lunes, febrero 23, 2026

Los 10 mejores capítulos de Archer, la serie de animación y espías más alocada

Conoce cuáles son los 10 mejores capítulos de Archer según IMDb desde su primera temporada hasta la última

El final de Archer ya está aquí, y con él, la despedida de una de las series animadas más icónicas de la televisión. Con su mezcla única de humor negro, acción desenfrenada y personajes inolvidables, Archer ha dejado una huella imborrable en los fans. Si te estás preparando para revivir algunos de los mejores momentos de la serie, ¿por qué no dejar que las calificaciones de IMDb te guíen? Aquí te presentamos los diez episodios mejor valorados de Archer, ordenados de menor a mayor puntuación.

Las mejores misiones de Archer

  • 10. Swiss Miss – Temporada 2, Episodio 1

IMDb Score: 8.5
Archer rara vez se mete en problemas que no sean culpa suya, pero en Swiss Miss, la cosa cambia. En este episodio, ISIS es contratado para proteger a la hija de un multimillonario, Anke, quien no tarda en poner su mirada en un Archer totalmente desinteresado. Mientras algunos agentes intentan evitar un secuestro, Malory y Pam parecen más interesados en entretener al padre de Anke. Si te gustan las situaciones incómodas que te hacen reír, este episodio no decepciona.

Archer
  • 9. Archer Vice: Arrival/Departure – Temporada 5, Episodio 13

IMDb Score: 8.6
Dar a luz ya es bastante complicado, pero en Arrival/Departure, Lana debe hacerlo en medio de un ataque militar en un país extranjero. Sin un médico cerca, Archer, Cheryl y luego Malory y Pam se encargan de ayudarla en esta misión imposible. A medida que San Marcos se hunde en el caos, los agentes de ISIS hacen lo posible por evitar un desastre total, aunque no logran escapar de algunas revelaciones explosivas.

  • 8. Vision Quest – Temporada 6, Episodio 5

IMDb Score: 8.6
Vision Quest demuestra que las caricaturas también pueden tener episodios “bottle”. Aquí, los personajes principales, excepto Malory, quedan atrapados en un ascensor camino a una reunión de oficina. La situación se vuelve cada vez más hilarante y desesperante a medida que intentan pedir ayuda, racionar alimentos y evitar sacarse de quicio mutuamente.

Archer
  • 7. Lo Scandalo – Temporada 3, Episodio 8

IMDb Score: 8.6
A veces, es mejor no saber nada sobre la vida privada de tu madre o tu jefa. En Lo Scandalo, Archer y Lana descubren más de lo que querían saber sobre Malory cuando esta les pide ayuda para deshacerse del cadáver de un amante, que resulta ser una figura política importante. La combinación de tensión, comedia y un giro inesperado en la trama hace que este episodio sea inolvidable.

  • 6. El Secuestro – Temporada 2, Episodio 10

IMDb Score: 8.6
En El Secuestro, los personajes descubren nuevas facetas de sus compañeros de trabajo, como que Cheryl es una heredera multimillonaria. Debido a una confusión de identidad, Pam es secuestrada por error, y los agentes de ISIS intentan rescatarla, mientras otros piensan en cómo aprovechar la fortuna de Cheryl. El episodio ofrece diálogos hilarantes y revela interesantes dinámicas entre los personajes.

  • 5. Skytanic – Temporada 1, Episodio 7

IMDb Score: 8.6
Skytanic ofrece una mezcla perfecta de acción y comedia cuando ISIS es llamado para investigar una amenaza de bomba en un dirigible de lujo. Los conflictos personales se mezclan con lo profesional, lo que lleva a situaciones caóticas y divertidas. El episodio es una muestra clásica del humor de la serie, donde las prioridades personales suelen desbordar el sentido común.

Archer
  • 4. Deadly Velvet Part 2 – Temporada 7, Episodio 10

IMDb Score: 8.8
El final de la séptima temporada, Deadly Velvet Part 2, lleva a los personajes de The Figgis Agency a un complot de asesinato en Hollywood, con una clienta famosa como principal sospechosa. Aunque Archer logra desenmascarar al verdadero culpable, el final impactante del episodio deja a los fans con la boca abierta, preparando el terreno para las siguientes temporadas.

  • 3. The Kanes – Temporada 6, Episodio 8

IMDb Score: 8.8
En The Kanes, Archer y Lana enfrentan el reto de presentar a AJ a los padres de Lana, quienes no saben nada de su vida como espía. El episodio combina la tensión de las reuniones familiares incómodas con una emocionante persecución, mostrando lo mejor de Archer en cuanto a humor y acción.

Archer
  • 2. Placebo Effect – Temporada 2, Episodio 9

IMDb Score: 8.9
Placebo Effect es una obra maestra de Archer, en la que el personaje se embarca en una violenta misión de venganza al descubrir que sus medicamentos contra el cáncer son falsos. Con una combinación perfecta de acción, comedia y emoción, este episodio encapsula todo lo que hace a la serie tan querida por sus fans.

  • 1. Mission: Difficult – Temporada 12, Episodio 8

IMDb Score: 9.0
El mejor episodio según IMDb, Mission: Difficult, es un torbellino de emociones, acción y despedidas. Los agentes de ISIS se enfrentan a una misión suicida para rescatar a Archer, culminando en una emotiva despedida para Malory, cuya partida de la serie es un homenaje a la fallecida actriz Jessica Walter. Este episodio es un tributo no solo a los personajes, sino también a los actores que les dieron vida.

La poco convencional nueva versión de Ultimate X – Men

Ultimate X – Men nos sorprende en su nueva andadura con cambios significativos.

En 2001, como parte de la línea Ultimate, que pretendía reiniciar las aventuras de los superhéroes desde cero, con la intención de atraer nuevos lectores, vio la luz la colección Ultimate X – Men, por obra de Mark Millar y Adam Kubert, aunque sus autores fueron variando conforme avanzaba la colección. La cabecera llegó a contar con un total de 133 entregas entre su primer y su segundo volumen, hasta ser cancelada de manera definitiva en 2013.

Como era de esperar, los protagonistas de Ultimate X – Men eran los superhéroes que todos los lectores veteranos conocían de sobra, como es el caso de Cíclope o Lobezno, pero con un lavado de cara para hacerlos más atractivos para las nuevas generaciones. Al fin y al cabo, ¿existía una estrategia infalible que pudiera utilizarse para el buen funcionamiento de la cabecera, aparte de la de utilizar como reclamo a personajes tan conocidos por los lectores?

Contra todo pronóstico, la nueva cabecera de Ultimate X – Men (cuya andadura ha comenzado este mismo año, como ya avanzamos que sucedería) ha roto con todos los convencionalismos, no solo mostrándonos un sorprendente elenco como protagonista de estas nuevas aventuras mutantes, sino también en muchos otros aspectos que podrás descubrir si continuas leyendo este artículo hasta el final.

Para empezar debemos centrar nuestra atención en la guionista y dibujante de Ultimate X – Men, que responde por el nombre de Peach Momoko, cuyo nombre es posible que no te resulte demasiado conocido, ya que no se ha prodigado demasiado en Marvel, más allá de su obra Demon Days (2021 – 2022) y la secuela Demon Wars (2022 – 2023), ambas con Zack Davisson como coguionista, además de una gran cantidad de portadas variantes, pero no era una gran conocedora de los mutantes, aunque le atraía la temática de unos personaje temidos y odiados por aquellos a los que han jurado proteger.

Es por ello que aceptó cuando el director editorial C. B. Cebulski, secundado por Jonathan Hickman, le ofreció ocuparse del relanzamiento de la cabecera Ultimate X – Men, tal y como ella misma nos explica:

Me gusta creer que C. B. Cebulski y Jonathan Hickman me eligieron porque querían algo completamente nuevo y diferente, así que creo que a veces es bueno no tener influencias.

Evidentemente, con solo echar un vistazo al diseño de la portada del primer número de Ultimate X -Men, que se encuentra reproducida bajo este párrafo, somos conscientes de que nos encontramos ante algo realmente novedoso para lo que estamos acostumbrados los lectores de esta cabecera concreta, sobre todo teniendo en cuenta que la nueva versión transcurre en Japón, en lugar de en Estados Unidos. Dicha sensación aumenta a medida que pasamos las páginas y nos vamos introduciendo en la historia.

Armadura, Hisako Ichiki, Maystorm, Mei Igarashi, Peach Momoko, Ultimate X - Men

En el caso de los personajes, en lugar de encontrarnos con mutantes famosos, tenemos, al menos por el momento, a Hisako Ichiki, cuyo nombre de superheroína es Armadura. Se trata de una mutante poco conocida, que Joss Whedon y John Cassaday crearon para la aventura “Gifted” (Part 4), publicada en Astonishing X – Men nº 4 (2004), cuya portada reproducimos bajo este párrafo. Sus poderes le permiten generar armaduras psiónicas impenetrables, además de poseer una gran agilidad y ser capaz de hacer explosiones de proyecciones de energía.

Armadura, Hisako Ichiki, Maystorm, Mei Igarashi, Peach Momoko, Ultimate X - Men

Como segunda protagonista de Ultimate X – Men tenemos a Mei Igarashi, cuya identidad secreta es la de Maystorm, personaje totalmente nuevo, cuyo origen había que buscarlo en una iniciativa de portadas alternativas en las que diversos dibujantes mostraron nuevos personajes que, en el futuro, podrían convertirse en superhéroes de Marvel. Peach Momoko se inspiró en Tormenta para su creación, ya que, al igual que ella, también parece tener control sobre los elementos.

La autora justifica de esta manera la elección de los personajes, tanto para esta versión de Ultimate X – Men como para el resto de sus obras:

Nunca escribo primero la historia y luego decido quién será su protagonista. Siempre elijo primero al personaje y dejo que sea ese personaje el que me cuente la historia. Estoy escribiendo muchas de estas historias recordando mis propias experiencias y lo que vi cuando era estudiante de primaria y de secundaria. Pero también estoy teniendo en cuenta las similitudes y diferencias con los niños y jóvenes actuales.

Mientras que, en Estados Unidos, esta nueva versión de Ultimate X – Men ya va por su novena entrega, en España solo nos ha llegado el primer ejemplar (aunque recopila los tres primeros del material original), por lo que es pronto para saber si tendrá o no éxito.

En cualquier caso, ahora que los mutantes están a punto de llegar al UCM, no suena nada descabellado que estas dos protagonistas de Ultimate X – Men, además del resto de nuevos personajes que vayan llegando, terminen apareciendo en la gran pantalla, aunque aquellos espectadores que no se hayan leído los cómics preferirán ver a los personajes con los que ya han disfrutado en las películas de Twenty Century Fox.

La batalla de James Bond que duró varias décadas

Conoce el origen de Thunderball y Never Say Never Again y la disputa legal que se produjo por los derechos de James Bond entre Ian Fleming y Kevin McClory

¿Sabías que una de las películas más icónicas de James Bond, Thunderball, no solo fue un éxito en taquilla, sino también el epicentro de un conflicto legal que duró más de medio siglo? La historia detrás de este enfrentamiento entre creativos revela los peligros de las colaboraciones en el cine, donde a menudo las contribuciones de los involucrados no son reconocidas como deberían. Lo que comenzó como un guion coescrito se transformó en una novela y luego en una película que marcaría el inicio de una prolongada disputa por los derechos de James Bond.

En 1961, Ian Fleming, ya famoso por sus novelas de James Bond, publicó Thunderball, una obra que, aunque acreditada únicamente a él, tenía sus raíces en un guion que había desarrollado junto a Kevin McClory y Jack Whittingham. Fleming, aprovechando ideas del guion, decidió transformarlo en una novela sin dar crédito a sus colaboradores. Esto no pasó desapercibido para McClory, quien, al darse cuenta de la omisión, emprendió acciones legales que desencadenaron un enfrentamiento que se prolongaría durante décadas.

James Bond

Una novela que desató la tormenta

En el momento en que Thunderball llegó a las librerías, McClory ya había iniciado el proceso legal. Fleming, debilitado tanto física como creativamente, no había anticipado la magnitud del problema en el que se había metido. La batalla legal comenzó con McClory y Whittingham buscando el reconocimiento y los derechos que consideraban suyos. Finalmente, en 1963, McClory obtuvo una victoria significativa: un acuerdo que le otorgó 35,000 libras y los derechos para las adaptaciones cinematográficas y televisivas de la historia, mientras Whittingham, agotado por los costos, se retiró del pleito.

Con estos derechos en mano, McClory se posicionó como productor único de la adaptación cinematográfica de Thunderball en 1965. La película fue un éxito rotundo, recaudando 141 millones de dólares y consolidando aún más la figura de James Bond en el cine. Sin embargo, este triunfo no fue suficiente para McClory, quien todavía veía oportunidades para explotar su participación en el mundo de Bond.

James Bond

Thunderball renace como Never Say Never Again

Casi dos décadas después del estreno de Thunderball, McClory decidió revivir la historia. En 1983, produjo Never Say Never Again, una reinterpretación del mismo material fuente. Esta película, que volvió a contar con Sean Connery en el papel de Bond, fue producida sin la participación de MGM, y lanzada en paralelo a Octopussy, protagonizada por Roger Moore. La película no solo fue bien recibida por la crítica, sino que también recaudó 160 millones de dólares, demostrando que McClory todavía tenía la capacidad de influir en la franquicia.

Pero el éxito de Never Say Never Again no marcó el final del conflicto. McClory continuó su lucha legal, esta vez intentando reclamar la propiedad parcial del personaje de James Bond. Sin embargo, en el año 2000, el tribunal desestimó su demanda debido a la tardanza en su presentación. Seis años después, McClory falleció sin haber logrado obtener la totalidad de lo que buscaba.

El final de la batalla

Finalmente, en 2013, después de un litigio que se extendió por más de medio siglo, MGM y Danjaq, la compañía que posee los derechos de la franquicia, recuperaron el control total sobre el personaje de James Bond. Esta resolución puso fin a una de las disputas legales más largas en la historia del cine, cerrando un capítulo que había estado presente desde los primeros días del espía más famoso del mundo.

James Bond

La historia de Thunderball y sus repercusiones legales no solo es un recordatorio de las complicaciones que pueden surgir en la creación de obras colaborativas, sino también un ejemplo de cómo los conflictos de derechos pueden persistir y evolucionar a lo largo de las décadas. Para los fans de James Bond, es una fascinante mirada detrás de la cortina de la franquicia, revelando cómo los desacuerdos sobre la autoría y los derechos pueden dar forma, o en este caso, desestabilizar, incluso las producciones más exitosas.

La próxima vez que veas Thunderball o Never Say Never Again, recuerda que estas películas son más que emocionantes historias de espionaje; son también piezas de un complejo rompecabezas legal que tomó más de 50 años en resolverse. ¿Quién diría que detrás de la elegancia y la acción de James Bond se ocultaba una de las batallas legales más largas de la historia del cine?

La placa de Iron Man y su evolución desde su núcleo de vida hasta el símbolo del héroe

Descubre El viaje de Tony Stark hacia la libertad de la tecnología que lo mantenía con vida y cómo la placa de su pecho que lo convirtió en Iron Man alteró su vida

Durante muchos años, Iron Man estuvo inexorablemente ligado a una placa en el pecho que mantenía a Tony Stark con vida. Este dispositivo, que al principio era una innovación tecnológica de vanguardia, rápidamente se convirtió en un símbolo de las limitaciones de la tecnología antigua y de la evolución del personaje. Pero, ¿cuándo exactamente Tony Stark dejó de necesitar esta placa para sobrevivir?

La evolución de una necesidad tecnológica

Desde su debut en Tales of Suspense #39 (1963), la placa en el pecho de Tony Stark fue una parte esencial de su personaje. Gravemente herido por una trampa mientras supervisaba su armamento en una guerra extranjera, Stark se encontró con fragmentos de metralla acercándose a su corazón. Capturado por fuerzas enemigas, se le dio la opción de construir un arma para sus captores o enfrentar una muerte segura. En lugar de ello, Stark, con la ayuda del prisionero y científico Dr. Yinsen, diseñó una placa en el pecho que mantendría su corazón latiendo, al tiempo que desarrollaba la primera versión de su icónico traje de Iron Man.

Tony Stark, con su vida colgando de un hilo, logró construir esta armadura que le permitiría no solo sobrevivir, sino también convertirse en un héroe conocido como Iron Man. Sin embargo, esta misma tecnología que lo salvó, también lo encadenó a un ciclo constante de dependencia. En los primeros cómics, se mostraba cómo Tony tenía que recargar su placa regularmente para mantenerse con vida, añadiendo un elemento de vulnerabilidad a un personaje que de otra manera parecía invencible.

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La placa en el pecho

A medida que la tecnología avanzaba y los cómics evolucionaban, la idea de que Tony Stark, un genio tecnológico capaz de crear trajes de alta tecnología, dependiera de una placa tan rudimentaria empezó a parecer anacrónica. Los lectores y escritores comenzaron a cuestionarse por qué Stark no había encontrado una solución más moderna para su problema cardíaco. En Tales of Suspense #84, se reveló al mundo la existencia de esta placa, y aunque Stark intentó mejorarla en varias ocasiones, la necesidad de su existencia seguía siendo un elemento fundamental de su personaje.

El cambio definitivo

Finalmente, en Iron Man #18 (1969), los guionistas tomaron una decisión crucial que cambiaría para siempre el destino de Tony Stark. Después de una batalla agotadora contra un Life Model Decoy (un duplicado robótico) que casi le costó la vida, Stark quedó al borde de la muerte debido a la falla de su corazón. En un giro inesperado, los Vengadores lo llevaron a un dispositivo diseñado por Hank Pym que podría mantener su corazón latiendo unos días más, dándole un pequeño respiro para encontrar una solución definitiva.

En ese breve tiempo, apareció un doctor llamado José Santini, quien ofreció realizar una cirugía experimental utilizando tejido artificial. Este procedimiento tenía el potencial de reparar completamente el corazón de Tony, eliminando así la necesidad de la placa en el pecho. Contra todo pronóstico, la cirugía fue un éxito, y por primera vez desde que se convirtió en Iron Man, Tony Stark ya no necesitaba una máquina para mantener su corazón funcionando.

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Un nuevo comienzo, nuevos temores

Aunque Tony Stark ya no dependía de la placa, el impacto psicológico de años de dependencia tecnológica no desapareció de inmediato. En los números siguientes, Stark enfrentó un nuevo desafío: su propia incertidumbre sobre la durabilidad de su “nuevo” corazón. Incluso llegó a considerar dejar de ser Iron Man, temiendo que su corazón reparado no soportara la presión de las batallas.

Sin embargo, con el tiempo, Stark recuperó la confianza en su salud y volvió a ponerse la armadura, demostrando que, aunque su corazón ya no estaba en peligro, su espíritu heroico seguía intacto. A lo largo de los años, su corazón ha enfrentado otros desafíos, pero ninguno ha vuelto a encadenarlo a una tecnología obsoleta.

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Iron Man y la evolución tecnológica en los cómics

La historia de Tony Stark y su placa en el pecho es un reflejo perfecto de cómo los cómics han tenido que adaptarse a la evolución de la tecnología y las expectativas del público. Lo que alguna vez fue un elemento esencial de su carácter se convirtió en un símbolo de una era pasada, una que los escritores eventualmente dejaron atrás para permitir que Iron Man evolucionara.

La eliminación de la placa en el pecho no solo liberó a Tony Stark de su dependencia tecnológica, sino que también permitió a los guionistas explorar nuevas facetas del personaje, enfocándose más en su intelecto, sus emociones y sus relaciones, en lugar de en su vulnerabilidad física. Este cambio fue un paso importante en la evolución de Iron Man, transformándolo de un héroe dependiente de una máquina para sobrevivir, en un icono que puede enfrentarse a cualquier desafío sin limitaciones impuestas por una tecnología obsoleta.

Iron Man dejó de necesitar su placa en el pecho en 1969, pero el verdadero cambio fue en cómo este hecho permitió que el personaje creciera y se adaptara a los tiempos modernos. La tecnología avanzó, y Tony Stark con ella, demostrando que, al final del día, es su ingenio, determinación y corazón (literal y figuradamente) lo que realmente lo define como héroe.

Bob Esponja y su edad, uno de los misterios más difíciles de la animación

La edad de Bob Esponja sigue siendo un enigma, incluso después de décadas de aventuras bajo el mar

En el corazón de Fondo de Bikini, rodeado de las locuras cotidianas de sus excéntricos vecinos y compañeros de trabajo, vive Bob Esponja Pantalones Cuadrados. Desde su estreno en 1999, este personaje se ha convertido no solo en un icono global de la animación, sino también en un misterio perpetuo. ¿Cómo es posible que, tras tanto tiempo, aún no sepamos cuántos años tiene?

Bob Esponja, con su optimismo inquebrantable y energía inagotable, parece desafiar todas las convenciones, incluso las del tiempo mismo. Vive solo en una piña bajo el mar, trabaja como cocinero en el Crustáceo Crujiente y todavía intenta obtener su licencia de navegación con la señora Puff. ¿No suenan a las responsabilidades de un adulto?

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Un vistazo al pasado para entender el presente

Para entender mejor este enigma, debemos mirar hacia el episodio de la primera temporada, “Hora de Dormir”, donde aparece por primera vez la licencia de conducir de Bob Esponja, con una fecha de nacimiento que señala el 14 de julio de 1986. Si seguimos la lógica del calendario humano, eso lo haría mayor de edad en la mayoría de los países. Sin embargo, el creador Stephen Hillenburg y los guionistas del programa han jugado constantemente con esta información, dejando pistas contradictorias a lo largo de los años.

La serie nunca ha sido cronológica, lo confirmó Vincent Waller, uno de los showrunners. Este detalle es crucial para entender por qué las edades pueden fluctuar o parecer inconsistentes. La película de 2004, que muchos creyeron sería el final de la serie, en realidad no define un antes y un después en la línea temporal de la serie.

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El rol de Kamp Koral y las afirmaciones familiares

Incluso en Kamp Koral, la serie precuela que sigue a los personajes durante sus años de campamento de verano, Bob Esponja y Patricio aparecen como niños de 10 años. Este detalle podría sugerir una edad más joven durante la serie principal, pero las discrepancias en la continuidad de los personajes, como la relación entre Bob Esponja y Arenita, que se conocen en el primer episodio de la serie original, complican la narrativa.

La abuela de Bob Esponja, en el episodio “Los besos de la abuela”, insinúa que él es un adulto al reafirmar que puede ser mayor y aún así mostrar afecto a su abuela. Esta es una de las varias instancias donde se le atribuye una madurez más allá de la de un adolescente.

Conclusiones imprecisas pero fascinantes

Bob Esponja ha sido descrito por Hillenburg como un personaje intemporal, sin una edad específica, diseñado para resonar tanto en niños como en adultos. Esto refleja la intención del creador de mantener a Bob Esponja y su mundo en un estado atemporal y surrealista, donde la lógica humana no tiene por qué aplicar.

bob esponja

La incógnita sobre la edad de Bob Esponja podría no resolverse jamás, manteniendo la curiosidad y el debate entre los fans. Lo que es seguro es que, independientemente de los años que tenga, Bob Esponja seguirá siendo ese personaje alegre y optimista que tanto ha cautivado a generaciones de espectadores.

Los mejores momentos de Bob Esponja

Entre los episodios más celebrados de Bob Esponja se encuentra “Banda de Tontos”, donde Bob Esponja y sus amigos forman una banda que termina tocando en el Super Bowl, ofreciendo una actuación que se ha quedado en la memoria colectiva de los fans. Otro capítulo inolvidable es “La Caja de la Imaginación”, donde se exalta el poder de la imaginación a través de una simple caja de cartón, demostrando que las aventuras más grandes pueden residir en los lugares más pequeños y comunes.

Reseña de Marvel Deluxe. Thor de Donny Cates 1 – El Rey Devorador

Donny Cates comienza su etapa al cargo de Thor en un tomo publicado por Panini Comics en la línea Marvel Deluxe que llevará al rey de Asgard a enfrentarse al Invierno Negro

Hacia tiempo que Jason Aaron era el único tipo que cortaba el bacalao en Marvel Comics en lo que al Dios del Trueno se refiere, desde aquella estupenda saga de El Carnicero de Dioses. Pero ya era hora de que el guionista de Alabama pasara el testigo, y su amigo Donny Cates parecía la persona adecuada para hacerse cargo del personaje durante una nueva etapa que debería haber sido gloriosa, si hacemos caso a los trabajos que este ha dejado a su paso. El comienzo de esta nueva era lo trae ahora Panini Comics en un tomo que lleva por título Marvel Deluxe. Thor de Donny Cates 1 – El Rey Devorador.

Thor

Nuevos tiempos para Asgard

Cuando Aaron se va de la serie llega a un punto de cierre en el que Thor es el nuevo rey de Asgard en sustitución del jubilado (ejem, ejem) Padre de Todos. No es precisamente un planteamiento totalmente novedoso que no se haya visto nunca, pero en esta ocasión parecía lo suficientemente firme y bien cimentado como para que realmente estuviéramos asistiendo a un cambio que fuera a durar más de un puñado de números.

También teníamos a Loki como el nuevo rey de Jottunhein tras la muerte de Laufey, pero este personaje ha dado tantísimas vueltas (ya sean de tipo moral o físico) a lo largo de los últimos años que es difícil seguir la pista a su cambios de estado.

Tras haber cosechado numerosos éxitos tanto dentro como fuera de La Casa de las Ideas, las esperanzas en que Cates fuera un hombre para el futuro de la serie eran sólidas. Ahora sabemos que, debido a un fatídico accidente que puso en pausa su carrera profesional, esto no fue así. Y es una lástima, porque lo que vemos en este tomo realmente apunta a un futuro muy prometedor para el hijo de Odín. Y lo hace no siendo continuista con el tono de su predecesor, sino rompiendo totalmente con él y buscando algo nuevo…

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El Invierno Negro

Como planteamiento de partida para desencadenar la acción tenemos una nueva amenaza conocida como el Invierno Negro, una entidad legendaria que, según los relatos, tiene el potencial de destruir Asgard y el universo entero si no es detenido. Ante este peligro inminente, el rey de Asgard decide delegar su liderazgo y emprender una nueva aventura.

Para enfrentar esta catástrofe, nuestro protagonista se une a un compañero tan improbable como pueda ser Galactus, quien lo convierte a su vez en su nuevo heraldo, lo cual conlleva un impactante cambio de vestuario. Y es aquí cuando empezamos ya sin duda a reconocer a ese Cates que tan buenos momentos nos ha hecho pasar con, por ejemplo, su Thanos y su Cosmic Ghost Rider. Con estos nuevos poderes, Thor se prepara para confrontar una amenaza sin precedentes.

Además, Cates reintroduce a Donald Blake, el a ratos olvidado alter ego de Thor. Aquí Cates va a darle una vuelta al personaje cambiando radicalmente la concepción que los lectores puedan tener de él y convirtiéndolo en un potente enemigo para el asgardiano. Pero Blake será tan solo uno de los muchos personajes conocidos que se pasarán por estas páginas, una lista que incluirá invitados desde Bill Rayos Beta hasta Syf pasando por Tony Stark

En el apartado gráfico aquí tenemos principalmente a un Nic Klein al que este trabajo le sienta como un guante. Sabe ser muy espectacular cuando toca, y con Cates en el guion esto suele ser muy a menudo. A Klein se le pide acción contundente, escenarios ominosos, molonidad y grandeza para sus personajes, y Klein cumple con nota.

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Un inicio sin fin

Lo mejor de este tomo es prácticamente todo lo que nos podemos encontrar en él. Gráficamente aquí nos encontramos con un material pijamero de primera calidad, y por lo demás estamos viendo desde la primera página una historia que va a tope, un all in de un guionista que llega con muchas ganas de dejar su nombre escrito a fuego en el mismísimo Mjölnir y que lo hace además ofreciendo algo nuevo para los lectores amantes del personaje.

Lo peor es lo que no vemos. Por muy buenas que sean las páginas aquí recogidas, es inevitable pensar que no acabaremos por ver en tomos sucesivos las ideas futuras de Cates plasmadas en tinta. Y eso es lo que deja un sabor agridulce cuando llegamos al final de este volumen…

El tomo publicado por Panini Comics en tapa dura contiene 336 páginas a color con un tamaño de 17 x 26 cm. e incluye la traducción de la edición americana de los 14 primeros números de la serie regular de Thor, además de todas las portadas de los números incluidos, una introducción escrita por Nacho Teso y una sección con material extra al final. El precio de venta recomendado es de 42 € y se puso a la venta en julio de 2024.


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Marvel Deluxe. Thor de Donny Cates 1 – El Rey Devorador

Un nuevo equipo creativo conduce a Thor hasta nuevos reinos de gloria. Donny Cates, el guionista que ha reinventado a Thanos y a Veneno, toma los salones de Asgard junto a Nic Klein (Masacre) y Aaron Kuder (Guardianes de la Galaxia). El príncipe es ahora rey. Todo Asgard descansa sobre el Dios del Trueno.

La paz ha llegado, pero no suele durar en el Reino Eterno. El Invierno Negro se acerca. Y Thor no puede hacer nada contra él.

Autores: Aaron Kuder, Donny Cates y Nic Klein

Ultrón tendría bastante importancia en la serie de Visión, y se revela en qué se habría inspirado parte del proyecto

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Además del regreso de Ultrón para el programa centrado en Visión, la Bruja Escarlata de Elizabeth Olsen también estaría volviendo para un proyecto que empieza su rodaje el próximo año

Tras revelarse el regreso de Ultrón para la serie de Visión, se han empezado a compartir rumores relacionados con la producción de Marvel Studios.

Ultrón será importante

De acuerdo a Daniel Richtman, Ultrón tendrá un papel importante en el programa del Universo Cinematográfico de Marvel. Además, el insider revela que ha escuchado que este proyecto tendrá elementos de los Vengadores de la Costa Oeste. En los cómics, este equipo fue formado por Ojo de Halcón, y estaba compuesto originalmente por Visión, Mockingbird, Wonder Man, Tigra y Rhodey vistiendo la armadura de Iron Man.

Si la información de Richtman es cierta, esta sería la oportunidad perfecta para que tomen parte de la trama que tenían pensada para Armor Wars, y la trasladen a esta serie, ya que no me parece la mejor idea estrenar una película del mejor amigo de Tony cuando todavía tienen muchos rincones del UCM por tratar (sobretodo cuando Marvel tiene prisa por presentar personajes que serán clave en el futuro, y por continuar historias que podrían ser más interesantes para el público general). De hecho, un rumor bastante antiguo hablaba del regreso de Ultrón para Armor Wars, así que no sería mala idea que Rhodey tenga un papel similar al que tuvo Monica Rambeau en Bruja Escarlata y Visión.

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Deadline también compartió información interesante sobre Ultrón, y es que el medio asegura que James Spader no solo prestaría su voz al villano, por lo que muchos ya están especulando que veremos a Ultrón con una forma humana.

Elizabeth Olsen vuelve al UCM

Con respecto a la Bruja Escarlata, Richtman comentó que ya es un hecho que Elizabeth Olsen volverá como Wanda Maximoff para un proyecto de Marvel que se filmará en 2025. El insider no ofrece más detalles, pero lo más lógico es pensar que se trata del programa de Visión, o de Vengadores: Doomsday.

Se espera que la serie protagonizada por Paul Bettany se estrene en algún momento de 2026.

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Los Simpson: Adam Sandler se convierte en Homer en un trailer realizado por fans

Los Simpson siguen con mucha fuerza y podría existir una nueva película de la famosa familia de Springfield

Aunque para muchos ya dejaron atrás su época dorada, Los Simpson sigue siendo una de las series norteamericanas más importantes del mundo. Desde que Matt Groening creo a estos personajes amarillos en 1989, el pueblo de Springfield ha acompañado a millones de personas de todas las generaciones. A pesar de que su territorio siempre ha sido la televisión, Los Simpson han dado el salto a otros medios como los cómics o los videojuegos, incluso dieron el salto al cine con una película en el año 2007.

Aunque la serie ha sido explotada en múltiples áreas, ha habido una que parece que nunca se ha planteado, una serie o película con actores reales. Puede ser algo descabellado, pero ya se ha visto que se pueden realizar películas exitosas hasta de Barbie, por lo que con un buen guión se podría hacer algo, aunque los actores también serían importantes. Un canal de Youtube llamado Multiverse of AI se ha imaginado un trailer de cómo podrían verse los personajes de Springfield interpretados por actores reales. En el caso de Homer Simpson, sería interpretado por Adam Sandler, uno de los actores más reconocidos en el panorama de la comedia norteamericana.

El resto de la familia también son interpretados por actores reconocidos. Kristen Wiig interpreta a Marge Simpson, Jacob Tremblay y Mckenna Grace serían Bart y Lisa.

La familia Simpson es el eje central, sin duda, pero a lo largo de los años, el resto del pueblo tiene una importancia vital y sería imposible entender el fenómeno Simpson sin ellos. Es por eso que, en caso de realizar un live-action, estos personajes deberían de ser interpretados por actores consumados.

El “querido” vecino Ned Flander es interpretado por Will Ferrer, Simmon Peg es Leonard, mientras que Jordan Peele es Carl. El horrible señor Burns sería Steve Buscemi y su ayudante Smither, Neil Patrick Harris. Ben Stiller es Moe en el trailer, John C. Reilly es Barney, Zach Galifianakis es el Sheriff Wiggum, Steve Carell es Skinner. Otros personajes también son interpretados por nombres conocidos, como es el caso de Kumail Nanjiani siendo Apu, Gaten Matarazzo como Milhouse, Bill Hader como el Reverendo Lovejoy y unos cuantos más. Un elenco en general de lo más curioso.

Los Simpson

Los Simpson: la película 2

Por supuesto todo esto solo es un montaje realizado por fans, no hay ningún tipo de planes para realizar una adaptación de la serie con actores reales. Pero si parece que hay planes para llevar otra vez al pueblo de Springfield a la gran pantalla, pero con una condición. Parece que realizar una secuela de la película de 2007 dependía de la cinta de Del Revés 2. Teniendo en cuenta que la película de Pixar se ha convertido en la película animada más taquillera de la historia, poder volver a ver a Los Simpson en el cine estaría más cerca de lo que muchos piensas.

Aun con todo, se puede seguir disfrutando de todas las temporadas de Los Simpson en Disney +.

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El director del remake de Blade dice que sigue trabajando en la cinta después de su salida

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Pese a los rumores de salida del proyecto, el director Yann Demange podría no haber dejado la esperada película de Blade

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La producción del esperado filme de Blade, encabezada por Mahershala Ali y plagada de altibajos, acaba de recibir un chispazo de esperanza. Aunque el panorama parecía sombrío con la sucesión de directores y escritores, un reciente informe apunta a que Yann Demange, a quien se creía fuera del proyecto, sigue firmemente vinculado a esta odisea de Marvel programada para 2025.

Una montaña rusa creativa

Desde que Mahershala Ali subiera al escenario del Comic-Con de San Diego en 2019 para anunciar su papel como el cazavampiros de Marvel, el proyecto ha sido un carrusel de emociones. Directores que entran y salen, un guion que parece no encontrar su versión final… los aficionados están al borde de sus asientos, no solo por anticipación, sino también por preocupación.

Yann Demange, quien inicialmente reemplazó a Bassim Tariq en 2022, había sido reportado como otra baja más en junio de 2024 por Deadline. Sin embargo, este torbellino de cambios aún tiene un as bajo la manga. A pesar de los informes de su salida, ComicBook.com sugiere que Demange no solo sigue a bordo, sino que su implicación es más profunda de lo que se pensaba.

Los guionistas también rotan

No solo la silla del director ha visto caras nuevas; el guion de Blade ha sido objeto de múltiples reescrituras. Eric Pearson es ahora quien tiene la tarea de darle vida a este universo oscuro y lleno de vampiros, buscando la fórmula que finalmente pueda calzar con las altas expectativas de los fans.

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El propio Wesley Snipes, icónico por su interpretación de Blade en la trilogía original, no solo ha vuelto a encarnar al personaje en un cameo junto a Deadpool y Wolverine, sino que también ha ofrecido palabras de aliento hacia Mahershala Ali. En declaraciones a Entertainment Weekly, Snipes minimizó la culpa sobre Ali por los reveses del proyecto. “He dado mi bendición y apoyo total a Mahershala,” afirmó, y subrayó que los desafíos enfrentados no deberían recaer sobre los hombros del actor.

Un símbolo de renovación en Blade

Blade no es solo una figura de acción; es un ícono cultural, cuyo resurgimiento de la mano de Mahershala Ali promete renovar y profundizar la mitología vampírica en el universo Marvel. Ali, conocido por su habilidad para otorgar profundidad y complejidad a cada rol, parece ser el sucesor perfecto para este papel que una vez dominó Wesley Snipes. Esta transición simboliza no solo un cambio de guardia, sino también una evolución en la narrativa de superhéroes, donde la diversidad y la complejidad del carácter juegan roles protagonistas.

Además, la expectativa en torno a la adaptación de Blade se centra en cómo se alineará con el MCU más amplio, particularmente en cómo se diferenciará de las iteraciones anteriores y otros personajes vampíricos en el cine. Comparado con otros héroes del mismo universo, Blade tiene la peculiaridad de abordar temas más oscuros y adultos, lo que ofrece un terreno fértil para exploraciones narrativas más ricas y variadas, especialmente bajo la dirección potencial de Yann Demange y la interpretación de Ali.

El “secreto” para una saga exitosa según Snipes

“Realizar Blade no es cosa fácil,” comentó Snipes, añadiendo que se necesita de una “salsa secreta” especial para capturar la esencia que hizo grande a Blade. Esta mezcla, aparentemente, aún está en búsqueda, mientras el equipo creativo navega por las turbulencias de traer a la vida la visión de Marvel.

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Con este caótico pero fascinante trasfondo, Blade se perfila como uno de los lanzamientos más intrigantes y desafiantes de Marvel para 2025. Entre confirmaciones y desmentidos, lo único seguro es que el camino hacia la pantalla grande está siendo todo menos predecible. ¿Logrará Yann Demange, junto a Mahershala Ali y el equipo renovado de guionistas, entregar finalmente la película que los fans están esperando con ansias? Solo el tiempo lo dirá.

El estreno de El vengador toxico sigue en duda según Peter Dinklage

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A pesar de un estreno triunfal en el Fantastic Fest de 2023, el esperado remake de El vengador toxico sigue sin fecha de lanzamiento

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La ansiada reimaginación de El vengador toxico, un clásico que se revitaliza para la nueva era, ha dejado a los fans en vilo, ya que, a pesar de haber sido completada y aclamada en sus primeras proyecciones, todavía se desconoce cuándo llegará a las salas de cine. El icónico Peter Dinklage, protagonista de esta nueva versión, compartió recientemente su propia confusión y expectativas sobre el lanzamiento del film.

Una vuelta que sigue en duda

El remake de El vengador toxico tuvo su gran debut en el Fantastic Fest del 2023, donde no solo fue bien recibido, sino que casi roza la perfección en las primeras críticas de Rotten Tomatoes. Sin embargo, casi un año después de ese momento estelar, el silencio rodea cualquier anuncio oficial sobre su lanzamiento a gran escala. Dinklage, en una entrevista reciente con ComicBook.com mientras promocionaba su nuevo western “The Thicket”, expresó su desconcierto: “No, no soy productor en eso. No sé,” y añadió esperanzado que desea ver la película distribuida globalmente, pues fue “un gran éxito en el Fantastic Fest en Austin”.

Macon Blair, el cerebro detrás de la dirección y guión de la película, también fue elogiado por Dinklage durante la entrevista. Blair, que también actúa en “The Thicket”, fue descrito por Dinklage como uno de sus “artistas y personas favoritas”.

Nuevas caras, viejos héroes

La nueva versión mantiene la esencia de la película original de 1984, aunque introduce cambios significativos en su trama y personajes. En esta ocasión, Dinklage encarna a un empleado de un club de salud cuya mala suerte se agrava cuando un robo fallido lo expone a residuos tóxicos. Este desafortunado incidente lo transforma en un ser deformado y monstruoso, quien se convierte en el vigilante de la ciudad.

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En el elenco se destaca también Jacob Tremblay, que interpreta al hijo del personaje de Dinklage. Tremblay compartió su entusiasmo por la película en una entrevista en febrero, asegurando que la película tiene “un elenco increíble” y que fue “muy divertido” participar en ella. “Creo que la gente va a disfrutar mucho viéndola. Es algo diferente. Estoy súper emocionado porque la vean,” afirmó.

El eterno retorno de un héroe poco convencional

El personaje de El vengador toxico ha sido un ícono de culto desde su aparición inicial en 1984. Diseñado originalmente como una parodia grotesca y exagerada de los superhéroes tradicionales, su encanto radica en su imperfección y en la crudeza con la que enfrenta las injusticias urbanas. En esta nueva versión, Peter Dinklage trae una profundidad única al personaje, fusionando vulnerabilidad con una venganza tóxica que promete resonar de manera distinta entre las audiencias modernas. Su interpretación busca redefinir lo que significa ser un héroe en un mundo cada vez más consciente de sus propias toxicidades, tanto ambientales como sociales.

Comparando con otros remakes de superhéroes, esta reinterpretación de El vengador toxico destaca por mantenerse fiel a la esencia antisistema y descaradamente bizarra de la obra original, mientras introduce elementos contemporáneos que apelan a un nuevo público. La expectativa es que esta versión no solo rinda homenaje al original, sino que también lo expanda, ofreciendo una narrativa más rica y compleja que reflexione sobre los dilemas morales de nuestro tiempo. A medida que el interés crece y la anticipación se acumula, los fans están ansiosos por ver cómo esta nueva película equilibra la nostalgia con la innovación.

Un clásico reinventado

La obra ha sido escrita y dirigida por Macon Blair, con Lloyd Kaufman y Michael Herz del equipo de Troma, quienes produjeron la versión original de 1984, también a bordo en esta nueva entrega. Otros miembros del reparto incluyen a Taylour Paige, Jane Levy, Kevin Bacon y Elijah Wood, sumando aún más talento y diversidad al proyecto.

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La mezcla de talento antiguo y nuevo, junto con una historia que ha resistido la prueba del tiempo, promete traer de vuelta al Vengador toxico con una fuerza renovada. Aunque el misterio de su fecha de lanzamiento sigue intacto, el interés y la expectativa de los fans no hacen más que crecer. A medida que seguimos esperando más detalles, el eco de las primeras críticas sugiere que, cuando finalmente llegue, será un espectáculo que no querrás perderte.