La editorial catalana nos hace público las novedades que sacará a la venta, destacando entre ellas el tercer y último volúmen de la Edición Integral de Hellboy, el sexto volumen de Incorruptible y el tercero de los Next Men de John Byrne. Para más información, adjuntamos nota de prensa y catálogo en PDF:
El viento sopla fuerte cerrando las puertas y además, hace tanto frío que sólo dan ganas de quedarse en casa. ¿Por algo será? para acurrucarnos en el sofá con una manta, y un buen cómic. ¿Cómo cuál?. Pues aquí tenéis algunas ideas de las novedades de marzo que saldrán a la venta en nuestras tiendas este próximo viernes, 21 de febrero:
En la mayor parte de ocasiones, la destrucción en las últimamente tan habituales obras postapocalípticas logra el efecto contrario al deseado. De este modo, en lugar de pensar en lo horrible que sería morir de una determinada forma y/o en compadecernos de los seres humanos afectados, normalmente las muertes se contemplan desde la indiferencia o, en ocasiones, mediante un prisma humorístico por lo absurdas que resultan. No obstante, afortunadamente, de cuando en cuando una obra consigue hacerse un hueco y alterar nuestra visión de los acontecimientos y los fallecimientos. Un buen ejemplo sería el primer volumen de The Massive, que analizaré a lo largo del presente texto.
Así pues, The Massive resulta innovador en bastantes aspectos. El primero de ellos sería por su “realismo” y causa o causas de lo que destruye a la humanidad. Esto es, en la cabecera no son los muertos vivientes, ni un gran tsunami, ni la llegada de un ser omnipotente los que desencadenan el fin de la civilización; sino algo tan complejo como una serie de acontecimientos meteorológicos y físicos. El crash, como se conoce a este conjunto de hechos, sucede durante un año y está constituido por multitud de cosas. A saber, lluvias torrenciales, cambios de corrientes marítimas, hundimientos de tierra…No estoy diciendo que sea verosímil o habitual que los fenómenos anteriores ocurran a la vez y en tal magnitud, pero obviamente resulta más realista que una plaga de no-muertos y, además, se aleja bastante de los motivos o desencadenantes más tradicionales del fin del mundo.
A raíz de la naturaleza del crash, las muertes no nos resultarán indiferentes ni humorísticas, puesto que ver cómo decenas de miles de personas mueren por falta de comida o por brutales hundimientos de tierra nos provoca un cierto sentimiento de comprensión. En otros términos, tal como menciona el texto introductorio del volumen de manera muy acertada, “millones de personas mueren de una forma sucia y trágica, y nada cinematográfica”.
Contextualizada su temática y planteamiento, conviene pasar a analizar el guión. En primer lugar, es necesario aclarar que el artífice de la historia es el famoso guionista Brian Wood, autor de una cabecera de Star Wars en la que aparecen los personajes originales de la vieja trilogía y de DMZ, que será adaptada a televisión; entre otras. Por ello, su nombre resulta ser un sello de calidad, ya que al verlo sabemos que nos encontramos ante una buena obra. Y, ciertamente, la intuición resulta acertada, pues en la presente colección se cumple de nuevo al resultar notable desde un punto de vista argumental.
Y es que The Massive, como todas las obras postapocalípticas, narra lo que sucede tras el crash o los fatales acontecimientos, pero lo hace desde un punto de vista significativamente distinto. Es decir, si en la famosa The Walking Dead lo primordial es el comportamiento de los personajes y su posterior en evolución, en The Massive lo fundamental es cómo el mundo se adapta a la nueva coyuntura y continúa girando. De este modo, el grupo ecologista de acción directa Novena Ola, el protagonista de la historia, sigue realizando acciones a bordo del Kapital para proteger al océano e impedir su destrucción, al mismo tiempo en que intenta localizar a su embarcación hermana The Massive, perdida durante el crash y tripulada también por miembros de la asociación ecologista. Tal como habréis podido suponer, este barco da el nombre a la colección.
No obstante, aunque lo principal es la nueva adaptación a un mundo devastado por los desastres naturales, Wood también nos relata, a medida que la colección avanza, algunos de los fenómenos que forman el crash. Pese a que no es necesario enumerarlos todos, conviene citar algunos para profundizar en esta devastadora unión de fenómenos, tales como el hundimiento de tierra en Hong Kong, el cambio de corrientes marítimas continuo que impide hacer circular a los barcos o la muerte masiva de peces. Por consiguiente, a lo largo de los distintos números del volumen, Wood nos introduce, por un lado, el nuevo estado del mundo (tanto actual como el de su pasado más reciente) y, por otro, narra las aventuras y desventuras del grupo ecologista en una situación tan compleja como esta. Sin desvelar mucho, deberán enfrentarse a, entre otras muchas cosas, a una escasez de alimentos y a la piratería.
A su vez, los personajes son el último pilar del argumento de The Massive, pues son los que llevan a cabo las operaciones descritas con anterioridad en un mundo como este. Principalmente, distinguimos tres personajes principales. El primero es Callum “Cal” Israel, el líder de Novena Ola y capitán del Kapital, un antiguo mercenario de Blackbell PMC reconvertido en un ecologista pacifista. El segundo es Mag Nagendra, jefe de seguridad del Kapital y viejo amigo y compañero de Callum, así como también antiguo mercenario. Por último, tenemos a Mary, un miembro importante del grupo e interés amoroso de Callum. Estos tres personajes poseen una historia individual, de ocho páginas cada una, con el fin de conocerlos mejor, pese a que durante la trama se nos revelen detalles de su pasado.
En el ámbito gráfico, la colección resulta bastante más irregular, principalmente en lo referente a los lápices. Por consiguiente, mientras que en un 30% del tomo tenemos a Kristian Donoldson ocupándose de los trazos, en los que exhibe un estilo realista y detallista; en el 70% restante Garry Brown toma el relevo. No es que el último haga un mal trabajo, pero su estilo poco definido contrasta mucho con el de Donoldson y el cómic, por tanto, da una sensación de inconsistencia gráfica. No obstante, el otro punto a favor de la cabecera es su gran color de la mano de Dave Stewart, quien obtuvo un premio Eisner por su buen trabajo, y muy merecido además. De entre sus muchas virtudes, lo mejor son las escenas del pasado, relativas al Crash, coloreadas en tonos ocres, un toque muy bueno.
En cuanto a la edición, Panini recopila los primeros dos arcos argumentales de la cabecera en un tomo rústica de 176 páginas a color por 17,95€. Incluye, además, un artículo introductorio y sus correspondientes portadas, así como una breve biografía de cada autor. En suma, estamos ante una colección atípica e innovadora que promete bastante en cuanto a su aspecto argumental. Sin embargo, la inconsistencia gráfica hace que pierda algunos enteros.
La editorial (con muy buen gusto) Fulgencio Pimentel nos tiene preparada una sorpresa para marzo de 2014. Esta es la información al respecto:
“Arsène Schrauwen I
Olivier Schrauwen
Rústica con sobrecubierta. 220 x 265 mm
56 páginas. Dos tintas
978-84-941439-4-6
Sin abandonar nunca el ánimo renovador de títulos como Mi pequeño (2009) y El hombre que se dejó crecer la barba (2012), Olivier Schrauwen inicia aquí un tríptico mucho más cercano, audaz y personal que ninguna de sus obras precedentes para narrar la odisea de su abuelo Arsène en las postrimerías del Imperio colonial belga. Relato iniciático, con reminiscencias de clásicos como El corazón de las tinieblas y Viaje al fin de la noche, Arsène Schrauwen es un tebeo en trance que alterna personajes turbadores, noches tropicales y estaciones lluviosas con el fondo alucinado del descubrimiento del amor. Restando por primera vez primacía a lo gráfico en favor de lo literario, Schrauwen entrega su trabajo más accesible, también el más conmovedor e impresionante”.
El roce hace la amistad, y Robert Kirkman lo sabe muy bien. Está planeando, junto a uno de los actores fetiches de “The Walking Dead”, Norman Reedus (Daryl), una película post-apocalíptica y de ciencia ficción. Su título es “Aire”, así de simple.
Kirkman sería el productor junto a David Alpert, también de “The Walking Dead”, y Brian Kavanaugh-Jones, de “Insidious”. En la dirección sitúan a Christian Cantamessa, en el que sería su debut como director. Y para el reparto, Reedus sería acompañado por Djimon Hounsou, el cual veremos en “Fast and Furious 7”.
Como véis, se están montando el chiringuito para una película que promete ser una menos del montón. Tras una guerra nuclear que ha convertido la atmósfera en irrespirable, unas instalaciones de criogenización se encargan de conservar a los humanos que en el futuro repoblarán la Tierra. Sin embargo, los guardias encargados de la custodia de los científicos criogenizados, condenados a no poder salir de las instalaciones, comienzan a perder la cordura.
Un thriller de ciencia ficción con una muy buena base, y si Kirkman mete mano, hay garantías. Según parece, además, Sony podría estar detrás de este film.
La famosa saga de juegos de magia y espada “Sacred“, volverá de la mano de Deep Silver, creadores de Dead Island. La desarrolladora repetirá la fórmula que llevó a cabo en la segunda entrega, es decir, el juego no solo saldrá para PC, como pasó con la primera parte de la saga, sino que también saldrá para PS3 y Xbox 360
Por su parte, Remy van Leeuwen, gerente de marca de Deep Silver, ha dejado muyo claros cuales serán los principios los que el estudio se va a regir a la hora de crear esta nueva entrega de la famosa saga“El principal objetivo en el desarrollo de Sacred 3 ha sido crear una experiencia cooperativa en línea y local sin interrupciones […] Al crear un juego diseñado en torno al concepto central del sistema cooperativo, estamos expandiendo la serie a un nuevo público sin comprometer el rico universo de fantasía de Sacred.”
Aunque ya han sido presentados la mayoría de los personajes del elenco principal, desde Disney todavía se guardan alguna que otra sorpresa. Concretamente, un nuevo personaje nuevo para la nueva serie animada de Star Wars: Sabine, a quien definen brevemente como una mandaloriana experta en armas. Más en detalle, dicen que:
Ella es definitivamente un personaje que se ha vuelto contra el Imperio en beneficio de los Rebelde. Está añadiendo algo que en realidad no hemos visto antes en el universo de Star Wars, pues dispones de un personaje que es expresivamente creativa a través del arte, ya sea el color de su pelo o lo que le ha hecho a su armadura.
Disponemos, además, de un vídeo introductorio, que os dejamos a continuación:
El mundo del cómic dista mucho de lo que era en su origen, un hecho que los integrados de Umberto Eco agradecen enormemente, ya que lo han podido añadir a sus teorías “proculturales”. De esta manera, lo que en un principio era una mero pasatiempo, se ha convertido en toda una herramienta cultural mediante la que podemos desde entretenernos hasta conocer y aprender tanto sobre nuestro entorno como sobre la historia de otros lugares, además de servir como un nuevo medio de crítica social.
Así, aparecen autores como Joe Sacco, Howard Zinn o Art Spiegelman entre otros, sumándoseles la autora del cómic a analizar: la iraní Marjane Satrapi. Nacida en Teherán como única hija de una familia descendiente de la dinastía kayar (que reinó en Persia hasta 1925), se mudó a vivir con catorce años al liceo francés de Viena, volviendo años después a Irán, aunque actualmente reside en París. Su lugar de residencia no sería para nada relevante de no ser por el cambio social tan drástico que ha podido vivir: por un lado tenemos las costumbres, represión y censura que ha tenido durante su niñez, y por otro, la era de libertad occidental que vivió en su adolescencia, que choca drásticamente contra todo lo visto en sus inicios.
Es por esto que el guionista y dibujante David Beauchard (más conocido como David B.) instó a Marjane a narrar su historia a modo de novela gráfica, naciendo así en el año 2000 el cómic Persépolis (ciudad persa en griego) que se publicó a modo de cuatro entregas hasta el año 2003.
La obra, publicada actualmente por Norma Editorial, comienza con una introducción realizada por David B., quien narra grosso modo los acontecimientos que se dieron en Persia desde el año 642 hasta 1979. En la parte más reciente de estos se nos cuenta cómo la CIA organizó un golpe de estado contra Mossadeq, el jefe de gobierno que estaba al mando en 1953, siendo este sustituido por Mohamed Rezab (conocido como el Shá), quien en 1979, debido al estallido de la “revolución islámica”, es obligado a exiliarse.
A partir de aquí, Marjane Satrapi toma el mando y comienza su historia, escrita en forma de autobiografía, dividiendo cada hecho notorio dentro de pequeños capítulos que están ligados todos ellos por un nexo común, la joven iraní. El primer capítulo se abre bajo el título “El pañuelo”, y en él, observamos mediante una mezcla entre sátira, crítica y nostalgia, cómo vivieron las niñas iranís de principios de la década de los 80 el tener que comenzar a llevar un pañuelo para cubrir su cabello. A esto se le suma el cambio ideológico, pasando de ser un pueblo de mayoría laica, a convertirse al islamismo de forma obligada, teniendo que aceptar unas creencias por obligación, no por propia disposición.
De esta forma, vamos observando cómo la joven Marji va creciendo y obteniendo cada vez más conciencia del entorno opresivo que la rodea, y lo va exteriorizando mediante sus conversaciones con Dios, entidad que ella idea como forma de un diario imaginario al que expresar sus sentimientos. Las dificultades de vivir con una ideología liberal bajo la disposición de un pueblo en el que la censura y la represión estaban a la “orden del día”, se convierte en el principal hilo argumentativo de la historia, que se va deshilvanando a lo largo de las páginas hasta llegar al año 1984, momento en el que los padres de Marji deciden enviarla a estudiar a Viena, para que pueda crecer lejos del clima opresor que asola a Irán.
Esta segunda parte de la historia sirve para mostrarnos el gran choque cultural de dos mundos: occidente y oriente. Las tendencias de la época, la diversidad de pensamientos o la propia cultura se muestran aquí como un contrapunto de los ideales islamistas. Finalmente, la conclusión del relato sirve de nuevo para ver estas diferencias desde un nuevo prisma, creando en conjunto una historia crítica que calará en nuestro interior sin ninguna dificultad.
El dibujo, creado por la propia Marjane Satrapi, es simplemente una forma de acompañamiento del texto, que es donde recae la profundidad de la obra, de hecho, la propia autora admitió que en sus comienzos dibujaba bastante mal. Líneas simples y directas, carentes de detalle, pero elegidas cuidadosamente, plasman los acontecimientos contados de forma clara y concisa, evitando así distraer al lector de lo que su autora desea plasmar. Viñetas como la segunda que encontramos nada más abrir el cómic, donde vemos a cuatro niñas con velo vestidas prácticamente iguales, lo que evoca la erradicación de la propia personalidad que se llevó a cabo, son solo un ejemplo de que lo simple y lo elaborado, pueden darse de forma simultánea.
En cuanto a la obra en sí, estamos ante una novela gráfica excelente, que aborda la historia de Irán desde un punto de vista cercano y directo para los occidentales, haciendo gala de un estilo crítico que nos hará reflexionar al concluir cada capítulo. Persépolis se divide en tres arcos argumentales, teniendo estos como nexo de unión a Marjane Satrapi, quien ofrece tres perspectivas totalmente diferentes de dos mundos opuestos.
La versión analizada es la Integral, sobre la que actualmente Norma Editorial publica su séptima edición. Esta se compone de 360 páginas en blanco y negro, incluyendo en su parte final 8 páginas a color en las que Satrapi nos muestra la visión que occidente tiene de Irán y frente a esta, la realidad. La edición está realizada bajo un formato cartoné, teniendo un precio recomendado de 25€.
Persépolis también ha sido adaptada al cine, creando un filme animado galardonado con numerosos premios y nominaciones. Persépolis se aleja de los cómics tradicionales, ofreciéndonos una obra maestra en viñetas, cuya lectura debería ser obligatoria para todo aquel que quiera acercarse a leer un cómic humano, además de poder conocer la historia del pueblo iraní.
Robin Wood es un personaje por sí mismo. Su biografía podría pasar por la de uno de sus héroes de papel, llena de curiosidades y extraños recovecos vitales. Pero, aparte de su pintoresca trayectoria, podemos decir que se trata del guionista de cómics en lengua castellana más prolífico del medio. Desde hace un tiempo, ECC ediciones rescata algunos de estos clásicos, titánica labor si tenemos en cuenta las dimensiones de la obra de este autor. Una de estas joyas que no deben caer en el olvido es la que hoy comento para vosotros. Bienvenidos al siglo XV, compañeros de viaje. Afilad bien vuestros aceros.
La trama nos traslada a una época de intrigas y sombras, de abismales diferencias sociales entre ricos y pobres. Siglos convulsos de enormes cambios históricos, que influirían de manera definitiva en el devenir del mundo tal y como lo conocemos. Por supuesto, las luchas de poder tiñen de sangre los palacios, y de una de esas conspiraciones nace la historia de Ángel, marcado desde su nacimiento por el destino. Producto de una de las muchas infidelidades del rey Fernando, es el mismo monarca el que encarga la muerte del recién nacido, preocupado ante la posibilidad de que la existencia del bastardo ponga en peligro la estabilidad de la corona.
Encubiertos por la oscura noche toledana, los asesinos reales no contaban con la presencia de un extraño salvador, que rescatará al muchacho de la muerte segura, y lo esconderá en el laberinto de calles del Toledo medieval, a cargo de asesinos, ladrones, enfermos y prostitutas. Así nace la leyenda del Ángel.
Hay dos cosas que me llamaron la atención poderosamente de esta obra. Por un lado, que gran parte de la acción suceda en Toledo, ciudad de mis amores, llena del ambiente de leyenda que se presta a una narración de capa y espada clásica, necesitada de oscuros callejones y secretos enterrados en sus piedras. Por otro lado, la presencia del arte de Eduardo Risso, el ahora afamado dibujante de obras maestras como 100 Balas, que por aquel entonces (hablamos de un cómic publicado en origen en 1985) ya tenía un poderoso estilo propio.
Robin Wood es un escritor excepcional. Más que un guionista al uso, se recrea en el aspecto literario, escoge con cuidado lo que quiere decir y como decirlo. Se mantiene con elegancia dentro del decoro de una narración de época, pero no resulta incómodo ni arcaico. Envuelto en la bruma de misterio de la lúgubre España del siglo XV, construye ambientes reconocibles por cualquier lector de novela de aventuras. Noches frías, calles embarradas, rincones traicioneros, y centenares de lugares comunes del folletín decimonónico que han dado sentido a las historias de capa y espada. Se apropia de estos clichés con tanta maestría, que, sin parecer nuevos, se transforman en un homenaje sincero y entrañable a las novelas que Wood, lector incansable, devoró de niño.
Y es que Wood es un escritor con una sensibilidad especial. Aparte de su estilo ágil y adictivo, bebe de multitud de influencias y escuelas narrativas anteriores, que dan más empaque a su propuesta. La obra apareció en las páginas de la revista D´artagnan, en formato de serial. Esto hace que Wood aproveche para recrear el estilo de las novelas por entregas del Siglo XIX, con episodios que tienen una trama común, pero que resultan muy cómodos como lectura independiente. Ahora que la revista dedicada al cómic es casi material de arqueología, es curioso reencontrarse con un modo de edición que sirvió de trampolín a más de un clásico del medio. Por otro lado, vemos también un claro homenaje a la tradición de la novela picaresca, ya que Ángel, en su largo periplo, entra al servicio de distintos amos con la única intención de llenar el estómago y sobrevivir. Bien es cierto que Wood renuncia al humor negro y satírico del que hacían gala estas novelas, abandonando la tragicomedia por un ambiente mucho más lúgubre y sórdido.
Una muestra del trabajo de Risso
Wood también se atreve a la modernización de conceptos que tienen sus raíces en las narraciones mitológicas, y del que se nutren casi todos los héroes clásicos; el niño salvado de la muerte, marcado y predestinado a la grandeza, que ha servido de pilar de narraciones desde Moisés a El Libro de la Selva, y que constituye un pilar básico de la enorme capacidad humana de contar historias.
Wood nos sumerge en la epopeya de un héroe a su pesar, que aprende por las malas que el mundo es un lugar donde prima el egoísmo y las bajas pasiones. Esta realidad no hace de Ángel un antihéroe taciturno y lleno de rencor. Gracias a su viaje personal, el joven aprende sobre la nobleza y la justicia, que poco tienen que ver con la condición social. A pesar de todas las experiencias que destruirían el alma al más nobel de los corazones, Ángel sigue fiel a unos principios casi caballerescos de valor y lealtad. Al estar serializada en episodios, Ángel encuentra en cada uno de ellos una lección vital, en situaciones que van desde el más mundano y prosaico instinto de supervivencia, a la fantasía histórica pasando por los encuentros con lo macabro y sobrenatural.
Wood no pretende un retrato histórico, plantea el contexto de la época como un juego con personajes que marcarían el rumbo de aquellos años de descubrimiento. Por las páginas de El Ángel pasean caras conocidas como los Borgia, o un joven marino que planea lo imposible, como establecer una nueva ruta a las Indias que cambiaría el mapa del mundo. Al estilo de Dumas en Los tres Mosqueteros, que utilizaba a nombres de la historia de Francia para construir su propia aventura de ficción, Wood recoge la historia de España y la transforma en su tablero de juego, desde los callejones de la turbia y oscura Toledo, con la extraña recreación de la Corte de los Milagros que pueblan sus calles, a la América promesa de nuevas esperanzas.
El trabajo de Risso nos muestra un estilo en construcción, pero que ya es capaz de sorprender por la fuerza de su idea de narración visual. Risso es un virtuoso del blanco y negro, y lleva las claras influencias de clásicos como Hugo Pratt o Moebius a su propio terreno. Reconocible no sólo por su técnica llena de claroscuros, el sentido de la acción de Risso es marca de la casa, gracias a los primeros planos llenos de emociones, o a los planos cerrados en las secuencias de combate que recuerdan a un western de los años 70. Un estilo que se acomoda perfectamente en el tipo de narración, descriptiva y ambiental, que pide la historia de Wood.
Hay géneros que permanecen a pesar de los cambios, de los modelos de héroe que imperan en uno u otro momento. Creo que el tipo de Protagonista que nos ofrece El ángel es atemporal. Los que hemos crecido a base de películas de espadachines, vemos en este cómic, aparte de una gran historia muy bien contada y dibujada con personalidad, una excusa para una sana vuelta a una época más sencilla, donde la justicia y al valor eran la línea que separaba a los hombres de honor de los villanos.
El tomo que recopila los 20 capítulos de la serie original se ofrece en un cómodo y práctico volumen de tapa blanda, dentro del mismo formato en que se han presentado anteriores entregas de la biblioteca Robin Wood. Sin exceso de amterial superfluo, ofrece en su interior la biografía de ambos autores, y un interesante artículo sobre las bases literarias que sustentan la obra, a cargo de Jorge García. El tomo tiene un precio de venta al público de 19 euros.
La web oficial de la película se actualiza y muestra una nueva apariencia para encarrilar la que será la recta final de promoción. La página de inicio muestra ahora un collage interactivo entre el futuro y el presente de los mutantes. A demás, han abierto una sección donde podemos echarle un ojo a la descripción de cada uno de los personajes, así como a sus principales poderes. Todo aderezado con nuevas imágenes de cada uno para la ocasión.
[note note_color=”#fff9a9″] La última formación de X-Men disputa una guerra para la supervivencia de la especie en dos periodos de tiempo diferentes. En “X Men: Días del Futuro Pasado“, los personajes originales de la trilogía “X-Men” unen sus fuerzas con ellos mismos años atrás “X-Men: Orígenes“, en una batalla épica que deberá cambiar el pasado para salvar el futuro.
La trama nos contará cómo traerán la conciencia de Lobezno a 1973 para ayudar a Xavier, Magneto y el resto de mutantes con el fin de acabar con los Centinelas, creados por Industrias Trask.
A partir de 1973 Industrias Trask comienza la producción del primer Centinela, el Mark I que se convertirá en la defensa antimutante mas avanzada que hay en el mundo. Después de 8 generaciones de mejoras en los Centinelas y de 50 años de investigación, abandonan la producción del Mark I para fabricar el Mark X, las nuevas unidades que combinarán nanotecnología de última generación y armamento biológico, con la promesa de un futuro aún más brillante para la raza humana.
El reparto estará formado por Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Peter Dinklage, Nicholas Hoult, Jennifer Lawrence, Ian McKellen, Patrick Stewart, Shawn Ashmore, Anna Paquin, Ellen Page, Omar Sy y Halle Berry.
X Men: Días del Futuro Pasado dirigida por Bryan Singer, se estrenará en los cines el 23 de Mayo de 2014. [/note]
Escrito por Jose Galbis y Aina Margenat. Barcelona, 16 de febrero de 2014.
El pasado domingo 16 de febrero, tuvo lugar en el Teatre Principal de Barcelona el segundo festival Haikurts de micrometrajes, una iniciativa de Fede Serramalera, Jona Jaraba, Maria Ródenas y Marta Vallbona, un grupo de ex alumnos de la facultad de comunicación Blanquerna, en Barcelona.
La palabra Haikurt nace de la unión de dos conceptos: el haiku, una tipología de poesía japonesa y curtmetratge, cortometraje en catalán. Así pues, si un haiku propone una estructura de tres versos en la que el primero debe tener cinco sílabas, el segundo siete y el tercero cinco de nuevo, un haikurt es una pieza audiovisual de tres planos de cinco segundos el primero, siete el segundo y cinco el tercero; creando así un micrometraje de diecisiete segundos de duración.
¿Y qué se puede contar en tan poco tiempo? Pues muchas cosas y de muchas maneras diferentes. Os explicamos: los organizadores del festival, al igual que en su primera edición, proponen a los concursantes seis categorías diferentes para presentar sus obras (comedia, drama, terror, documental, publicidad y experimental); para las cuales, un mismo concursante puede presentar un haikurt en cada una. Para esta edición, la organización recibió más de cien haikurts, el cual era el número máximo de obras que se preseleccionaron para ser proyectadas durante el festival.
En primer lugar, se cedió la palabra a Bruno Vilarasau, encargado de la plataforma Movistar Artsy, patrocinadores oficiales de la gala. Acto seguido, él mismo otorgó el premio para la categoría especial Haikurt Express, un teléfono móvil huawei. Los participantes de dicha categoría asistieron el día 15 a una clase de montaje audiovisual centrada en la edición de un Haikurt grabado en 24 horas.
Seguidamente, se pasó al acto central de la gala, la proyección de todos los micro cortos preseleccionados en las diferentes categorías. El jurado, formado por Marcel Barrena (director del documental nominado a los Goya MónPetit), la publicista Astrid Altadill y el redactor jefe de Fotogramas, Pere Vall, fueron los encargados de otorgar los premios: unas estatuíllas de cerámica hechas por la artista barcelonesa Leticia Feduchi así como libros, carnets y entradas de cine cedidas por los diferentes colaboradores del festival.
En el siguiente vídeo podéis ver los ganadores de esta edición:
Durante el intermedio, los asistentes fueron invitados a votar uno de los seis cortometrajes galardonados para cederle el premio especial del público. Para tal fin, invitaron a los chicos de Domestic Data Streamers,los cuales presentaron un sistema por el cual la votación se visualizaba mediante tubos que se iban llenando de agua a medida que la gente iba votando. Para anunciar al evidente ganador, pues su tubo era, obviamente, el más lleno, subió al escenario la actual presidenta de la Academia de Cinema Català, Isona Passola.
Finalmente, para cerrar la gala, llegamos a la sección Sensei, en la que se proyectaron tres haikurts rodados por los directores Sergi Vizcaíno, Carles Bosch y Juan Cruz. De los cuales, los dos primeros pudieron asistir y dedicar unas palabras al público, así como su apoyo a dicho iniciativa. Al igual que nosotros, que desde aquí le deseamos una larga y prolífica trayectoria al festival.
Para los más curiosos, aquí os dejamos un video con los ganadores de la pasada edición.
