Venom y Spider-man están destinados a encontrarse en el futuro del MCU

Por
Miguel Á. Fernández
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venom

Los pasos fugaces de Eddie Brock en el MCU apuntan a grandes planes para el futuro de Venom y Spider-Man

Desde que Eddie Brock, interpretado por Tom Hardy, aterrizó en el universo de Marvel (Earth-616) en Venom: Let There Be Carnage, su breve estancia en Spider-Man: No Way Home dejó a los fans con más preguntas que respuestas. No se cruzó con Peter Parker, pero todo indica que esto forma parte de un plan mayor de Sony. A pesar de la breve incursión de Venom en el MCU, su viaje fue algo efímero y, en cierta medida, desalentador, ya que en Venom: The Last Dance su salto a otra realidad fue rápidamente anulado.

Con el lanzamiento del tráiler final de Venom: The Last Dance, Sony sorprendió a todos mostrando por primera vez a Knull, el Dios de los Simbiontes. Rápidamente, comenzaron las especulaciones sobre el futuro de Venom y su posible inclusión en el próximo proyecto de Marvel, posiblemente titulado Spider-Man: King in Black o Spider-Man: Brand New Day. Aunque algunos rumores sugieren que Tom Holland y Tom Hardy podrían unirse para enfrentar al Rey de Negro en un enfrentamiento multiversal post-Avengers: Doomsday, el tercer film de Venom no estableció claramente esta conexión.

venom

Un destino incierto

Según informes de The Cosmic Circus, la aparición de Eddie y Venom en No Way Home siempre estuvo destinada a ser el preludio de algo más grande. Sin embargo, sigue siendo un misterio si este «algo más» será parte de Spider-Man 4 o si simplemente prepara el terreno para Venom 4 o una posible película de Sinister Six, donde Venom podría liderar un equipo contra su creador.

Tom Holland recientemente insinuó en Good Morning America que el concepto de la próxima película es «una locura» y difiere de todo lo anterior. “Es fuerte y creo que realmente resonará con los fans,” aseguró, añadiendo que el rodaje está previsto para el próximo verano.

Venom: el último baile

Hardy y su deseo de enfrentarse a Spider-Man

Por su parte, Hardy ha expresado su entusiasmo por enfrentarse a Spider-Man. «Quiero pelear contra Spider-Man ahora mismo. Estoy más que preparado… Nunca digas nunca. He amado cada momento como Eddie y Venom y los interpretaría en cualquier momento, porque ocupan un lugar especial dentro de mí,» comentó Hardy, destacando su conexión con los personajes.

Este posible encuentro entre Peter Parker y Eddie Brock tiene el potencial de ser tan impactante como la colaboración entre Deadpool y Lobezno, indicando que probablemente se cruzarán caminos antes de que finalice la Saga del Multiverso. Dado el entusiasmo mostrado por ambos actores y el interés de los fans, este cruce podría convertirse en un evento cinematográfico legendario, ampliando las fronteras del universo Marvel.

Tom Holland - Spiderman - Spider-Man - Un Nuevo Universo -

De villano a protector letal en el cine

Desde su primera aparición en la pantalla grande, Venom ha experimentado una transformación notable. Originalmente presentado como un antagonista de Spider-Man, su evolución en las películas ha reflejado un cambio hacia un anti-héroe con complejidades emocionales y motivaciones propias. Esta transición ha permitido a los cineastas explorar una narrativa más rica, donde Venom no solo es una amenaza, sino también un personaje con el cual el público puede simpatizar. Sony ha aprovechado este cambio para expandir su universo cinematográfico, dándole a Eddie Brock una profundidad que va más allá del típico villano de cómic.

Comparado con otros personajes que han hecho el salto de villanos a héroes, como Loki de Marvel, el simbionte ofrece una dinámica única. Su relación simbiótica con Eddie crea un diálogo interno que aporta humor y patetismo, enriqueciendo la trama y añadiendo una dimensión relatable al personaje. Estas cualidades hacen del personaje un candidato ideal para enfrentar nuevos desafíos en el MCU, prometiendo exploraciones más profundas en futuras colaboraciones.

Te contamos el misterio de los anillos enanos en El Señor de los Anillos

Por
Jesús Reche Alonso
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Exploramos la historia olvidada de los siete anillos enanos y su oscuro legado en la Tierra Media

Te contamos el misterio de los anillos enanos en El Señor de los Anillos

La Tierra Media es un escenario vasto y enigmático, creado por la mente brillante de J.R.R. Tolkien, en el que se tejen historias de poder y pérdida, de valientes héroes y malvados señores oscuros. Entre sus numerosos cuentos, uno de los elementos más intrigantes son los anillos de poder, repartidos entre los Elfos, los Hombres y los Enanos. Mientras el Anillo Único capta la mayor parte de la atención en El Señor de los Anillos, hay otros anillos cuyo destino es igualmente fascinante pero mucho menos conocido: los Siete Anillos de los Enanos.

Los Anillos de Poder de los Enanos

Los Siete Anillos fueron otorgados a los siete reyes enanos de diferentes clanes: Longbeards, Firebeards, Broadbeams, Ironfists, Stiffbeards, Blacklocks y Stonefoots. Estos anillos, forjados en la Segunda Edad de la Tierra Media, se distribuyeron por todo el vasto mundo, incrustados en la cultura y el liderazgo de cada fortaleza enana. Aunque estos anillos se pasaban como reliquias familiares, sólo se menciona por nombre a Durin III de los Durin’s Folk, quien llevaba el Anillo de Thrór.

Los anillos enanos, a diferencia de los anillos de los Hombres, no convertían a sus portadores en espectros. En cambio, amplificaban su codicia y su ira, ayudando a acumular riquezas y tesoros legendarios. Sin embargo, esta creciente avaricia a menudo atraía problemas, como en el caso de los enanos de Khazad-dûm, quienes, impulsados por su codicia, despertaron a un balrog en las Minas de Moria con consecuencias desastrosas.

¿Qué sucedió con los siete anillos antes de El Señor de los Anillos?

Con el tiempo y a lo largo de los milenios, los anillos enanos se encontraron en el centro de conflictos y calamidades, no por voluntad propia sino por las circunstancias de la Tierra Media. A la llegada de Frodo y la comitiva del Anillo, cuatro de los Siete Anillos ya habían sido destruidos, víctimas de las llamas de dragones como Smaug, quienes, al igual que los enanos, codiciaban los tesoros.

Te contamos el misterio de los anillos enanos en El Señor de los Anillos

Los tres anillos restantes habían vuelto a manos de Sauron, recuperados durante su retorno y antes del comienzo de la Guerra del Anillo. El destino final de estos anillos es poco claro, aunque se sabe que el último portador conocido fue Thráin II, capturado y encarcelado en las mazmorras de Dol Guldur, donde Sauron reclamó el último Anillo Enano, marcando el fin de su historia en manos enanas.

El rey bajo la montaña

En la vasta historia de la Tierra Media, Durin III es un personaje que encarna la majestuosidad y el misterio de los enanos. Su anillo, conocido como el Anillo de Thrór, simboliza no solo la soberanía sobre Durin’s Folk sino también la resistencia frente a las corruptoras influencias de Sauron, a diferencia de lo que sucedió con los anillos de los hombres. Esta diferencia crucial destaca cómo los enanos, a pesar de su avaricia inducida, conservaron su libre albedrío, lo que les permitió mantener cierta autonomía durante las eras.

Además, comparando el destino de los Anillos Enanos con el de los Anillos Elficos, se observa un contraste en cómo los poderes oscuros impactaron a las diferentes razas de la Tierra Media. Mientras que los elfos usaron sus anillos para preservar y proteger, los anillos de los enanos impulsaron una prosperidad que a menudo llevaba a la ruina. Este matiz añade una rica capa de complejidad a la narrativa de Tolkien, demostrando que cada elección en su mundo llevaba consigo pesos y consecuencias profundas.

Te contamos el misterio de los anillos enanos en El Señor de los Anillos

La trayectoria de estos anillos refleja el amplio arco de cambios en la Tierra Media, desde su creación hasta los eventos narrados en la trilogía. Aunque la historia principal sigue al Anillo Único, la saga de los Anillos Enanos nos recuerda que cada pieza del legado de Tolkien tiene su propia historia, rica en detalles y significado, esperando ser descubierta por aquellos dispuestos a mirar más allá del camino principal.

Repasamos los Pokémon legendarios de la región de Kanto

Por
Jesús Reche Alonso
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Pokemon legendarios

Descubre cómo los Pokémon legendarios de Kanto marcan la esencia de un mundo fantástico y lleno de misterios

legendarios

Desde las tranquilas aguas de Pallet Town hasta las cenizas de Cinnabar Island, la región de Kanto no solo es el escenario de las primeras aventuras Pokémon, sino también el hogar de criaturas legendarias que dictan el equilibrio del mundo Pokémon. Los entrenadores recorren ocho gimnasios en busca de desafíos y pruebas, enfrentándose al Final Four de la Pokémon League. Pero entre los 151 Pokémon de esta región, unos pocos, conocidos como Pokémon Legendarios, se destacan no solo por su rareza sino por su impacto en las leyendas y mitos del universo Pokémon.

Genética y ética en colisión

En el extremo del Pokedex de Kanto, Mew (#0151), el Pokémon de la Nueva Especie, es considerado el ancestro de todos los Pokémon, poseedor del ADN de cada especie y capaz de aprender cualquier movimiento. Su naturaleza esquiva y juguetona ha fascinado a fans y científicos por igual, convirtiéndolo en un símbolo del orden natural y el descubrimiento.

Contrastando con la inocencia de Mew, Mewtwo ofrece un relato sobre las consecuencias de la manipulación genética. Creado a partir del ADN de Mew, Mewtwo no solo cuestiona su propia existencia sino que también representa los dilemas éticos de la intervención humana en la naturaleza. Su historia es una de conflicto y búsqueda de identidad, mostrando las dos caras de la ciencia: el potencial y el peligro.

Los protectores del cielo

Representantes de los elementos hielo, electricidad y fuego, Articuno, Zapdos y Moltres no solo destacan por su poder sino también por su rol en mantener el equilibrio de la naturaleza. Articuno, con su elegancia helada, puede congelar todo a su alrededor, mientras que Zapdos maneja las tormentas con un poder desenfrenado y Moltres encarna el ciclo destructivo y regenerativo del fuego.

Repasamos los Pokémon legendarios de la región de Kanto

El delicado equilibrio entre estos tres es crucial, como se demostró en la película «Pokémon 2000», donde la captura de uno desencadena desastres climáticos globales. Solo el restablecimiento de su armonía puede calmar la furia de la naturaleza, subrayando su importancia no solo en Kanto sino en el mundo entero.

Las bestias cuadrúpedas

Aunque originarios de Johto, estos legendarios también están ligados a Kanto por su presencia en los juegos FireRed y LeafGreen. Cada uno de estos Pokémon, renacidos de las cenizas del Brass Tower, simboliza un elemento de la catástrofe que los creó: Raikou representa el rayo, Entei el fuego y Suicune las lluvias que extinguieron el incendio.

Estas bestias no solo continúan la narrativa de equilibrio y naturaleza iniciada por los pájaros legendarios, sino que también añaden una capa de renacimiento y leyenda a la historia de Kanto, haciendo eco de las antiguas mitologías que hablan de destrucción y renacimiento.

De la mitología a la pantalla

Los Pokémon legendarios de Kanto no solo influyen en la estrategia y el juego; también inspiran diversas formas de arte y entretenimiento. Mew y Mewtwo, por ejemplo, han trascendido los juegos para protagonizar películas y episodios especiales, destacando en Pokémon: Mewtwo Strikes Back – Evolution, donde se exploran temas de identidad y existencia más allá de los confines del videojuego. Esta dualidad entre naturaleza y ciencia es un tema recurrente que captura la atención no solo de los jugadores sino también de críticos y académicos, que ven en estos personajes un reflejo de debates éticos contemporáneos.

Por otro lado, los pájaros legendarios han tenido un impacto significativo en la comunidad, influenciando eventos del juego y merchandising, y siendo parte central de la trama en Pokémon 2000. La capacidad de Articuno, Zapdos y Moltres para representar el equilibrio de la naturaleza se convierte en una metáfora visual y temática que resuena con la audiencia, reforzando el mensaje de que cada elemento de la naturaleza tiene un papel crucial en el mantenimiento del equilibrio mundial.

Repasamos los Pokémon legendarios de la región de Kanto

Estos Pokémon legendarios no solo son piezas clave en la mecánica del juego y en su narrativa, sino también emblemas de los temas más profundos de Pokémon: el equilibrio entre la naturaleza y la intervención humana, y el ciclo eterno de destrucción y renacimiento. A través de estas criaturas, la región de Kanto se revela no solo como un campo de batalla para entrenadores en ascenso sino como un terreno fértil para las historias que moldean el vasto y misterioso mundo de Pokémon.

Los villanos de Marvel que tal vez no conozcas

Por
Jesús Reche Alonso
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villanos de Marvel

Hacemos un repaso a los antagonistas más oscuros de Marvel

Los villanos de Marvel que tal vez no conozcas

No es ningún secreto que Marvel Comics es un tesoro de personajes fascinantes, pero ¿qué sucede con aquellos villanos que apenas salen a la luz? A lo largo de los años, muchos adversarios han quedado en el olvido, conocidos solo por los fans más acérrimos. A continuación, exploramos esos villanos menos conocidos cuyo potencial aún está por descubrirse.

Un villano trágico en la sombra de Spider-Man

En abril de 1972, Stan Lee y John Romita Sr. presentaron a Martin Blank, más conocido como Gibbon, en «Amazing Spider-Man #110». Aunque su apariencia simiesca le granjeó burlas desde su niñez, su verdadera tragedia comenzó cuando Spider-Man rechazó su oferta de alianza, un gesto que más tarde lamentaría el superhéroe. A pesar de sus buenas intenciones iniciales, Gibbon encontró su destino en el mundo del crimen, ilustrando la fina línea entre héroe y villano.

Más allá de la polémica

Flag-Smasher surgió en septiembre de 1985 en «Captain America #312», creado por Mark Gruenwald y Paul Neary. Con un deseo ardiente de unificar el mundo, sus métodos extremos lo llevaron por el camino del terrorismo. Aunque su nombre se utilizó en la serie del MCU The Falcon and the Winter Soldier, en los cómics, es un individuo con una visión utópica, pero con medios moralmente ambiguos.

El villano tecnológico que todos subestiman

De agente de la CIA a maestro de la manipulación mental, Crossfire se reveló por primera vez en «Marvel Two-In-One #52» en marzo de 1979. Este enemigo de Hawkeye posee una habilidad sobresaliente para la tecnología, capaz de lavar el cerebro incluso a los superhéroes. A pesar de ser uno de los villanos más subestimados, su capacidad para desestabilizar a los héroes desde las sombras es inmensa.

El primer Hulk de Marvel

Antes de que Bruce Banner se transformara en Hulk por los rayos gamma, Xemnu ya aterrorizaba en «Journey Into Mystery #62» desde noviembre de 1960. Este gigante alienígena posee el poder de hipnotizar a las masas, un villano que bien podría enfrentarse de nuevo a la familia Hulk en el aclamado «Immortal Hulk».

El némesis olvidado de Iron Man

Apareciendo por primera vez en «Iron Man #101» en agosto de 1977, Dreadknight ha sido frecuentemente un adversario menor para Iron Man. Aunque su diseño y nombre puedan parecer sacados de una película B, su potencial para ser un villano destacado aún persiste, especialmente con un rediseño adecuado que podría reintroducirlo efectivamente en el universo Marvel.

Los villanos de Marvel que tal vez no conozcas

Unus el Intocable y su Reino Criminal

Desde su primera aparición en «X-Men #8» en noviembre de 1964, Unus ha sido un enemigo recurrente de los X-Men. Su capacidad para crear campos de fuerza lo convirtió en un criminal de carrera, mostrando el lado menos heroico de algunos mutantes.

La tragedia de un villano menor

Armadillo, creado por Mark Gruenwald y Paul Neary, debutó en «Captain America #308» en agosto de 1985. Su transformación en un monstruo para salvar a su novia enferma le proporcionó fuerza y tamaño, pero no intimidación. A menudo visto como un chiste, su historia subraya la humanidad y el potencial desperdiciado de muchos villanos menores.

Lucha por la redención

Overdrive, creado por Dan Slott y Phil Jimenez, apareció por primera vez en el Día del Cómic Gratis de 2007 dedicado a Spider-Man. Aunque inicialmente deseaba ser un héroe, sus habilidades no estaban a la altura, lo que lo llevó a convertirse en un villano bajo el empleo de Mister Negative. Ahora busca redimirse y utilizar su poder sobre la tecnología de manera más creativa, mostrando que incluso los villanos pueden cambiar de rumbo.

El villano con poderes dimensionales

Death-Stalker, el original villano de Daredevil, debutó en «Daredevil #39» en febrero de 1968. Su habilidad para moverse entre dimensiones y sus guantes con «toque de muerte» lo convierten en uno de los adversarios más aterradores. Aunque murió en un enfrentamiento contra Daredevil, su regreso podría explorar aún más sus capacidades únicas y temibles.

La versión trágica de Deadpool

Madcap, otro creación de Mark Gruenwald y Paul Neary, surgió en «Captain America #307» en abril de 1985. Su inmunidad al daño y su capacidad para inducir locura lo convierten en un enemigo formidable y caótico, especialmente para Deadpool, con quien comparte varias similitudes trágicas.

Poderes de darkforce

Blackout, creado por Marv Wolfman y Carmine Infantino en «Nova #19» en febrero de 1978, posee la capacidad de manipular la energía Darkforce. Aunque ha desafiado a los Avengers en varias ocasiones, su potencial como un villano principal sigue siendo amplio y mayormente sin explorar.

La red de asesinos

Creado por Mark Gruenwald y John Byrne, Scourge apareció por primera vez en «Iron Man #194» en mayo de 1985. Esta red de asesinos de villanos, que actúan bajo un único lema, «Justice is Served», muestra que la línea entre héroe y villano puede ser tan delgada como mortal.

Genio criminal subestimada

Desde su debut en «Captain America #164» en mayo de 1972, Nightshade ha demostrado ser una villana formidable y una científica talentosa. Sus creaciones van desde hombres lobo hasta complejos esquemas para desestabilizar a los héroes, mostrando que el intelecto puede ser tan poderoso como cualquier superpoder.

Los villanos de Marvel que tal vez no conozcas

Un enfoque robótico en la justicia

El Punisher de Galactus, creado por Stan Lee y Jack Kirby en «Fantastic Four #49» en enero de 1966, es un enfoque totalmente distinto al vigilante callejero. Este robot sirve a Galactus como un ejecutor cósmico, demostrando que incluso en el universo Marvel, algunos villanos son literalmente de otro mundo.

Un enemigo implacable de Morbius

En «Spider-Man #76» de enero de 1997, Howard Mackie introdujo a Loxias Crown, un vampiro con poderes científicos al igual que Morbius. Aunque nunca ha sido un gran villano en los cómics, su potencial para enfrentarse tanto a Morbius como a otros héroes de Marvel sigue siendo considerable.

Villanos en segundo plano que merecen su reconocimiento

Como hemos podido ver, no son pocos los villanos de Marvel que han sido subestimados y puestos en otra liga, que bien podrían poner contra las cuerdas a más de uno de nuestros héroes favoritos. Y a ti, ¿Cual de todos ellos es el que crees que merece una serie propia donde ser el villano principal y aterrorizar a todo el universo Marvel?

Descubre el viaje de Legend of Zelda a través de las distintas épocas de consola

Por
Jesús Reche Alonso
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Zelda

Desde la nostalgia de NES a la reinvención de Tears of the Kingdom, exploramos cómo cada título ha contribuido a la saga de Zelda

Descubre el viaje de Legend of Zelda a través de las distintas épocas de consola

Desde su primera aparición en el mundo de los videojuegos, The Legend of Zelda ha sido más que una serie; se ha convertido en un viaje épico a través del tiempo y la tecnología, tocando el corazón de una comunidad que crece con cada nueva entrega. Al sumergirse en el reino de Hyrule, los jugadores no solo han seguido las aventuras de Link y la princesa Zelda, sino que han sido parte de un legado que se ha ido adaptando, innovando y redefiniendo lo que significa ser un juego icónico.

El comienzo de una leyenda

The Legend of Zelda irrumpió en la escena del NES en 1986, marcando un antes y un después en la industria del entretenimiento. Ofreció un mundo abierto a la exploración sin guías y se convirtió en el cimiento sobre el cual se construiría todo un género. Aunque ahora pueda parecer simplista, este título sentó las bases para lo que sería una exploración sin límites y un desafío constante.

Con cada nueva consola de Nintendo, Zelda ha sabido renovarse. Desde los cambios drásticos en Zelda II: The Adventure of Link hasta la introducción de la mecánica de tiempo en Ocarina of Time, cada juego ha traído algo nuevo. Sin embargo, no solo se trata de innovar por innovar, sino de enriquecer una fórmula que ha demostrado ser exitosa. A Link to the Past refinó y perfeccionó esta fórmula, ofreciendo una experiencia que muchos aún consideran inmejorable.

El giro con Breath of the Wild

En 2017, Breath of the Wild rompió el molde una vez más. Este título no solo cumplió con las expectativas, sino que las superó, proporcionando un lienzo donde la libertad de exploración y experimentación establecieron un nuevo estándar para los juegos de aventura. Cada jugador podría tener una experiencia única, explorando un vasto mundo abierto que sigue revelando secretos incluso años después de su lanzamiento.

Breath of the Wild estableció un precedente alto, pero Tears of the Kingdom lo superó, llevando a los jugadores tanto a los cielos como a las profundidades subterráneas de Hyrule. Esta secuela no solo expandió el mapa, sino que introdujo nuevas herramientas que permiten una manipulación casi mágica del entorno, fomentando una creatividad sin precedentes en la serie.

Descubre el viaje de Legend of Zelda a través de las distintas épocas de consola

La reinvención constante de Link

Desde su primer paso en Hyrule, Link ha sido el corazón de Zelda, evolucionando desde un simple sprite en 8 bits hasta un personaje tridimensional lleno de profundidad. Este campeón eterno no solo ha cambiado en apariencia, sino también en habilidades, adaptándose a las nuevas mecánicas de juego y desafíos que cada consola de Nintendo ha traído.

La constante metamorfosis de Link refleja el compromiso de la saga con la innovación, asegurando que cada entrega no solo sea un refresco visual, sino una aventura completamente nueva. Además, el impacto de Link como un icono cultural es indiscutible, inspirando a una generación tras otra a tomar su espada y escudo y embarcarse en la noble búsqueda de salvar a la princesa Zelda y proteger Hyrule. A través de los años, la esencia de su carácter ha servido como un nexo de unión para los fans, manteniendo viva la leyenda en el corazón de los jugadores de todas las edades.

Legado y futuro

La saga de Zelda ha demostrado que es posible mantenerse relevante en una industria que evoluciona rápidamente, no solo a través de la nostalgia, sino mediante la innovación constante. Con cada juego, Nintendo no solo ha capturado la esencia de la aventura, sino que ha invitado a los jugadores a soñar, explorar y, sobre todo, a creer en el poder de una buena historia. La belleza de esta serie no radica solo en sus mecánicas de juego o sus gráficos, sino en su capacidad para reinventarse mientras mantiene intacto el corazón de su narrativa.

Descubre el viaje de Legend of Zelda a través de las distintas épocas de consola

The Legend of Zelda no es solo una serie de juegos, es una puerta a un mundo donde cada elección y cada descubrimiento tiene un significado. Desde el misterioso Link’s Awakening hasta el revolucionario Tears of the Kingdom, Zelda ha demostrado que incluso en el cambiante paisaje de los videojuegos, algunas leyendas nunca mueren.

Reseña de Savage Dragon 2

Por
Jairo Álvarez
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Planeta Cómic publica el segundo tomo de Savage Dragon, la mítica serie escrita y dibujada por Erik Larsen para Image Comics

Tras un primer tomo en el que asistimos al nacimiento de una leyenda, ahora Planeta Cómic nos trae la consagración de Savage Dragon en un segundo volumen donde Erik Larsen da rienda suelta a su creatividad logrando que lo peor del cómic mainstream americano de los años noventa brille en sus páginas.

Reseña de Savage Dragon 2

De aquellos barros estos lodos

Invencible, la mágica obra de Robert Kirkman, Ryan Ottley y Cory Walker, es un cómic que existe gracias a un montón de historias de superhéroes que le precedieron y que crearon unos clichés que estos autores supieron aprovechar para crear su propia forma de desarrollar una historia que sonara a muy vista y fuera fresca a la vez. Bien es conocida la pasión de Kirkman por los cómics realizados por los fundadores de Image Comics a principios de los años noventa, pero en retrospectiva tal vez no fuera demasiado erróneo decir que Savage Dragon es su gran inspiración.

El grim and gritty, la acción hiperviolenta y el diseño ilógicamente molón de héroes y villanos son algunos de los recursos que el guionista de Kentucky utiliza a mansalva en su famosa serie, y leyendo este segundo volumen de Savage Dragon nos podemos encontrar muchísimas situaciones que encajarían perfectamente en Invencible si las pasáramos por el filtro de Kirkman. No obstante, no hay que olvidar que nuestro verde protagonista llega a aparecer en más de una ocasión en sus páginas, más como homenaje que como guiño o crossover.

Y es que este tomo ya deja claro que, sin armar mucho ruido, Larsen consigue desarrollar pasito a pasito una serie que marcaría su nombre a fuego en la historia del noveno arte (y no solo por ser una de las más longevas de la historia fuera de las dos principales editoriales americanas) y que sería una influencia fundamental para muchos autores de nuestros días…

Reseña de Savage Dragon 2

Enemigos para la eternidad

Aquí vamos a ver cómo, de forma planificada o no, Larsen comienza a trabajar con una serie de personajes que conformarían un fondo de armario para la serie y le darían ese toque de continuidad que tan bien le ha sentado con el paso del tiempo. OverLord, SuperPatriot, She-Dragon, Fiend, Openface, Octopus, Horde, Jimbo el Robusto Cangrejo, Rapture, Widow, Vanguard y los mismísimos Wild C.A.T.S de Jim Lee se pasarán por aquí para mostrar sus esperpéntico aspecto al lector.

A ritmo de peleas monstruosas y muchos puñetazos la acción desenfrenada de este tomo no da ni un respiro. Bien es cierto que aquí no nos vamos a encontrar con enrevesadas tramas, con personajes que se desarrollan afrontando traumas y perfilando sus aristas ni con sorprendentes giros de guion que nos harán poner los ojos del revés, pero la diversión y la narrativa a velocidad de bólido están garantizadas.

Si Savage Dragon fuera un videojuego, no sería uno de esos que elaboran una historia compleja donde el jugador acaba identificándose con el personaje que maneja y sintiendo empatía por los PNJ, sería un shoot’em up en los que no se puede ni pestañear y que dejan un rastro de sudor en cada partida. Y para muestra solo hay que leer el primer número aquí contenido, en el que la aparición de SuperPatriot no da para sesudas conversaciones precisamente…

En el apartado gráfico nos vamos a encontrar muchos altibajos, desde viñetas que parecen bocetos acabados mal y pronto hasta algunas ilustraciones realmente curradas en las que Larsen demuestra su valor. Esta falta de coherencia artística es probablemente el precio a pagar por Larsen por ser creador, guionista y dibujante de la serie, algo que también ha repercutido a lo largo de los años en la cadencia de publicación de los números (de lo contrario estaríamos hablando de una serie mucho, mucho más larga).

Este cómic publicado por Planeta Cómic se presenta en formato tapa dura sin sobrecubiertas. Contiene 384 páginas y presenta la traducción a cargo de Ignacio Bentz de la edición americana de números del #9 al #21 de la serie original además de partes del número #14 de la serie regular WildC.A.T.S., además de todas las portadas originales de los números incluidos, un prefacio y un posfacio escritos por Larsen y gran cantidad de material extra al final. El precio de venta recomendado es de 40 € y se puso a la venta en octubre de 2024.

Reseña de Savage Dragon 2

Savage Dragon 2

¡Los años formativos de Savage Dragon recopilados por fin!

Este tochal masivo recopila algunas de las aventuras más épicas del personaje, junto a SuperPatriot, Jimbo Da Mighty, Lobster, Fiend, She-Dragon, Widow, Vanguard y muchos más. Además, ¡Dragon poseído! Y el duelo final con el villano Overlord. Con una introducción del propio Erik Larsen y toneladas de extras, este tomo recopila The Dragon #9-21 y partes de WildC.A.T.S. #14.

Autor: Erik Larsen

Los personajes más irritantes de Dragon Ball Super

Por
Jesús Reche Alonso
-
personajes

De héroes a villanos, estos son los personajes que pusieron a prueba la paciencia de los fans en Dragon Ball Super

Los personajes más irritantes de Dragon Ball Super

En el vasto universo de Dragon Ball Super, la saga de Akira Toriyama se expande con nuevos dioses, transformaciones y un intrigante multiverso. Este capítulo añade dimensiones modernas a la icónica serie, integrando tanto lo mejor como lo peor de sus características. Sin embargo, no todos los nuevos personajes han sido bien recibidos por los fans. Algunos de ellos, de hecho, han sido catalogados como particularmente irritantes. A continuación, exploraremos quiénes son y por qué han generado tanta controversia.

Goku y una copia de Freezer

Goku, quien ha sido el corazón de la serie desde sus inicios, parece retroceder en Dragon Ball Super, presentando un lado más infantil y menos cautivador. A pesar de su fuerza y momentos de inspiración, su inocencia se transforma en una torpeza que interfiere con la trama, provocando frustración entre los seguidores. Este contraste se evidencia en momentos clave como el Torneo de Poder y su inexplicable decisión de reclutar a enemigos como Frieza o darle una Senzu Bean a Moro.

En el Torneo de Poder, Frost de Universo 6 se presenta como una versión altruista de Freezer. Sin embargo, rápidamente se descubre que es igual de malévolo que su contraparte del Universo 7. Su personaje, lejos de ser intrigante, termina siendo una repetición cansada y menos impactante, generando poco más que desdén entre los espectadores.

Un hermano poco carismático y Arale

Champa, el Dios de la Destrucción del Universo 6 y hermano gemelo de Beerus, no logra igualar el carisma y la presencia de su hermano. A menudo lo vemos envuelto en peleas frívolas que, lejos de añadir profundidad a su carácter, lo relegan a un papel más bien cómico y poco convincente.

Aunque Arale Norimaki de Dr. Slump solo aparece en un par de episodios, su energía caótica y su capacidad para dominar a personajes principales como Goku y Vegeta la convierten en una fuente de exasperación para muchos, desviando la atención de los verdaderos héroes de la serie.

Ineptitud galáctica y un Dios de la destrucción insoportable

Jaco, el patrullero galáctico, aunque tiene buenas intenciones, frecuentemente se ve superado por el miedo y la inacción, convirtiéndose más en un alivio cómico que en un héroe en quien se pueda confiar durante los momentos críticos de la serie.

Los personajes más irritantes de Dragon Ball Super

Entre los Dioses de la Destrucción, Quitela de Universo 4 se lleva la palma como el más irritante, mostrando poca compasión y una rivalidad infantil con Beerus que no hace más que empeorar su imagen.

Pilaf y el niño Rey del multiverso

El Gang de Pilaf retorna a Dragon Ball Super transformados en niños, pero esto no hace más que intensificar sus travesuras, convirtiéndolos en personajes cuya presencia resulta innecesaria y molestamente disruptiva.

El Omni-Rey Zeno, con su comportamiento infantil y su poder devastador, representa un dilema moral y narrativo que muchos fans encuentran difícil de tragar.

Un ego desmedido y un amor excesivo

Barry Kahn intenta sabotear el matrimonio de Gohan con tretas que desesperan y culmina siendo uno de los personajes más desagradables de los episodios en los que aparece.

Ribrianne, de Universo 2, agota su bienvenida al insistir excesivamente en el «poder del amor», una broma que se siente fuera de lugar en el tono general de la serie y que ha hecho que muchos fans celebren su eliminación final por parte de Androide 18.

Los personajes más irritantes de Dragon Ball Super

Cada uno de estos personajes, con sus peculiaridades y defectos, ha generado discusiones y debates entre la comunidad de fans. Aunque algunos han tenido momentos redentores, su presencia ha sido a menudo motivo de controversia en la evolución de Dragon Ball Super.

De acuerdo a un actor de Joker 2, la película de DC es lo peor que se ha hecho jamás

Por
Jesús Javier Ferrin
-

Un actor de Joker 2 describe cómo era el ambiente en el set de la producción de Warner Bros

Parece que no han sido suficientes la cantidad de comentarios negativos que recibió Joker: Folie a Deux por parte del público y de los críticos, ya que ahora la película es atacada por un actor que participó en la producción de DC.

Las duras palabras de Tim Dillon

En el podcast de Joe Rogan, el actor y comediante que interpretó a un guardia del Asilo Arkham en Joker 2, Tim Dillon, dijo que la película protagonizada por Joaquin Phoenix y Lady Gaga es la peor película que se ha hecho jamás.

«Es la peor película que se ha hecho jamás. En realidad no es ‘tan mala’. Es la peor película que se ha hecho jamás. Creo que lo que pasó, después del primer Joker, fue que se habló mucho de ‘Oh, esto les encantó a los incels. Esto le encantó al tipo equivocado de gente. Esto envió el tipo equivocado de mensaje. ¡Furia masculina! ¡Nihilismo!’ Todos estos artículos de opinión. Y luego pienso, ‘¿Qué pasaría si fuéramos al revés?’, y ahora tienen a Joaquin Phoenix y Lady Gaga bailando claqué, hasta un punto en el que es una locura… No tiene trama… Ni siquiera es digna de odio. Así de terrible es».

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Luego, Dillon describió lo incómodo que fue estar en el set de Joker 2 por las extrañas decisiones del director Todd Phillips.

«Nos sentábamos allí, yo y otros chicos vestidos con trajes de seguridad porque trabajábamos en el Asilo Arkham, y me volví hacia uno de ellos y oímos una mierda y dije: ‘¿Qué diablos es esto?’ Y ellos dijeron: ‘Esto va a ser un fracaso, tío’. Yo dije: ‘Esto es lo peor que he hecho jamás…’. Estábamos hablando de ello durante el almuerzo y dijimos: ‘¿Cuál es la trama? ¿Hay una trama? No sé, creo que se enamora de ella en la prisión'».

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Es increíble cómo la primera cinta se convirtió en un gran éxito en 2019 (llegó a superar los mil millones de taquilla, y ganó varios premios), y de allí pasamos a una secuela que se ha convertido en uno de los mayores fracasos de la compañía y que es atacada hasta por uno de sus actores.

¿Extrañas Ice Age? Disney tiene buenas noticias para los fans de la franquicia

Por
Jesús Javier Ferrin
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Crítica de 'Ice Age: el Gran Cataclismo'

Ice Age 6 está oficialmente en desarrollo

Disney anunció en la D23 de Brasil que están preparando una nueva película de Ice Age.

El reparto original de Ice Age regresa para la secuela

Además de revelar que está en desarrollo Ice Age 6, se mostró un logo del proyecto y se confirmó que el elenco original vuelve para la nueva película. Tras el anuncio, no se ofreció ningún detalle sobre la trama de la cinta, así que tendremos que esperar para poder tener una idea de lo que veremos en esta sexta parte.

Aunque la franquicia no está en su mejor momento, y lleva años en decadencia, todavía cuenta con muchos fans, así que esperemos que la próxima película vuelva a las raíces de la saga.

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La secuela animada contará con los actores Ray Romano, John Leguizamo, Queen Latifah, Denis Leary y Simon Pegg. La película se estrenará en los cines en 2026, un año que será muy competitivo en el lado de la animación.

Ice age 6

Reseña de Ice Cream Man Vol 9

Por
Xabier Intxausti
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ice crean man vol 9

Moztros nos trae de vuelta al heladero más sombrío con el tomo nueve de Ice Cream Man

Moztros, la joven editorial que nació hace tres años, se está haciendo hueco en el mundo del cómic español. Aunque tiene series como Power Rangers que podrían calificarse como más mainstream, también ha decidido ir por un camino poco común, el independiente, como sacar antologías de cómics, como Bad Idea. La editorial empezó a publicar la serie antológica de terror Ice cream man: El heladero.

Publicado originalmente por Image Comic, la serie antológica de terror creada por W. Maxwell Prince y Martin Morazzo vieron la luz en el año 2018. Este dúo decidió juntarse para realizar relatos cortos, pero de un género en específico, el terror y lo sombrío. Aunque la idea era contar historias independientes, todas tienen un nexo en común, el heladero. Y es que no hay nada como combinar una figura de la infancia e inocente con lo sombrío para generar algo verdaderamente terrorífico. La serie ha sido muy alabada por la crítica y actualmente va por su volumen número 9, tomo que por fin ha llegado a España y que hablaremos sobre él en esta reseña.

El heladero ataque de nuevo

Este volumen nueve nos presenta una serie de historias de los más variopintas. En la primera se nos muestra cómo el escritor quiere crear una historia feliz y divertida, pero lo que surge es una historia sombría sobre un chico con una vida bastante gris y deprimente. Otra historia nos cuenta la vida de dos mendigos que se cuentan historia de miedo, las cuales alguna se hace realidad. En otra, un hombre escribe el libro más importante que leerás en tu vida, un libro sobre monstruos. En la última, tenemos a un marinero obsesionado con la ballena que se tragó entera a su hija.

Reseña de Ice Cream Man Vol 9

Todas estas historias tienen un nexo en común, la sombría figura del heladero, que siempre está acechando con su impecable ropa blanca y una sonrisa que no es que transmita felicidad exactamente. Todas las historias mezclan desde el terror psicológico hasta el paranormal.

W. Maxwell Prince y Martin Morazzo vuelven a demostrar una vez más que siguen en plena forma. Aunque hay pequeñas conexiones entre las distintas historias, cada una de ellas es única. Si al principio de este tomo se anunciase que cada historia es escrita por un guionista diferente, sería muy creíble, porque cada número es totalmente distinto. Solo tiene dos cosas en común, el terror y el heladero, que siempre está acechando. Prince vuelve a dejar el listón muy alto con su originalidad y su forma de narrar las historias, manteniendo el nivel de sus anteriores entregas. Si os gusta el terror y lo sombrío, encontraréis en estos tomos una gran variedad de expresiones de este género.

ice cream man vol 9

El arte de Morazzo mantiene el nivel de los anteriores tomos. Un trazo fino y elegante que otorga mucha expresividad a los rostros de los distintos personajes que transmiten una gran variedad de emociones y sentimientos, la mayoría negativas como no. Aunque es muy posible que no sea del agrado de todo el mundo este dibujo, el artista argentino otorga un dibujo lleno de originalidad que otorga una personalidad única a la serie. Hay que otorgarle también su mérito al colorista Chris O’Halloran, pues genera un enorme contraste con los colores vivos que usa, con las historias sombrías que se van narrando.

Reseña de Ice Cream Man Vol 9

La edición de Ice Cream Man Vol 9 de Moztros

Al igual que los anteriores números, Moztros nos trae este volumen 9 con un formato de tapa dura con un tamaño de 17×26 cm. Un total de 128 páginas de una calidad decente. El tomo también viene con una galería de portadas y de personajes. El cómic está a la venta por un precio de 20,90 €.

Prince, Morazzo y O’Halloran siguen en plena forma con su serie de antología, creando historias de lo más variadas repletas de terror oscuro y sombrío. Historias únicas que asombran por su originalidad y que parecen creadas por distintos artistas debido a lo diferente que son. Morazzo y O’Halloran vuelven a generar el contraste perfecto entre un dibujo alegre, pero que genera incomodidad debido a que se ve que algo raro está pasando. Aunque estamos en el tomo nueve, al heladero no se le ha acabado la frescura. Sigue siendo una de las grandes sorpresas del cómic independiente.

Ice Cream Man Vol 9

Autor: W. Maxwell Prince| Martin Morazzo

Editorial: Moztros

Formato: Tapa dura

Páginas: 128 páginas a color

Tamaño: 17 x 26 cm

Precio: 20,90 €

ISBN: 978-84-19903-69-3

Sinopsis: La serie antológica de éxito que reúne historias unitarias desesperanzadoras continúa con cuatro nuevos relatos tan maravillosos como perturbadores que te dejarán sin aliento.

Este nuevo volumen incluye nuevos sabores. Nuevas historias de terror psicológico y horror extremo que te harán estremecer. Se presentan aquí cuatro capítulos todavía más escalofriantes de los que enervan y perturban la mente humana: una historia bifurcada de aflicción y fantasía, un cuento sobre dos vagabundos desafortunados, un bestiario de monstruos muy necesarios, y una mirada al gran vientre de una ballena. ¡Continuemos disfrutando de este viaje sin fin mientras las ruedas de la furgoneta de helados giran y giran…!

Elige tu sabor favorito y sumérgete en ICE CREAM MAN

Contenido: Ice Cream Man #33-36

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