El evento se celebró el 19 de mayo de 2026 y utilizó 1600 drones que recrearon figuras inspiradas en el universo de He-Man en el cielo nocturno de la ciudad.
‘Masters of the Universe’ drone show spotted over Los Angeles 💥
• Had 1600 drones
• Guinness World Record for brightest drone show ever
La cinta está dirigida por Travis Knight y cuenta con un reparto encabezado por Nicholas Galitzine como He-Man. También participan Jared Leto en el papel de Skeletor, Alison Brie como Evil-Lyn e Idris Elba como Duncan.
La historia seguirá al príncipe Adam, quien regresa a Eternia tras años de ausencia para enfrentarse al dominio de Skeletor y asumir su destino como He-Man.
La producción se realizó en Londres entre enero y junio del año pasado. Además, la película tuvo una premiere en el Teatro Chino TCL el 18 de mayo de 2026 y llegará a los cines de Estados Unidos el 5 de junio.
Con Ben Reilly colgando de las cornisas del Manhattan de la Gran Depresión y una secretaria que lo sabe todo antes que su jefe, la serie de Prime Video apuesta por el noir más puro y sale ganando. Hemos visto la primera temporada de Spider Noir y te traemos nuestra opinión, sin spoilers.
Spider Noir: un detective, una botella y una ciudad en sombras
Para que Nicolas Cage diera el salto a la televisión, hacía falta una buena razón. Cuarenta y cinco años de cine, dos películas de Ghost Rider, un Oscar y una voz en ‘Spider-Man: Un nuevo universo’ después, esa razón ha llegado en forma de gabardina, sombrero fedora y una telaraña disparada desde los rascacielos de los años 30. Bienvenidos a Spider-Noir, la serie que demuestra que algunos actores sí saben cuándo y cómo dar el salto a la pequeña pantalla.
La premisa de Spider-Noir no podía ser más clásica: Ben Reilly (Nicholas Cage) es un investigador privado en mala racha en el Nueva York de la Gran Depresión. Tiene deudas, un pasado complicado y una tragedia personal que lo persigue. Y, por si fuera poco, también es Spider, el único superhéroe de la ciudad, un tipo que se balancea entre edificios mientras la prensa le pone a caer de un burro cada vez que alguien cuestiona su comportamiento. La historia de siempre, vamos.
La serie, basada en el cómic Spider-Noir de Marvel, es un noir de manual: hay whisky en el cajón, hay secretaria ingeniosa, hay femme fatale y hay un caso que se va enredando más que los hilos de una telaraña. Las referencias al cine negro clásico van desde las sutiles hasta las descaradamente directas, y la gracia está en ir reconociéndolas: Bogart aquí, Edward G. Robinson allá, y Cage sonriendo entre medias como si disfrutara de cada guante que le lanza el género.
El showrunner Oren Uziel tomó la decisión inteligente de aparcar a Peter Parker y construir al personaje desde cero pensando directamente en Cage como encarnación de un investigador de los treinta. El resultado es una serie que sabe exactamente lo que quiere ser y no se disculpa por ello.
Cage llevaba 45 años esperando este papel (y él mismo lo dice)
Conviene aclarar que según sus propias declaraciones, Nicholas Cage no se metió en la televisión por necesidad ni por azar. Fue su hijo Kal quien lo sentó a ver Breaking Bad, y aquella escena de Walter White mirando una maleta durante lo que parece una eternidad le reveló algo que el cine no puede permitirse: el tiempo. La televisión deja respirar a los personajes de un modo distinto, y Cage quiso explorar eso.
Para este Ben Reilly de Spider-Noir, el actor se inspiró en el estilo ágil y mítico de las estrellas del noir clásico pero mezclándolo con los elementos fantásticos del cómic. El resultado, según el propio Uziel, es una interpretación “que está impregnada de la idea de que tiene ADN de araña incluso cuando camina como Ben Reilly”. En otras palabras: Cage mueve el cuerpo de una manera que no es del todo humana, y eso genera una incomodidad fascinante que sirve perfectamente al personaje.
Como no podía ser de otra forma en un producto así, el actor también metió mano en el guión cuando lo consideró oportuno: una improvisación tardía en la cafetería del rodaje entre Cage y Uziel dio lugar a uno de los diálogos más interesantes de la serie. Y sí, si estás pensando en la frase más icónica de Spidey… aparece. Ligeramente modificada, pero aparece.
El secreto mejor guardado: el reparto que rodea a Cage
Cage copa los titulares, pero Spider-Noir funciona también gracias a quienes lo rodean. Lamorne Morris — conocido para muchos por su etapa en New Girl o Fargo— interpreta a Robbie Robertson (sí, el mismo), el periodista mejor amigo de Ben. Para construir al personaje, Morris investigó la figura de Ted Poston, uno de los primeros periodistas negros en trabajar para una publicación de gran tirada, y su trabajo aporta una dignidad y una solidez que anclan la serie cuando el espectáculo de Cage amenaza con llevarse todo el protagonismo.
Karen Rodríguez está magnifica como Janet, la secretaria de origen hispano (con alguna exclamación en español en la versión original). Janet es el tipo de personaje que en las películas de los cuarenta no se conformaba con atender el teléfono: aquí es la persona sin la cual la agencia no funcionaría, y sabe mucho más de lo que aparenta. Li Jun Li completa el trío principal como Felicia “Cat” Hardy (sí, ESA Felicia), cantante de club nocturno y femme fatale cuya relación con Ben tiene más capas de las que parece a primera vista.
El reparto principal de Spider-Noir se completa con Brendan Gleeson (ganador del SAG y nominado al Oscar respectivamente), quien interpetra a Silvio Manfredi (sí, ESE Silvio Manfredi), el capo mafioso imprescindible en cualquier obra de género negro. Gleeson es un gran actor cuya sola presencia llena la pantalla, transmitiendo el terror que debe transmitir una persona con gran poder y sin escrúpulos pero muy inteligente, frío y calculador.
A estos les acompañan una larga lista de apariciones especiales que dan profundidad al universo de la serie. El fan de los cómics disfrutará especialmente identificando a los personajes por sus nombresantes de que desplieguen sus habilidades, y encontrando los guiños como el de cierta relación entre periodista y malhechor que cualquier lector de Marvel reconocerá.
¿En blanco y negro o en color? La apuesta más curiosa del año
Uno de los rasgos más llamativos de la producción de Spider-Noir es que la serie estará disponible en dos versiones: “Auténtico Blanco y Negro”, homenaje fiel al cine negro de los cuarenta, y “Color Real”, pensada para captar a quienes no están habituados a la paleta monocromática. La idea fue del propio Cage, que la planteó a los responsables de Amazon MGM Studios con un argumento sencillo: intentar que un adolescente de hoy se siente a ver una serie en blanco y negro sin ningún contexto previo es una apuesta arriesgada.
“El cine negro tiene una autenticidad propia. Nada es blanco o negro. Todo es claroscuro, y cada personaje posee complejidad, profundidad y matices”
Nicholas Cage
La versión en color tiene además un argumento propio: los trajes y corbatas que luce Lamorne Morris son, sencillamente, una delicia visual que en blanco y negro se pierde. El espectador puede elegir, lo cual, en el fondo, no es una mala manera de entrar al universo de la serie.
Si queréis mi opinión (despues de verla en ambas versiones) yo prefiero ver Spider-Noir enblanco y negro. Creo que le da a la serie ese toque de años 30, de historia de detectives y personajes heridos que la versión en color no consigue.
Un superhéroe que su ciudad no merece, pero que la serie sí
Spider-Noir no reinventa nada: se apoya en los pilares del género con confianza y los combina con el espectáculo visual de los cómics sin que ninguno de los dos elementos aplaste al otro. Ben Reilly sigue siendo ese superhéroe al que la ciudad repudia en cuanto alguien siembra la duda, un tipo que sufre por la falta de reconocimiento pero que no puede dejar de ayudar a los demás, con máscara o sin ella. Es, en el fondo, la historia de siempre, pero contada con estilo y con un reparto que sabe muy bien lo que hace.
Los dos primeros episodios de Spider-Noir, dirigidos por Harry Bradbeer (Fleabag, Killing Eve), establecen un tono seguro y una visualidad llamativa. Y la serie mantiene ese nivel, con diferentes sorpresas y subtramas al más puro estilo “noir”, por lo que estamos ante una de las propuestas más originales de la temporada en materia de superhéroes: no por hacer algo que nunca se haya visto, sino por hacer muy bien algo que se ha visto poco.
FICHA TÉCNICA
Título
Spider-Noir
Género
Acción, Noir, Superhéroes
Plataforma
Prime Video (streaming desde el 27 de mayo) · MGM+ (estreno el 25 de mayo)
Año
2025
Protagonistas
Nicolas Cage, Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodríguez, Jack Huston, Brendan Gleeson
Además, el proyecto tendría un nombre de peso tras las cámaras: Christopher McQuarrie, responsable de revitalizar la saga Mission: Impossible. Su posible implicación cambia mucho el panorama, porque hablamos de un director con experiencia en acción espectacular, pero también en construir personajes con peso dramático.
Un Conan más cercano a sin perdón que a una fantasía clásica
Lo realmente atractivo de este regreso es su enfoque. Schwarzenegger explicó que nunca quiso hacer una continuación simplemente por nostalgia. Su idea siempre fue encontrar el tono adecuado, respetando el legado de Robert E. Howard y también la identidad visual brutal y mitológica que convirtió la película original en un clásico.
Y aquí llega la referencia que dispara el hype: comparó King Conan con Sin perdón, el legendario western de Clint Eastwood. Eso nos deja imaginar una historia más oscura, madura y crepuscular, con un rey veterano obligado a regresar a la violencia en un último gran conflicto.
Lo curioso es que Schwarzenegger lleva hablando de este proyecto muchísimo tiempo. Según explicó, durante la última década ha intentado empujar la secuela buscando el equipo creativo adecuado y un guion que realmente entendiera el universo de Conan.
Incluso mencionó su deseo de contar con John Milius, director de la película original, en labores de producción. Esa insistencia demuestra que esto no era una ocurrencia pasajera, sino un proyecto personal que el actor quería sacar adelante con cierto respeto por el material original.
Hollywood sigue obsesionado con rescatar iconos ochenteros
El regreso de Conan encaja perfectamente con la tendencia actual de Hollywood: recuperar franquicias legendarias con versiones más adultas o nostálgicas. Hemos visto movimientos similares con Indiana Jones, Top Gun o incluso Blade Runner.
La diferencia aquí es que Conan podría beneficiarse precisamente del envejecimiento de su protagonista. Mientras otras sagas intentan disimular el paso del tiempo, esta parece querer convertirlo en parte esencial de la historia.
Y siendo sinceros, un Schwarzenegger mayor interpretando a un rey cansado, brutal y con una última guerra pendiente suena muchísimo mejor de lo que cualquiera esperaba.
Lo más llamativo del planteamiento era que Gen V iba a abandonar por completo la seguridad del entorno académico. Tras la caída de Godolkin University y el nuevo rumbo corporativo de Vought, los jóvenes supers habrían tenido que enfrentarse por primera vez al mundo real sin red de protección.
Uno de los movimientos más interesantes era el relevo simbólico entre Annie January y Marie Moreau. Todo apuntaba a que la protagonista de Gen V heredaría el papel de referente moral dentro del universo superheroico, convirtiéndose en la nueva cara del “buen supe”.
Además, tras las revelaciones sobre sus habilidades extremas, incluida su capacidad para manipular la sangre con niveles absurdamente peligrosos, parecía lógico que la serie quisiera explorar hasta dónde podía llegar realmente.
Stan Edgar habría vuelto como gran amenaza
Otro giro potente: Stan Edgar recuperando el control de Vought y posicionándose públicamente contra los supers.
Sí, la ironía es deliciosa.
El mismo sistema que durante años convirtió a estos personajes en celebridades, armas y productos comerciales habría decidido darles la espalda. Eso abría un escenario brutal: supers sin apoyo corporativo, sin estructura y con libertad total para elegir su camino.
Con Giancarlo Esposito en ese tablero, el conflicto prometía bastante.
Un universo que aún podría rescatar personajes
Aunque Gen V como tercera temporada parece fuera del mapa, eso no significa necesariamente el final absoluto para sus personajes.
Kripke ha dejado la puerta entreabierta a reutilizar estas historias dentro de otros proyectos del universo The Boys. El más evidente es The Boys: Mexico, que lleva tiempo desarrollándose y cuya cronología encaja con los acontecimientos posteriores al final de la serie principal.
Eso permitiría rescatar a Marie, Emma, Jordan o Sam en otro contexto sin necesidad de continuar formalmente el spin-off.
Mientras tanto, el único proyecto confirmado es Vought Rising, precuela ambientada en los años 50 que explorará los orígenes de la corporación y figuras como Soldier Boy y Stormfront.
No parece el lugar natural para encajar a los chavales de Gen V, salvo sorpresa muy loca de guion.
Una cancelación que sabe a oportunidad perdida
Lo frustrante aquí es que Gen V había conseguido algo complicado: no sentirse como un simple derivado oportunista de The Boys.
Tenía identidad propia, un tono ligeramente distinto y personajes capaces de sostener historias más allá del cinismo extremo de la serie madre.
Hiro Tomono construye en su primer tomo de La isla de los longevosun thriller generacional que combina ciencia ficción social y venganza personal, publicado por Editorial Hidra con una edición física bien cuidada.
La isla de los longevos: un Japón que ha conquistado la vejez… pero no la injusticia
La colección Hidra Manga de Editorial Hidra suma un nuevo título a su catálogo con La isla de los longevos, el manga de Hiro Tomono que llega a las librerías el 25 de mayo de 2026. El primer volumen plantea un escenario de ciencia ficción social que tardará poco en derivar hacia el thriller y la venganza personal, con una premisa que invita a continuar desde las primeras páginas.
El punto de partida de La isla de los longevos es tan sugerente como inquietante: el Gobierno japonés ha desarrollado un fármaco capaz de rejuvenecer el cuerpo humano hasta los veinte años. El Proyecto Aging convoca a voluntarios octogenarios para estudiar si es viable reintegrarlos en el mercado laboral y los traslada a Tokoha, una isla diseñada a tal efecto. El concepto abre preguntas sociales y éticas de calado: ¿qué significa envejecer cuando la biología puede revertirse? ¿A quién beneficia realmente este experimento?
La premisa de La isla de los longevos suena fascinante. Mezclar un dilema sociopolítico tan actual (el envejecimiento de la población y el mercado laboral) con ciencia ficción, thriller y el concepto del rejuvenecimiento tiene un potencial tremendo para un primer número. Como “carta de presentación”, el debate moral y el choque de ver a octogenarios con cuerpos jóvenes plantea interrogantes muy interesantes.
Esa premisa del Proyecto Aging y los octogenarios rejuvenecidos en una isla me parece un punto de partida ideal. En este primer tomo el autor sabe jugar bien la baza del choque psicológico (tener la mente de un anciano pero la energía de un chaval) e incluso añade intriga sobre las verdaderas intenciones del gobierno japonés (o quien esté en la sombra).
Tomono no deja que la reflexión se vuelva abstracta. Al escenario colectivo le añade una historia personal de gran potencia: Takirô Yabuzaki, un hombre que ha cumplido casi cincuenta años de condena por el asesinato de su mujer y su hijo —crimen que no cometió—, sale de prisión con el cuerpo de un joven gracias al fármaco y se infiltra en la isla con un único objetivo: encontrar al verdadero asesino de su familia. La combinación de ciencia ficción social y drama de venganza da al primer volumen una energía narrativa poco habitual.
Takirô lleva cincuenta años de injusticia acumulada en un cuerpo de veinte años. Tomono convierte esa contradicción en el motor de un thriller que no da respiro.
Un arranque que no pierde el tiempo
El primer tomo cumple con rigor su función de presentación: establece el mundo, introduce a los personajes principales y cierra con un gancho que empuja a buscar el volumen siguiente. Tomono dosifica bien la exposición —el Proyecto Aging se explica sin caer en la info-dump— y reserva suficiente misterio en torno a los secundarios de la isla para que la lectura mantenga tensión constante. El ritmo es ágil sin resultar precipitado.
El protagonista funciona desde el primer capítulo. La dualidad entre su apariencia joven y su experiencia vital de ochenta años —con décadas de cárcel a cuestas— genera una tensión dramática que Tomono explota con inteligencia, sin recurrir a flashbacks innecesarios. El lector sabe lo suficiente para empatizar con Takirô y lo suficiente sobre la isla para intuir que allí no todo es lo que parece.
El dibujo: limpieza y detalle al servicio del thriller
El estilo gráfico de Hiro Tomono se caracteriza por un trazo limpio que no renuncia al detalle allí donde importa. Los personajes tienen expresividad y consistencia visual; los fondos construyen el entorno de la isla con suficiente presencia para que Tokoha se sienta como un espacio real con sus propias reglas. La composición de viñetas favorece la lectura fluida incluso en las secuencias de mayor carga dramática, y el uso del espacio en blanco refuerza los momentos de tensión sin necesidad de recurrir a efectos gráficos recargados.
El blanco y negro está bien resuelto: las tramas no saturan y el contraste entre los grises y los negros funciona especialmente en los planos cerrados sobre Takirô, para el que su caracter introvertido la expresión lo dice todo.
La edición de Hidra Manga: una apuesta clara
Editorial Hidra ha cuidado este primer número con criterio. La tapa blanda con solapas ofrece una presentación digna que hace justicia a la portada; el papel aguanta bien las tramas de negro y el encuadernado permite abrir el tomo sin forzar el lomo. A 9,03 euros por 192 páginas, el precio es competitivo dentro del segmento. La traducción al español suena natural y no chirría en los momentos de mayor densidad emocional, lo que en un thriller de este tipo —donde los silencios y las elipsis cuentan tanto como el diálogo— es un mérito que conviene señalar.
Conclusión: una colección que merece seguirse
El primer tomo de La isla de los longevoshace exactamente lo que se le pide a un número inaugural: presenta un mundo creíble, un protagonista con profundidad y una trama que no se agota en sí misma. Hiro Tomono demuestra dominio tanto del guion como del dibujo, y Editorial Hidra responde con una edición física a la altura de la obra. Para los aficionados al thriller manga con trasfondo de ciencia ficción social, esta colección es una apuesta segura desde el primer volumen.
En las imágenes filtradas aparece un Soldier Boy mucho más idealista que la versión conocida por los fans, mientras Clara Vought, identidad original de Stormfront, observa la situación con una inquietante sonrisa. También se muestran varios héroes que, según se reveló en la quinta temporada de The Boys, recibieron inyecciones del Compuesto V1.
La serie estará centrada en un misterio criminal ambientado en los primeros años de Vought. Eric Kripke, creador y showrunner de The Boys, definió el proyecto como una historia “macabra y sangrienta” que explorará los orígenes de la compañía y de sus primeros superhéroes.
El reparto contará con Jensen Ackles como Soldier Boy y Aya Cash como Stormfront. También participarán Elizabeth Posey, Will Hochman y Mason Dye.
La serie llegará a Prime Video en 2027, aunque todavía no tiene una fecha concreta de estreno.
El nombre que más suena para liderar el proyecto es Jacob Hair, director de varios episodios muy populares entre los fans como “The Vat of Acid Episode”, “Rickmurai Jack” y “Night Family”. Aunque todavía no existe confirmación oficial, su participación encajaría con la intención de mantener la esencia original de la serie.
Por su parte, el cocreador Dan Harmon ya había explicado anteriormente que su idea para la película sería sencilla: crear “un episodio gigante” de unos 90 minutos, sin alterar la continuidad de la historia ni reinventar el universo de la serie.
Además, Harmon comentó en tono humorístico que ZackSnyder mostró interés en colaborar con el proyecto, imaginando incluso una versión extendida de varias horas al más puro estilo del director.
Mientras tanto, la serie continúa consolidándose como uno de los mayores éxitos de animación televisiva. La novena temporada llegará este mes y la producción ya está asegurada hasta una duodécima entrega.
Por ahora, ni Warner Bros. ni Adult Swim han confirmado oficialmente la película, pero todo indica que el salto de Rick y Morty a la gran pantalla está más cerca que nunca.
Según explicó, las futuras entregas explorarán la instrumentalización de la fe y también del amor, conceptos que pueden resultar incluso más perturbadores que el terror puro. No cuesta imaginar lo peligroso que puede resultar Derry cuando fuerzas emocionales tan profundas entran en juego.
Barbara Muschietti también quiso conectar esa idea con el presente, señalando que vivimos en una época donde el miedo se utiliza constantemente como herramienta de control, una reflexión que encaja sorprendentemente bien con el ADN de la historia.
La temporada 2 ya tiene época y tragedia histórica
Hablamos de la historia de la Bradley Gang, una banda de atracadores que acaba haciendo parada en Derry mientras huye. Como suele pasar en esta ciudad maldita, una simple parada rutinaria acaba desembocando en algo monstruoso.
Para quienes conocen la novela de Stephen King, este detalle no es precisamente menor. El libro sembraba pequeñas referencias a tragedias históricas ocurridas en Derry, dejando claro que Pennywise lleva alimentándose del horror humano durante generaciones enteras.
La tercera temporada podría adaptar uno de los momentos más devastadores
Y sí, también hay pista sobre una posible tercera temporada. Aunque HBO todavía no ha hecho un anuncio oficial definitivo sobre su renovación, Andy ya habló de otro gran evento que podría convertirse en el eje narrativo.
Si eso llega a adaptarse, estaríamos probablemente ante la etapa más devastadora y emocional de toda la serie. No solo por el impacto del evento, sino porque encajaría perfectamente con esa idea de explorar cómo el amor y la pérdida también pueden convertirse en herramientas de destrucción.
La primera temporada de It: Welcome to Derry, estrenada en HBO en octubre del año pasado, presentó además a Clara Stack, Amanda Christine, Matilda Lawler y Taylour Paige dentro de un reparto que amplía el ecosistema de Derry.
La gran cuestión ahora es cómo equilibrará la serie el horror sobrenatural con este enfoque más temático y emocional. Porque una cosa está clara: si el miedo era solo el calentamiento, lo que viene puede ser mucho más incómodo para los fans.
Embracer reorganiza sus cartas y coloca algunas de sus propiedades más potentes, entre las que se encuentran El señor de los anillos y Tomb Raider bajo una nueva compañía con grandes ambiciones
Eso significa que gestionará publicaciones, licencias, desarrollos y expansiones de marca en distintos formatos, incluyendo videojuegos, cine, merchandising y otros productos derivados. La jugada deja claro que Embracer quiere una estructura más especializada para sacar rendimiento a algunas de sus joyas más valiosas.
Qué proyectos entran en esta nueva etapa
Uno de los detalles más llamativos es que Fellowship Entertainment heredará proyectos ya en marcha. Entre ellos está The Lord of the Rings: The Hunt for Gollum, la nueva película ambientada en el universo de Tolkien dirigida por Andy Serkis, un proyecto que ya había generado bastante conversación entre los seguidores de la saga.
Lars Wingefors, presidente de Embracer Group, ha explicado que el objetivo es bastante claro: dar a estas marcas una gestión más enfocada y una estructura con responsabilidades más definidas. Según sus palabras, consideran que estos activos están entre los más infravalorados de toda la industria.
El mensaje entre líneas es evidente: Embracer cree que todavía no se ha exprimido realmente el potencial de estas propiedades. Y viendo el valor cultural y comercial de El Señor de los Anillos y Tomb Raider, cuesta decir que no tengan parte de razón.
Este tipo de movimientos suelen generar incertidumbre. Cuando una IP cambia de manos —aunque sea dentro del mismo ecosistema empresarial— siempre aparece la misma pregunta: ¿esto mejorará las franquicias o las convertirá en máquinas de explotar nostalgia?
En el mejor escenario, esta reorganización puede traducirse en proyectos más coherentes, mejor planificados y con una visión de largo recorrido. En el peor, podría derivar en una avalancha de productos con más interés financiero que creativo.
¡El campo de batalla está a punto de estallar! World of Tanks: HEAT, el nuevo shooter free-to-play vehículos tácticos, se lanzará el 26 de mayo. Situado en una línea temporal alternativa después de la Segunda Guerra Mundial, HEAT ofrece combates más rápidos y dinámicos por equipos.
El tráiler con el anuncio de su lanzamiento está dirigido por el director de cine Ilya Naishullery (Nadie, Hardcore Henry)
Echa un vistazo a su último tráiler en el que anuncia la fecha de lanzamiento, dirigido por el director de cine Ilya Naishullery (Nadie, Hardcore Henry) con música de su propio grupo, Biting Elbows.
HEAT lleva a World of Tanks a unas cotas muy altas de realismo e inmersión
World of Tanks: HEAT estará disponible para PC (Wargaming Game Center y Steam), Steam Deck, PlayStation 5, Xbox Series X|S y NVIDIA GeForce NOW, con soporte completo para juego cruzado y progresión cruzada. HEAT se ha creado desde cero con el nuevo motor gráfico desarrollado por Wargaming. Esta tecnología ofrece gráficos de última generación, entornos inmersivos y un rendimiento óptimo en una amplia variedad de plataformas.
En el lanzamiento, los jugadores se encontrarán con:
Ocho Agentes: Tres roles de batalla: Defender, Assault y Marksman. Cada Agente dirige dos tanques, y cada uno de ellos está diseñado en base a su rol en combate.
Quince tanques: Cada tanque tiene un estilo de juego distinto y posee módulos y equipamiento completamente personalizables. Tanto si te gusta el combate cercano como el de francotirador, hay un tanque perfecto para ti.
Ocho mapas: Los distintos campos de batalla poseen una amplia variedad de biomas, localizaciones y estilos visuales, y cada uno diseñado para los diferentes modos de juego.
Cuatro modos PvP: Hardpoint, Control, Kill Confirmed y Conquest.
A solo una semana del lanzamiento, los jugadores pueden aprovechar para unirse a la comunidad y añadir el título a su lista de deseados en: https://wotheat.com
La serie World of Tanks: HEAT Foundations continuará próximamente con nuevos contenidos y revelaciones. World of Tanks es el primer juego de acción multijugador masivo online por equipos centrado en la guerra de tanques. En éste juego te sumerges en las épicas batallas entre tanques de la Segunda Guerra Mundial con jugadores y jugadoras de todo el mundo. Tu arsenal incluye más de 800 vehículos blindados de 11 naciones, cuidadosamente detallados y con un gran rigor histórico. Y ahora toca batallar en un escenario muy navideño, en La Casa de Él ya hay al menos un adicto al juego y el escenario promete mucho.
AQUÍ analizamos todos los detalles de Foundations. Ambientado en una línea temporal alternativa posterior a la Segunda Guerra Mundial,World of Tanks: HEAT sumerge a los jugadores en un mundo donde la tecnología y el combate de carros blindados son los protagonistas de un conflicto a escala mundial. La guerra se libra en diversos escenarios, con operadores de élite y vehículos blindados experimentales que constituyen el último obstáculo entre la paz y la guerra total.
Al frente de la lucha están los High Efficiency Armored Teams (HEAT), Agentes de élite enviados para detener los conflictos antes de que estallen. Cada agente comanda hasta dos tanques que son más que simples armas; son extensiones de los propios Agentes. Con una enorme capacidad de evolución y completamente personalizables, estas máquinas se adaptarán a tu estilo de juego, definiendo cómo se ve tu tanque, cómo combate y cómo actúa en el campo de batalla.
World of Tanks: HEAT es un shooter táctico free-to-play multiplataforma en el que los jugadores manejan tanques conducidos por héroes en rápidas batallas. El juego tiene lugar en una línea temporal alternativa tras la Segunda Guerra Mundial, donde los jugadores pelearán con nueva tecnología. Creado en el motor de Wargaming, el juego ofrece gráficos impresionantes y una jugabilidad siempre cambiante.
