Reseña de Joker/Batman: La carta ganadora

Tom King y Mitch Gerads presentan con La Carta Ganadora la historia definitiva sobre el inicio de la relación de Batman y Joker, un tomo publicado por ECC Ediciones

Pocas relaciones antagónicas han sido más fructíferas en la historia del cómic que la que existe entre Batman y Joker. No hay dedos suficientes en las manos para contar las obras que, centradas en estos dos personajes, tienen calidad suficiente para ser una lectura obligatoria para cualquier aficionado al medio. Pero a pesar de lo explotada que esta idea puede estar, ahora el equipo formado por Tom King y Mitch Gerads nos trae una nueva visión que podría colocarse sin duda entre las mejores: La carta ganadora, un tomo publicado por ECC Ediciones.

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Los que se pelean se desean

De alguna manera se ha establecido, tal vez de forma significativa desde que Alan Moore y Brian Bolland nos maravillaran con esa obra maestra titulada La broma asesina (a cuyo final podemos encontrar un claro guiño aquí), que la relación entre el Caballero Oscuro y el Príncipe Payaso del Crimen era no solo mortal sino también simbiótica. Uno necesitaba al otro para tener alguien a quien combatir con el objetivo de tener siempre una misión que cumplir y poder olvidarse de sus traumas mientras que el otro necesitaba al uno básicamente para divertirse, siendo esta diversión probablemente el resultado de unos sentimientos de devoción e idolatría muy profundos.

King nos sitúa aquí en los primeros tiempos de Bruce Wayne como enmascarado y vigilante de Gotham City. Se enfrenta principalmente a criminales urbanos, y la moda de los villanos disfrazados estrambóticos todavía no es trending topic. Hasta que llega un psicópata como la ciudad no había visto nunca…

En este escenario se nos presenta una ciudad al borde de estar condenada donde el detective Jim Gordon aún está dando sus primeros pasos como policía y conociendo a ese vigilante disfrazado de murciélago que le ha ayudado en un par de ocasiones y que, a pesar de su evidente locura, aparenta ser bastante útil y efectivo. A él será a quien tenga que recurrir cuando se vea incapaz de detener la ola de violencia extrema que se está extendiendo a causa de un maldito payaso…

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¿Lo pillas?

A lo largo de todos sus años de existencia hemos visto multitud de caras para el villano definitivo de Gotham City. El ladrón graciosete, el jefe criminal que ambiciona el poder o el psicópata juguetón son algunas de las variantes que se han enfrentado al Cruzado Enmascarado en multitud de ocasiones, pero aquí vamos a tener la versión más temible del personaje que hayamos visto nunca.

El trabajo de King es magnífico a la hora de definir a este villano de una forma tan cruda y espeluznante, funcionando a golpe de retorcidos chistes, de un incesante leitmotiv (¿Lo pillas?) y de convertirse siempre en una presencia incómoda y espectral. Especialmente reseñables son las dos primeras páginas en las aparece, donde el escritor logra meternos el miedo y la inquietud en el cuerpo sin ni siquiera poner al payaso en una sola viñeta, sino haciendo consciente al lector de su presencia tan solo con las réplicas dadas a una inocente niña en un día de lluvia.

El perro de mi novia murió y ella se lo tomó muy mal, así que intenté hacer que se sintiera mejor comprándole un perro idéntico. Pero eso solo hizo que se molestara aún más. Se puso a gritarme..."¿¡Para qué quiero dos perros muertos!?"

En cuanto al héroe de la historia, King lo retrata como un personaje aún en desarrollo, que todavía tiene que aprender algunas lecciones (gracias a su mayordomo y figura paterna Alfred Pennyworth en gran medida) que acabarán por convertirle en el personaje que todos conocemos. El sacrificio y la voluntad para hacer lo que ha de hacerse sin olvidarse de los principios morales inquebrantables que guían su misión serán los temas principales de su arco en esta historia.

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Visualmente perturbadora

En cuanto al apartado gráfico, aquí nos encontramos con un Mitch Gerads mucho más tétrico de lo habitual que se amolda al tono de la obra para ofrecernos unas páginas cargadas de oscuridad y desolación. Especialmente destacable es su labor a la hora de introducir al villano de la función, convirtiéndole casi en un una entidad sobrenatural, sin la cual este no funcionaría como debe.

En resumen, esta historia se erige como una de las más ambiciosas y originales sobre los dos personajes protagonistas. La obra no solo ofrece una visión renovada del origen de su relación, sino que también destaca por su narrativa profunda y desafiante. King logra un equilibrio perfecto al retratar al héroe en sus primeros pasos como vigilante y al villano en una forma más espeluznante que nunca, haciendo que sus interacciones se sientan frescas y cargadas de tensión. Además, el arte oscuro y perturbador del dibujante amplifica la atmósfera de desolación y amenaza que impregna cada página, consolidando este tomo como una lectura imprescindible.

La carta ganadora es ideal tanto para los nuevos lectores que buscan una introducción poderosa al conflicto entre estos icónicos personajes, como para los aficionados de larga estancia que apreciarán las capas de complejidad y el enfoque innovador.

ECC Ediciones presenta este tomo en formato cartoné. El tomo contiene 112 páginas a color e incluye la traducción de la edición americana de los números #1, #2, #5 y #9 de Batman: The Brave and the Bold, además de las portadas de todos los números incluidos. El precio de venta recomendado es de 19,5 € y se puso a la venta en julio de 2024.


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Joker/Batman: La carta ganadora

Jim Gordon y la policía de Gotham City se ven obligados a detener a un asesino en serie que avisa a sus víctimas con antelación. Y cuando les llega la hora de morir, lo hacen con una estrafalaria  sonrisa en el rostro. Resulta familiar, ¿verdad?

La carrera del Caballero Oscuro acaba de empezar,  pero queda muy poco para que conozca a su archienemigo mientras, en un parque, una niña extraviada conoce a un simpático hombre de tez pálida y pelo verde. Tom King Mitch Gerads, los autores de Mr. Milagro y El sheriff de Babilonia, nos traen La carta ganadora, una revisión del primer encuentro de Batman con el Joker que es, además, uno de los relatos más terroríficos de la historia reciente de DC Comics.

Autores: Tom King y Mitch Gerads

Desciframos los colores de los uniformes de Starfleet en Star Trek

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Repasamos los cambios cromáticos de los uniformes de Starfleet que define las eras y roles en el universo trekkie

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¿Te has preguntado alguna vez por qué el vibrante rojo de la camiseta de un oficial puede sellar su destino en Star Trek, o por qué el azul suele denotar sabiduría científica? Desde la creación de la serie, los uniformes de Starfleet no solo han servido para diferenciar funciones; también han evolucionado para adaptarse a las necesidades estéticas y narrativas de cada época. Vamos a desvelar el significado detrás de estos cambios y qué dicen sobre el futuro de la franquicia.

De los pilotos originales a la era dorada de los uniformes

En los comienzos no emitidos de Star Trek, la vestimenta se limitaba a dos colores: azul para ciencia y medicina, y oro para todos los demás. Este esquema se mantuvo por razones presupuestarias hasta que “Where No Man Has Gone Before”, el exitoso piloto, asentó las bases del estilo visual que dominaría entre 1966 y 1969. Sin embargo, fue la adopción del rojo, junto al oro y el azul, lo que marcó un hito en la estética de la serie.

Cada diseñador de vestuario aportó su visión única, lo que explica la variabilidad en la paleta de colores a lo largo de los años. Por ejemplo, en la década de los noventa, Robert Blackman reinterpretó los diseños originales de William Ware Theiss para las nuevas entregas de Star Trek, respetando los nuevos significados cromáticos establecidos.

La evolución de los colores y su significado

Originalmente, el oro señalaba el mando y la navegación, mientras que el azul seguía vinculado a la ciencia y la medicina. Sin embargo, con el cambio de siglo, y específicamente en “Star Trek: The Next Generation”, se produjo un interesante intercambio: el rojo pasó a representar el mando, con figuras como el Capitán Picard y el Comandante Riker vistiendo este color. Esto dejó al oro para denotar roles operativos y de ingeniería, desmarcándose del infame estigma de los “redshirts”, aquellos destinados a no volver de las misiones.

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A medida que Star Trek se adentraba en el siglo 21, las series como “Picard” y “Lower Decks” mantuvieron las designaciones de color de TNG, a pesar de introducir variaciones en el diseño. Esto demuestra un respeto por la coherencia visual a lo largo de las décadas, aunque adaptándose a los nuevos tiempos con uniformes que mezclaban colores sólidos con detalles distintivos.

Más allá de la funcionalidad

En Star Trek, cada cambio en el diseño de los uniformes ha sido una oportunidad para explorar más profundamente la psique y la sociedad de su vasto universo. Tomemos, por ejemplo, el Capitán Picard, cuya vestimenta roja no solo simbolizaba su papel de mando, sino que también reflejaba su enérgica y diplomática naturaleza. Este uso del color no solo tiene un impacto visual, sino que profundiza en la narrativa, otorgando a los personajes una dimensión adicional sin necesidad de diálogos explicativos.

Comparativamente, en otras franquicias como Star Wars o Battlestar Galactica, aunque los uniformes también son icónicos, tienden a permanecer estáticos, reflejando una estructura más rígida de sus universos. Star Trek se distingue al adaptar sus uniformes no solo a las necesidades estéticas, sino también a los cambios temáticos y tonales de cada serie, lo que refleja su enfoque en la evolución y la adaptabilidad. Esta constante evolución visual ayuda a mantener la serie fresca y relevante, resonando con cada nueva generación de fans.

El futuro y el regreso a los colores de conflicto

En el futuro lejano de “Star Trek: Discovery”, el uniforme gris con una franja de color hace eco de los tiempos de conflicto de “Deep Space Nine”. Esta elección estética no solo refleja las tensiones narrativas, sino que también subraya la adaptabilidad de Starfleet a los desafíos que enfrenta, manteniendo al mismo tiempo la tradición de los colores básicos incluso mil años adelante.

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No podemos olvidar los uniformes de gala, que han ido desde los tonos azules de Spock en la serie original hasta los elegantes atuendos morados y grises del siglo 32. Estos uniformes no solo cumplen una función ceremonial, sino que también reflejan la evolución de la moda en Starfleet, combinando tradición y modernidad.

Reseña de Antología Bad Idea

Moztros presenta una edición única en el mundo con las historias de los mejores autores del momento, Antología Bad Idea

En el mundo del cómic independiente o underground se puede encontrar toda clase de rarezas. Posiblemente en una de las editoriales mas extrañas de los últimos años haya sido la norteamericana Bad Idea, una editorial, fundada por antiguos miembros de Valiant, que ha redefinido la exclusividad. Solo un puñado de tiendas especializadas tienen acceso a los cómics, no hay reediciones y las tiradas son muy limitadas, incluso algunos comics solo son por suscripción. Incluso hay comics que consiste en únicamente un número. Todo esto hace que sea muy difícil conseguir tebeos de esta editorial, aún más si vives fuera de Norteamérica. 

Por eso hay que felicitar a Moztros una vez más (menudas joyas nos está trayendo), por conseguir traernos Antología Bad Idea, un tomo donde se recopilan una gran variedad de historias muy variadas escritas y dibujadas por los mejores artistas del momento. No sabemos si en Moztros han tenido que sacrificar a su primogénito o algo así, pero tiene un gran mérito, pues estamos ante una edición única, pues este cómic se publica de forma exclusiva en España.

Una gran idea

Como hemos dicho, en Antología Bad Idea nos encontramos historias cortas creadas por grandes autores como Mark Waid, Robert Venditi, Peter Milligan, Matt Kindt y unos cuantos más. También hay dibujantes de enorme calidad como Juan Jose Ryp, David Lapham, Klaus Janson y otros muchos. Cada artista que participa en estas historias es único, al igual que sus gustos, por eso cada historia que nos encontramos es única y en muchos casos, muy bizarro, haciendo que el nombre “bad idea” le siente como un guante.

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Esta recopilación tan dispar y variada hace que sea un poco difícil analizar su contenido, pues cada historia es un mundo. La primera historia es puro humor negro y en la siguiente vemos una lucha empresarial. Hay muchas más historias, aunque la gran mayoría de las historias cortas tendremos como género predilecto el terror y la ciencia-ficción, por lo que si os gustan estos dos géneros estaréis encantados con este recopilatorio. Encontraremos realismo, monstruos, distopía, acción, parodia y muchas más cosas en este tomo que será imposible que deje a alguien indiferente.

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A nivel visual, esta antología tampoco se queda corta en cuenta al mostrar una gran variedad de estilos, desde algo más mainstream, pasando por el mundo underground. De nuevo, resulta complicado analizarlo, porque el estilo de dibujo es muy dispar, pero es imposible que no te llame la atención ningún estilo.

En general el nivel en cada historieta es más que notable. Guionistas y dibujantes realizan un gran trabajo de sintonía que no hace más que otorgar un gran valor a esta antología, tanto por la calidad de las propuestas como por la originalidad, aunque esto último no siempre es así. Algunas historias no es que sean muy innovadoras, pero se disfrutan igualmente.

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La edición de Antología Bad Idea de Moztros

Ya se ha dicho que Bad Idea es una editorial peculiar, a diferencia de otras editoriales, no usan el concepto de portadas alternativas. Por eso Moztros nos trae una edición bastante sencilla (que no mal) de este recopilatorio de historias. Un tomo único con un tamaño de 17×26 cm de tapa blanda, formado por un total de 152 páginas a todo color. Por poner alguna pega, es posible que muchos hubiesen preferido el formato de tapa dura, pero teniendo en cuenta la exclusividad de la edición y de que la editorial española nos lo trae por un precio de 17.50 €, la calidad del tomo está bastante bien.

Antología Bad Idea debería de ser un indispensable para todo amante del noveno arte. Una serie de historias cortas y autoconclusivas de todo tipo creadas por los mejores artistas del momento. Es imposible que con la gran variedad de historias y de apartados visuales, no haya alguno que no te guste. Si te gusta el mundo del cómic más independiente o underground, no te lo pienses y hazte con esta antología.


Antología Bad Ideas

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Autor: Varios

Editorial: Moztros

Formato: Rústica

Medidas: 17 X 26 cm

Páginas: 48 páginas a color

Precio: 17,50 €

Sinopsis: ¿Qué tienen en común Robert Venditti, Juan José Ryp, Mark Waid, Keron Grant, Adam Pollina, Matt Kindt, David Lapham, Klaus Janson, Travel Foremano Mike Carey?

¡QUE TODOS HAN TENIDO MALAS IDEAS!

Puede que Bad Idea sea la editorial independiente más osada y revolucionaria de los últimos años. Sus historias son adictivas, con giros de guion inesperados y un arte brutal que nos transporta a mundos desconocidos y a aventuras jamás visitadas por ningún lector.
Pero, además, sus ediciones se han convertido en objetos coleccionables, algo único y muy cotizado entre los fanáticos. Los cómics de Bad Idea no son fáciles de conseguir, las tiradas son muy limitadas, y solo unos pocos privilegiados pueden acceder a estas verdaderas piezas de colección.

Con esta antología de historias cortas Moztros, junto a Bad Idea, presenta una edición ÚNICA EN EL MUNDO. Por primera vez, se reúne en un tomo único una selección de los mejores relatos y los más célebres y consagrados autores del famoso lado B del universo de Bad Idea que se publicará de forma exclusiva SOLO EN ESPAÑA.

Jamás se te pasaría por la cabeza la mala idea de tener en tu biblioteca una edición de colección de historias de los mejores autores de la actualidad del cómic que se publicará de forma exclusiva en tu país. ¿O sí?

La nueva serie de superhéroes de Netflix, Supacell, tendrá una segunda temporada

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El nuevo fenómeno de Netflix, Supacell, ha pasado por varios desafíos desde su confirmación en 2019, pero viene con un futuro brillante

Netflix ha despejado finalmente las dudas y emociones al confirmar que su serie británica Supacell, que debutó con una impresionante puntuación del 100% en Rotten Tomatoes, volverá para una segunda temporada. Este anuncio ha sido una dulce melodía para los oídos de los fans que, tras la intriga y calidad de la primera temporada, apenas podían esperar por más.

Desde el principio, Supacell no fue un proyecto fácil de llevar a cabo. Su creador, conocido como Rapman, enfrentó numerosos desafíos para vender la idea a las cadenas de televisión. Sin embargo, persistió y finalmente, en 2019, Netflix le dio luz verde al proyecto, aunque la producción se vio interrumpida temporalmente por la pandemia de COVID. A pesar de los obstáculos, la serie, que cuenta con un elenco británico de primer nivel incluyendo a Tosin Cole de Doctor Who, Adelayo Adedayo de The Responders, y el veterano Eddie Marsan, ha logrado superar todas las expectativas.

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El futuro según Rapman

Rapman ha sido el motor creativo detrás de la serie, encargándose no solo de la escritura de cada episodio sino también de la co-dirección junto a Sebastian Thiel. Su dedicación se refleja en cada detalle de la serie, cuya producción destila calidad y cuidado. Es precisamente esta pasión la que ha alimentado su deseo de continuar la saga de Supacell más allá de su primera temporada. Rapman ya imagina lo que depara el futuro para la serie, con planes de al menos tres temporadas para explorar completamente la narrativa que tiene en mente.

El éxito rotundo de Supacell ha sido, sin duda, un factor decisivo para su renovación, pero también lo ha sido la visión clara de Rapman para el futuro de la serie. Los fans pueden descansar sabiendo que la segunda temporada probablemente mantendrá el mismo nivel de excelencia que su predecesora. Esta certeza se basa no solo en la calidad ya demostrada sino también en el cliffhanger con que terminó la primera temporada, que dejó a los espectadores ansiosos por descubrir más sobre el destino de los personajes.

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El objetivo de las tres temporadas

En una entrevista con Radio Times justo después del estreno de la primera temporada, Rapman comparó el inicio de Supacell con Batman Begins, describiéndolo como solo el comienzo de lo que espera sea una trilogía mínima, aunque está abierto a expandir la historia más allá de estas tres temporadas si la trama lo permite. Su compromiso no solo es con la historia que quiere contar, sino también con sus personajes, prometiendo un desarrollo más profundo y sorpresas aún mayores para los próximos capítulos.

Con la segunda temporada confirmada y la primera aún disponible en Netflix para aquellos que deseen sumergirse en su intrigante universo, Supacell se perfila no solo como un éxito de crítica sino como un favorito de los fans. La combinación de talento británico destacado, una narrativa cautivadora y una dirección apasionada garantiza que lo que viene será igual de emocionante, si no más, que lo que ya hemos visto.

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Los éxitos de Netflix

En los últimos años, Netflix ha lanzado varias series que se han convertido en éxitos globales. Stranger Things continuó dominando como una de las favoritas de los fans, con su mezcla de nostalgia de los 80 y aventuras sobrenaturales. Otro gran éxito fue The Witcher, que, basada en la serie de libros y juegos populares, capturó a una vasta audiencia con su rica narrativa y escenas de acción épicas. Además, Bridgerton, producida por Shonda Rhimes, revolucionó el género de dramas de época con su enfoque moderno y visualmente deslumbrante, estableciendo nuevos estándares para la producción de series de época en streaming.

Reseña de Wonder Woman núm. 1/40

La asombrosa nueva etapa de Wonder Woman a cargo de Tom King y Daniel Sampere se presenta en un tomo publicado por ECC Ediciones en el que también nos encontramos con Belén Ortega

Puede que la historia de Wonder Woman no este plagada de historias tan recordadas y grandiosas como la de Batman o Superman, pero por suerte es un personaje con el que los autores adecuados han sabido hacer grandes obras. Ese es el caso de Tom King, Daniel Sampere y Tomeu Morey, que juntos han comenzado una etapa con la serie regular del personaje que apunta a ser una de las mejores. ECC Ediciones nos hace llegar ahora un tomo que recopila el primer arco argumental de esta nueva era, titulado Proscrita.

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Trinity, la nueva Wonder Woman

Aquellos lectores que no sean fieles a la actualidad de DC Comics se van a llevar una gran sorpresa nada más comenzar a leer este tomo. Nos encontramos con dos figuras en una playa, la de Batman y la de Superman. Pronto nos damos cuenta de que la acción se sitúa en el futuro, y que no estamos viendo ni a Clark Kent ni a Bruce Wayne, sino que son sus hijos Jon Kent y Damian Wayne quienes portan sus trajes.

El hecho de que estén en Isla Paraíso ya nos puede dar una idea de a quien están esperando, pero no, no es Diana Prince. Elizabeth “Lizzie” Marston Prince (¿un homenaje a William Moulton Marston?), la hija de Diana, se nos revela como la actual Wonder Woman, una chica que se ha criado como una hermana de Bruce y de Jon cuyo carisma y presencia no tienen nada que envidiar a los de estos dos.

Los tres se han reunido para enfrentarse a una serie de pruebas (dolor, destreza y honor) que nos llevarán hasta alguien conocido como el Soberano, un descendiente de la realeza que funcionará como villano odiable de la historia y que será el encargado de narrar lo que ocurrió en nuestro presente con Diana y su guerra contra los Estados Unidos…

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No, gracias

King trata en este primer arco argumental de su nueva serie regular diversos temas, siendo la masculinidad tóxica y el daño que esta hace no solo a las mujeres sino también a los hombres el más evidente de ellos. Pero aquí también vamos a tener política y vamos a tener, cómo no, una disección del personaje principal de la historia, desmenuzándolo por partes para comprender porqué y cómo funciona.

Diana se nos va a presentar como una diosa que camina entre hombres y mujeres. Su superioridad es tal que la relación que establece con otros personajes, ya sean divinos o mortales, ya sean amigos o enemigos, está siempre claramente descompensada. Ese aspecto que la aleja de la humanidad se ve enfrentado a unas cualidades tan positivas (honor, compasión, amor) que en conjunto convierten al personaje en un ideal encarnado.

Y todo esto es especialmente evidente cuando le toca lidiar con aquellos que pretenden frenarla en su misión, con los que se oponen a que ella actúe por la justicia. La violencia nunca será su primera respuesta. Cuando alguien intenta que Diana se rinda, que ceda, que obedezca…la repuesta siempre será “No, gracias”.

La trama comienza cuando una amazona del pasado de Diana acaba con la vida de un grupo de hombres en un bar por motivos que no acaban de quedar muy claros. Esta bola de nieve crece hasta llegar a la actuación del gobierno de los Estados Unidos, declarando inmigrantes ilegales a las amazonas residentes en el país. Al término de este primer arco aún quedarán muchas respuestas por contestar, pero es más que suficiente para disfrutar con la narración de un King en plena forma, que brilla tanto con su potente voz narrativa como cuando utiliza recursos conocidos por sus incondicionales como la narración en acciones paralelas.

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La consagración de Daniel Sampere

Sampere es un artista que hace tiempo que se ha colocado como uno de los más brillantes de DC Comics, probablemente desde sus colaboraciones con Tom Taylor, pero seguramente esta era la obra que definitivamente le consagra como uno de los más grandes artistas del cómic americano actual. Su delicado y detallado trazo nos deja algunos momentos de acción realmente espectaculares, pero es su sobria narrativa lo que realmente hace que esta historia funcione a la perfección. Y no hay que olvidarse del excelente trabajo de Morey al color, alguien que nunca falla.

También nos encontramos al final del tomo con una historia de tono infantil muy divertida que relata la juventud de Jon, Damian y Lizzie creciendo juntos, y en esta ocasión es la magnífica Belén Ortega la que acompaña a King. Esta historia les valió a sus autores una nominación a los Eisner de este año, lo cual ya es una carta de presentación suficientemente buena.

En resumidas cuentas, este tomo es probablemente lo mejor que se puede encontrar ahora en la continuidad actual de DC Comics. Da igual ser o no un amante de Wonder Woman, la calidad de esta etapa está por el momento muy por encima de ese tipo de filias. Solo cabe esperar que con este equipo la etapa llegue hasta su final sin las odiosas injerencias editoriales que podrían hacer mucho daño a una serie como esta.

ECC Ediciones presenta este tomo en formato rústica. El tomo contiene 208 páginas a color e incluye la traducción de la edición americana del número #800 del primer volumen de la serie regular del persona así como los seis primeros números de su segundo volumen. Hay que hacer notar que el tomo presenta un par de páginas con defectos, con un desdoble de las tintas, aunque esto no debería ser un impedimento para disfrutar de una gran obra como esta. El precio de venta recomendado es de 25 € y se puso a la venta en julio de 2024.


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Wonder Woman núm. 1/40

¡El Amanecer de DC sigue aquí! ¡Wonder Woman contra el Gobierno!

Cuando una amazona asesina a 19 varones en territorio estadounidense, el Gobierno decide que ha llegado el momento de expulsar del país a todas las migrantes llegadas de Themyscira. La Agencia para la Extradición de Amazonas es implacable y no se anda con contemplaciones; sin embargo, su líder, el Sargento Steel, sabe que hay una en concreto a la que será muy difícil echar…

El guionista Tom King y el dibujante Daniel Sampere presentan las nuevas aventuras de Wonder Woman acompañados por Belén Ortega. En esta primera entrega, debutan un enemigo nuevo y también una joven heroína que formará parte del futuro inmediato de Diana… y también del de Damian Wayne y Jon Kent.

Autores: Tom KingJosie Campbell, Daniel Sampere, Tomeu Morey, Belén OrtegaVasco Georgiev

Los X-Men cambiarán de traje en la segunda temporada de X-Men 97

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Los trajes de Frank Quitely en la etapa de Grant Morrison llegarán a la segunda temporada de la serie animada X-Men 97

Cuando los mutantes más famosos del universo Marvel vuelvan a la pantalla en la segunda temporada de X-MEN 97, lo harán con un estilo revolucionario que promete captar tanto a nuevos espectadores como a los fans de siempre. Esta nueva entrega traerá consigo una sorpresa visual: los trajes de los personajes estarán basados en las icónicas creaciones de Grant Morrison y Frank Quitely, cuyo trabajo en los cómics ha sido celebrado por su originalidad y profundidad emocional.

La decisión de incorporar los diseños de Morrison y Quitely no es casualidad. Estos trajes son bien conocidos por los aficionados al cómic por su mezcla única de estética futurista y líneas clásicas, algo que sin duda añadirá una capa de profundidad visual a la serie animada. En palabras de los productores, esta elección busca “honrar el legado de los X-Men, al tiempo que se ofrece una frescura visual que conecte con la audiencia del siglo XXI“.

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Un guiño a los veteranos, una puerta para los nuevos fans

Este cambio no solo es un homenaje a dos de los artistas más influyentes en la historia del cómic, sino que también actúa como un puente entre generaciones de fans. Los que crecieron leyendo las ediciones de principios de los 2000 encontrarán en estos trajes una nostálgica vuelta a sus raíces, mientras que los nuevos espectadores serán introducidos a una versión más contemporánea de los mutantes.

Además de los trajes, la temporada promete innovaciones en la técnica de animación. El equipo detrás de X-MEN 97 ha anunciado mejoras significativas en la calidad gráfica, con un enfoque especial en la fluidez de los movimientos y una paleta de colores más rica, lo que sugiere que los nuevos episodios serán no solo un festín visual sino también un hito en la animación de series de superhéroes.

Con este tipo de actualizaciones y homenajes, X-MEN 97 se posiciona como una de las series animadas más esperadas del próximo año. La inclusión de los trajes de Morrison y Quitely es solo una muestra del compromiso de los creadores con la calidad y el respeto por la fuente original.

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Expectativas altas y promesas de más sorpresas

Los productores han dejado entrever que esta será solo una de muchas sorpresas que esperan a los fans en los próximos capítulos. Con una combinación de respeto por el material original y una clara visión de futuro, la serie no solo busca mantener a sus seguidores de siempre, sino también atraer a una nueva generación que pueda seguir creciendo con estas historias de heroísmo y aventura.

La elección de reintroducir los trajes de Morrison y Quitely es, sin duda, un movimiento estratégico que habla del deseo de los creadores de vincular el legado de los cómics con la innovación en la animación. Esta mezcla de pasado y presente promete no solo continuar la historia de los X-Men, sino también redefinirla para una nueva era.

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Posibles apariciones en la segunda temporada

En la anticipada segunda temporada de X-MEN 97, los fanáticos pueden esperar ver no solo a sus personajes favoritos en acción, sino también la posible incorporación de héroes y villanos de otros rincones del universo Marvel. Uno de los más rumoreados para hacer su aparición es Spider-Man, un personaje que ya ha compartido pantalla con los mutantes en diversas ocasiones en el universo de los cómics. Esta integración no solo ampliaría el alcance narrativo de la serie, sino que también fortalecería las conexiones entre las diferentes franquicias de Marvel, ofreciendo a los fans un espectáculo más enriquecido y cohesionado.

La incorporación de personajes externos a los X-Men sería una táctica brillante para expandir el universo de la serie y explorar nuevas dinámicas entre personajes clásicos y nuevos. Estos cruces podrían llevar a conflictos emocionantes y alianzas inesperadas, aumentando así la tensión y el interés en la trama. Con una base de seguidores tan diversa y entusiasta, estas nuevas interacciones serían un terreno fértil para historias frescas y emocionantes.

¿Emocionado por ver a Michelle Yeoh en Avatar? ¡Prepárate! James Cameron asegura que su personaje no aparece en la tercera parte

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El personaje de Michelle Yeoh en Avatar hará su debut en 2029

Si esperabas ver a Michelle Yeoh en Avatar: Fire and Ash, James Cameron te tiene una mala noticia.

El personaje de Michelle Yeoh hará su debut en 2029

Durante una entrevista con Entertainment Weekly, Cameron comentó que Yeoh no aparecerá en Avatar: Fire and Ash, sino que su primera aparición será en Avatar 4, película que se estrenará en 2029. Además, la actriz volverá a salir en Avatar 5, cinta que llegará a los cines en 2031. A continuación, compartimos las palabras del cineasta.

“Michelle Yeoh no estará en la tercera parte. Está en la cuarta y la quinta. Así que se informó un poco mal de eso. Pronto vendrá para hacer su parte, que es un personaje interesante y divertido. Quiero decir, nos estamos adelantando a los acontecimientos. Todo esto se ha planeado durante años y años. Los guiones se escribieron hace años, hasta el final de la quinta película. Así que hemos estado trabajando en partes de la cuarta mientras avanzamos, principalmente porque tenemos este elenco joven. Tuvimos que filmarlos a todos mientras aún eran jóvenes”.

“Amamos a Michelle. Siempre fue una estrella de cine, pero se ha convertido en un fenómeno enorme. Tengo muchas ganas de trabajar allí”.

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Disney anunció en 2019 que Yeoh le dará vida a una científica humana llamada Dra. Karina Mogue, aunque no ofrecieron detalles sobre su personaje. La espera se hará larga para ver qué nos tiene preparado Cameron con respecto al papel de Yeoh cuando se estrene Avatar 4 el 21 de diciembre de 2029.

DC Studios: Una serie animada de Deadman estaría en las primeras etapas de desarrollo

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Deadman contaría con su propio proyecto animado de la mano de DC Studios

Un programa animado centrado en Deadman estaría entre los planes de James Gunn para el nuevo Universo DC.

Deadman

Nuevo rumor relacionado al DCU

De acuerdo a Matthew W. de Nexus Point News, Deadman podría llegar al DCU en una serie de animación. Sin embargo, el medio asegura que el proyecto todavía no ha recibido luz verde y que aún no han sido contratados los escritores ni los miembros del elenco, pero el informe aclara que se encuentra en las primeras etapas de desarrollo.

Aunque la información suena muy interesante, debemos considerar lo compartido por Nexus Point News como rumor hasta que el propio Gunn lo confirme. Además, con los problemas que está enfrentando Warner Bros. en este momento, no sabemos si la compañía limitará los planes de Gunn, por lo que sin un anuncio, no podemos dar por hecho las cosas.

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Alien: romulus. El renacer del xenomorfo

Por fin llega a nosotros la tan esperada nueva entrega de la saga de xenomorfos más famosa del cine. Llega Alien: romulus

Alien: Romulus. Retomando la mitología

Alien: romulus nos cuenta la historia de una joven colonizadora espacial huérfana llamada Rain Carradine (Cailee Spaeny) y un grupo de jóvenes que sobreviven a duras penas en un planeta minero. Deciden aventurarse en una estación espacial abandonada con la esperanza de usar sus criotubos para viajar a un planeta más hospitalario y próspero, pero se encontrarán cara a cara con la forma de vida más aterradora del universo.

Este thriller de terror y ciencia ficción nos transporta a las raíces de “Alien” y lo hace en más de un sentido. A partir de un guion que ha escrito Fede Álvarez con su colaborador habitual, Rodo Sayagues (responsable también de “No respires 2”), Alien: Romulus nos regala un viaje por toda la saga, desde aquella primigenia Alien (1979) hasta la más reciente Alien: Covenant (2017), mostrándonos conceptos y guiños de todas estas películas.

Mantener la herencia de las películas anteriores es muy de agradecer, pero aquí casi se llega a la sobrecarga. Si bien es cierto que algunos de estos guiños son demasiado obvios (nombres de naves, referencias directas, frases calcadas, etc.), no nos importa porque disfrutaremos enormemente durante las dos horas que dura esta aventura, ya que Alien: romulus nos ofrece una historia interesante, con algunas escenas llenas de ingenio y momentos intensos.

En el espacio nadie puede oír tus gritos

Alien: romulus

Y es que en Alien: Romulus vamos a encontrar todo lo que esperamos en una nueva entrega de esta saga: un grupo de personas que deben enfrentarse al Alien… y que poco a poco irán descubriendo en qué consiste exactamente este enemigo y sus diferentes etapas evolutivas (facehugger, chestburster, xenomorfo); ambientes claustrofóbicos (la sombra de H.R. Giger es muy alargada); tratamiento más o menos profundo de varios temas interesantes (la naturaleza humana, la ética corporativa, la maternidad y el miedo a lo desconocido…) y la ya consabida mezcla de géneros como son la ciencia ficción, la acción, el thriller y, en cierta medida, el terror. Todo lo que ha hecho que la saga Alien se ha convertido en una de las más emblemáticas del cine.

Obviamente, el principal responsable de que esta nueva entrega funcione es el director. Álvarez ha demostrado una habilidad particular para crear atmósferas tensas y escenas impactantes en el género de terror, y Alien: Romulus es buen ejemplo de ello.

Desde luego, elegir a Fede Álvarez ha sido todo un acierto. Por un lado, sabe utilizar perfectamente técnicas visuales creativas para aumentar la tensión y el impacto de sus escenas, consiguiendo que sus película tengan un ritmo adecuado a la trama y mantienen al espectador al borde del asiento. Por otro lado, también ha demostrado con Evil Dead una gran habilidad para adaptar y reinventar material existente, lo que se plasma perfectamente en Alien: Romulus.

Además, el guion (repito, creado por el propio Fede Álvarez y Rodo Sayagues), es especialmente adecuado para el trabajo de este director. Por ejemplo, mostrándonos personajes fuertes, protagonistas resilientes que se enfrentan a situaciones extremas.

Alien: romulus

De los personajes no quiero hablar demasiado porque sería difícil hacerlo sin spoilers. Todos, sin excepción, son personajes creíbles tanto por sus personalidades como por sus acciones, totalmente coherentes con su forma de ser.

Los seis jóvenes protagonistas llevan muy bien la acción y la trama, cada uno muy bien escrito. Obviamente, el mayor peso lo lleva Cailee Spaeny, a quien hemos podido ver en Pacific Rim: Insurrección (2018), la interesante serie Devs (2020) o las recientes Priscilla (2023) y Civil War (2024) entre otras.

Alien: romulus

Cailee consigue, con una actuación bastante comedida, construir un personaje fuerte pero vulnerable, creíble e interesante. De nuevo tenemos un guiño a anteriores entregas de la saga, con un personaje femenino protagonista, fuerte y resolutivo. Eso, sin contar con algunas escenas casi calcadas de, por ejemplo, la primera Alien.

Alien, Rómulo, Remo y Prometeo

Álvarez se ha establecido como una voz interesante en el cine de género, combinando elementos de terror clásico con una sensibilidad moderna. En Alien: Romulus ha prestado mucha atención a los detalles, lo que se refleja en una gran calidad visual. Esto, unido a que prefiere el uso de efectos prácticos sobre el CGI, da a esta película un aspecto más relista y, desde luego, más visceral. Su capacidad para crear tensión y su habilidad visual lo han convertido en un director a seguir en la industria cinematográfica

Alien: romulus

Alien: Romulus es una nueva buena entrega de la serie. Álvarez ha conseguido una película que funciona como una especie de curiosa mezcla de reboot y de secuela: por un lado es una excelente puerta de entrada a la saga para espectadores más jóvenes (debido a las características de los personajes, al ritmo, al estilo de filmación…), y por otro lado continúa ampliando la ya larga colección de películas sobre nuestro xenomorfo preferido, ampliando el lore de este vasto mundo… aunque algunos de estos nuevos añadidos sean discutibles.

En resumen, Alien: Romulus no será recordada como la mejor de la saga, pero sí como una más que digna película que será revisitada varias veces, descubriendo diferentes aspectos y, estoy seguro, será el principio de una nueva etapa.

Alien: romulus

Alien: Romulus está dirigida por Fede Alvarez (“Posesión infernal [Evil Dead]”, “No respires”) y protagonizada por Cailee Spaeny (“Priscilla”), David Jonsson (“Matar es fácil”), Archie Renaux (“Sombra y hueso”), Isabela Merced (“The Last of Us”), Spike Fearn (“Aftersun”) y Aileen Wu.

Crítica de Borderlands

Borderlands: del videojuego a la gran pantalla.

En 2007, Gearbox Software dio a conocer un videojuego de disparos en primera persona, cuyo nombre es Borderlands, cuyo éxito le procuró la salida de una segunda parte en 2012 y una tercera en 2019, además de la publicación de una versión en cómic, de mano de la editorial IDW. Aparte de todo lo mencionado anteriormente, este videojuego también cuenta con una película live-action que se encuentra ahora mismo en cartelera, algo que ya comentamos en su momento, y que es el objeto de análisis de este artículo, tal y como se puede comprobar si se continua leyendo hasta el final.

Reparto de Borderlands

Bajo la dirección de Eli Roth, la película Borderlands, que cuenta con 101 minutos de duración, está protagonizada por Cate Blanchett (como Lilith), Kevin Hart (en el papel de Roland), Jack Black (que, en la versión original, pone la voz a Claptrap), Jamie Lee Curtis (que interpreta a la doctora Patricia Tannis), Ariana Greenblatt (que encarna a Tina Chiquitina), Florian Muneteanu (que se mete en la piel de Krieg), Haley Bennett (que hace de la madre de Lilith) y Édgar Ramírez (que se convierte en Atlas). A continuación, puedes ver el tráiler de la película.

Sinopsis de Borderlands

La cazarrecompensas Lilith es contratada por un tipo poderoso y nada fiable, conocido por el nombre de Atlas, para que encuentre a su hija Tina, para lo cual tiene que desplazarse al planeta Pandora (nada que ver con el mundo homónimo de universo de Avatar), donde ella nació, que también es el lugar al que esperaba no tener que regresar nunca. No obstante, Lilith descubre pronto que lo que parecía que iba a ser una sencilla misión de rescate es algo mucho más complicado y se convertirá en una tarea imposible de llevar a cabo sin ayuda.

Borderlands, Eli Roth

Curiosidades de Borderlands

A aquellos espectadores que hayan acudido a ver Borderlands y que, además, sean seguidores de Marvel, sobre todo de las colecciones, películas y series de los mutantes, no les costará encontrar ciertas similitudes entre Lilith y Jean Grey, aunque no solo por tener el mismo color de cabello sino también por otra razón que no desvelaré para no arruinar la sorpresa al posible público que aún no la haya visto y tenga intención de hacerlo.

No obstante, aunque está claro que Lilith tiene el papel protagonista, la verdad es que Tina es la que se roba todas las escenas en las que aparece, ya que, aunque se nos muestra con esa cara de niña buena, se encuentra en su salsa entre peluches explosivos y armas de gran calibre.

Borderlands, Eli Roth

Conviene mencionar que, a mitad de los créditos finales de Borderlands, existe una breve escena, que no aporta nada más a la trama aparte de ser un gag humorístico por parte de Claptrap, de modo que, si tienes mucha prisa por levantarte de la butaca, no te pierdes nada relevante.

Los malos resultados de Borderlands

Por desgracia, no es ningún secreto que la adaptación cinematográfica de Borderlands no ha funcionado en taquilla, ni a nivel de la crítica, como cabría esperar, sobre todo teniendo en cuenta que la idea de realizar una película de la franquicia llevaba barajándose desde 2015. Sorprendentemente, eso no ha afectado a la venta de los videojuegos de Borderlands, sino que ha sucedido el efecto contrario, de modo que, si somos optimistas, se puede decir que algo bueno ha salido de todo esto.

Valoración personal de Borderlands

Desde mi punto de vista personal, que es lo más objetivo posible, debido a que no he jugado nunca Borderlands, la película me ha resultado entretenida y hasta divertida en ciertas ocasiones, aunque puedo comprender perfectamente que los entendidos de este videojuego tenga sus reservas, ya que no es nada nuevo el hecho de que las adaptaciones al séptimo arte de dicho género no suelen funcionar tan bien como nos gustaría.

Por tanto, si eres fan incondicional del videojuego de Borderlands, tendrás que elegir entre atreverte a darle una oportunidad a la película o hacer otra actividad que no pueda arruinar la imagen mental de tu querida franquicia.

Lilith, una malvada cazarrecompensas con un misterioso pasado, regresa de mala gana a su hogar, Pandora, el planeta más caótico de la galaxia. Su misión es encontrar a la hija desaparecida de Atlas, el cabronazo más poderoso del universo. Lilith forma una inesperada alianza con un extraño equipo: Roland, un veterano mercenario con una misión; Tina Chiquitina, una salvaje demoledora preadolescente; Krieg, el musculoso protector de Tina; Tannis, la extraña científica que lo ha visto todo, y Claptrap, un robot sabelotodo.

Juntos, estos sorprendentes héroes deberán enfrentarse a una especie alienígena y a peligrosos bandidos para descubrir uno de los secretos más explosivos de Pandora. El destino del universo podría estar en sus manos, pero lucharán por algo más: los unos por los otros.