradijeran lo ya conocido.
Noé comienza a construir el Arca
El resultado es una historia que comienza en el Génesis y crece hasta convertirlo en un drama familiar, con unos toques fantásticos que son, cuando menos, sorprendentes. Tras recuperarnos de la inventiva del guión, nos adentramos en la historia de Noé y cómo embarca a su familia a una misión sagrada y titánica. Un Russell Crowe con una interpretación comedida y admirable nos muestra un Noé sereno y convencido de su misión. Junto a él el resto de los personajes principales simplemente están para darle la respuesta al protagonista, aunque son de alabar las interpretaciones de Emma Watson y de Anthony Hopkins.
Pero el resultado final de este “blockbuster de autor” si podemos llamarlo así, es totalmente fallido. Aronofsky crea una película poderosa en cuanto a imagen y escenografía pero que flaquea en muchos aspectos del guión, guiones me atrevería a decir ya que parecen al menos dos películas diferentes las que tenemos mal conjuntadas, con temáticas dispares y protagonizadas por dos personajes totalmente opuestos. Y es que si el Russell Crowe-Noé del principio es una admirable muestra de interpretación, en la segunda parte el personaje se pierde (ojalá pudiera decir que en la locura) y no logramos entender ni al personaje por sus acciones, ni al actor por su exagerada pantomima que, sin saber por qué, termina de un modo abrupto, sin explicación y dejándonos a un Noé muy diferente del que hemos conocido al principio, sin saber por qué ha cambiado de ese modo.
Cartel
Está claro que esta no es una película al uso, sino que es una visión muy personal de su director. Noé, de Aronofsky (porque este debería ser el título completo), discurre por varios géneros durante todo el metraje: podremos encontrar cine fantástico, película de catástrofes, relato de aventuras… Todo con una fotografía magistral que nos inspira miedo y desazón gracias también a los escogidos y deprimentes escenarios islandeses. El director nos muestra una trama bastante típica y lineal de Noé y su familia… hasta que llega el Diluvio y la película (y, como hemos visto, el protagonista) cambian completamente.
Parece que es la segunda parte de la película la que verdaderamente quería rodar Aronofsky. Cuando todos los personajes se encuentran encerrados en el Arca (encerrados con ellos mismos, con sus miedos y sus debilidades), la historia se convierte en un oscuro canto de los defectos humanos y familiares. Podemos vislumbrar ciertos retazos del salvajismo del Antiguo Testamento, llegando a ver a los dos antagonistas principales casi como bestias aterradoras para, al final, regalarnos un rayo de esperanza tanto en el ser humano como en el futuro de la especie.
El único problema de esta segunda película, atractiva y emocionante, es precisamente eso, que es una película pegada a otra diferente en temática, contenido y finalidad, dos películas con varias capas que, en vez de hacer fluir la narración la entorpecen y obstaculizan creando varios capítulos inconexos: desde un alocado componente fantástico, hasta una superproducción de catástrofes, pasando por un drama familiar Aronofsky parece no encontrar el punto a una historia que da bandazos a merced de una marea de ideas (buenas pero atropelladas).
En resumen, una película poderosa en cuanto a imagen e ideas, muy personal y debido a ello, para bien o para mal, que no dejará a nadie indiferente.
