La explicación de James Gunn detrás de un nuevo DC que no empezó desde cero
Después de que James Gunn y Peter Safran asumieran el control de DC Studios en 2022, la idea parecía clara: empezar de cero. Sin embargo, el supuesto nuevo comienzo del Universo DC ha resultado ser… digamos, bastante flexible. Según explicó el propio James Gunn (vía Threads), nunca se planteó un reinicio total, y ahora sabemos por qué.
El caso más evidente es Peacemaker, interpretado por John Cena, que logró sobrevivir al cambio mientras otros héroes, como el Superman de Henry Cavill, desaparecieron del mapa. La explicación es menos épica de lo que cabría esperar: contratos ya firmados para la segunda temporada de la serie y el éxito que tenía en HBO Max hacían poco viable tirarlo todo por la borda.
James Gunn lo resumió con bastante claridad: podía cancelar acuerdos, pagar compensaciones y eliminar una serie popular… o adaptarse. Y eligió adaptarse. Curiosamente, esa “adaptación” también coincide con su propio apego al personaje y a la serie que él mismo desarrolló. Qué casualidad.
Este enfoque ha dado forma a un Universo DC que mezcla lo nuevo con lo conveniente. Proyectos como Creature Commandos, Superman y la segunda temporada de Peacemaker marcan esta etapa inicial, manteniendo el tono característico del director: acción, humor y algo de drama. Incluso Supergirl parece seguir esa misma línea.
Eso sí, el concepto de “nuevo universo” queda un poco curioso cuando incluye rehacer escenas —como la de la Liga de la Justicia en Peacemaker— para sustituir a los antiguos personajes por otros más… alineados con la nueva visión. No es exactamente empezar desde cero, pero tampoco es seguir igual. Es más bien un reinicio selectivo donde algunas piezas encajan mejor que otras, especialmente si ya venían firmadas de casa.
En resumen, el nuevo DC no borró todo el pasado: solo aquello que no encajaba con el presente… o con quien ahora toma las decisiones.
La producción animada se sitúa entre la segunda y tercera temporada de la serie original, ofreciendo a los fans un regreso a Hawkins junto a personajes como Eleven, Mike o Dustin, en una etapa donde sus desafíos combinan misterio y aventura sin llegar aún a amenazas globales.
Pese a recibir críticas variadas, la serie de Stranger Things logró posicionarse entre los contenidos más vistos de la plataforma, lo que impulsó su rápida renovación. Según recoge The Hollywood Reporter, el creador Eric Robles explicó que la idea era capturar el espíritu de las historias juveniles de los años 80, con tramas centradas en la amistad y los enigmas locales.
Robles también señaló que una de sus inspiraciones fue el clásico de terror Re-Animator, utilizando su concepto para introducir nuevas criaturas sin alterar los eventos principales de la serie original. Esto permitió expandir el universo narrativo sin romper su continuidad.
La nueva temporada llegará en otoño y contará nuevamente con la participación de los hermanos Duffer como productores, junto a otros nombres destacados del equipo creativo. Eso sí, el reparto de voces presenta cambios respecto a la serie original.
Ambientada en el invierno de 1985, la historia continuará explorando fenómenos paranormales en Hawkins, con los jóvenes protagonistas enfrentándose a nuevas amenazas mientras intentan resolver misterios que afectan a su comunidad.
Ubisoft y Lucasfilm Games presentan el tráiler de jugabilidad de Monopoly: Star Wars Heroes vs. Villains, un juego de mesa digital que combina la mecánica clásica del Monopoly con habilidades únicas de personajes de toda la saga, modos por equipos 2v2 y 3v3, y 22 localizaciones icónicas en tablero 3D.
Monopoly: Star Wars Heroes vs Villains
Si alguna vez quisiste decidir la suerte de la galaxia a golpe de dado y con Luke Skywalker y Darth Vader compartiendo tablero, el 11 de junio tienes una cita. Ese día llega Monopoly: Star Wars Heroes vs. Villains, el nuevo juego de Ubisoft y Behaviour Interactive que adapta el clásico de mesa de Hasbro al entorno digital con un giro basado en el trabajo en equipo y en las habilidades únicas de los personajes de Star Wars.
El juego llega a PS5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 1 y 2, GeForce NOW y PC (Ubisoft Store, Steam y Epic Games Store). El tráiler de jugabilidad publicado este 29 de abril desglosa con detalle todo lo que el título tiene reservado para los fans de ambas franquicias.
Monopoly con habilidades especiales: así funciona la mecánica de equipos
El corazón del juego reside en la formación de equipos. Monopoly: Star Wars Heroes vs. Villains permite partidas 2v2 o 3v3 en modo cooperativo local o en línea. Cada jugador elige un personaje de un plantel de 28, y la combinación de personajes dentro del equipo define la estrategia: los 14 poderes únicos disponibles pueden inclinar la balanza con cada tirada.
El plantel incluye tanto a héroes como a villanos de toda la saga: desde Luke Skywalker y la Princesa Leia hasta Darth Vader y Darth Maul, más un buen número de personajes secundarios de los spin-offs. La elección no es cosmética: las habilidades condicionan de forma real el resultado de las partidas.
“Las habilidades únicas de cada personaje pueden determinar quién controla una localización… o todo el tablero.”
22 localizaciones en 3D y batallas de dados para controlar el tablero
El tablero es uno de los grandes atractivos visuales del juego. Se han incluido 22 localizaciones de distintas eras de Star Wars, cada una con un diorama 3D propio. Entre los destinos confirmados figuran el Poblado Ewok, el Sandcrawler, la Base Eco y el Templo Jedi. El diseño recorre toda la cronología de la saga, del inicio de la República a las últimas producciones.
Una de las novedades mecánicas más llamativas es la batalla de dados: cuando dos jugadores coinciden en la misma casilla, se activa un duelo de dados que determina quién se queda con el control de esa localización. A esto se suman los nuevos eventos GO, que introducen giros imprevistos en la partida y evitan que ninguna estrategia sea completamente infalible.
Misiones en partida y recompensas adicionales
El tráiler también adelanta la existencia de misiones dentro de cada partida, con recompensas asociadas que añaden una capa de objetivos paralelos a la dinámica principal del juego de mesa. Aunque Ubisoft no ha detallado en qué consisten estas misiones, el sistema apunta a que hay incentivos más allá de acumular propiedades y construir hoteles.
El juego ha sido desarrollado por Behaviour Interactive, el estudio canadiense conocido sobre todo por Dead by Daylight, bajo la supervisión de Ubisoft y con licencia de Lucasfilm Games.
El episodio 5 pone el foco en Misty Tucker Gray, más conocida como Firecracker, uno de los personajes más polémicos de esta etapa final. Su caída no llega de golpe, sino que se construye poco a poco, con una tensión que se siente en cada escena.
Desde el principio del capítulo, algo no encaja en Firecracker. Durante una reunión con Los Siete, Ashley y Oh-Father, recibe una llamada que la descoloca. Aunque intenta disimular, su incomodidad es evidente. Ese detalle, aparentemente pequeño, es la primera grieta en su fachada de devoción absoluta.
Dudas, fe y manipulación
La historia da un giro cuando Firecracker decide enfrentarse a su pasado. Se reúne con un reverendo de su iglesia de infancia en Daytona Beach, quien le revela que un supe ha causado destrozos allí. La respuesta de ella es fiel a su personaje: insiste en que deben aceptar a Homelander como una figura divina.
Ese conflicto interno se intensifica en una de las escenas más incómodas del episodio: su relación con Soldier Boy. Mientras comparten intimidad, Firecracker se abre y reconoce sus dudas. Un momento de vulnerabilidad que termina siendo su sentencia.
Una traición silenciosa que lo cambia todo
Soldier Boy no tarda en hacer lo que mejor sabe: convertir una debilidad en un arma. Le cuenta a su hijo —Homelander— lo que ha escuchado, sembrando la desconfianza definitiva.
A partir de ahí, el destino de Firecracker está sellado.
Aun así, el episodio se permite un último matiz de humanidad en ella. En su programa The TruthBomb, ataca a su propia iglesia, acusándola de estar manipulada por Starlight e incluso de prácticas aberrantes. Pero hay un detalle clave: una lágrima cae por su rostro. No hace falta decir nada más. Sabe que está cruzando una línea.
Homelander dicta sentencia sin pestañear
El clímax llega sin música épica ni grandes discursos. Solo tensión pura.
Firecracker, desesperada, intenta convencerle. Le declara su amor, su lealtad absoluta, pero ya es demasiado tarde. En el mundo de Homelander, la duda es traición.
Y entonces llega el momento que define el episodio.
Sin emoción alguna, la asesina de forma brutal, empalando su cabeza contra la estructura de una estatua de ave. Es rápido, seco, incómodo. Y completamente coherente con el personaje.
La caída de Firecracker no es solo la eliminación de un personaje. Es un aviso directo a los fans: si alguien duda, si alguien se desvía, si alguien deja de creer… no sobrevivirá.
Y con Homelander cada vez más fuera de control, el final promete ser tan impredecible como devastador.
De repente, la escena cambia. Peter aparece sentado boca abajo sobre una viga de acero, observando la ciudad desde las alturas. No hay música épica ni grandes discursos. Solo silencio… hasta que suena un escáner policial en su móvil.
Una alerta. Un equipo SWAT en camino. Y entonces ocurre algo muy Spider-Man: se baja la máscara, se deja caer al vacío y empieza a balancearse entre edificios. El guion lo describe como el inicio de un montaje, pero también como una declaración de intenciones: este héroe no espera a nadie.
Adiós al multiverso, hola al barrio
Lo que plantea Spider-Man: Brand New Day es casi un reinicio emocional. Nada de portales dimensionales, ni gadgets imposibles heredados de Tony Stark. Aquí todo apunta a una historia más terrenal, más directa y, sobre todo, más solitaria.
Eso se traduce en un diseño muy concreto: tela real, costuras visibles y arrugas, algo que conecta directamente con las versiones de Tobey Maguire y Andrew Garfield. Un traje que parece hecho a mano, con imperfecciones… y con mucha personalidad.
Tecnología casera para un genio sin recursos
El guion también introduce una herramienta clave: una especie de fabricador casero. Se describe como “una impresora 3D con esteroides”, capaz de producir su equipamiento, pero dentro de unos límites creíbles.
Y ahí está la clave: Peter sigue siendo un genio, pero ahora tiene que trabajar con lo que puede permitirse. Nada de laboratorios futuristas. Nada de respaldo millonario. Solo ingenio, paciencia y necesidad.
Spider-Man: Brand New Day llegará a los cines el 31 de julio, y todo indica que veremos al Spider-Man más vulnerable, más artesanal y más humano de los últimos años. Uno que no necesita recordar quién fue… porque está demasiado ocupado intentando no dejar de ser quien es.
Un informe global sitúa a la plataforma Netflix por encima de sus competidores tradicionales
El crecimiento del anime a nivel mundial ha impulsado una intensa competencia entre plataformas como Crunchyroll, Netflix o Prime Video, todas en busca de atraer a una audiencia cada vez mayor. Durante años, Crunchyroll ha sido considerada la referencia en Occidente por su enfoque casi exclusivo en la animación japonesa, pero esa posición dominante empieza a cambiar.
El éxito de Netflix parece estar vinculado a su enorme base de usuarios y su accesibilidad, lo que facilita que el anime llegue a un público más amplio. De hecho, la propia compañía afirmó que la mitad de sus suscriptores consume este tipo de contenido con regularidad.
Aun así, Crunchyroll mantiene una ventaja clara en catálogo, con estrenos simultáneos y una gran variedad de títulos, especialmente pensados para fans más dedicados. Sin embargo, esta amplitud no ha sido suficiente para conquistar al público general, que sigue optando por plataformas más populares. Si no logra ampliar su atractivo, todo apunta a que Netflix y otros servicios continuarán liderando el mercado del anime en streaming.
El proyecto consta de tres novelas: El gigante, la bruja y el señor de la guerra, El hechicero y El rey del Oeste. A diferencia de otras sagas del género, la historia ya está completamente escrita, lo que garantiza su publicación íntegra sin retrasos. El primer volumen llegará en enero de 2027, seguido de los otros dos ese mismo año.
Bill Willingham explicó que esta obra responde a un deseo personal de regresar a la fantasía clásica de espada y brujería, con personajes complejos y un enfoque centrado en el honor y los juramentos. El autor incluso compartió un adelanto inicial en su espacio digital antes de cerrar el acuerdo editorial.
La elección de Raconteur Press no fue casual. El escritor destacó la transparencia de la editorial, fundada por Ian McMurtrie, especialmente en contraste con experiencias previas en la industria. Este enfoque, basado en tratar a los autores como socios, fue clave para concretar la publicación.
Este anuncio llega años después de la polémica entre Willingham y DC Comics por los derechos de Fábulas, un episodio que marcó su relación con la industria. Ahora, con Outrider, el autor inicia una nueva etapa creativa centrada en la narrativa literaria.
La portada oficial del primer libro se presentará en junio de 2026, mientras que las reservas anticipadas estarán disponibles desde agosto del mismo año.
Asmodeepropone este Día de la Madre cinco juegos de mesa para todos los gustos: de la creatividad a la estrategia, pasando por la música y los duelos para dos.
Juegos de mesa para el Día de la Madre
El Día de la Madre invita cada año a la misma reflexión: ¿qué regalar? Flores, perfumes y bombones siguen siendo clásicos infalibles, pero hay quienes buscan algo diferente, algo que no acabe en el cajón a los tres días. En esa línea, Asmodee —la distribuidora de juegos de mesa líder en ventas en España— propone este año cambiar el chip y convertir la celebración en un plan compartido alrededor de la mesa.
La idea es sencilla: reunir generaciones, desconectar de las pantallas y disfrutar de partidas que generan recuerdos. Para ello, la compañía ha seleccionado cinco títulos pensados para distintos perfiles, como si de un pequeño bazar ludófico se tratase.
“Los juegos de mesa se consolidan como un plan perfecto para reunir generaciones y disfrutar de momentos auténticos”
Para las más creativas: Dixit
Probablemente el más conocido de todos. Dixit lleva años en los salones de medio mundo gracias a su propuesta tan sencilla como sugerente: ilustraciones evocadoras que cada jugador interpreta a su manera. No hay respuestas correctas ni incorrectas, solo imaginación. Funciona especialmente bien en grupos mixtos donde conviven niños, adultos y abuelos, y las partidas se resuelven en menos de una hora.
El contenido del juego
Para las amantes del diseño y la estrategia: Azul
Azul es uno de esos juegos que entra primero por los ojos. Su mecánica se inspira en los azulejos portugueses y en la fascinación del Rey Manuel I por la ornamentación de La Alhambra de Granada. Los jugadores compiten por colocar losetas en su tablero personal siguiendo patrones precisos, combinando estrategia visual y planificación táctica. Bonito, adictivo y muy rejugable.
Para las más musicales: Play Hit
Si en casa hay variedad de edades y gustos musicales, Play Hit puede ser el más divertido de la tarde. El juego combina canciones, mímica y retos en equipo para poner a prueba la cultura musical de cada generación. Los momentos de caos y carcajadas están garantizados cuando los más jóvenes no reconocen un clásico de los ochenta o cuando los mayores se enfrentan a un éxito del reguetón actual.
Para quienes disfrutan de los retos rápidos: Pili-pili
Pili-pili es un juego de cartas donde la tensión y la intuición van de la mano. Las partidas son dinámicas: hay que apostar, calcular y anticiparse a los rivales para evitar penalizaciones. Un título ideal para quienes prefieren el juego más ágil y sin demasiada ceremonia, pero que no renuncia a la emoción táctica.
Para disfrutar en pareja: Splendor Duel
No todas las madres prefieren el bullicio de la mesa grande. Para las que disfrutan de un plan más tranquilo, Splendor Duel ofrece un enfrentamiento estratégico diseñado específicamente para dos jugadores. Cada turno es un ejercicio de toma de decisiones en la carrera por acumular prestigio. Una opción elegante para compartir una tarde sin prisas.
Todos los títulos están disponibles en las principales tiendas de juguetes y grandes superficies de España. Una alternativa, en definitiva, para quienes este año quieren regalar algo que se use, y no solo una vez.
La secuela que nadie esperaba y todos deseaban llega a los cines el 30 de abril con el mismo equipo creativo de 2006, el mismo reparto estelar y una historia nueva que pone la crisis del periodismo impreso en el centro de la tormenta. ¿Merece la pena el regreso de «El diablo viste de Prada 2»?
‘El diablo viste de Prada 2’: las secuelas inteligentes nunca pasarán de moda
Hay secuelas que llegan porque el dinero lo pide, y hay secuelas que llegan porque el mundo las necesita. «El diablo viste de Prada 2» aspira a ser de las segundas, y en gran medida lo consigue.
Han pasado veinte años desde que Andy Sachs tiró su teléfono a una fuente parisina y se alejó de Miranda Priestly con la cabeza alta. Veinte años en los que la película original ha pasado de taquillera a fenómeno generacional, de ser el entretenimiento favorito de los vuelos de larga distancia a convertirse en un libro de cabecera sobre ambición, identidad y el precio de la excelencia. Ahora, 20th Century Studios, el director David Frankel y la guionista Aline Brosh McKenna han reunido a Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci para una segunda entrega que no intenta copiar a la primera, sino dialogar con ella.
Un mundo que cambió: el periodismo impreso como telón de fondo
Si la primera película era una novela de formación disfrazada de comedia de moda, «El diablo viste de Prada 2» es algo más cercano a un drama corporativo con mucho sentido del humor. El eje central no es ya la intimidación de una joven asistente, sino la supervivencia de un modelo de negocio: el de las revistas impresas. La ficción de Runway refleja, con poca disimulo, lo que le ha ocurrido a cabeceras como Vogue en la era digital, y esa decisión de anclar la historia en algo tan reconocible le da a la película una solidez argumental que no siempre tienen las segundas partes.
El director Frankel lo explica sin ambages: el primer iPhone salió al mercado un año después del estreno de la primera película, y aquello marcó el principio del fin para la prensa escrita. Esa brecha temporal es el motor emocional de la secuela. Miranda Priestly ya no es solo el diablo que todo lo controla; es también una mujer que sabe que su imperio se está resquebrajando y que tiene que decidir qué legado quiere dejar cuando ya no pueda evitar lo inevitable.
“Si la primera película era una novela de formación, la secuela trata sobre una mujer madura que se enfrenta a la realidad de todas las decisiones que ha tomado en su vida.”
Meryl Streep: más libre, más astuta, ligeramente más malvada
La gran pregunta antes del estreno de «El diablo viste de Prada 2» era si Meryl Streep seguía siendo Miranda Priestly o si Miranda Priestly seguía siendo Meryl Streep. La respuesta, según se desprende de las declaraciones del equipo, es que ambas han envejecido en paralelo y que eso las hace más interesantes. La actriz describe a una Miranda un poco más libre y también más consciente de su propia fragilidad, alguien que ya no necesita fingir que es invencible porque lleva décadas demostrando que lo es.
Streep colaboró activamente en el diseño de su vestuario —incluyendo unos pendientes de aro comprados en una farmacia CVS que acabaron siendo piezas clave del look— y se implicó en el desarrollo del guion con la misma intensidad con la que hornea galletas para el equipo de rodaje entre toma y toma.
La peluca icónica de «El diablo viste de Prada 2» vuelve, aunque rediseñada: más corta de pelo, más lisa, adaptada a los 76 años del personaje. Es un detalle pequeño, pero habla de la honestidad con la que la producción ha querido tratar el paso del tiempo en lugar de ignorarlo.
El regreso de Andy, Emily y Nigel: una familia disfuncional muy entrañable
Anne Hathaway recupera a Andy Sachs veinte años más madura, con confianza profesional ganada a pulso y sin haber perdido del todo la curiosidad optimista que la hacía tan identificable en la primera entrega. Su arco argumental gira en torno a las concesiones que uno hace para mantener viva una carrera en un sector que cambia más deprisa que sus protagonistas. La actriz describe la experiencia de volver al set e «El diablo viste de Prada 2» como la de regresar a una época de tu vida sabiendo lo que sabes ahora, y esa sensación impregna todo el tono de la película.
Emily Blunt lleva a Emily Charlton a Dior, donde ahora ella es la que tiene poder, y lo ejerce con la intensidad de alguien que lleva décadas ahorrando indignación. Stanley Tucci devuelve a Nigel con la misma elegancia de siempre, pero desde la posición del veterano que ya no necesita demostrar nada. Y la química entre los cuatro protagonistas de «El diablo viste de Prada 2», según todos los testimonios del rodaje, fue si cabe más fluida que en la primera película: porque ahora son amigos de verdad, algunos incluso familia (Blunt y Tucci son cuñados en la vida real desde que este se casó con la hermana de la actriz tras trabajar juntos en 2006).
“Es una película tan divertida y alegre como se puede hacer sobre la implosión de varios lugares de trabajo al mismo tiempo.”
La nueva generación: Simone Ashley, Caleb Hearon y Helen J. Shen
Uno de los movimientos más inteligentes del guion de «El diablo viste de Prada 2» es la incorporación de una nueva generación de asistentes que funciona como espejo deformante de los personajes originales. Simone Ashley interpreta a Amari, la nueva Emily: una asistente que no se encoge ante Miranda sino que, en cierto modo, la mantiene a raya. Es, según la propia actriz, una voz que representa al público más joven, el que quizá no creció con la película original. Caleb Hearon da vida a Charlie con una mezcla de admiración y pragmatismo muy de la época, y Helen J. Shen construye a Jin como alguien cuya ambición recuerda a la de la Andy de 2006, pero con las herramientas y la seguridad de 2026.
Estos tres personajes no están ahí solo para aportar frescura estética; articulan uno de los temas centrales de «El diablo viste de Prada 2»: cómo cambian las dinámicas laborales cuando las generaciones más jóvenes ya no están dispuestas a aguantar lo que aguantaban las anteriores.
El vestuario: de Patricia Field a Molly Rogers
La diseñadora de vestuario Molly Rogers, que trabajó durante años como colaboradora de Patricia Field, asume aquí el mando con un criterio muy claro: looks atemporales por encima de tendencias. Para Andy, una estética de ropa masculina femenina que mezcla Annie Hall con Katharine Hepburn, con más de 47 cambios de vestuario que van desde pantalones de terciopelo negro de Armani Privé hasta piezas de Coach, Valentino, Tom Ford y Chanel. Para Miranda, una silueta uniforme inspirada en la disciplina de Karl Lagerfeld. Para Emily, todo lo que los compradores de moda querían poner en un personaje de cine y nadie les había dejado hasta ahora: Dior, Jean Paul Gaultier, Rick Owens.
El dato más llamativo del apartado de vestuario de «El diablo viste de Prada 2» no es ningún look de alta costura, sino el jersey azul cerúleo de la primera película: se conservó en el archivo, con su mancha de sopa, y hubo que buscarle una réplica para la secuela. Hay algo genuinamente emotivo en ese detalle.
Nueva York y Milán: los decorados como personajes
El diseñador de producción Jess Gonchor, que ya estuvo en la primera entrega y tiene en su currículo títulos como «No es país para viejos» o «Mujercitas», amplió la oficina de Runway en «El diablo viste de Prada 2» hasta hacerla ocho veces más grande que en 2006, llenó el despacho de Miranda de pilas de revistas impresas como metáfora física del peso de un medio en declive, y recreó en plató el interior del Museo de La Última Cena de Leonardo da Vinci porque cualquier iluminación de rodaje habría dañado la obra real.
Para las escenas en el lago de Como se utilizó la Villa Balbiano; para los exteriores de hotel, el Palazzo Parigi de Milán. La producción también rodó en la Galleria Vittorio Emanuele II, en la Accademia di Brera y en la mansión de Billy Joel en Oyster Bay, que estaba en venta cuando comenzó la preproducción.
El veredicto
«El diablo viste de Prada 2» no existe para sustituir a la primera película sino para ampliarla. Es una secuela que se toma en serio a sus personajes, que no los congela en el ámbar de 2006 sino que los deja envejecer con dignidad y complejidad, y que encuentra en la crisis del periodismo impreso una metáfora genuinamente contemporánea sobre el legado, la obsolescencia y el precio de mantenerse relevante. Tiene humor, tiene emoción, tiene a Meryl Streep en estado de gracia y tiene a cuatro actores que se quieren de verdad haciendo lo que mejor saben hacer.
Si la primera película te hizo replantearte alguna vez qué estabas dispuesto a sacrificar por tu carrera, «El diablo viste de Prada 2» te hará preguntarte si aquella decisión fue la correcta. No está mal para una secuela que podría haberse limitado a repetir la fórmula.
FICHA TÉCNICA
Título original
The Devil Wears Prada 2
Dirección
David Frankel
Guion
Aline Brosh McKenna
Producción
Wendy Finerman / 20th Century Studios
Reparto
Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Simone Ashley, Kenneth Branagh, Lucy Liu, Justin Theroux, B.J. Novak, Caleb Hearon, Helen J. Shen, Patrick Brammall
La razón principal no tiene tanto que ver con falta de interés como con estrategia. Gunn ha sido claro: el guion no terminaba de funcionar, pero el verdadero problema era otro más profundo. No encajaba dentro del plan global del nuevo DCU.
Y eso, en un universo compartido que intenta reconstruirse desde cero, es prácticamente una sentencia temporal.
The Authority nunca fue un grupo convencional, y ahí está parte del problema. Creado en 1999 por Warren Ellis y Bryan Hitch bajo el sello Wildstorm, su propuesta rompía con todo lo establecido.
Pero una cosa es funcionar como pieza independiente… y otra muy distinta es integrarse dentro de un universo compartido que todavía está en construcción.
El problema no era James Gunn ni el tiempo
Uno de los rumores más extendidos era que el propio Gunn dirigiría o escribiría la película. Algo que él mismo ha desmentido sin rodeos. Nunca estuvo en sus planes.
En sus propias palabras: “Nunca habría tenido tiempo para hacer esto, y aunque sé que es una teoría popular, nunca tuve intención de escribir o dirigir The Authority.”
Pero lo más revelador llega después: “El guion no estaba donde debía, pero más importante aún, no funcionaba dentro del DCU, tanto a nivel narrativo como práctico. Quizá algún día. No pronto.”
Ese “no pronto” es lo que realmente marca el estado del proyecto: ni cancelación definitiva ni luz verde a corto plazo.
Meter en esa ecuación una película de gran presupuesto sobre un grupo poco conocido y moralmente ambiguo podría haber sido un riesgo innecesario en esta fase inicial.
Además, el contexto actual del cine de superhéroes tampoco ayuda. El público ya no acude en masa a cualquier título del género, y apostar por algo tan específico como The Authority requeriría una base mucho más estable.
El efecto dominó en otros proyectos de dc
The Authority no es el único proyecto que ha sufrido ajustes. El plan inicial de DC Studios incluía títulos como:
The Brave and the Bold
Swamp Thing
Waller
Paradise Lost
Booster Gold
Muchos de ellos siguen en desarrollo, pero sin avances claros a corto plazo. Incluso proyectos como Sgt. Rock han sufrido retrasos importantes.
Eso sí, no todo son malas noticias. Gunn ha confirmado que Booster Gold sigue en desarrollo activo y que Paradise Lost está en una fase muy avanzada, lo que demuestra que el plan sigue vivo… solo que ajustándose sobre la marcha.
El futuro de The Authority
Lo interesante es que Gunn no ha cerrado la puerta. De hecho, ha dejado caer que estos personajes podrían aparecer en el futuro e interactuar con figuras clave del DCU.
Y eso encaja con lo que comentó en su momento: “The Authority son un grupo que cree que el mundo está roto y quieren arreglarlo por cualquier medio necesario. Es una visión muy diferente de los superhéroes.”
Ese enfoque sigue siendo atractivo. Simplemente no es el momento adecuado.
