Así arranca The Last of Us temporada 2 alterando algunos acontecimientos del juego

The Last of Us

Los acontecimientos con el papel de Abby en The Last of Us se alteran y la serie de HBO se atreve con todo desde su primer episodio

La espera ha sido larga, pero por fin hemos vuelto a Jackson. La segunda temporada de The Last of Us ya está aquí, y no ha perdido el tiempo en romper esquemas. Si esperabas una adaptación línea por línea de Part II, ya puedes ir soltando el mando, porque HBO y los showrunners Craig Mazin y Neil Druckmann han decidido jugar con el guion… y con nuestras emociones.

En lugar de empezar con Joel y Tommy —como ocurre en el juego—, el primer episodio nos lanza directamente al drama desde otra perspectiva. La historia abre con Abby, interpretada por Kaitlyn Dever, acompañada de Nora, Manny, Mel y Owen. Un grupo que ya nos suena si jugamos la secuela, pero que en pantalla apenas empieza a dejar su huella. Están junto a unas tumbas improvisadas, discutiendo sobre “lo que hizo Joel” y lo que eso les ha costado. No hay duda de que el odio ya está sembrado.

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Diferencias con el juego

Uno de los detalles más llamativos es que la guitarra no entra en escena como en el videojuego. En lugar de ver a Joel regalándosela a Ellie y tocando para ella en un momento tierno y simbólico, aquí la vemos con el instrumento ya en su poder. Eso sí, todo apunta a que ese momento lo veremos más adelante, probablemente en un flashback cargado de nostalgia.

Otro cambio importante llega con un cameo inesperado pero muy especial: el compositor Gustavo Santaolalla aparece tocando el banjo en el baile del granero. En el juego también lo vemos, pero en un contexto muy distinto: sentado en una esquina de Jackson, con su perro fiel al lado, simplemente tocando mientras el mundo sigue girando.

Pero si hay algo que realmente marca el tono de esta segunda temporada es el estado emocional de Joel. En el juego ya se intuía su lucha interna, pero en la serie se va más allá: Joel está en terapia. Visita a Gail, la terapeuta de Jackson, en un momento que se siente tan humano como necesario. En un mundo tan roto, la salud mental también necesita su espacio.

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Además, la serie ha cambiado las fechas del calendario postapocalíptico. Si el juego transcurre en 2038-2039, ahora estamos en 2029, lo que no cambia demasiado en cuanto a tecnología (recordemos que el mundo se detuvo hace décadas), pero sí podría alterar el ritmo de los eventos futuros.

Y hablando de ritmo, uno de los momentos más recordados por los jugadores, la fiesta del granero, ocurre en este primer episodio, cuando en el juego aparece mucho más adelante como flashback. El beso entre Ellie y Dina, la tensión con Seth, y la intervención de Joel están aquí tal cual los recordamos… pero sin el peso emocional que tenía en el juego. A cambio, ganamos una escena que refuerza desde ya la relación entre Ellie y Dina, y deja claro que esta temporada va a jugar sus cartas de manera distinta.

No todo es drama en esta distopía. También hay hueco para los chistes de “padre”, esta vez a cargo de Dina. Durante una patrulla, le suelta a Ellie: “¿Cómo se llaman las costillas de un oso? Bear-becue”. Ellie finge que no le hace gracia, pero lo anota en su diario. A veces, las cosas pequeñas dicen mucho.

The Last of Us

Lo que viene para Ellie, Dina y Joel

El primer episodio deja claro que esta temporada no va a ser un calco del videojuego, sino una reinterpretación con sus propios tiempos y recursos narrativos. Eso sí, el material original sigue muy presente. Las actuaciones de Bella Ramsey como Ellie y Pedro Pascal como Joel mantienen la intensidad, y la incorporación de nuevos personajes añade matices a la historia que ya conocemos.

Para quienes conocen bien The Last of Us Part II, estos cambios pueden resultar chocantes, pero también ofrecen una forma fresca de vivir una historia que ya nos hizo llorar con el mando en la mano. La serie se arriesga y gana puntos por hacerlo, porque lo importante sigue ahí: la conexión humana, el dolor, el amor, y las consecuencias de nuestras decisiones.

Quedan muchos episodios por delante, y si este inicio nos ha enseñado algo, es que cada escena puede tener un nuevo significado. Las cartas están sobre la mesa. Solo queda seguir el camino, aunque esté lleno de cicatrices.

Jean Marsh, la hechicera que marcó la tele británica, ha fallecido a los 90 años

De Doctor Who a Willow, repasamos la carrera llena de magia, drama y legado eterno de Jean Marsh

Cuando hablamos de leyendas de la televisión británica, el nombre de Jean Marsh no puede quedar fuera de la conversación. La actriz, fallecida a los 90 años el pasado 13 de abril en su hogar de Londres, dejó tras de sí un legado inmenso que abarcó desde clásicos como Doctor Who hasta ese rol que todos los fans del cine fantástico recordamos con escalofríos: la temible Reina Bavmorda en Willow.

Su muerte fue confirmada por su amigo cercano, el cineasta Michael Lindsay-Hogg, al New York Times. Marsh, que sufría complicaciones derivadas de la demencia, seguía viviendo en su ciudad natal, Londres, donde falleció tranquilamente.

El legado de Jean Marsh

Jean Marsh no era solo actriz, era narradora, creadora y símbolo de una era televisiva. Empezó su formación a lo grande: ballet desde los 7 años, clases de teatro y canto, y su primer papel en pantalla con solo 18 años, en The Infinite Shoeblack (1952). A partir de ahí, encadenó actuaciones en teatro, cine y televisión que mostraban una versatilidad fuera de lo común.

jean marsh

Su carrera se disparó con un pie en ambos lados del Atlántico: en 1959 debutó en Broadway en una versión de Mucho ruido y pocas nueces y también se dejó ver en The Twilight Zone, en el episodio “The Lonely”, donde interpretó a Alicia. Pero fue en su país donde realmente se convirtió en una figura imprescindible.

Su trabajo en Doctor Who es de los que hacen historia: apareció en 15 episodios entre las temporadas 2, 3 y 26, con personajes tan icónicos como Joanna, Sara Kingdom y Morgaine. Más adelante, siguió dando vida a Sara Kingdom en las versiones en audio de la serie y fue narradora habitual. La conexión de Marsh con el universo del Doctor no era algo pasajero: era parte esencial de su historia.

Pero si hablamos de papeles clave, no podemos pasar por alto Upstairs, Downstairs (Arriba y abajo en España), serie que co-creó y protagonizó, interpretando a Rose Buck, una criada que se ganó el cariño del público durante los 68 episodios emitidos entre 1971 y 1975. Un auténtico bombazo de la época, precursor de ficciones modernas como Downton Abbey.

Jean Marsh, la hechicera que marcó la tele británica, ha fallecido a los 90 años

Su poder como Reina Bavmorda

Para muchos de nosotros, Jean Marsh nos marcó con un hechizo cinematográfico. En Willow (1988), dirigida por Ron Howard y producida por Lucasfilm, su interpretación como la despiadada Reina Bavmorda fue absolutamente inolvidable. Ese momento en el que grita “¡Sois todos cerdos!” y convierte a un ejército en pocilga es pura magia oscura de los 80, una escena que nos traumó y fascinó a partes iguales.

Willow se ha convertido en un clásico de culto, y mucho de eso se debe al talento de Marsh. Bavmorda no era una villana más, sino una figura poderosa, aterradora y compleja. Su actuación allí resume lo que Marsh ofrecía siempre: intensidad, elegancia y un carisma magnético, incluso cuando jugaba en el lado oscuro.

Jean Marsh, la hechicera que marcó la tele británica, ha fallecido a los 90 años

Una artista que no se encasillaba

A lo largo de su carrera, Jean Marsh saltó de género en género con total naturalidad. Desde el thriller con Hitchcock en Frenesí (1972), hasta el drama costumbrista británico, la ciencia ficción o la fantasía, siempre logró dejar huella. Su capacidad para pasar de la criada entrañable a la bruja aterradora sin perder credibilidad la convierte en una actriz única en la historia de la televisión y el cine.

Y aunque sus apariciones fueron más escasas en los últimos años, nunca desapareció del todo. Su voz, su presencia y su influencia siguieron vivas en los relatos sonoros de Doctor Who y en las repeticiones de esos clásicos que no envejecen.

Jean Marsh no necesitó millones de seguidores en redes para ser recordada. Su trabajo hablaba por sí solo. Fue una artista con mayúsculas, una mujer que supo contar historias desde todos los ángulos: como actriz, como guionista, como narradora. Y lo hizo durante siete décadas. Ahí es nada.

Descubre el momento en que Freezer llegó a su máximo nivel de crueldad en el manga de Dragon Ball super

Freezer

Freezer dejó en ridículo a Goku y Vegeta con su forma más oscura hasta la fecha

Descubre el momento en que Freezer llegó a su máximo nivel de crueldad en el manga de Dragon Ball super

Freezer ha sido muchas cosas a lo largo de Dragon Ball: emperador galáctico, genocida, eterno rival… pero su momento más cruel no se vio ni en Dragon Ball Z, ni en ninguna de las películas. Su acto más despiadado llegó años después, en el manga de Dragon Ball Super, y dejó claro que aún no hemos visto lo peor de este villano. Sí, estamos hablando del Freezer que destrozó a Krilin, que mató a Vegeta llorando, que reventó a Namek solo porque podía. Y aún así, nada de eso se compara con lo que hizo en el capítulo 87 del manga de Dragon Ball Super.

Descubre el momento en que Freezer llegó a su máximo nivel de crueldad en el manga de Dragon Ball super

El Freezer de siempre pero aún más letal

Mientras que otros enemigos de la saga han acabado redimidos —como Piccolo, Vegeta o incluso Majin Buu—, Freezer nunca ha mostrado ni una chispa de humanidad. Su retorno en Resurrection F ya nos dejó claro que no había cambiado, pero lo que haría años después con Gas lo confirma de manera definitiva.

Gas, que se había convertido en el guerrero más poderoso del Universo 7 gracias a un deseo de las esferas del dragón, plantó cara a Goku y Vegeta con un nivel de fuerza sobrecogedor. Pero en medio de la batalla, Freezer aparece de la nada… y lo elimina de un solo puñetazo. Así, sin previo aviso y sin esfuerzo.

¿Y luego? No satisfecho con eso, aplasta el cráneo de Gas bajo su bota, demostrando que no era una jugada estratégica, sino una pura muestra de poder. Lo hizo simplemente porque podía.

Ese acto de brutalidad fría y sin propósito no solo borra del mapa al villano más reciente del manga, sino que deja claro que Freezer ha alcanzado un nuevo nivel de maldad.

La forma más peligrosa del emperador galáctico

Justo después de ese asesinato, Freezer revela su nuevo poder: Black Freezer. Un nombre simple, pero que esconde una transformación abrumadora. Durante años, mientras Goku y Vegeta entrenaban con dioses, Freezer se encerró en una dimensión similar a la Habitación del Tiempo durante una década.

El resultado: una versión de sí mismo capaz de derrotar de un solo golpe a los dos saiyans más poderosos. Sin transformación dramática, sin gritos, sin necesidad de mostrar músculo. Solo una demostración escalofriante de que ha superado a todos.

Y eso es lo que da miedo. Porque ni siquiera les dio la oportunidad de luchar. Simplemente los neutralizó y se marchó, como quien pisa una hormiga en el camino.

Descubre el momento en que Freezer llegó a su máximo nivel de crueldad en el manga de Dragon Ball super

El villano definitivo de Dragon Ball

Lo interesante aquí no es solo el nuevo poder de Freezer, sino su evolución como antagonista. Ya no es el tirano que necesitaba escenitas dramáticas o transformaciones en cadena. Ahora es el enemigo silencioso, paciente, calculador, que entrena en la sombra y ataca cuando nadie se lo espera.

Su aparición en el manga marca un cambio en las reglas del juego. Ya no se trata solo de quién tiene más ki o cuántas formas puede desbloquear Goku. Freezer ha demostrado que el verdadero poder está en saber cuándo golpear.

El emperador del mal que nunca necesitó redención

A diferencia de personajes como Vegeta, Piccolo o incluso Android 17, que acabaron aliándose con los protagonistas, Freezer nunca ha mostrado interés en cambiar. Aunque tuvo oportunidades —como cuando Goku le perdonó la vida en Namek o cuando cooperó temporalmente en el Torneo del Poder—, su naturaleza sigue siendo destructiva y egocéntrica. En vez de evolucionar hacia el bien, ha perfeccionado su maldad, convirtiéndose en un símbolo de amenaza constante. Esta negativa a cambiar le ha dado una presencia única en la saga: es el único villano recurrente que mejora solo para vengarse.

Comparado con otros antagonistas de Dragon Ball, como Cell o Majin Buu, Freezer destaca por su inteligencia estratégica. No se limita a ser una fuerza bruta; sabe cuándo desaparecer, entrenar en la sombra y volver más fuerte que nunca. Esa combinación de frialdad, cálculo y fuerza lo convierte en el enemigo más completo y aterrador que ha enfrentado Goku.

Un futuro aún más oscuro

Con Black Freezer en juego, el futuro de la serie está más incierto que nunca. ¿Quién podrá detener a alguien que ha alcanzado tal nivel de poder y no muestra ni un ápice de redención? ¿Qué papel jugarán Goku y Vegeta ahora que han sido superados sin esfuerzo?

Descubre el momento en que Freezer llegó a su máximo nivel de crueldad en el manga de Dragon Ball super

Lo que está claro es que Freezer ha recuperado su trono como el villano supremo de Dragon Ball. Y esta vez no lo va a soltar fácilmente.

Trump y Musk se convierten en villanos de cómic en Canadá… y no es una broma

Super Mario Bros. - Elon Musk -

La política internacional, los aranceles y el orgullo nacional canadiense desatan el regreso más inesperado: el de Captain Canuck

En un giro que parece sacado de un universo alternativo, Donald Trump y Elon Musk han sido retratados como villanos de cómic en las páginas del renacido Captain Canuck, el superhéroe más patriótico de Canadá. Pero no, no se trata de una sátira suelta ni de una viñeta viral: esta es una historia real, con viñetas y superpoderes incluidos, nacida del creciente desencanto hacia ciertas políticas estadounidenses.

El escudo rojo y blanco contra el trumpismo

Captain Canuck, que muchos consideran como el equivalente canadiense de Capitán América, fue creado en los años 70 por Richard Comely y Ron Leishman, en plena efervescencia del sentimiento nacionalista canadiense. Su protagonista original, Tom Evans, era un agente secreto con fuerza sobrehumana gracias al contacto con alienígenas. Con tramas centradas en defender Canadá de amenazas externas (aunque nunca antes de EE.UU.), el cómic había quedado algo relegado… hasta ahora.

trump musk captain canuck

¿El motivo del resurgir? Las tensiones comerciales entre Canadá y Estados Unidos, agravadas por la llegada de Trump a la presidencia y su discurso sobre anexiones y tarifas, han reavivado el fuego del patriotismo canadiense. Comely lo tiene claro: “De repente, Trump llega al poder y empieza a hablar sobre anexión y aranceles. De repente, los canadienses ven en el superhéroe un símbolo. Para ellos, simboliza la independencia”, declaró en una entrevista con Reuters.

Y es que la portada del número especial por el 50 aniversario de Captain Canuck no deja lugar a dudas: el superhéroe levanta el dedo acusador frente a Trump. En otras viñetas, el propio Canuck llega a levantar a Trump y Musk del pantalón… o a hacerles una especie de “calzón chino”. Sí, como lo lees.

Política, cómics y orgullo patrio

Este tipo de narrativa no es nueva en Captain Canuck, que ya en sus primeras etapas mostraba a Canadá defendiéndose de intentos de invasión por parte de otros países y organizaciones. Pero lo que nunca se había planteado en sus tramas era que Estados Unidos fuera el agresor.

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Sin embargo, la coyuntura actual ha empujado esa línea roja. Según Comely, este tipo de historias están haciendo que muchos canadienses se cuestionen su identidad: “Está haciendo que muchos canadienses piensen en su identidad y se sientan más unidos. Sentimos que tenemos que oponernos a estas propuestas”, explicó.

En una de las declaraciones más curiosas de la entrevista, Comely incluso ironiza: “En cierto modo, tenemos que agradecerle a Trump este pequeño resurgimiento”.

El renacer de una leyenda

Aunque su popularidad bajó con el paso de los años, Captain Canuck comenzó a resucitar en 2012 gracias a un relanzamiento liderado por el propio Comely y el artista de Marvel Kalman Andrasofszky. El nuevo enfoque incluía ilustraciones modernas, tramas actualizadas y hasta una serie animada financiada por los fans. Y atención: hay una versión live action en desarrollo, aunque por ahora los detalles son escasos.

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A lo largo de los años, otros personajes como Darren Oak y David Semple también han portado el traje rojo y blanco, demostrando que el concepto de Captain Canuck no se limita a un solo rostro, sino que representa una idea colectiva de resistencia y orgullo nacional.

En una industria donde los superhéroes suelen ser estadounidenses, esta propuesta canadiense ofrece un contrapunto cargado de crítica social, humor político y una dosis justa de absurdo. Porque al final, ¿qué puede ser más de cómic que ver a Elon Musk siendo zarandeado por un héroe canadiense?

Netflix revela cómo serán las transformaciones Zoan en la 2ª temporada de One Piece

Netflix

Un primer vistazo al maquillaje de Dalton confirma lo que muchos fans esperaban en la 2ª temporada de la serie de Netflix

Netflix revela cómo serán las transformaciones Zoan en la 2ª temporada de One Piece

Después de semanas de teorías, por fin tenemos una pista clara de cómo Netflix piensa llevar al mundo real las transformaciones Zoan en su adaptación live-action de One Piece. Y no, no será todo CGI. En un nuevo vídeo promocional tras las cámaras, el actor Ty Keogh—que interpretará a Dalton en la esperada temporada 2—nos da un vistazo al enfoque práctico que la serie seguirá, y los fans están encantados.

Transformaciones animales al estilo old school

En el vídeo, Keogh sostiene una máscara prostética con forma de bisonte, un diseño que encaja a la perfección con los poderes Zoan de Dalton, otorgados por una de las frutas del diablo más bestiales del universo de Eiichiro Oda. El objeto tiene cuernos, pelaje y hocico, y parece estar en plena transformación, lo que apunta a un enfoque visual similar al que vimos con Arlong en la primera temporada: efectos prácticos y maquillaje en lugar de depender del CGI.

Esta decisión estética no solo mantiene la coherencia con la primera entrega, sino que también permite a los actores mantener la interpretación en plano, sin necesidad de cortar a escenas completamente digitales. En escenas de tensión o acción rápida, como las de Dalton, esto podría marcar una gran diferencia.

Una señal para lo que vendrá con Chopper

Aunque Netflix aún no ha mostrado oficialmente cómo será Tony Tony Chopper en esta nueva temporada, el uso continuado de efectos prácticos sugiere que el querido reno médico podría tener un aspecto más físico que digital. Esto sería toda una declaración de intenciones, sobre todo si tenemos en cuenta lo complicado que puede resultar adaptar a Chopper sin que parezca salido de una película de animación infantil.

Pero lo más jugoso del vídeo no acaba con Dalton. En una de las tomas del set, los fans más observadores han detectado otra máscara, esta vez de aspecto esquelético, con ojos hundidos y un diseño reseco que muchos han interpretado como un guiño al poder de la fruta Suna Suna (arena-arena) de Crocodile.

Aunque Netflix no ha confirmado todavía si la saga de Arabasta formará parte de la segunda temporada, los rumores sobre la aparición de Crocodile no han dejado de circular. Este pequeño detalle podría ser la pista más clara hasta ahora de que el villano está en camino, o al menos de que su historia ya se está preparando entre bastidores.

Las transformaciones Zoan en el live-action de One Piece

El uso de efectos prácticos no es solo una cuestión de nostalgia o fidelidad al anime: es una decisión de producción que refuerza la estética única que Netflix parece querer establecer para One Piece. En lugar de un espectáculo sobrecargado de efectos visuales que rompen la inmersión, lo que tenemos aquí es una propuesta más artesanal y cercana al espectador, donde las transformaciones se sienten reales porque lo son. Hay actores, maquillaje, prótesis y presencia física.

Esto no solo aporta autenticidad, sino que también beneficia las interpretaciones. Cuando Keogh se transforma en Dalton, no necesita imaginar el hocico o los cuernos: los lleva puestos. Y eso se nota en pantalla.

Netflix revela cómo serán las transformaciones Zoan en la 2ª temporada de One Piece

¿Por qué importa tanto esta elección?

Para los fans, esta apuesta no es menor. Las frutas del diablo son uno de los pilares del universo One Piece, y su representación visual puede hacer que una adaptación funcione… o se hunda. Tras el buen sabor de boca que dejó la primera temporada, ver que Netflix mantiene su compromiso con los efectos prácticos genera confianza y entusiasmo.

Además, con personajes tan visualmente complejos como Chopper o los miembros de Baroque Works en el horizonte, esta decisión allana el camino para una temporada rica en acción y fidelidad visual, sin caer en lo artificial.

El hype está servido, pero la fecha sigue en el aire

La temporada 1 de One Piece sigue disponible en Netflix y ha sido un éxito entre crítica y público. Sin embargo, la fecha de estreno de la segunda temporada aún no se ha anunciado oficialmente. Lo que sí está claro es que el rodaje avanza y los detalles que van saliendo a la luz no hacen más que aumentar el hype.

Netflix revela cómo serán las transformaciones Zoan en la 2ª temporada de One Piece

Por ahora, solo nos queda esperar, pero si lo que hemos visto con Dalton es solo el principio… se viene una aventura épica.

Descubre el pasado secreto que conecta a Zemo con Hydra y explica su odio visceral en el MCU

Zemo

Un oscuro capítulo de la saga del Capitán América revela que el rencor de Zemo hacia Hydra viene de familia

Descubre el pasado secreto que conecta a Zemo con Hydra y explica su odio visceral en el MCU

Cuando conocimos a Helmut Zemo en Civil War, nos impactó su habilidad para desmantelar a los Vengadores sin necesidad de superfuerza, trajes blindados o rayos láser. Pero lo que más llamó la atención fue su odio irracional hacia Hydra, el mismo grupo que muchos villanos del MCU han idolatrado o al menos usado como medio para sus fines. Resulta que la clave de este odio se encuentra en una historia olvidada del Capitán América, más concretamente en un videojuego lanzado en 2011, Captain America: Super Soldier, que amplía el lore de Capitán América: El primer vengador. Aunque el juego no es tan conocido como las pelis, lo que cuenta encaja a la perfección con la historia del MCU.

Una historia de traición

Durante la Segunda Guerra Mundial, mientras Steve Rogers se enfrentaba a Red Skull y sus tropas, el videojuego Super Soldier nos lleva al interior de Castillo Zemo, una fortaleza ancestral que pertenecía a Baron Heinrich Zemo, el antepasado directo de Helmut. Y lo que ahí se descubre pone los pelos de punta: Hydra ocupó y destrozó el castillo, usándolo como base para sus experimentos. Aunque Heinrich no era precisamente un héroe (buscaba su propio poder), tampoco era leal a Hydra ni al régimen nazi.

Según los diarios encontrados en el castillo, Heinrich acabó traicionado por Red Skull, Arnim Zola y Baron Von Strucker (sí, el mismo apellido que vimos en La era de Ultrón), quienes le quitaron el control de su propia casa. Intentó rebelarse y matar a Red Skull, pero fracasó. Su legado se perdió, su castillo fue destruido y Hydra se salió con la suya.

Todo esto nos lleva a Helmut, el Zemo que ya conocemos, quien en The Falcon and the Winter Soldier dejó claro que desprecia tanto a Hydra como a los superhéroes. Su odio no es solo por lo que Hydra hizo en Sokovia o por el lavado de cerebro al Soldado de Invierno. Es algo personal, algo que viene de generaciones atrás.

El exilio de una familia rota

Tras la destrucción del castillo y la caída del régimen, la familia Zemo habría tenido que huir de Alemania. Y según palabras del propio Helmut en el MCU, acabaron en Sokovia, un país al que él mismo describió como un “estado fallido”. Esa caída de estatus, de nobleza europea a ser una familia olvidada en un país en ruinas, debió marcar profundamente a Helmut desde pequeño.

Descubre el pasado secreto que conecta a Zemo con Hydra y explica su odio visceral en el MCU

Imagínate crecer escuchando cómo tu familia fue traicionada, cómo su hogar fue usurpado por una organización criminal, y luego ver que esa misma organización sigue operando en la sombra, corrompiendo gobiernos y creando monstruos. Es lógico que, cuando su propia familia fue asesinada tras los eventos de La era de Ultrón, Zemo viera a Hydra y a los Vengadores como dos caras de la misma moneda.

No es solo venganza, es justicia histórica

El personaje de Zemo en el MCU ha sido una de las versiones más complejas y carismáticas que hemos visto. A diferencia de su contraparte en los cómics —donde a veces colabora con Hydra y otras veces los traiciona por conveniencia—, el Zemo de Daniel Brühl tiene principios, aunque sean retorcidos. Detesta el poder sin control, la idolatría a los superhombres y el legado de Hydra.

Sabiendo ahora que su odio proviene de una traición familiar que arruinó el linaje de los Zemo, su plan en Civil War y su actitud en The Falcon and the Winter Soldier cobran mucho más sentido. No solo busca venganza, busca poner fin a un ciclo de poder corrompido que, en su opinión, empezó cuando Hydra pisoteó la historia de su familia.

La importancia de este detalle olvidado

Lo más curioso es que este pedazo de historia no está en ninguna peli ni serie del MCU, sino en un videojuego que sirve de puente narrativo. Y aun así, conecta como anillo al dedo con el desarrollo del personaje de Helmut Zemo.

Descubre el pasado secreto que conecta a Zemo con Hydra y explica su odio visceral en el MCU

Quizá Marvel debería empezar a recuperar estos relatos secundarios que enriquecen su universo. ¿Quién sabe? Puede que el futuro de los Thunderbolts (donde Zemo podría tener mucho que decir) nos traiga más revelaciones del pasado. Porque si algo ha dejado claro el MCU, es que todo está conectado, incluso los rincones más oscuros del legado Zemo.

James Gunn frena las expectativas por el nuevo tráiler de Superman aún tardará en llegar

Superman

Aunque los fans sueñan con un nuevo avance este Superman Day, el director tiene otros planes

Los fans están más que listos para otro vistazo del renovado Hombre de Acero, pero James Gunn ha sido claro: toca esperar un poco más. A pesar de que la emoción por Superman está por las nubes —especialmente tras ese sneak peek de casi cinco minutos que se proyectó antes de Minecraft: La película—, el próximo tráiler no caerá tan pronto como muchos esperaban.

La esperanza de que el segundo avance viera la luz el 18 de abril, durante el Superman Day, ha quedado en el aire. James Gunn, codirector de DC Studios, respondió a un fan en redes sociales con una frase que lo resume todo: “acabamos de lanzar cinco minutos en cines, así que va a tardar un poco”.

La llegada de un nuevo tráiler

Lo que parecía una estrategia clara de promoción, al estilo de lo que hizo Warner con Barbie, se ha torcido ligeramente. En lugar de alimentar el hype con un nuevo tráiler en abril, todo apunta a que tendremos que conformarnos con un póster promocional o una imagen oficial. Eso sí, no sería raro ver un nuevo avance en mayo, si seguimos la lógica de la campaña de marketing de otras grandes producciones del estudio.

superman james gunn

Durante el reciente CinemaCon, Rachel Brosnahan —la Lois Lane de esta nueva era— compartió una anécdota que ha dejado huella entre los fans. Recordando una escena nocturna bajo la luna, la actriz comentó entre risas: “Le dije a David: ‘Tío, eres Superman. ¡Esto es una locura!’”, a lo que Corenswet respondió con serenidad: “Lo sé. Llevo aquí muchos meses.” Ese intercambio dejó ver no solo la química del reparto, sino también el tono más humano y realista que Gunn está buscando para esta versión del personaje.

El estreno de Superman está fijado para el 11 de julio de 2025, y será la primera película del nuevo universo cinematográfico de DC. La presión es enorme: no solo debe relanzar al personaje más icónico de la editorial, sino también establecer las bases de toda una saga renovada tras los tropiezos del anterior DCEU.

tráiler de Superman

El elenco de Superman

David Corenswet toma el relevo de Henry Cavill como Clark Kent, aportando una mezcla de ingenuidad, compasión y poder que promete conquistar tanto a nuevos fans como a los veteranos. A su lado, además de Brosnahan, destaca Nicholas Hoult como Lex Luthor, en lo que promete ser una interpretación siniestra y cerebral del eterno rival de Superman.

El reparto lo completan figuras como Edi Gathegi, Nathan Fillion, Isabela Merced, Anthony Carrigan y Skyler Gisondo, entre otros. Una mezcla de talentos jóvenes y veteranos que refleja la apuesta de Gunn por un universo coral y diverso.

Y aunque el silencio promocional pueda parecer arriesgado, tiene su lógica. El primer vistazo fue un adelanto potente: Superman entrando en la Fortaleza de la Soledad junto a Krypto. Esa escena ya ha generado teorías por doquier, y con medio internet especulando, Warner puede permitirse dosificar la información y mantener el interés sin saturar.

superman

Los superhéroes de 2025

A esto se suma que el calendario superheroico de 2025 está más que ajustado. Con The Fantastic Four: First Steps también en el horizonte para julio, y Thunderbolts esperando su turno, la competencia en taquilla será feroz. DC necesita jugar bien sus cartas, y cada adelanto debe tener impacto.

Por eso, la idea de lanzar algo potente en mayo —quizá acompañado de merchandising, portadas especiales o una entrevista exclusiva— cobra más sentido que nunca. El objetivo no es solo emocionar a los fans de siempre, sino también conquistar a los nuevos. Y para eso, un tráiler potente, bien montado y en el momento justo puede marcar la diferencia.

Mientras tanto, toca aguantar las ganas. Las redes seguirán llenas de memes, fan arts y teorías, pero el próximo tráiler de Superman no aterrizará aún. Como diría el propio Gunn, “todo a su tiempo”.

Eliot Ness el agente federal inspirador de Dick Tracy

Dick Tracy Dead or Alive cabecera

Eliot Ness fue el agente al mando de uno de los grupos de investigación de la mafia durante la ley seca, quien junto a sus Intocables, logró detener a Al Capone y ser inspirador de Dick Tracy

El Agente Especial Eliot Ness es uno de los agentes federales más famosos en la historia de los cuerpos policiales de los Estados Unidos. Al mando de un grupo de agentes del Departamento del Tesoro y en un ambiente hostil y corrupto, desmantelar el poder del crimen organizado en Chicago, la urbe del Medio Oeste norteamericano que había cambiado su apodo de la ciudad del viento por el de la capital mundial del crimen.

Después de que los Intocables y su líder pudieran reunir las pruebas para encarcelar a Al Capone, cabeza del imperio criminal en Chicago durante una década, traspasaron la realidad y se convirtieron parte del imaginario colectivo estadounidense.

Eliot Ness el agente federal inspirador de Dick Tracy

En los años 30 del siglo XX, Chester Gould, artista de cómics, lanzó una nueva tira cómica basada en las historias reales de delitos. Estas tiras se publicaron diariamente en el periódico Detroit Mirror, así como también en otros diarios como el Chicago Tribune, desde el 4 de octubre de 1931.

Usando a Eliot Ness como modelo, nació Dick Tracy, que en el cine ha tenido numerosas caras. Durante décadas, Eliot Ness y su alter ego ficticio influenciarían la percepción estadounidense sobre el trabajo de detective, la lucha contra el crimen, tanto común como ordinario, y la valentía de los agentes dedicados a perseguir a los delincuentes.

La historia de Eliot Ness y Los Intocables

El agente especial Ness tenía varias virtudes como inteligencia, capacidad y, principalmente, honestidad e integridad, valores que mantuvo incólumes a lo largo de su carrera. Tras detener a Capone, continuó su carrera como dirigente de la seguridad pública en otras dos ciudades infestadas por el crimen organizado, como eran Cincinnati y Cleveland.

Al aprobarse la Ley Volstead, los agentes federales fueron los responsables de perseguir a los contrabandistas que introducían bebidas alcohólicas ilegalmente desde Canadá y Europa. Dentro del Departamento del Tesoro, la Unidad de Prohibición, la Guardia Costera y la Oficina de Aduanas, habían constituido una fuerza conjunta, tanto de inteligencia como de operaciones contra la criminalidad organizada.

Estos delincuentes controlaban todo el negocio y los negocios legales debían de pagarles un tributo, teniendo además a numerosas autoridades locales bajo sueldo, por lo que fue necesario crear unidades policiales fuera del alcance de estas para perseguir los delitos, como fue el caso de la ciudad de Chicago.

Eliot Ness inspirador Dick Tracy

El agente especial Eliot Ness, creó un grupo con varios agentes, que se denominó Los Intocables, para detener al máximo exponente de la delincuencia en Chicago Al Capone. En 1930 la Oficina de la Prohibición se incardinó dentro del Departamento de Justicia y, además, el presidente Herbert Hoover declaró la guerra al hampa.

En ese contexto Ness fue el responsable de detener las operaciones de los delincuentes y buscar pruebas que incriminasen a Capone. Por otra parte, pero coordinados con Ness, agentes de hacienda investigaron fiscalmente a Capone y sus negocios, como se pudo ver en la película Los intocables de Eliot Ness (1987), dirigida por Brian de Palma y protagonizada por Kevin Costner, Sean Connery, Robert de Niro o Andy García entre otros.

Ambas investigaciones resultaron fructuosas y Capone fue acusado de evasión de impuestos y, además, de más de cinco mil infracciones a la Ley Seca. Junto con Al Capone, los agentes pudieron detener a un gran número de jefes de las organizaciones criminales de Chicago.

El nacimiento de Dick Tracy

Dick Tracy, como se indicó anteriormente fue creada por Chester Gould en 1931. Originalmente el personaje se llamó Plainclothes Tracy, pero Joseph Medill Patterson, del Chicago Tribune, sugirió el nombre definitivo y una historia inicial en la que Tracy se une a la policía tras el asesinato del padre de su novia. El cómic tuvo un éxito inmediato, generando productos derivados como juguetes y novelas.

Desde sus comienzos, el cómic se caracterizó por su violencia gráfica, lo que atrajo críticas, pero también lo distinguió de otras tiras cómicas. En 1946, se introdujo el reloj de pulsera con radio bidireccional, uno de sus íconos más famosos, que fue precursor conceptual de los teléfonos móviles y relojes inteligentes. Más adelante, evolucionó a un reloj-televisor. El excéntrico inventor Diet Smith apareció como apoyo clave en estas innovaciones tecnológicas.

Dick Tracy (2)

Durante los años 50, el cómic abordó temas actuales como la delincuencia juvenil, la televisión y la corrupción, combinando drama criminal con aspectos de la vida doméstica del protagonista. Tracy fue retratado viviendo de forma lujosa, lo que generó controversia, y Gould respondió con una historia donde el personaje enfrentaba acusaciones de corrupción.

La década de 1960 marcó el comienzo del llamado período espacial del cómic. Tracy y sus aliados viajaban en vehículos espaciales, visitaban la Luna y conocían a Moon Maid, una mujer lunar con quien Junior, el hijo adoptivo de Tracy, se casó. Esta etapa incorporó tecnología futurista, pero se distanció de las raíces policiales urbanas del cómic, alienando a algunos lectores. Durante esta era, el tono del cómic se volvió más crítico con el sistema judicial estadounidense, lo que también generó controversia.

En los años 70, se introdujeron elementos para modernizar el cómic, como un nuevo compañero hippie llamado Groovy Grove, y cambios visuales en el personaje principal. Sin embargo, la popularidad del cómic decayó, y Gould se retiró en 1977.

Tras su retiro, Max Allan Collins y Rick Fletcher tomaron las riendas del cómic. El nuevo equipo eliminó elementos del período espacial, abordó el sistema judicial con una visión menos cínica y revitalizó a personajes clásicos y villanos con historias familiares. Introdujeron nuevos personajes como detectives afroamericanos, cirujanos criminales y periodistas anti-Tracy. Collins también humanizó a los villanos, dándoles nombres, historias y descendencia.

Eliot Ness el agente federal inspirador de Dick Tracy

En los años 2000, varios equipos creativos han seguido manteniendo la tira activa, incluyendo a Joe Staton y Mike Curtis, quienes han mezclado nostalgia y modernización. Reintrodujeron elementos espaciales, aunque con un enfoque más realista, y realizaron cruces con otras historietas clásicas. También añadieron homenajes a policías reales mediante nuevas secciones como el Salón de la Fama de Tracy.

Dick Tracy sigue siendo una tira histórica que ha reflejado la evolución de la cultura estadounidense y de la narrativa gráfica, desde el crimen urbano hasta la ciencia ficción, y desde la crítica social hasta el humor. De hecho, sigue plenamente activo en el siglo XXI.

Hoy en día, para los departamentos de policía y las agencias federales en Estados Unidos, Eliot Ness simboliza que, sin importar cómo de difícil sean las circunstancia, entorno o misión, la placa sigue representando la tradición de honestidad, integridad y comportamiento ético para todos aquellos que sirven y protegen a la ciudadanía.

Una nueva pista sobre Shin Hati en la 2ª temporada de Ahsoka cambia todo lo que creíamos

Shin Hati

Star Wars revela sin querer por dónde irá el futuro de Shin Hati, una de las villanas más intrigantes de la serie

Una nueva pista sobre Shin Hati en la 2ª temporada de Ahsoka cambia todo lo que creíamos

Cuando aún estamos procesando todo lo que nos dejó el final de la primera temporada de Ahsoka, Lucasfilm ha soltado sin previo aviso una pista gigante sobre el rumbo que tomará la historia en la segunda temporada, y todo gira en torno a la aprendiz más impulsiva del lado oscuro. Un anuncio aparentemente inofensivo sobre una reedición del libro Star Wars: Women of the Galaxy ha servido de trampolín para lanzar un avance inesperado. La autora Amy Ratcliffe ha incluido una entrada actualizada sobre Shin Hati que confirma su regreso en la 2T, y revela detalles clave sobre su arco argumental.

Una pista reveladora

La cita en cuestión dice así:
“Al parecer haciendo lo contrario, Shin se une a bandidos errantes en Peridea y reanuda su caza de Sabine y Ezra. Sin Baylan para frenar sus impulsos, su impulsividad podría llevarla a situaciones complicadas en el lejano planeta donde está atrapada.”

¿Unión con bandidos? ¿Caza reactivada de Sabine y Ezra? Esto cambia por completo la narrativa que muchos fans daban casi por hecha: que Shin acabaría uniéndose a Sabine y Ahsoka tras ser abandonada por su maestro, Baylan Skoll. Al estar todas atrapadas en Peridea, tenía sentido pensar que las circunstancias forzarían una alianza incómoda… pero no. Shin ha elegido otro camino.

Lejos de buscar redención, Shin está dispuesta a seguir el rastro de Sabine Wren y Ezra Bridger, aunque para ello tenga que rodearse de maleantes. Lo que esto puede significar para su evolución como personaje todavía es un misterio, pero apunta a un viaje oscuro, solitario y cargado de conflicto.

Más duelos, menos amistad

Esta revelación descarta completamente la posibilidad de una relación más cercana entre Shin y Sabine, que muchos fans habían anticipado. La química entre ambas en la temporada 1 despertó especulaciones sobre un respeto mutuo que podría convertirse en una alianza o incluso en amistad. Pero este nuevo rumbo sugiere más confrontación, más enfrentamientos cuerpo a cuerpo, y probablemente uno de esos duelos de sable láser que nos dejan clavados al asiento.

Y ojo, que eso no tiene por qué ser malo. Aunque verlas luchar juntas habría sido emocionante, volver a verlas enfrentadas puede elevar la tensión dramática. Sabine, aún desarrollando su relación con la Fuerza, tiene mucho que demostrar. Con el entrenamiento de Ahsoka de por medio, podría sorprendernos en un nuevo combate contra Shin, que se perfila como un rival cada vez más peligroso y descontrolado.

Una nueva pista sobre Shin Hati en la 2ª temporada de Ahsoka cambia todo lo que creíamos

¿Una nueva villana en ascenso?

Con Baylan desaparecido (al menos de momento), Shin Hati se convierte en un personaje aún más impredecible. Sin la brújula moral —por torcida que fuera— de su maestro, podemos esperar una versión más cruda y temeraria de Shin, lo cual puede convertirla en una de las amenazas principales de Ahsoka temporada 2.

Además, al haber quedado aislada en Peridea, sus decisiones vendrán marcadas por la supervivencia, la rabia y una ambición que aún no conocemos del todo. ¿Busca venganza? ¿Poder? ¿Reivindicación? Sea lo que sea, esta caza de Sabine y Ezra podría marcar un punto de no retorno para ella.

Y mientras Ezra ha regresado a la galaxia principal, la obsesión de Shin con Sabine parece personal, lo que solo intensifica la posibilidad de otro enfrentamiento legendario.

Lo que viene para Ahsoka

La serie de Ahsoka ha sido, desde el principio, una apuesta arriesgada dentro del universo Star Wars. No solo ha ampliado los márgenes narrativos más allá de la trilogía original y la nueva, sino que ha traído al frente a personajes profundamente complejos, especialmente aquellos que se mueven entre el gris del bien y el mal.

Shin Hati encaja a la perfección en ese perfil, y su historia aún está por escribirse con tinta oscura. Si lo que nos han dejado caer en este libro es solo una muestra, podemos estar ante una segunda temporada cargada de giros, traiciones y redención… o todo lo contrario.

Una nueva pista sobre Shin Hati en la 2ª temporada de Ahsoka cambia todo lo que creíamos

Por ahora, solo queda esperar y especular. Pero si algo está claro es que Ahsoka no va a conformarse con lo predecible.

La película de Minecraft ya supera los 400 millones en taquilla

Minecraft

Una escena viral, un reparto inesperado y un montón de palomitas volando: así ha conquistado el mundo la adaptación de Minecraft

La película de Minecraft ya supera los 400 millones en taquilla

Con más de 400 millones de dólares recaudados, este proyecto que muchos tildaban de broma ha demostrado que subestimar el poder de internet es un error de novato. Estrenada con un presupuesto de 150 millones, A Minecraft Movie no solo ha recuperado la inversión: ha arrasado en taquilla cuando lo lógico parecía un batacazo. Al principio, ni los propios fans del juego entendían qué sentido podía tener llevar este mundo cúbico a la gran pantalla. Pero como diría Jack Black en la peli… Chicken jockey!.

Convertir lo absurdo en oro

Porque sí, parte del éxito de A Minecraft Movie no viene solo de los fans del videojuego, sino de la tormenta viral que ha generado una escena en concreto. En ella, Jason Momoa, que interpreta a Garrett Garrison, un campeón de videojuegos venido a menos, se enfrenta a una criatura temida del juego: un zombie bebé montado en una gallina, también conocido como chicken jockey.

Y justo cuando va a enfrentarse a esa criatura, el personaje de Jack Black (Steve) suelta la frase mágica con un tono ridículo: “¡Chicken jockey!”. Lo que empezó como un momento tonto ha escalado hasta convertirse en una locura colectiva en los cines, con adolescentes gritando, aplaudiendo como si no hubiera mañana, lanzando palomitas y refrescos, y hasta subiéndose unos encima de otros. Tal ha sido el desmadre que en varias sesiones ha tenido que intervenir la policía. Y no es broma.

“Me hace gracia que llamen a la policía por culpa de las palomitas”, ha dicho el director de la película. “Es genial ver cómo la gente hace recuerdos con sus amigos y familias. Incluso si se les va un poco de las manos.”

El videojuego más improbable para una película

Lanzado originalmente en 2009, Minecraft es un fenómeno de la cultura pop que, en teoría, no encaja del todo con la narrativa cinematográfica clásica. No hay historia central, ni personajes fijos. Solo cubos, construcción libre y monstruos nocturnos.

Por eso, cuando Warner Bros anunció que estaba trabajando en una adaptación, muchos pensaron que era una broma de April Fools. Las preguntas eran lógicas: ¿tendrá la estética pixelada? ¿De qué irá exactamente? ¿Qué actor se prestará a esto?

La película de Minecraft ya supera los 400 millones en taquilla

Y, sin embargo, ahí están Jack Black como Steve y Jason Momoa dando vida a un friki de los videojuegos que quiere recuperar su gloria perdida. Un dúo tan improbable como divertido, que ha sabido reírse de sí mismo, y eso el público lo ha agradecido.

Un éxito que nadie esperaba, pero que todos comentan

Más allá de la escena viral, el boca a boca ha jugado un papel clave. Las redes sociales están llenas de clips, memes y reacciones exageradas a los momentos más absurdos del filme. Incluso se ha empezado a utilizar la frase “absolute cinema” de forma irónica para describir la película, alimentando aún más el fenómeno.

Warner Bros, que llevaba tiempo buscando un pelotazo tras varios fracasos, ha dado con una gallina de los huevos de oro (literal). Y lo mejor de todo es que la película sigue en cartelera y no muestra señales de agotamiento.

¿El nacimiento de una nueva saga?

Con este arranque, no sería de extrañar que A Minecraft Movie tenga continuación. Hay cientos de elementos dentro del universo del juego que podrían trasladarse a la gran pantalla: el End, el Nether, los Creepers, los aldeanos, las minas abandonadas, los portales… Vamos, que material no falta.

La película de Minecraft ya supera los 400 millones en taquilla

Si Warner Bros sabe jugar bien sus cartas (y no abusa del chiste fácil), podríamos estar ante el inicio de una franquicia inesperada, que se apoya tanto en el fandom del juego como en el humor viral que ha generado.