Reseña de Bienvenidos a C.A.S.A.

Bienvenidos a CASA Cartem Tomeu Riera

Bienvenidos a C.A.S.A. del balear Tomeu Riera y publicado por Cartem Cómics, narra la increíble historia de Celeste y Carmín en un lugar donde todas las necesidades están cubiertas, pero donde no es oro todo lo que reluce

Tomeu Riera es el autor integral de Bienvenidos a C.A.S.A., obra publicada por Cartem Cómics dentro de su colección Spanish Bombs, cuna de éxitos como Somos Probetus y File Number, donde el autor balear parte de una premisa aparentemente amable como es imaginar un lugar en el que todas las necesidades de sus habitantes están cubiertas.

En ese lugar, hay disponible comida rápida todos los días, conciertos musicales, proyección de las películas más populares, una cama cómoda y hasta una “mamá” que ayuda a sus niños a disfrutar, los despierta y les desea buenas noches antes de dormir.

En C.A.S.A. no hay dolor, incomodidad ni preocupaciones. Todo está organizado para proporcionar una existencia sencilla, agradable y previsible. Sin embargo, precisamente ahí se encuentra la trampa que sostiene toda la historia, porque cuando alguien recibe constantemente aquello que desea ¿sigue siendo realmente libre?

La trama

En este orbe distópico surgido tras el gran cataclismo, conviven diferentes razas antropoides pero sin poderes mágicos hadas, fomorianos (ogros), duendes, daturah o silfos (activos) y seres humanos, los más comunes (raza mestiza o raza mediocre), que son los únicos capaces de poder hibridarse con las otras razas antropoides.

El protagonista humano es el psicólogo clínico Héctor Zycxz que en un mundo donde todo el mundo soluciona sus problemas mentales con pastillas, no tiene pacientes y recibe una llamada para poder unirse al grupo de trabajo de la empresa HogarPharma precisamente la que le quita los pacientes porque fabrica todos esos fármacos.

Reseña de Bienvenidos a C.A.S.A.

Celeste y Carmín, ambas activos de la empresa, viven integrados en este peculiar mundo. Carmín está muy a gusto con la vida sedentaria que tiene, disfrutando a cada instante de ese lujo de no hacer más de lo que le place, aunque Celeste comienza a experimentar algo que parece casi inconcebible para sus habitantes como es una curiosidad innata.

Celeste quiere saber qué existe más allá de los muros, comprender las reglas que organizan su existencia y descubrir por qué determinadas zonas permanecen prohibidas. Esa inquietud constituye el verdadero motor de una aventura que, bajo su apariencia de fantasía y ciencia ficción, va revelando progresivamente una crítica bastante más amarga.

Un guion muy bien planteado

Uno de los principales aciertos de Bienvenidos a C.A.S.A. se encuentra en un guion muy bien planteado por Tomeu Riera, que administra la información revelada en las viñetas de forma paulatina de manera que el lector vaya descubriendo el funcionamiento de este universo prácticamente al mismo tiempo que sus protagonistas.

La aparente inocencia inicial se transforma poco a poco en extrañeza y, finalmente, en una percepción mucho más inquietante de aquello que se encuentra detrás de esa supuesta sociedad perfecta. El uso del dodo, un animal extinto, como parte de la trama es un elemento que le aporta profundidad al guion, al poder establecer diferentes interpretaciones.

Reseña de Bienvenidos a C.A.S.A.

De este modo, la historia funciona especialmente bien porque permite observar distintas interpretaciones según el punto de vista del lector. Hay algo de historia real y de las formas históricas de esclavitud en la concepción de unos individuos cuya existencia parece estar organizada en función de los intereses que ellos mismos desconocen.

No se reproduce literalmente el fenómeno histórico de la esclavitud, pero sí queda un deje reconocible en la reducción del individuo a su utilidad y en la existencia de unas estructuras de dominación que pueden esconderse detrás de una aparente normalidad.

A ello se suma una interesante crítica a los procesos en serie y a la estandarización de las personas. Los habitantes reciben los mismos productos culturales, los mismos placeres y las mismas comodidades, dentro de un ciclo de satisfacción permanente que termina convirtiéndolos en los consumidores ideales.

Paradójicamente, aquello que aparentemente los hace felices también contribuye a mantenerlos conformes y a eliminar cualquier necesidad de preguntarse por el mundo exterior. En este sentido, durante la lectura resulta difícil no encontrar ecos de algunas películas como El show de Truman, La isla o El bosque.

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Existe una vaga reminiscencia a El show de Truman, el éxito de taquilla y crítica protagonizada por Jim Carrey, en la construcción de una realidad artificial asumida como verdadera por quien vive dentro de ella y en la progresiva sospecha de que detrás del escenario cotidiano existe algo que se le ha ocultado.

También pueden encontrarse ciertas resonancias de La isla, el largometraje protagonizado por Scarlett Johansson y Ewan McGregor, especialmente en la idea de una comunidad aparentemente protegida y confortable cuyos habitantes desconocen la auténtica razón de su existencia. En ambos casos, la curiosidad y la transgresión de los límites establecidos permiten comenzar a desmontar el relato oficial sobre el mundo.

Incluso puede percibirse algún eco de El bosque, de M. Night Shyamalan, director de El sexto sentido, porque nuevamente aparecen los límites físicos y psicológicos, la existencia de un exterior desconocido y el miedo o las normas como instrumentos capaces de mantener una comunidad dentro de un espacio cerrado.

Bienvenidos a C.A.S.A. no reproduce ninguna de estas películas, sino que juega con inquietudes similares y las traslada a su propio universo fantástico.

Consumir, disfrutar y obedecer

Quizá la idea más sugerente del cómic sea precisamente la relación que establece entre el consumo, la comodidad y el control. C.A.S.A. no necesita presentarse inicialmente como una prisión porque ofrece a sus habitantes todo aquello que aparentemente podrían querer. La dominación resulta mucho más eficaz cuando el individuo no percibe la necesidad de escapar.

El consumo constante, el entretenimiento permanente y la satisfacción inmediata de los deseos pueden terminar provocando apatía. Tenerlo todo no significa necesariamente encontrar un sentido a la existencia. Frente a esa pasividad aparece Celeste, cuya curiosidad constituye casi un acto de rebeldía, porque quiere conocer, preguntar y mirar detrás de aquello que todos los demás aceptan.

Reseña de Bienvenidos a C.A.S.A.

Por eso, tras el humor, las criaturas fantásticas y la aventura, existe una reflexión bastante reconocible sobre nuestra propia sociedad. La comodidad puede convertirse en rutina; el entretenimiento, en anestesia; y la satisfacción inmediata, en una forma de evitar preguntas incómodas.

Un dibujo expresivo y un color que también narra la historia

Visualmente, el cómic acompaña muy bien esta propuesta. El dibujo de Riera presenta rasgos claros y fácilmente identificables, pero destaca especialmente por unas expresiones faciales muy bien definidas. Los personajes transmiten con facilidad sorpresa, curiosidad, aburrimiento, miedo, apatía o desconcierto, algo fundamental en una historia donde buena parte del conflicto nace precisamente de la diferencia entre quienes aceptan su mundo y quienes comienzan a cuestionarlo.

El color complementa perfectamente este trabajo. Los tonos intensos adquieren una gran fuerza en los momentos de mayor carga emocional, reforzando el carácter fantástico y aparentemente luminoso de C.A.S.A. Frente a ellos, las sombras y los tonos más apagados adquieren una función narrativa distinta, porque sirven para potenciar la desidia, la maldad, la crueldad y los estados de apatía que progresivamente aparecen bajo la superficie del mundo perfecto.

Reseña de Bienvenidos a C.A.S.A.

De esta forma, el color no se limita a embellecer las páginas, sino que participa en la narración. La contraposición entre la luminosidad y la oscuridad reproduce visualmente la propia dualidad de C.A.S.A. en un universo atractivo y confortable en apariencia que esconde aspectos considerablemente más sombríos.

Bienvenidos a C.A.S.A. consigue construir una aventura entretenida a partir de una idea mucho más incómoda de lo que inicialmente parece. Con una historia muy bien planteada, introduciendo progresivamente al lector en un mundo que mezcla fantasía y ciencia ficción con una evidente crítica social.

Reseña de Bienvenidos a C.A.S.A.

Una sociedad capaz de satisfacer todos nuestros deseos puede parecer perfecta, pero quizá la verdadera libertad comienza precisamente cuando alguien decide dejar de consumir, levantar la mirada y preguntarse qué hay al otro lado del muro.

La edición

Bienvenidos a C.A.S.A. de Tomeu Riera ha sido publicada por Cartem Cómics dentro de su colección Spanish Bombs, en tapa dura, con unas medidas de 19 × 26 cm, a color y con una extensión de 140 páginas, incluyendo como extras unos bocetos de los personajes y del mundo donde viven.

Bienvenidos a C.A.S.A. Tomeu Riera Celeste y Carmín Cartem Cómics

Celeste vive en C.A.S.A., un lugar donde todas las necesidades están cubiertas y nada parece faltar. Pero su curiosidad por descubrir qué hay más allá de sus muros la llevará a cuestionar un mundo que todos consideran perfecto.

Un cómic que mezcla fantasía y ciencia ficción para reflexionar, con aventura y crítica social, sobre el consumismo, la felicidad y la búsqueda de sentido.

¿Qué ocurre cuando un mundo perfecto deja de hacerte feliz?

Comida rápida todos los días. Música pop. Las películas más populares. Una cama cómoda. Una voz que te desea buenas noches antes de dormir. En C.A.S.A. no existe el dolor, la incomodidad ni las preocupaciones. Todo está pensado para que sus habitantes disfruten de una vida perfecta, donde cada necesidad queda satisfecha antes incluso de que llegue a surgir.

Ese es el mundo en el que viven Celeste y Carmín. Un lugar donde nadie quiere marcharse.

O al menos, casi nadie.

Porque Celeste no puede evitar preguntarse qué existe más allá de los muros del complejo. Mientras todos aceptan con naturalidad ese ciclo infinito de consumo y comodidad, ella siente que algo no termina de encajar. Su curiosidad la lleva a explorar lugares prohibidos, desafiar las normas y poner en duda una realidad que los demás consideran incuestionable.

¿Y si ser el consumidor perfecto no fuese suficiente?

Una aventura de fantasía y ciencia ficción con mucho que decir

«Bienvenidos a C.A.S.A.» combina la fantasía y la ciencia ficción para construir un universo lleno de criaturas fantásticas, escenarios sorprendentes y personajes que buscan comprender el mundo en el que viven. Bajo esa apariencia luminosa y desenfadada se esconde una historia que invita a reflexionar sobre el consumo, la satisfacción inmediata y la necesidad de encontrar un sentido que vaya más allá de tener todas las necesidades cubiertas.

Sin perder nunca el gusto por la aventura ni el humor, la obra plantea una pregunta tan sencilla como inquietante: ¿qué sucede en un mundo perfecto cuando uno pierde la capacidad para disfrutar?

Un mundo tan extraño como familiar

Aunque C.A.S.A. parece un lugar salido de un cuento fantástico, muchas de sus reglas resultan sorprendentemente cercanas. La comodidad permanente, el entretenimiento constante y la búsqueda incesante del placer construyen un escenario que refleja, con ironía y sensibilidad, algunas de las dinámicas de nuestra propia sociedad.

Es precisamente ese contraste entre lo fantástico y lo cotidiano lo que convierte la lectura en una experiencia tan divertida como sugerente.

Te gustará si…

Disfrutas de la ciencia ficción con un marcado componente de crítica social.

Buscas historias que mezclan fantasía, humor y aventura.

Te atraen los mundos imaginativos repletos de criaturas fantásticas.

Te interesan las obras que invitan a reflexionar sin renunciar al entretenimiento.

Te gustan las historias donde la curiosidad es el motor que pone todo en marcha.

Una invitación a mirar más allá de los muros

«Bienvenidos a C.A.S.A.» es un cómic que utiliza la fantasía y la ciencia ficción para hablar de cuestiones profundamente actuales. Una historia sobre la curiosidad, el deseo de descubrir qué hay más allá de lo establecido y la importancia de seguir haciéndose preguntas, incluso cuando parece que ya lo tenemos todo.

Marvel confirma uno de los giros más inesperados de Avengers: Armageddon y cambia el futuro de los Vengadores

Marvel

Una portada que debía permanecer oculta ha terminado revelando el secreto que Marvel llevaba semanas preparando

Marvel confirma uno de los giros más inesperados de Avengers: Armageddon y cambia el futuro de los Vengadores

Marvel llevaba tiempo sembrando pistas alrededor de David Colton, pero Avengers: Armageddon parece haber terminado por descubrir uno de sus mayores secretos. El antiguo Capitán América había regresado convertido en un personaje mucho más poderoso de lo que cualquiera podía imaginar, y todo apuntaba a que Marvel estaba preparando para él algo bastante más importante que una simple evolución de sus habilidades.

Marvel confirma uno de los giros más inesperados de Avengers: Armageddon y cambia el futuro de los Vengadores

Armageddon convierte a David Colton en Miracleman

La confirmación habría llegado de una forma bastante curiosa: una portada variante clasificada de Michael Cho para Avengers: Armageddon #4. El dibujo, que Marvel había intentado mantener oculto, conecta directamente a Colton con uno de los personajes más peculiares y poderosos de la historia del cómic británico: Miracleman, también conocido originalmente como Marvelman.

El gran giro sería, por tanto, que David Colton se convierte en una nueva encarnación de Miracleman después de recibir los poderes de una Origin Box. La portada de Michael Cho deja pocas dudas sobre la dirección que Marvel está tomando con el personaje, especialmente después de las pistas que la propia editorial había dejado durante los números anteriores del evento.

La descripción oficial de Avengers: Armageddon #4 tampoco se queda corta. Marvel habla de “un momento clave en la historia” y anticipa la aparición de un personaje capaz de transformar el Universo Marvel. Además, todo lo ocurrido en este evento servirá para preparar el terreno de Avengers #1, la nueva serie de Chip Zdarsky y Marco Checchetto.

Un Capitán América nacido después del 11-S

La elección de Colton resulta mucho más interesante cuando se recuerda su pasado. David Colton fue creado por Chip Zdarsky y Valerio Schiti como un Capitán América de una generación diferente, marcada por los atentados del 11 de septiembre y las guerras posteriores en Irak y Afganistán.

Colton presenció los ataques del 11-S cuando era adolescente y terminó entrando en el ejército. Con el tiempo recibió el Suero del Supersoldado y adoptó el uniforme de Capitán América durante un periodo en el que Steve Rogers todavía permanecía congelado. Su forma de entender el símbolo era mucho más militar y contemporánea que la de Rogers.

La Origin Box convirtió a Colton en algo mucho más poderoso

Durante Avengers: Armageddon, Colton regresó después de un periodo de ausencia con unas capacidades que parecían imposibles para un supersoldado convencional. La explicación estaba en una Origin Box, tecnología procedente del nuevo Universo Ultimate capaz de recrear héroes que habían sido eliminados de esa realidad por The Maker.

Marvel confirma uno de los giros más inesperados de Avengers: Armageddon y cambia el futuro de los Vengadores

Sus nuevos poderes incluían fuerza extraordinaria, velocidad, invulnerabilidad, vuelo y sentidos sobrehumanos, un conjunto de habilidades que lo acercaba más a personajes como Superman que al Capitán América tradicional. Desde ese momento comenzaron las sospechas de que aquella transformación podía estar conectada directamente con Miracleman.

Miracleman tiene una historia editorial bastante complicada

Para comprender la importancia del movimiento hay que remontarse a 1954. Marvelman fue creado por Mick Anglo como sustituto británico de Captain Marvel después de que Fawcett dejara de publicar al personaje. Mike Moran podía transformarse en Marvelman pronunciando la palabra “Kimota”, convirtiéndose rápidamente en un héroe muy popular en Reino Unido.

Décadas después, Alan Moore recuperaría el concepto para la revista Warrior. Moore, junto a artistas como Garry Leach y Alan Davis, transformó Marvelman en una reinterpretación adulta y oscura del género superheroico, adelantándose a muchas de las ideas que posteriormente dominarían los cómics de superhéroes durante los años 80 y 90.

De Marvelman a Miracleman

La publicación estadounidense del personaje provocó su transformación en Miracleman, un nombre utilizado para evitar conflictos relacionados con Marvel. Después de la etapa de Moore, Neil Gaiman y Mark Buckingham continuaron la historia, aunque diversos problemas económicos y legales provocaron que varias tramas quedaran sin terminar durante muchos años.

Marvel terminó adquiriendo los derechos relacionados con el personaje en 2009 y comenzó a recuperar su extensa trayectoria editorial. La compañía reeditó material clásico y posteriormente retomó Miracleman: The Silver Age, devolviendo a uno de los personajes más peculiares del cómic británico al primer plano del mercado estadounidense.

El nuevo Miracleman podría cambiar a los Vengadores

La transformación de Colton parece ir mucho más allá de una simple identidad temporal. La casa de las ideas podría estar introduciendo definitivamente el concepto de Miracleman dentro de la continuidad principal, algo especialmente importante teniendo en cuenta el enorme nivel de poder asociado históricamente al personaje.

Además, Avengers: Armageddon #5 anticipa consecuencias bastante graves. La humanidad comenzará a volverse contra los superhéroes mientras David Colton tendrá que afrontar el precio de poseer semejante poder. Todo ello conducirá directamente hacia el nuevo Avengers #1, dejando claro que Marvel parece tener grandes planes para esta nueva etapa.

Marvel confirma uno de los giros más inesperados de Avengers: Armageddon y cambia el futuro de los Vengadores

David Colton puede convertirse en una pieza clave del futuro de Marvel

El recorrido del personaje resulta especialmente simbólico. Colton apareció inicialmente como una forma de cuestionar qué significa ser Capitán América en una época diferente a la de Steve Rogers y ahora podría terminar heredando uno de los nombres más poderosos y controvertidos de la historia del cómic superheroico.

Después de décadas marcadas por problemas de derechos, cancelaciones y proyectos incompletos, Miracleman podría encontrar finalmente un lugar permanente dentro del Universo Marvelita. Y si Avengers: Armageddon es realmente el comienzo de esa integración, David Colton podría acabar convirtiéndose en uno de los personajes fundamentales de la próxima etapa de los Vengadores.

Resident Evil sorprende con sus primeras críticas: la nueva película consigue algo que parecía casi imposible

Resident Evil

La adaptación de Zach Cregger de Resident Evil apuesta por una historia nueva, pero las primeras reacciones aseguran que captura como pocas el terror de los videojuegos

Resident Evil sorprende con sus primeras críticas: la nueva película consigue algo que parecía casi imposible

Adaptar Resident Evil al cine siempre ha sido una misión bastante más complicada de lo que parece. La saga de Capcom tiene zombis, laboratorios, monstruos grotescos y toneladas de acción, pero buena parte de su encanto está en algo mucho más difícil de trasladar a una pantalla: esa sensación de avanzar sin saber qué demonios espera detrás de la siguiente puerta.

Resident Evil quiere trasladar al cine las sensaciones del videojuego

Las primeras reacciones tras los pases iniciales están siendo sorprendentemente entusiastas. En lugar de intentar reproducir literalmente uno de los videojuegos, esta nueva película de Resident Evil parece haber elegido absorber su atmósfera, su progresión y esa tensión constante que convierte cada pasillo aparentemente vacío en una amenaza. Según varios críticos, el resultado se siente casi como estar jugando una partida especialmente buena.

La historia tampoco coloca en primer plano a Leon S. Kennedy, Claire Redfield o Jill Valentine. Su protagonista es Bryan, interpretado por Austin Abrams, un mensajero de hospital que recibe el encargo de llevar un paquete hasta el Hospital General de Raccoon City. Naturalmente, tratándose de Resident Evil, el viaje no tarda demasiado en convertirse en una pesadilla cuando queda atrapado en mitad de un brote monstruoso.

La elección resulta interesante porque permite que Cregger explore este universo desde una perspectiva diferente. La película sucede en los márgenes de los acontecimientos de Resident Evil 2, pero no pretende contar nuevamente aquella historia. Eso significa que personajes, escenarios o acontecimientos conocidos podrían formar parte del contexto sin obligar a la cinta a repetir exactamente lo que los jugadores ya conocen.

Una historia nueva dentro de un escenario muy conocido

Esta decisión seguramente provocará cierto debate entre los fans más puristas, pero también podría ser precisamente lo que necesitaba la franquicia cinematográfica. Después de varias aproximaciones muy distintas a los videojuegos, la propuesta busca fidelidad emocional en lugar de fidelidad argumental.

Cregger ya había explicado que su intención era reproducir la experiencia de jugar a Resident Evil más que adaptar directamente uno de sus títulos. Esa idea parece estar funcionando especialmente bien a juzgar por quienes ya han podido ver la película.

Las primeras críticas hablan de terror, comedia y mucha tensión

Perri Nemiroff, de Collider, no se ha quedado corta al valorar la película. La periodista la define como «una de las mejores adaptaciones de videojuegos que he visto nunca», pero añade además un elemento bastante inesperado: el humor. Según explica, también estaría entre las mejores comedias de terror que ha visto.

Nemiroff destaca que la película contiene muchísimos momentos realmente divertidos sin rebajar la sensación de peligro ni el terror de la situación. Es una combinación delicada, porque introducir humor en mitad de una historia de horror puede destruir completamente la tensión si no se controla bien.

Resident Evil tampoco renuncia a su lado más disparatado

La saga de Capcom, en cualquier caso, nunca ha sido precisamente ajena a los momentos extravagantes. Entre corporaciones malvadas, mutaciones imposibles y criaturas gigantescas, Resident Evil siempre ha convivido con una cierta dosis de exceso, especialmente conforme avanzan sus historias.

Erik Davis, de Fandango, coincide precisamente en aquello que Cregger pretendía conseguir. Según su valoración, estamos ante «menos una adaptación de un videojuego y más una película que consigue que sientas que estás jugando a uno».

La película parece apostar por la experiencia antes que por copiar los juegos

Para Davis, obsesionarse con comprobar qué elementos aparecen o desaparecen respecto a los videojuegos sería perder de vista la verdadera intención de la cinta. La película toma el espíritu de jugar a Resident Evil y desarrolla su propia historia a partir de esa sensación.

Resident Evil sorprende con sus primeras críticas: la nueva película consigue algo que parecía casi imposible

También especialmente efusiva ha sido Courtney Howard, de Variety, que describe la película como una aventura salvaje, divertida e imprevisible de principio a fin. Según señala, la acción tiene un fuerte componente de horror corporal, con mutaciones y criaturas ocupando buena parte del espectáculo.

Austin Abrams se convierte en el desafortunado héroe de Raccoon City

Howard también elogia especialmente a Austin Abrams, al que considera perfecto como ese protagonista algo torpe y desafortunado que parece estar permanentemente sobrepasado por los acontecimientos. Y tiene bastante sentido dentro de la filosofía de los juegos.

Colocar a un personaje vulnerable frente a enemigos aparentemente imposibles es una de esas características que definieron los primeros Resident Evil. La sensación de estar en clara desventaja frente a lo que te rodea siempre ha sido fundamental para construir el terror de supervivencia de la franquicia.

La tensión podría ser la verdadera conexión con los videojuegos

El crítico Mark Cassidy destaca, por su parte, quizá el aspecto que más puede interesar a los seguidores veteranos. Aunque reconoce que la película no utiliza necesariamente personajes o argumentos reconocibles, considera que Cregger ha sabido aprovechar «la tensión implacable de los juegos».

Según Cassidy, ese enfoque habría dado lugar a una de las interpretaciones cinematográficas más fieles de Resident Evil hasta ahora. Una afirmación especialmente curiosa teniendo en cuenta que la película ha decidido precisamente alejarse de una adaptación directa.

Ser diferente a los juegos también puede ser una forma de ser fiel

Resulta paradójico que una película que evita adaptar directamente a los grandes protagonistas de Capcom esté recibiendo elogios precisamente por su fidelidad. Pero Resident Evil nunca ha consistido exclusivamente en Chris Redfield, Leon Kennedy o Albert Wesker.

Exploración, vulnerabilidad, recursos limitados, amenazas inesperadas y una progresión constante hacia enemigos cada vez más peligrosos forman parte igualmente del ADN de la saga. Y todo apunta a que Cregger ha intentado construir su película alrededor de esas sensaciones.

Zach Cregger parece haber encontrado su propio camino

Ese podría ser el secreto detrás de esta nueva versión. En lugar de preguntarse cómo reproducir una cinemática o recrear exactamente una habitación conocida, Zach Cregger parece haberse preguntado cómo se siente jugar a Resident Evil.

Transformar esa experiencia interactiva en lenguaje cinematográfico podría terminar siendo mucho más efectivo que limitarse a reproducir personajes, criaturas y situaciones reconocibles. Sobre el papel, al menos, parece una manera bastante inteligente de enfrentarse a una saga con más de tres décadas de historia.

Las primeras reacciones son prometedoras, aunque todavía falta la prueba definitiva

Por supuesto, estamos hablando todavía de primeras reacciones, habitualmente procedentes de espectadores e invitados especialmente predispuestos hacia los estrenos. Habrá que comprobar qué ocurre cuando aparezcan las críticas completas y, sobre todo, cuando la película llegue al público general.

Resident Evil sorprende con sus primeras críticas: la nueva película consigue algo que parecía casi imposible

Aun así, resulta difícil no sentir curiosidad después de comentarios tan positivos. Si estas impresiones iniciales terminan confirmándose, la nueva película podría lograr algo que la franquicia lleva años persiguiendo en el cine: ser diferente a los videojuegos sin dejar de sentirse como Resident Evil.

Resident Evil podría haber encontrado por fin su fórmula en el cine

Después de múltiples adaptaciones y reinicios, esta nueva etapa parece haber optado por una vía inesperada: no copiar exactamente a los videojuegos, sino intentar reproducir aquello que los hace funcionar. La tensión, el desconcierto y la sensación de peligro constante podrían convertirse en los verdaderos protagonistas.

Y quizá ahí esté la clave. Para una saga que lleva décadas intentando sobrevivir fuera de las consolas, esta versión de Zach Cregger podría representar justamente la clase de mutación que Resident Evil necesitaba para volver a funcionar en la gran pantalla.

Un niño de 9 años convierte su canal de Youtube sobre Minecraft en una factura de más de 100.000 euros

minecraft

Una pequeña campaña de YouTube terminó convirtiéndose en un problema económico que su padre difícilmente olvidará

Hay llamadas del trabajo que uno preferiría no recibir jamás. Dave, padre de un niño de nueve años conocido en YouTube como Mighty Mike, asegura que fue citado en su oficina para responder a una pregunta bastante incómoda: ¿por qué habían desaparecido 118.000 dólares de la tarjeta corporativa que tenía asignada? Hablamos de aproximadamente 102.700 euros al cambio actual.

La explicación era tan inesperada que parece sacada de una comedia tecnológica. Según su relato, su hijo habría utilizado la tarjeta para contratar campañas publicitarias en YouTube con las que promocionar sus vídeos de Minecraft, Roblox y otros juegos. Lo que inicialmente había sido una pequeña ayuda para que el canal tuviese algunas visitas acabó creciendo hasta alcanzar una cifra de seis dígitos.

Mighty Mike Plays pasó de unas pocas visitas a una campaña gigantesca

Todo habría comenzado de una forma bastante inocente. Mighty Mike Plays empezó a publicar vídeos el 7 de agosto, principalmente partidas de Roblox acompañadas ocasionalmente por contenido de Minecraft. Como suele suceder con cualquier canal nuevo, los primeros vídeos apenas conseguían destacar entre los miles de contenidos similares publicados cada día.

El pequeño quería conseguir más espectadores y preguntó a su padre cómo podía hacerlo. Dave decidió enseñarle cómo funcionaba la publicidad de YouTube y configuró una campaña inicial de apenas 20 dólares. El problema apareció después: aparentemente, tanto los datos de acceso como la información de pago quedaron guardados en la cuenta de Google vinculada al canal.

Minecraft YouTube

Una tarjeta empresarial quedó disponible para comprar publicidad

De acuerdo con la versión del padre, la tarjeta utilizada era una tarjeta de crédito de su empresa. El niño habría tenido posteriormente acceso a ella cada vez que entraba en determinadas aplicaciones o herramientas de publicidad, sin comprender realmente qué implicaban aquellas cantidades que aparecían en pantalla.

Y las campañas no fueron precisamente discretas. Uno de los anuncios habría utilizado un vídeo completo de Minecraft de 34 minutos, mostrándolo como publicidad a una enorme cantidad de usuarios. El resultado fue que algunos contenidos del pequeño canal comenzaron a acumular unas cifras de reproducciones completamente fuera de lo habitual para una cuenta recién creada.

Los extraños anuncios de Minecraft llegaron a otros youtubers

La historia podría parecer demasiado increíble para ser cierta, algo que también ha generado dudas entre algunos usuarios. Sin embargo, otros creadores afirman haber encontrado los anuncios de Mighty Mike mientras navegaban por YouTube. Entre ellos se encuentra NeverMyFault, un youtuber de Minecraft con más de dos millones de suscriptores.

minecraft

El creador mostró uno de esos anuncios y explicó que básicamente consistía en un niño jugando a Minecraft durante unos 30 minutos seguidos. Varios comentarios publicados posteriormente en los vídeos de Mighty Mike también aseguran haber descubierto el canal precisamente gracias a publicidad de YouTube.

Su padre descubrió el gasto cuando le llamaron de la empresa

El momento realmente complicado llegó cuando Dave acudió al trabajo. Allí, según explica, responsables corporativos y miembros del departamento financiero le enseñaron los cargos acumulados en su tarjeta empresarial. La cantidad total ascendía supuestamente a 118.000 dólares.

Al parecer, mi hijo había estado realizando campañas de alto presupuesto en YouTube sin que yo lo supiera”, explica el padre. Dave reconoce además que fue él quien introdujo inicialmente los datos de la tarjeta para aquella primera campaña de 20 dólares, pensando que sería una operación puntual. Su principal error, admite, fue no tener en cuenta que la información de pago permanecería guardada posteriormente. Desde la perspectiva de un niño de nueve años, añade, una cifra que aparece en una pantalla tampoco tiene necesariamente el mismo significado que para un adulto que entiende cuánto representa realmente ese dinero.

La familia todavía podría tener que afrontar parte de la deuda

Dave también insiste en que no considera responsable a su hijo en el mismo sentido que lo sería un adulto. El pequeño simplemente quería que más gente viera sus vídeos y no habría comprendido qué era exactamente una tarjeta corporativa ni las consecuencias reales de aumentar el presupuesto publicitario.

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La parte preocupante es que la historia todavía podría tener consecuencias económicas serias. El padre asegura que existe la posibilidad de que tenga que devolver personalmente una parte o incluso la totalidad del dinero, dependiendo de cómo se resuelva el asunto con la empresa, el banco y las plataformas implicadas.

Mighty Mike tendrá que aparcar YouTube durante un tiempo

Por ahora, la prometedora —y extremadamente cara— carrera de Mighty Mike como creador de contenido ha quedado paralizada. Su padre bromea con que probablemente tendrá que cortar césped hasta los 18 años para ayudar a pagar la factura, aunque deja claro que la situación tiene muy poca gracia para quienes están viviéndola. La experiencia también ha terminado convirtiéndose en una advertencia bastante evidente para cualquier familia con menores que utilizan dispositivos conectados. Dave asegura que a partir de ahora establecerán controles parentales reales, límites de gasto y eliminarán cualquier información bancaria almacenada en las cuentas utilizadas por el niño.

El caso de Mighty Mike Plays vuelve a demostrar hasta qué punto los sistemas de pago integrados y las cuentas compartidas pueden convertirse en un problema cuando un menor tiene acceso a ellos. Lo que empezó como 20 dólares destinados a ayudar a un niño con su pequeño canal de Minecraft podría terminar convirtiéndose en una de las campañas publicitarias infantiles más caras que se recuerdan.

Jonathan Hickman convierte Three Worlds / Three Moons en su universo de ciencia ficción más ambicioso

Jonathan Hickman Gerry Duggan Chip Zdarsky Rob Liefeld

El guionista de X-Men y Ultimate Spider-Man, Jonathan Hickman, lleva años construyendo junto a sus lectores un mundo donde ciencia y magia chocan constantemente

Jonathan Hickman lleva mucho tiempo acostumbrándonos a historias en las que un simple concepto termina creciendo hasta convertirse en algo gigantesco. Lo hizo reorganizando completamente a los mutantes de Marvel con la era de Krakoa, volvió a demostrarlo con el nuevo Universo Ultimate y ahora parece dispuesto a ir todavía más lejos con Three Worlds / Three Moons, conocido también como 3W3M.

Lo curioso es que esta vez el universo no nació escondido detrás de las puertas de una editorial, sino prácticamente ante los ojos de sus futuros lectores. Hickman, Nick Spencer, Mike del Mundo y Mike Huddleston comenzaron a levantar sus cimientos públicamente en Substack en 2022, dejando que la comunidad pudiera observar cómo evolucionaban las ideas antes de llegar a su actual etapa editorial con Dark Horse Comics.

Three Worlds / Three Moons nació como un experimento abierto

Para Hickman, esa participación nunca fue un añadido secundario. Formaba parte del concepto desde el primer momento. Según explicó a CBR, el objetivo consistía precisamente en lanzar ideas, comprobar cómo reaccionaban los seguidores y utilizar esas respuestas para continuar desarrollando el universo.

“Ese era precisamente el objetivo del experimento. Aunque ha crecido, mutado y se ha ramificado en muchas direcciones, la única constante ha sido publicarlo, ver cuál era la respuesta y después improvisar a partir de esa reacción”.

Jonathan Hickman convierte Three Worlds / Three Moons en su universo de ciencia ficción más ambicioso

Ese método convierte a 3W3M en algo bastante particular dentro del cómic estadounidense. Los seguidores pueden regresar a publicaciones antiguas y comprobar qué conceptos terminaron convirtiéndose en piezas esenciales y cuáles quedaron relegados a pequeños detalles del trasfondo. Prácticamente pueden observar el proceso creativo mientras el mundo va adquiriendo forma.

Tres mundos atrapados entre la magia y la ciencia

La base del proyecto ya deja claro hasta dónde quiere llegar Hickman. La historia transcurre alrededor de tres mundos habitables acompañados por tres lunas, lugares poblados por culturas, religiones y sociedades enfrentadas entre sí. Sin embargo, todos ellos están condicionados por un elemento todavía más importante: la historia avanza mediante ciclos dominados alternativamente por la magia y la ciencia.

Esa transición no es simplemente estética. Según Hickman, la llegada de una nueva era puede obligar a personajes, instituciones e incluso enemigos a cambiar completamente de posición. De hecho, cuando le preguntaron si la saga tendría el tradicional gran villano alrededor del que gira todo el conflicto, su respuesta fue clara: habrá muchos.

“No hay uno, sino muchos. Es más bien un universo donde el cambio entre magia y ciencia obliga a abandonar e invertir los papeles tradicionales”.

Jonathan Hickman convierte Three Worlds / Three Moons en su universo de ciencia ficción más ambicioso

Foundations abre la puerta a un conflicto mucho mayor

Uno de los nuevos puntos de entrada es Foundations, publicado por Dark Horse junto con Shift. La historia sigue al doctor Tajo Vallar, integrante de una expedición condenada al fracaso cuya obsesión por descubrir la verdad acaba despertando un conflicto antiquísimo. Durante ese viaje aparece además Syg, el Ciervo Blanco, una figura destinada aparentemente a desempeñar un papel importante dentro de la mitología.

Hickman tampoco quiere limitar todo el proyecto a un único grupo de protagonistas. Existe una narración principal que avanzará de forma lineal, pero el propio concepto está diseñado para permitir que otros personajes, escenarios e historias puedan adquirir protagonismo con el paso del tiempo.

Mantener bajo control semejante cantidad de información tampoco parece especialmente sencillo. Después de aproximadamente cinco años ampliando la mitología, Hickman reconoce que la continuidad necesita una vigilancia constante. Dentro del equipo creativo, Molly es quien se encarga especialmente de localizar contradicciones y evitar que la enorme cantidad de detalles termine chocando entre sí.

Hickman también vuelve a mirar hacia padres e hijos

Entre civilizaciones enteras, eras mágicas y expediciones imposibles también queda espacio para conflictos mucho más íntimos. Foundations vuelve a colocar en primer plano la relación entre un padre y un hijo, un terreno que Hickman ya exploró de manera especialmente memorable con Reed y Franklin Richards durante su etapa en Fantastic Four.

Jonathan Hickman convierte Three Worlds / Three Moons en su universo de ciencia ficción más ambicioso

El escritor admite que parte de esa insistencia procede simplemente de su propia experiencia como padre. También reconoce ese temor tan reconocible de preguntarse constantemente si uno está haciendo las cosas correctamente con sus hijos. Para Hickman, las relaciones familiares ofrecen un número limitado de variables, pero algunas continúan resultándole especialmente potentes a la hora de construir historias.

La propia personalidad de Tajo Vallar juega con esa ambigüedad. Cuando el personaje asegura que todo lo que hace es por alguien querido y no por una institución, Hickman evita confirmar que esté diciendo toda la verdad. Las personas pueden creer sinceramente en determinadas promesas sin que esas palabras coincidan necesariamente con la realidad, algo que promete añadir bastante tensión a su recorrido.

Del reinado de la fantasía hacia una nueva ciencia ficción

Quizá una de las ideas más interesantes de Three Worlds / Three Moons sea precisamente su alternancia entre magia y tecnología. Hickman considera que las últimas dos décadas han vivido un enorme periodo de fantasía cultural, impulsado por fenómenos como Marvel, DC, Harry Potter o Juego de Tronos.

El guionista cree, aunque insiste en que se trata de una interpretación simplificada, que podríamos estar acercándonos ahora a una etapa cultural más relacionada con la ciencia y la tecnología. Inteligencia artificial, exploración espacial y nuevos avances científicos podrían favorecer ese cambio de sensibilidad durante los próximos años.

Eso encaja perfectamente con 3W3M, porque sus habitantes tendrán que enfrentarse exactamente a ese tipo de transformación. Hickman resume sus posibles reacciones con cuatro sensaciones: “asombro, terror, emoción y miedo”. Y probablemente ahí esté una de las grandes claves del proyecto: no explicar simplemente cómo cambia un mundo, sino observar qué ocurre con quienes tienen que sobrevivir cuando las reglas que conocían dejan de funcionar.

Zack Snyder nunca quiso convertir sus héroes de DC en una versión de Marvel

Zack Snyder señala que su interés estaba en tratar a Superman, Batman y compañía como figuras mitológicas, aunque reconoce que ese camino quizá no fuera el más sencillo

Zack Snyder tenía una idea muy concreta sobre cómo debían representarse los personajes de DC en el cine: no quería que parecieran simplemente superhéroes envueltos en una sucesión de aventuras y bromas, sino figuras casi legendarias capaces de plantear preguntas sobre el poder, la humanidad y sus consecuencias.

Durante la promoción de The Last Photograph, su película independiente de 2026, el cineasta volvió a hablar de esa filosofía y de cómo contrastaba con el modelo desarrollado por Marvel Studios. Zack Snyder describió las películas de Marvel como una experiencia comparable a una atracción de parque de diversiones, diseñada para llevar al espectador por diferentes momentos hasta ofrecer una experiencia espectacular.

Ese enfoque, según explicó, nunca fue lo que buscaba para sus propias películas. Admitió que quizá su decisión pudo ser un error, pero aseguró que no habría sabido hacer esas películas de otra manera porque su interés estaba en la mitología de los personajes.

Esa concepción puede apreciarse especialmente en su interpretación de Superman. En Man of Steel, el personaje de Henry Cavill no solo es presentado como un extraterrestre con poderes extraordinarios, sino como alguien cuya aparición obliga a la humanidad a enfrentarse a la existencia de un ser con capacidades prácticamente divinas.

Batman v Superman: Dawn of Justice trasladó esa cuestión al conflicto entre sus dos protagonistas. La película utilizó a Superman como punto de partida para abordar el miedo que puede provocar una figura con semejante poder y el debate sobre si alguien debería tener la capacidad de decidir el destino de millones de personas.

La misma aproximación se extendió a Zack Snyder’s Justice League. Su extensa duración y su tono convierten la historia en una epopeya centrada en personajes asociados con conceptos como sacrificio, resurrección, destino y amenaza apocalíptica.

Snyder ya defendía esta interpretación de los superhéroes antes de realizar esas películas. En 2014 hablaba de ellos como una forma de mitología contemporánea y de la posibilidad de utilizar estas historias para reflexionar sobre nosotros mismos y sobre la sociedad.

Eso no significa que despreciara el trabajo de Marvel. El propio Zack Snyder ha expresado su admiración por algunas de sus películas y su postura era que DC podía recorrer un camino diferente en lugar de reproducir una fórmula que ya funcionaba para otro estudio.

La diferencia se hizo especialmente evidente durante los años en que Warner Bros. intentaba desarrollar su propio universo cinematográfico mientras Marvel Studios consolidaba el suyo. Frente a una propuesta más orientada al espectáculo y al entretenimiento inmediato, Zack Snyder apostó por una representación más solemne y cargada de simbolismo.

El resultado generó tanto seguidores muy comprometidos como numerosas críticas, y continúa siendo objeto de debate entre los aficionados al cine de superhéroes. Pero la intención del director parece haber estado clara desde el principio: no quería hacer la versión de Marvel de DC, sino construir una interpretación en la que Superman, Batman y Wonder Woman pudieran ser contemplados como mitos modernos.

Ryan Coogler explica por qué el carisma de Michael B. Jordan complicó a Killmonger en Black Panther

El director de Black Panther quería que el antagonista resultara realmente amenazante, pero la personalidad del actor añadía una dificultad al personaje

Killmonger se convirtió en uno de los antagonistas más recordados del Universo Marvel, en buena medida gracias a la interpretación de Michael B. Jordan. Sin embargo, precisamente una de las cualidades del actor de Black Panther supuso un desafío para Ryan Coogler durante la construcción del personaje.

En una conversación con Vogue, el director explicó que el carisma natural de Jordan podía hacer más complicado transmitir que Killmonger era una amenaza capaz de enfrentarse a los protagonistas y poner en peligro a Wakanda. Coogler señaló que el público debía creer que el personaje de Black Panther podía derrotar a los héroes y hacerse con el control del país, algo más difícil de conseguir cuando el intérprete posee una personalidad tan magnética.

La dificultad no estaba únicamente en conseguir que Killmonger pareciera peligroso. Coogler también buscaba que sus motivaciones tuvieran suficiente peso como para que el conflicto de Black Panther no se redujera a una confrontación convencional entre héroe y villano.

Dentro de la película, Killmonger es el primo de T’Challa y reclama el legado de su padre wakandiano. Su experiencia fuera de Wakanda lo lleva a cuestionar que el reino haya permanecido aislado mientras otras comunidades negras sufrían las consecuencias de la explotación y el colonialismo. Su plan de utilizar la tecnología y las armas de Wakanda para iniciar una revolución está planteado como una respuesta a esas injusticias.

Aunque sus métodos convierten a Killmonger en una amenaza para T’Challa y para el propio reino, parte de sus argumentos tienen una base comprensible. De hecho, el conflicto obliga al protagonista interpretado por Chadwick Boseman a escuchar sus reivindicaciones y reconsiderar la relación de Wakanda con el resto del mundo.

Esa combinación entre una amenaza real y unas motivaciones que podían generar debate ayudó a convertir a Killmonger en uno de los antagonistas más destacados del UCM. Desde entonces, el personaje de Michael B. Jordan ha aparecido recurrentemente entre las opciones que los seguidores de Marvel quieren volver a ver en futuras historias.

Dos villanos de Flash podrían estrenarse en el DCU en la extraña serie de Gorilla Grodd

Gorilla Grodd - The Flash

The People v. Gorilla Grodd sigue acumulando sorpresas mientras su peculiar rodaje despierta cada vez más curiosidad entre los fans de DC y Flash

A estas alturas resulta complicado saber qué esperar de The People v. Gorilla Grodd. Cada nueva imagen procedente del rodaje parece superar a la anterior: un gorila superinteligente con toga de graduación, otro momento con chaleco marrón e incluso una escena aparentemente musical. Y cuando parecía que la producción no podía ponerse más extraña, han aparecido nuevos rumores relacionados con dos conocidos enemigos de Flash.

La información apunta a que Golden Glider y Murmur podrían incorporarse al nuevo DCU, ampliando considerablemente el número de personajes relacionados con el velocista escarlata dentro de esta inesperada producción televisiva. Eso sí, por ahora conviene mantener cierta prudencia porque HBO Max y DC Studios todavía no han confirmado oficialmente su presencia.

Gorilla Grodd podría abrir la puerta a más villanos de Flash

Según una información difundida por AtlantaDCFans en X, Golden Glider y Murmur aparecerían en The People v. Gorilla Grodd. La filtración no aporta detalles sobre el peso de ambos personajes en la historia, por lo que podrían tratarse tanto de apariciones puntuales como de figuras importantes dentro del argumento.

La posibilidad resulta especialmente interesante porque la serie podría estar utilizando a Gorilla Grodd como puerta de entrada a una parte mucho mayor de la mitología de Flash. El nuevo universo de DC todavía tiene muchas piezas pendientes alrededor del velocista, de modo que introducir progresivamente a sus adversarios permitiría ir construyendo su entorno antes incluso de conocer cómo será exactamente su próxima versión cinematográfica.

Grodd

Por supuesto, seguimos hablando de un rumor. Ni DC Studios ni HBO Max han anunciado a Golden Glider o Murmur dentro del reparto, así que su participación debe considerarse provisional hasta que aparezca información oficial.

Un rodaje que parece cualquier cosa menos convencional

Las filtraciones llegan pocos días después de que unas imágenes y vídeos del set desconcertaran a los fans. Uno de los momentos más comentados muestra aparentemente a Grodd cantando a capela junto a un grupo de personas, una situación que difícilmente habría aparecido entre las primeras apuestas de quienes intentaban imaginar cómo sería una serie dedicada al villano.

Tampoco ayudaron a despejar dudas otras fotografías en las que el personaje aparecía vestido con una toga de graduación o llevando un chaleco marrón. Todo parece indicar que la producción pretende alejarse bastante del típico relato de superhéroes basado exclusivamente en combates y destrucción urbana.

El propio título, The People v. Gorilla Grodd, ya sugería desde el principio una historia con posibles componentes judiciales, satíricos o incluso sociales. Las imágenes del rodaje parecen reforzar la impresión de que DC Studios está experimentando con un concepto bastante diferente, algo que encaja con la variedad de géneros que está intentando introducir en su nuevo universo compartido.

Gorilla Grodd

¿Quién es Golden Glider en los cómics de DC?

Detrás de Golden Glider se encuentra Lisa Snart, hermana menor de Leonard Snart, más conocido como Captain Cold. El personaje debutó en los cómics de DC durante los años setenta y terminó convirtiéndose en una enemiga habitual de Flash. Una de sus características más llamativas son unos patines capaces de generar hielo, permitiéndole desplazarse incluso por el aire creando su propio recorrido congelado. Diferentes versiones del personaje han modificado posteriormente sus habilidades, llegando a otorgarle poderes como vuelo o la capacidad de adoptar una forma intangible.

Su incorporación también resultaría significativa por su vínculo familiar con Captain Cold, uno de los integrantes más reconocibles de los Rogues. Presentar a Lisa Snart podría facilitar que otros miembros clásicos de la galería de enemigos de Flash aparezcan progresivamente en el DCU.

Murmur representa una cara mucho más oscura de Flash

Si Golden Glider aporta el componente más extravagante de los villanos del velocista, Murmur pertenece a una vertiente considerablemente más siniestra. Su identidad original en los cómics es Michael Amar, un brillante cirujano que termina convertido en asesino en serie. El personaje presenta una característica especialmente inquietante: sufría un trastorno que le hacía confesar involuntariamente sus crímenes. Para intentar impedirlo, Amar llegó al extremo de coserse los labios, creando la perturbadora apariencia con la que terminó siendo conocido como Murmur.

Los seguidores de las anteriores producciones televisivas de DC probablemente ya reconozcan el nombre. Adrian McMorran interpretó una versión de Murmur en Arrow, aunque una posible llegada al nuevo DCU supondría comenzar desde cero con otra encarnación del personaje.

Gorilla Grodd - The Flash

El universo de Flash podría estar formándose poco a poco

La supuesta presencia de estos personajes resulta llamativa precisamente porque todavía existen muchas incógnitas alrededor del Flash del DCU. James Gunn y Peter Safran han ido construyendo su universo por partes, dejando que diferentes producciones desarrollen rincones específicos antes de cruzarlos directamente.

En ese contexto, The People v. Gorilla Grodd podría convertirse en una inesperada pieza para establecer Central City, los Rogues y otros elementos vinculados tradicionalmente a Flash. No sería necesario que Barry Allen monopolizara inmediatamente estas historias para empezar a poblar su entorno de personajes reconocibles.

De momento, la mayor certeza es que la serie continúa en producción y todavía no dispone de fecha oficial de estreno en HBO Max. Golden Glider y Murmur permanecen en el terreno de los rumores, pero entre villanos clásicos, togas universitarias y gorilas cantando a capela, está claro que esta producción ya está consiguiendo algo complicado: que queramos descubrir qué demonios está preparando DC.

Así iba a continuar Stargate según Richard Dean Anderson antes de que Amazon cancelase la serie

La nueva producción de Prime Video escondía una conexión directa con SG-1 que habría cambiado por completo la idea de un simple reboot de Stargate

Durante meses se habló del regreso de Stargate como si Amazon estuviera preparando otro reinicio de una franquicia clásica. Una nueva puerta, otros personajes y una reinterpretación pensada para atraer a una generación diferente. Sin embargo, la realidad parece haber sido bastante más interesante de lo que sugería la palabra “reboot”.

Ha sido Richard Dean Anderson, el inolvidable Jack O’Neill de Stargate SG-1, quien ha revelado una de las piezas más importantes del proyecto cancelado por Prime Video. La serie no pretendía borrar lo anterior ni empezar desde cero: Daniel Jackson iba a convertirse en el puente entre la historia conocida y la siguiente generación de exploradores.

Stargate iba a mantener vivo el universo de SG-1

Durante el panel de reunión de Stargate SG-1 celebrado en la Rose City Comic Con, Anderson explicó que la definición de “reinicio” nunca terminó de encajar con lo que se estaba preparando. Según sus palabras, el personaje interpretado por Michael Shanks tenía una función decisiva dentro de la nueva historia.

“Técnicamente no parecía tanto un reinicio. Utilizaba al personaje de Michael Shanks, Daniel, como el vínculo que nos llevaría desde nuestra serie y nuestro universo hasta la siguiente generación”.

Así iba a continuar Stargate según Richard Dean Anderson antes de que Amazon cancelase la serie

La idea habría permitido algo que muchos fans llevan años reclamando: continuar la continuidad original sin quedarse atrapados únicamente en la nostalgia. Daniel Jackson habría aportado esa conexión emocional y argumental, mientras una nueva generación tomaba el protagonismo y ampliaba nuevamente el universo abierto por la película de 1994.

Daniel Jackson podía convertirse en la pieza clave

No resulta extraño que los responsables pensaran precisamente en Daniel para desempeñar ese papel. Desde sus primeras aventuras, el arqueólogo ha sido uno de los grandes motores narrativos de la franquicia, especialmente por su relación con las civilizaciones antiguas, la mitología y los misterios relacionados con los portales.

Además, el proyecto estaba en manos de Martin Gero, alguien que conoce perfectamente este universo. El guionista trabajó en las tres series de acción real de la saga y estaba acompañado durante el desarrollo por veteranos como Brad Wright, Joseph Mallozzi, Dean Devlin y Roland Emmerich en diferentes funciones de producción.

La presencia de tantos nombres asociados a etapas anteriores reforzaba una sensación: Amazon no estaba preparando simplemente una explotación comercial de una propiedad conocida. Existía una intención clara de respetar la continuidad mientras se buscaba una forma de modernizarla.

Así iba a continuar Stargate según Richard Dean Anderson antes de que Amazon cancelase la serie

¿Por qué Amazon decidió cancelar la nueva serie?

El proyecto terminó detenido en junio de 2026, mucho antes de que pudiera comenzar su producción. Desde entonces han circulado varias explicaciones. Una de las primeras apuntaba a que dentro de Amazon existían dudas sobre si la serie conseguiría atraer a espectadores nuevos más allá de los seguidores tradicionales.

Más adelante aparecieron informaciones relacionadas con cambios internos en la dirección de Amazon MGM Studios, pero Anderson ha añadido ahora otro posible factor. Según el actor, durante el desarrollo surgieron problemas relacionados con las negociaciones y con quién tendría finalmente el control creativo.

“Algo salió mal en las negociaciones, en el desarrollo o con quién iba a dirigirlo, quién iba a controlarlo y todas esas cosas. Hay muchas cosas que ocurren detrás de escena. Puedo imaginar qué ha estado pasando, pero creo que todo se ha detenido por algunas de esas cuestiones”.

Las palabras de Anderson no ofrecen una explicación definitiva, pero sí dejan entrever que la cancelación pudo ser más complicada que una simple decisión basada en audiencias potenciales o presupuesto. Diferencias creativas, cambios empresariales y negociaciones internas pueden acabar enterrando proyectos incluso cuando cuentan con talento experimentado detrás.

Los fans todavía intentan salvar Stargate

La cancelación tampoco ha conseguido apagar el entusiasmo de la comunidad. Durante los últimos meses ha crecido la campaña “Save Stargate with Martin Gero!”, acompañada por el hashtag #SaveStargate y una petición en Change.org que ya supera las 123.000 firmas.

La movilización ha llegado incluso a publicaciones de Prime Video dedicadas a otras películas y series, donde numerosos usuarios siguen reclamando que Amazon reconsidere su decisión. El objetivo no es simplemente recuperar la franquicia, sino recuperar concretamente el proyecto desarrollado por Gero y su equipo.

Stargate Atlantis

Anderson, sin embargo, reconoce que tampoco conoce exactamente cuál es la situación actual. Sus conversaciones con Michael Shanks le han dejado la impresión de que podría tratarse de “un asunto prácticamente muerto”, aunque evita cerrar completamente la puerta.

Y ahí está precisamente la parte frustrante de esta historia. Después de años de rumores sobre nuevos proyectos, parecía que finalmente existía un plan capaz de unir Stargate SG-1 con una nueva etapa sin eliminar décadas de continuidad. Ahora sabemos incluso cómo pretendían hacerlo, pero quizás nunca lleguemos a verlo.

Un regreso que habría respetado décadas de historia

La franquicia nació en 1994 con la película dirigida por Roland Emmerich y posteriormente encontró su auténtica longevidad en televisión con Stargate SG-1. La serie estuvo diez temporadas en emisión y posteriormente llegaron Stargate Atlantis, Stargate Universe y varias películas destinadas directamente al mercado doméstico.

Precisamente por eso, recuperar a Daniel Jackson como nexo entre ambas generaciones parecía una solución bastante elegante. Permitía reconocer todo lo sucedido anteriormente mientras se presentaban nuevos personajes capaces de llevar la saga hacia otra dirección.

Simu Liu deja escapar el futuro de Shang-Chi en el UCM y apunta a dos grandes películas de los Vengadores

Simu Liu

Una respuesta aparentemente inocente de Simu Liu podría haber revelado mucho más de lo que Marvel Studios quería contar todavía

Simu Liu deja escapar el futuro de Shang-Chi en el UCM y apunta a dos grandes películas de los Vengadores

Cinco años después de su debut en el UCM, Shang-Chi continúa esperando esa segunda película que Marvel lleva tiempo dejando en el aire. Sin embargo, el personaje interpretado por Simu Liu podría estar a punto de recuperar todo el protagonismo perdido. Y no precisamente mediante una aventura en solitario. La pista ha llegado de la forma más inesperada: una conversación entre Simu Liu y un fan durante una firma de autógrafos. El actor estaba hablando sobre cuándo podría llegar Shang-Chi 2 cuando mencionó dos títulos que inmediatamente dispararon las especulaciones entre los seguidores de Marvel.

Shang-Chi podría tener mucho más peso del esperado en el futuro del UCM

Cuando le preguntaron por la esperada secuela de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, Liu respondió enumerando aparentemente sus próximos pasos dentro de Marvel: «Primero Doomsday, después Secret Wars, y luego…».

La respuesta resulta especialmente llamativa porque la presencia del héroe en Avengers: Doomsday sí es conocida, mientras que Marvel Studios todavía no ha anunciado oficialmente a Simu Liu como integrante del reparto de Avengers: Secret Wars. Su comentario, por tanto, parece haber dejado escapar un detalle que el estudio todavía mantiene bajo llave.

Una frase de Simu Liu vuelve a poner Shang-Chi 2 sobre la mesa

Un fan completó entonces la frase mencionando Shang-Chi and the Wreckage of Time, título que lleva tiempo circulando como posible nombre de la segunda película. Liu evitó confirmar nada y simplemente contestó: «Esperemos».

La posible aparición de Shang-Chi en las dos próximas entregas de los Vengadores tendría bastante sentido teniendo en cuenta la dimensión que Marvel parece estar preparando. Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars apuntan a funcionar como dos partes de un enorme acontecimiento cinematográfico, siguiendo de alguna manera la estructura utilizada con Infinity War y Endgame.

Doctor Doom podría reunir a una nueva generación de héroes

En esta ocasión, Doctor Doom será una de las grandes piezas del tablero, con Robert Downey Jr. interpretando al personaje. Si Marvel reúne alrededor del villano a buena parte de los héroes disponibles del UCM, dejar fuera a Shang-Chi después de presentarlo como uno de los personajes llamados a protagonizar la nueva etapa resultaría cuanto menos extraño.

Además, su primera película terminó dejando numerosos caminos abiertos. Los Diez Anillos enviaban una misteriosa señal cuyo origen todavía no ha sido aclarado, mientras Wong, Bruce Banner y Carol Danvers trataban de descubrir qué estaba ocurriendo. Una escena poscréditos que parecía destinada a tener consecuencias importantes y que, varios años después, continúa esperando respuesta.

Simu Liu deja escapar el futuro de Shang-Chi en el UCM y apunta a dos grandes películas de los Vengadores

El gran misterio sigue siendo Shang-Chi 2

Ese es precisamente uno de los aspectos que más desconciertan a los fans. Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos presentó en 2021 a un nuevo héroe, amplió el lado místico del UCM y dejó preparado un evidente futuro para el personaje. Sin embargo, Marvel Studios todavía no ha colocado oficialmente Shang-Chi 2 en su calendario de estrenos.

El proyecto lleva años apareciendo en declaraciones y rumores, pero sin avanzar públicamente hasta convertirse en una producción con fecha propia. La frase de Simu Liu ofrece ahora una posible explicación: la segunda aventura individual podría estar situada después de los acontecimientos de Doomsday y Secret Wars.

Secret Wars podría cambiar por completo el futuro del personaje

Eso también abriría una posibilidad interesante. Los acontecimientos de las próximas películas de los Vengadores podrían transformar de tal manera el UCM que la siguiente historia de Shang-Chi parta de un escenario completamente diferente. Si Secret Wars provoca grandes cambios en la continuidad, Marvel tendría libertad para relanzar al personaje dentro de una nueva situación narrativa.

Para los seguidores del personaje, al menos hay una buena noticia escondida detrás de tanta espera. Shang-Chi parece preparado para abandonar definitivamente el banquillo del UCM. Después de varios años sin aparecer en una producción de acción real de Marvel, su participación en dos películas de los Vengadores supondría un regreso considerable.

Marvel todavía no ha confirmado el regreso en Secret Wars

Eso sí, conviene mantener cierta prudencia. Marvel Studios no ha confirmado oficialmente la participación de Simu Liu en Avengers: Secret Wars, y la declaración procede de una conversación informal grabada durante un encuentro con fans. Es una pista bastante sugerente, pero todavía no equivale a un anuncio del estudio.

Lo verdaderamente curioso es que Marvel presentó a Shang-Chi como una figura destinada a formar parte del futuro de los Vengadores, pero después mantuvo al personaje apartado durante años. Doomsday podría ser finalmente el momento de cumplir aquella promesa, mientras Secret Wars podría consolidarlo como una pieza importante de la próxima configuración del UCM.

Simu Liu deja escapar el futuro de Shang-Chi en el UCM y apunta a dos grandes películas de los Vengadores

El regreso de Shang-Chi podría ser solo el comienzo

Y después, si las palabras de Liu siguen realmente un orden cronológico, llegaría aquello que muchos llevan esperando desde 2021: una nueva película de Shang-Chi con los Diez Anillos nuevamente en el centro de la acción. Marvel aún guarda silencio, pero Simu Liu quizá haya hablado más de la cuenta.

Entre Doomsday, Secret Wars y una posible segunda película en solitario, el personaje podría pasar de llevar años desaparecido a convertirse en uno de los nombres recurrentes de la próxima etapa de Marvel Studios. Ahora solo queda saber cuánto de aquella aparentemente inocente respuesta estaba autorizado a contar.