James Gunn quiere que el gran secreto de Man of Tomorrow llegue intacto a los cines

James Gunn

James Gunn tiene claro qué personaje preferiría ocultar hasta el estreno, aunque sabe que Warner no se lo pondrá fácil

James Gunn quiere que el gran secreto de Man of Tomorrow llegue intacto a los cines

En una época en la que los tráileres parecen empeñados en enseñarnos media película antes de comprar la entrada, James Gunn quiere hacer prácticamente lo contrario con Man of Tomorrow. El responsable del nuevo Universo DC preferiría que algunos de los elementos más esperados de la secuela de Superman permanecieran completamente ocultos hasta que las luces de la sala de cine se apaguen. Y no estamos hablando precisamente de un detalle menor. Brainiac será una de las grandes incorporaciones de Man of Tomorrow y Gunn parece decidido a proteger su aspecto todo lo posible. Incluso el nuevo traje de Superman podría tardar en mostrarse oficialmente, pese a que algunas imágenes del rodaje ya han empezado a circular entre los fans.

Man of Tomorrow quiere recuperar el factor sorpresa

La conversación comenzó cuando un fan preguntó a James Gunn en Threads cuándo podría verse el nuevo traje de Superman. La respuesta del cineasta dejó bastante clara su filosofía de cara a la promoción: «Si pudiera estrenarla directamente en los cines sin enseñar nada, lo haría».

Esa misma estrategia parece aplicarse a Brainiac. Cuando otro usuario preguntó si pronto tendríamos un primer vistazo al villano, Gunn reconoció que preferiría que el público descubriera absolutamente todo dentro del cine, aunque también admitió que es imposible promocionar una superproducción de estas características sin enseñar parte de sus cartas.

Brainiac será uno de los grandes reclamos de la película

Lars Eidinger será el encargado de interpretar a Brainiac, uno de los antagonistas más importantes de Superman dentro de los cómics de DC. El actor alemán, conocido por producciones como Babylon Berlin, asumirá un personaje que lleva años siendo reclamado por los lectores para dar el salto a una gran producción cinematográfica del Hombre de Acero.

Su aparición parece que tendrá consecuencias bastante interesantes para Clark Kent. La amenaza de Brainiac obligaría a Superman y Lex Luthor a colaborar, colocando a dos rivales naturales en una situación poco habitual. David Corenswet regresará como el último hijo de Krypton, mientras que Nicholas Hoult volverá a ponerse en la piel de Lex.

James Gunn sabe que ocultarlo todo será casi imposible

El problema para Gunn es bastante evidente. Warner Bros. necesita promocionar una de sus películas más importantes de 2027, y resulta complicado imaginar una campaña internacional que prescinda completamente de sus personajes más llamativos. Tráilers, anuncios televisivos, carteles, juguetes y campañas comerciales pueden acabar desvelando mucho más de lo que desea el director.

James Gunn quiere que el gran secreto de Man of Tomorrow llegue intacto a los cines

Aun así, su intención resulta bastante atractiva para quienes están cansados de encontrarse con tráilers que muestran apariciones sorpresa, villanos o escenas pertenecientes al tramo final de las películas. Descubrir por primera vez el diseño completo de Brainiac en una pantalla de cine podría convertir su presentación en uno de esos momentos que generan conversación durante días.

El DCU reunirá varias caras conocidas

Brainiac tampoco estará solo. Gunn ya ha advertido que Man of Tomorrow no pretende convertirse en una sucesión interminable de cameos, pero la película recuperará a varios personajes que ya forman parte del nuevo Universo DC. Milly Alcock aparecerá nuevamente como Supergirl, Aaron Pierre regresará como John Stewart y Rachel Brosnahan repetirá como Lois Lane.

Una incorporación especialmente misteriosa será Adria Arjona, cuyo personaje todavía no se ha confirmado oficialmente. Las primeras informaciones la relacionaron con Maxima, aunque posteriormente comenzaron a circular especulaciones que apuntaban nada menos que a Wonder Woman. Su preparación física para el rodaje ha alimentado todavía más esas teorías, pero por ahora no existe confirmación sobre su identidad.

Las filtraciones pueden complicar los planes de Gunn

Mantener intactas las sorpresas será complicado incluso antes de comenzar la campaña promocional. Ya han aparecido fotografías realizadas durante el rodaje que permiten apreciar algunos cambios en el traje de Superman, algo prácticamente inevitable cuando una superproducción rueda determinadas escenas en exteriores.

Por eso resulta especialmente curioso el desafío que se ha marcado Gunn. El director sabe perfectamente que Internet puede convertir cualquier fotografía tomada a cientos de metros del set en material analizado fotograma a fotograma. Ocultar completamente a Brainiac hasta el estreno parece casi imposible, pero reducir su presencia en los avances sí podría permitir que su presentación conserve buena parte del impacto.

El regreso de Superman ya tiene fecha

El rodaje de la película ya ha terminado y el estreno de Man of Tomorrow está previsto para el 9 de julio de 2027. Todavía no se ha publicado un tráiler oficial, por lo que DC Studios tiene margen para decidir hasta qué punto mostrará su nueva aventura antes de que comience la verdadera maquinaria promocional.

James Gunn quiere que el gran secreto de Man of Tomorrow llegue intacto a los cines

Mientras tanto, el DCU continuará creciendo con otros proyectos como Lanterns y Clayface. Pero después de la nueva etapa inaugurada con Superman, la relación entre Clark Kent, Lex Luthor y Brainiac puede convertirse en uno de los puntos decisivos del universo cinematográfico de James Gunn.

Quizá el director no consiga cumplir su deseo de llegar al estreno sin mostrar prácticamente nada. Sin embargo, si DC Studios logra enseñar lo suficiente para despertar curiosidad sin destripar sus grandes sorpresas, Man of Tomorrow podría recuperar esa sensación de entrar al cine sin saber exactamente qué nos espera al otro lado de la pantalla.

Crítica de Resident Evil: la película de Zach Cregger que por fin juega bien sus cartas con los videojuegos

Resident Evil

Resident Evil llega mañana, 18 de septiembre, exclusivamente a cines, y venía con una pregunta flotando en el aire: ¿hacía falta otra vuelta de tuerca a la saga después de tantos años de adaptaciones? La respuesta corta es que sí, y la culpa la tiene Zach Cregger, el director de Weapons y Barbarian, que se ha puesto el mono de repartidor y nos ha metido de lleno en Raccoon City.

De qué va Resident Evil: la sinopsis sin spoilers

Esta no es una nueva versión de las películas protagonizadas por Milla Jovovich ni una adaptación literal de ningún juego concreto. Es una historia completamente original que, aun así, se siente como una partida más de la franquicia. Y esa es, precisamente, su mayor virtud.

La premisa es sencilla y directa. Bryan (Austin Abrams) es un mensajero sanitario que tiene que transportar una nevera portátil con un órgano humano desde un hospital situado en las llanuras hasta otro en las montañas de Raccoon City, Colorado.

Por el camino tendrá que atravesar un terreno nevado hostil y esquivar a cientos de infectados por un virus que ha mutado a buena parte de la población en criaturas monstruosas. Lo que iba a ser un encargo rutinario de una noche cualquiera se convierte, en cuestión de minutos, en una carrera por la supervivencia sin un solo momento de respiro.

Bryan se cruza con Paul (Paul Walter Hauser) y Maxine (Kali Reis), dos empleados de la Umbrella Corporation que intentan escoltarlo y que le dan información clave sobre el origen del brote. Ya en Raccoon City le esperan Carl (Zach Cherry) y Dave (Will Merrick), dos personajes que confían en que la misión salga bien… aunque nada parece indicar que vaya a ser así.

Zach Cregger coge el mando: así encara esta nueva versión

Cregger es, ante todo, un jugador confeso de la saga original. Ha dejado a un lado las estructuras narrativas no lineales de Barbarian y Weapons para apostar por algo mucho más directo: un viaje en tiempo real de punto A a punto B, sin cortes de línea temporal ni sorpresas de montaje.

El resultado es una experiencia visceral que no te suelta. Bryan no tiene entrenamiento, ni refuerzos, ni un plan: es un tipo cualquiera al que su trabajo lo mete de cabeza en una pesadilla, y eso se nota en cada escena.

Se siente como estar jugando: la estructura que marca el ritmo

Resident Evil

Uno de los aciertos más evidentes de la puesta en escena es el tratamiento de la cámara. Rodada por Dariusz Wolski con una Sony Venice 2 (pensada para funcionar bien en condiciones de luz muy escasa, algo clave en una película que transcurre casi entera de noche), la película se mueve constantemente detrás de Bryan, igual que la cámara de un videojuego de acción en tercera persona.

Y ese es uno de los mayores logros de la película: cómo transmite la sensación de estar delante de una partida. La acción avanza en tramos que recuerdan a niveles de videojuego: carretera nevada, granero, granja, túnel abandonado, autocaravana, callejón de la ciudad, alcantarillas… y así, cambiando de escenario cada pocos minutos, como quien pasa de una fase a la siguiente.

Esa alternancia entre secuencias de “juego” (Bryan avanzando, resolviendo, disparando) y momentos casi de cinemática, con un ritmo constante de tensión y explosión, hace que sea fácil imaginarse la película como una partida jugada de principio a fin. Si alguien me dijera que es directamente un videojuego, me lo creería sin problema.

Cuando Bryan mira a un lado, la cámara se desplaza con él. Cuando se gira, nos giramos con él. Es un lenguaje visual pensado deliberadamente para recordar al de los juegos, y sumado al formato IMAX, consigue que la sensación de escala del viaje se note en la butaca.

Austin Abrams y un reparto que sabe lo que se juega

Bryan es de esos protagonistas a los que cuesta un poco coger el punto al principio: es algo inmaduro, algo egoísta, más preocupado por su propia vida que por lo que se le viene encima. Pero según avanza la noche y la situación se le va de las manos, todo lo que le ocurre —más allá de algún golpe de suerte o casualidad puntual— se siente justificado dentro de las reglas que la propia película se marca.

Austin Abrams sostiene la película entera sobre sus hombros, literalmente, ya que la cámara apenas se separa de él. Su interpretación funciona porque no busca hacer de Bryan un héroe de acción, sino un tipo corriente que va reaccionando a cada nuevo horror con el instinto de supervivencia justo para seguir en pie.

Resident Evil

Alrededor suyo se mueve un reparto que aporta contraste: Paul Walter Hauser y Kali Reis como los agentes de la Umbrella Corporation que cruzan su camino, y Zach Cherry y Will Merrick como los dos hombres que esperan su llegada a Raccoon City. Ninguno tiene demasiado metraje, pero cada uno deja su huella en el tramo de la historia que le toca.

Fanservice bien entendido, sin necesidad de haber jugado antes

Aquí es donde Resident Evil se gana al público que lleva toda la vida con el mando en la mano. La película está llena de guiños a los dos primeros juegos de la saga, tratados siempre con respeto y sin caer en la cita forzada.

Algunos de los detalles que un fan reconocerá al vuelo:

  • Los botes de espray curativo y las hierbas verdes, tal cual aparecen en los videojuegos.
  • La progresión de armas de Bryan, que pasa de la pistola a la escopeta y, finalmente, al subfusil MP5.
  • El diseño de la escopeta, la caja de cartuchos y los propios cartuchos, reproducidos con la intención de que coincidan con los del juego.
  • El escenario de Raccoon City y su universo de amenaza extrema, gestión de recursos y grandes secuencias de acción.

Lo interesante es que todo ese fanservice está integrado en la trama sin necesidad de pararse a explicarlo, así que quien no haya tocado un mando en su vida no se pierde nada. Y para quien sí ha jugado a esas dos primeras entregas, es fácil quitarse de la cabeza a la Milla Jovovich de las películas anteriores: esta versión no tiene nada que ver, y sienta bien que así sea.

Resident Evil

Terror con mucho gore y un humor que recuerda a Sam Raimi

La combinación de terror y comedia es otra de las señas de identidad de la película. Hay humor y algunos planos que recuerdan mucho al cine de Sam Raimi: el susto que un segundo después se convierte en carcajada, sin que uno reste fuerza al otro.

Los infectados que se va encontrando Bryan son de lo más variado, desde una mujer con tentáculos hasta un hombre obeso cuyo vientre se abre para desatar nuevos horrores en las alcantarillas. La mayoría de las criaturas se rodaron con efectos prácticos y animatrónicos —el propio hombre obeso es una figura de casi una tonelada y dos metros y medio de altura manejada por un equipo de marionetistas—, lo que se nota en pantalla y le da un punto más sucio y físico al terror.

Los sustos, por otro lado, son de manual: ruido, silencio, y el golpe que llega justo cuando toca. Es una fórmula clásica, pero bien ejecutada, que sigue funcionando incluso cuando ya te la esperas.

Resident Evil

Mi veredicto sobre Resident Evil

Resident Evil es una historia alternativa dentro de la franquicia, una que no habíamos visto en ninguna entrega anterior, ya sea en videojuego o en cine. Y aun así, se siente como si siempre hubiéramos estado ahí, acompañando a Bryan en su huida por Raccoon City.

Es una película divertida, con más de un susto facilón que sigue funcionando, un protagonista que termina ganándose el favor del espectador y un puñado de guiños a los videojuegos que cualquier fan de la saga va a disfrutar. Me lo he pasado realmente bien viéndola, y ese ritmo de “avanza, resuelve, dispara, avanza” hace que las dos horas se pasen sin darte cuenta.

Batman Day 2026 llega con nuevas historias y ediciones especiales de Panini Comics

La celebración mundial del Caballero Oscuro tendrá lugar el 19 de septiembre con cómics exclusivos, material promocional y actividades para los fans de Batman

El próximo 19 de septiembre se celebrará una nueva edición del Batman Day, una jornada dedicada al Caballero Oscuro y a todo el universo de personajes, lugares y villanos que han acompañado al héroe de Gotham durante décadas.

La iniciativa nació en 2014 con motivo del 75.º aniversario de Batman y desde entonces se ha convertido en una cita anual para los seguidores del personaje. En España, Panini Comics se sumará nuevamente a la celebración con varios lanzamientos especiales y diferentes actividades en librerías y a través de su tienda online.

Entre las novedades destaca Batman de dos mundos, un cómic que reúne dos historias inéditas protagonizadas por las versiones tradicional y Absolute del personaje.

La historia correspondiente a la versión clásica estará realizada por Matt Fraction, Javi Fernández y Tomeu Morey, mientras que la aventura de Absolute Batman contará con Scott Snyder, Nick Derington y Frank Martin. La portada correrá a cargo de Jorge Jiménez, Nick Dragotta y Frank Martin.

El lanzamiento permitirá así reunir en un mismo volumen las dos interpretaciones actuales del héroe, mostrando las diferencias entre Gotham y el renovado escenario del Universo Absolute.

Panini Comics también prepara un flipbook que recuperará dos historias del Caballero Oscuro de los años 50 vinculadas a personajes tan particulares como Batman de Zur-En-Arrh y Ace, el Batsabueso.

La celebración incluirá además pósteres, chapas, máscaras, postales, ediciones facsímiles y firmas de ejemplares, junto a otras actividades que se anunciarán durante los próximos días.

La editorial adelantará todos los detalles relacionados con el Batman Day 2026 a través de sus redes sociales, incluyendo las firmas, presentaciones, iniciativas de las librerías y otras propuestas relacionadas con el evento.

Carrie podría esconder conexiones con el universo de Stephen King que apuntan a un proyecto mayor

La nueva serie de Mike Flanagan no solo ampliará la historia de Carrie White, sino que podría utilizar su mitología para introducir elementos relacionados con otras obras del escritor

Mike Flanagan lleva años intentando convertir La Torre Oscura en una producción para televisión y, aunque el proyecto todavía no se ha materializado, su próxima adaptación de Stephen King podría ofrecerle una oportunidad para empezar a construir ese universo.

En una entrevista con Entertainment Weekly, Flanagan explicó que su versión de Carrie prestará especial atención a las capacidades psíquicas que aparecen en diferentes historias de King. El cineasta considera que la telequinesis de Carrie puede entenderse como parte de una categoría más amplia de habilidades sobrenaturales presentes en personajes de otras obras del autor.

“Si Steve hubiera escrito esto un poco más tarde, Carrie White tendría El Resplandor”, comentó Flanagan al comparar los poderes de Carrie con los de otros personajes del universo de King.

La serie aprovechará precisamente esa idea para ampliar el mundo de su protagonista. Según Entertainment Weekly, a partir del segundo episodio habrá secuencias protagonizadas por distintas mujeres de diferentes épocas que poseen habilidades extraordinarias. Estas historias paralelas permitirán mostrar que Carrie no es necesariamente un caso aislado dentro de la mitología sobrenatural de King. Y ahí es donde aparece La Torre Oscura.

Preguntado directamente sobre si esas conexiones podrían servir como una especie de entrada indirecta a su futura adaptación, Flanagan reconoció que es una posibilidad que ha considerado. El director explicó que existen personajes vinculados a La Torre que podrían desempeñar funciones concretas en su historia sin que el público los reconozca inmediatamente.

Esto permitiría establecer conexiones entre ambas producciones sin convertir Carrie en una precuela directa de las aventuras de Roland Deschain. Un personaje podría aparecer inicialmente integrado en la historia de Carrie y adquirir posteriormente un significado mucho mayor dentro de La Torre Oscura.

La idea tampoco resulta extraña teniendo en cuenta la naturaleza del trabajo de Stephen King. La Torre Oscura funciona como un punto de conexión entre numerosos elementos de su bibliografía, por lo que Flanagan tendría margen para introducir referencias o personajes de manera gradual.

El propio cineasta reconoció que suele pensar en las posibles conexiones entre las distintas historias del escritor. Sin embargo, por ahora no existe ninguna confirmación de que Carrie vaya a presentar oficialmente personajes o acontecimientos pertenecientes a La Torre Oscura.

La adaptación que Flanagan lleva años desarrollando continúa siendo un proyecto ambicioso, especialmente después de que la película de 2017 protagonizada por Idris Elba y Matthew McConaughey no consiguiera establecer la franquicia cinematográfica que se esperaba.

Por eso, las historias independientes que componen Carrie podrían adquirir una importancia adicional para los seguidores de King. Si Flanagan realmente pretende construir un universo compartido antes de llevar a Roland y el Hombre de Negro a la pantalla, algunas de esas apariciones aparentemente desconectadas podrían terminar teniendo mayor relevancia en el futuro.

La serie de Far Cry arranca su rodaje con un reparto que promete llevar la locura de Ubisoft a otro nivel

Noah Hawley y Rob Mac ya tienen las cámaras en marcha para una adaptación de Far Cry que quiere reinventarse en cada temporada

Hay videojuegos que parecen hechos para acabar convertidos en una serie de televisión, y Far Cry lleva años prácticamente pidiendo a gritos una adaptación. Islas paradisíacas que esconden auténticos infiernos, personajes imposibles, violencia desatada y protagonistas que terminan metidos en situaciones cada vez más absurdas forman parte del ADN de una saga que difícilmente pasa desapercibida.

Ahora ese salto está mucho más cerca. FX ha comenzado oficialmente el rodaje de su serie de acción real de Far Cry, casi un año después de que el proyecto se anunciara a finales de 2025. Y, aunque todavía quedan muchos secretos por descubrir, los nombres implicados delante y detrás de las cámaras hacen que resulte complicado no sentir cierta curiosidad.

La serie de Far Cry comienza oficialmente su producción

Uno de los grandes atractivos del proyecto está en su equipo creativo. Noah Hawley ejercerá como showrunner, después de demostrar con Fargo y Alien: Earth que se encuentra bastante cómodo mezclando géneros, personajes excéntricos y situaciones donde las cosas pueden torcerse en cuestión de segundos.

Junto a él estará Rob Mac, conocido principalmente por It’s Always Sunny in Philadelphia, que no se limitará a trabajar como productor. También formará parte del reparto, compartiendo pantalla con dos nombres especialmente reconocibles: Lizzy Caplan y Steve Buscemi. De momento, FX mantiene en secreto qué personajes interpretarán.

Primer tráiler y fecha de lanzamiento de 'Far Cry 5'

Lo mismo ocurre con la historia. Los responsables todavía no han revelado la trama, por lo que seguimos sin saber hasta qué punto la producción utilizará las vertientes más extravagantes y cercanas a la ciencia ficción que Ubisoft ha explorado ocasionalmente, o si apostará por una historia mucho más realista centrada en supervivencia, armas y conflictos humanos.

No será una adaptación directa de ninguno de los videojuegos

Quienes esperasen encontrarse con una recreación televisiva de Far Cry 3, Far Cry 5 o cualquier otra entrega concreta tendrán que cambiar ligeramente sus expectativas. La intención es trasladar el concepto general de la franquicia, y no adaptar literalmente uno de sus videojuegos.

Eso significa conservar elementos reconocibles como la supervivencia en lugares hostiles, el caos, la acción y personajes llevados al límite, pero creando historias nuevas. La decisión también abre una posibilidad especialmente interesante: convertir Far Cry en una verdadera antología televisiva.

Según las informaciones conocidas hasta ahora, cada nueva temporada podría contar con un reparto diferente, una estructura que encaja perfectamente con los videojuegos. Ubisoft lleva años utilizando escenarios, protagonistas y antagonistas distintos mientras mantiene una serie de ideas comunes que permiten reconocer inmediatamente cada entrega como parte de la misma franquicia.

Far Cry Primal

Noah Hawley quiere hacer con Far Cry algo parecido a Fargo

El propio Hawley explicó qué le resulta especialmente atractivo de esta estructura: “Lo que me encanta de la franquicia de videojuegos Far Cry es que es una antología. Cada juego es una variación sobre un tema, del mismo modo que cada temporada de Fargo es una variación sobre un tema”.

El creador añadió que poder realizar “una gran serie de acción que pueda cambiar de un año a otro, mientras explora siempre la naturaleza de la humanidad a través de esta perspectiva compleja y caótica, es un sueño hecho realidad”. También destacó su entusiasmo por trabajar con Rob Mac y trasladar a televisión la sensibilidad “irreverente y ambiciosa” que ambos comparten.

Desde FX también parecen tener bastante confianza en la pareja. Nick Grad, presidente de FX Entertainment, recordó que la cadena ya ha trabajado con ambos creadores durante seis series que acumulan 32 temporadas de televisión, y aseguró que espera una propuesta “original, apasionante y tremendamente entretenida”.

Steve Buscemi y Lizzy Caplan aumentan las expectativas

El reparto tampoco parece elegido al azar. Steve Buscemi tiene una enorme experiencia interpretando personajes imprevisibles, excéntricos o directamente peligrosos, precisamente uno de los perfiles que mejor encajan dentro del universo Far Cry. Lizzy Caplan, por su parte, ha demostrado poder moverse entre comedia, drama y producciones de género sin demasiados problemas.

La incógnita es descubrir quién será el villano. Los antagonistas se han convertido prácticamente en una seña de identidad de Far Cry, especialmente después de personajes como Vaas Montenegro, Pagan Min o Joseph Seed. Crear una figura con suficiente personalidad como para estar a la altura de ese legado podría ser uno de los mayores retos de la adaptación.

La serie de Far Cry arranca su rodaje con un reparto que promete llevar la locura de Ubisoft a otro nivel

Y precisamente ahí puede encontrarse una de las ventajas de no copiar ningún juego concreto: la serie podrá construir sus propios villanos, protagonistas y escenarios sin estar permanentemente comparándolos con sus versiones digitales.

Hawley tendrá que compaginar Far Cry con Alien: Earth

El proyecto también llega en un momento especialmente intenso para Noah Hawley. El creador continúa trabajando como showrunner en la segunda temporada de Alien: Earth, lo que significa que tendrá que supervisar dos grandes producciones prácticamente al mismo tiempo.

Hawley ya reconoció que habrá un periodo en el que estará “dirigiendo dos series a la vez”, aunque ha intentado organizar ambas producciones para hacerlo posible. Según explicó, los dos proyectos han sido desarrollados desde Londres utilizando Pinewood y compartirán además una segunda localización.

También aseguró que la mayor parte de Alien: Earth ya está escrita y aproximadamente la mitad de Far Cry también tiene sus guiones preparados. Una vez terminada esa fase, buena parte del trabajo diario pasa a otros miembros de los respectivos equipos.

Widow’s Bay conquista los Emmy 2026 y convierte a Apple TV en la gran triunfadora de la comedia

La inesperada serie de Matthew Rhys, Widow’s Bay, llegó con 19 nominaciones y salió de la gala confirmada como uno de los fenómenos del año

Había candidatos con más historia, series que afrontaban su última oportunidad y producciones que llevaban años instaladas entre las favoritas de la Academia. Sin embargo, Widow’s Bay terminó imponiéndose en una de las categorías más disputadas de los Emmy 2026, llevándose el premio a mejor serie de comedia y colocando un broche espectacular a su primera temporada.

El triunfo también confirma el excepcional momento que atraviesa Apple TV dentro de la ficción televisiva, especialmente en un género donde la plataforma ha acumulado varias producciones importantes durante los últimos meses. Lo que comenzó como una serie con cierto aire de sorpresa ha terminado convirtiéndose en uno de los grandes nombres de esta edición de los premios.

Widow’s Bay culmina una temporada histórica en los Emmy

La victoria no apareció exactamente de la nada. Widow’s Bay había llegado a la ceremonia con 19 nominaciones, una cifra que ya la había colocado en una posición privilegiada mucho antes de que se abrieran los sobres. Esa presencia masiva entre las candidaturas hizo que muchos espectadores comenzasen a verla como una de las posibles protagonistas de la noche.

Widow's Bay

Aun así, la competencia distaba mucho de ser sencilla. Frente a ella estaban Abbott Elementary, The Bear, Hacks, Shrinking y Margo’s Got Money Troubles, entre otras producciones capaces de aspirar seriamente al galardón. Algunas contaban además con el componente emocional de encontrarse en etapas especialmente importantes de su recorrido televisivo.

Apple TV tenía más de una carta para jugar

Uno de los detalles más llamativos de esta edición es la fuerza con la que Apple TV llegó a las categorías de comedia. Margo’s Got Money Troubles, protagonizada por Elle Fanning y Michelle Pfeiffer, se había convertido en otro de los títulos destacados de la plataforma, mientras que Shrinking continúa manteniendo su posición entre las series más reconocibles de su catálogo.

Detrás de esta última está Bill Lawrence, creador y guionista vinculado también a Ted Lasso, otra producción que en años anteriores ayudó a convertir Apple TV en un nombre habitual de los Emmy. De hecho, Ted Lasso podría haber añadido todavía más competencia interna si su calendario de estreno hubiese coincidido con el periodo de elegibilidad de esta edición.

The Bear y Hacks también aspiraban a despedirse por todo lo alto

La carrera tenía además un ingrediente especialmente interesante: varias de las competidoras podían estar ante una de sus últimas oportunidades para conquistar nuevamente la categoría. Eso provocó que durante las semanas anteriores a la gala surgieran numerosos pronósticos en torno a The Bear y Hacks.

Widow´s Bay

The Bear había llegado con el añadido de encontrarse en su tramo final después de que Hulu confirmara que su quinta temporada sería la última. Antes de su estreno, la serie incluso sorprendió a sus seguidores con Gary, un episodio precuela protagonizado por Jon Bernthal y Ebon Moss-Bachrach que amplió todavía más el universo de la producción.

Matthew Rhys también tuvo motivos para celebrar

La recompensa para Widow’s Bay no terminó con el premio principal. La serie consiguió varios galardones adicionales durante la ceremonia, incluyendo reconocimientos en apartados técnicos y categorías interpretativas, haciendo que su presencia durante la gala fuese todavía más significativa.

Entre quienes tuvieron una noche especialmente destacada estuvo Matthew Rhys, encargado de interpretar al alcalde Tom Loftis. El actor forma parte de un reparto encabezado junto a nombres como Stephen Root y se ha convertido en una de las piezas centrales de esta peculiar combinación de comedia, misterio, drama y terror.

Una mezcla de géneros que encontró su propio espacio

Precisamente ahí puede encontrarse una de las claves que diferencian a Widow’s Bay de muchas comedias televisivas actuales. La producción no se limita a buscar la carcajada, sino que juega constantemente con elementos de misterio e incluso con ciertas pinceladas de horror, construyendo una identidad difícil de encasillar en un único género.

La serie está creada por Katie Dippold, que también ejerce como showrunner y forma parte del equipo de guionistas. Tras las cámaras aparecen directores como Sam Donovan, Andrew DeYoung, Hiro Murai y Ti West, este último especialmente conocido por su trayectoria dentro del cine de terror.

Widow’s Bay conquista los Emmy 2026 y convierte a Apple TV en la gran triunfadora de la comedia

El siguiente gran reto será la temporada 2 de Widow’s Bay

Con semejante colección de premios, todas las miradas pasan ahora inevitablemente hacia su futuro. Widow’s Bay ya tiene prevista una segunda temporada, y las últimas informaciones apuntan a que el rodaje podría comenzar a principios de 2027.

Eso abre la posibilidad de que los nuevos episodios estén preparados antes de terminar ese mismo año, aunque por ahora Apple TV no ha anunciado una fecha oficial de estreno. Después de lo ocurrido en los Emmy, parece evidente que la expectación será considerablemente mayor que la que acompañó a la serie cuando debutó el 28 de abril de 2026.

Apple TV refuerza una estrategia que lleva años dando resultados

El caso de Widow’s Bay demuestra también hasta qué punto Apple TV ha logrado construir un catálogo televisivo cada vez más reconocible. Ted Lasso abrió uno de los caminos más importantes en comedia, mientras que Shrinking, Margo’s Got Money Troubles y ahora esta nueva producción han permitido que la plataforma siga compitiendo regularmente por los grandes premios.

Lo curioso es que Widow’s Bay comenzó prácticamente como uno de esos éxitos que crecen poco a poco gracias al boca a boca. Unos meses después, 19 nominaciones y una victoria como mejor serie de comedia han cambiado por completo su posición. La segunda temporada ya no llegará como la continuación de una pequeña sorpresa: tendrá que cargar con las expectativas de una ganadora del Emmy.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

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Best Seller. La cara oculta de la luna de Joan Mundet ha sido publicada por Cartem Cómics dentro de su colección Novela Gráfica recuperando esta historia del autor español

Publicada originalmente en 2014 por Amaníaco Ediciones con el título Best Seller, esta obra de Joan Mundet constituye uno de los trabajos más personales del autor catalán. Más de una década después, Cartem Comics recupera la novela gráfica bajo el título Best Seller. La cara oculta de la luna.

Esta nueva denominación de La cara oculta de la luna hace referencia a la novela ficticia situada en el centro de la narración. Como Antoni Guiral en la introducción y el propio autor confirma en el epílogo, Mundet trabajó durante aproximadamente nueve años en el proyecto, que compaginó con otros encargos profesionales.

El propio autor lo define como una obra especialmente personal, porque incorpora muchas de sus inquietudes acerca de la creación artística, la familia, el poder y la capacidad o incapacidad del arte para intervenir sobre la realidad. Ese carácter autobiográfico e intelectual de la obra le da una prestancia que permite una interacción literaria y visual tomando como trasfondo los atentados del 11-S.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

Estos atentados no solamente afectaron a la geopolítica, sino que también el mundo del cómic lo narró y se adaptó a él como por ejemplo El informe 11-S, de Colon y Jacobson; 11 de septiembre. El día que cambió el mundo de Bouthier y Chochois, la distopía de El príncipe de las tinieblas de Duval, Pécau y Kordey o el cambio de paradigma de los superhéroes tras el atentado, como el caso de Marvel que incluso cambió la historia de Kang.

La trama, una historia dentro de otra historia

El principal atractivo de Best Seller reside en su estructura. Una joven aprovecha unas vacaciones para leer la última novela escrita por su padre, un autor de éxito, que está publicada bajo el título de La cara oculta de la luna. La hija, entra en un diálogo crítico con su padre por la novela y establece una cuasi comunicación epistolar.

La novela ficticia de la trama tiene de protagonista a Héctor Servando, un hombre obsesionado con encontrar a Graciela, una mujer desaparecida como consecuencia de los atentados contra las Torres Gemelas del 11 de septiembre de 2001. Servando se niega a aceptar que haya muerto en los atentados y su investigación lo lleva hacia un mundo en el que resulta difícil distinguir entre los hechos y las conspiraciones.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

Mundet realiza dos relatos simultáneos que acaban solapándose, como son el de la relación entre el escritor y sus hijas, principalmente con Laia; y, por otra parte, el de Héctor Servando dentro de la novela ficticia.

La búsqueda de Graciela actúa como un relato de suspense, donde el protagonista sospecha de las versiones oficiales y termina entrando de lleno en el mundo de las conspiraciones. Aquí Mundet utiliza la intriga para incidir en quién construye la percepción de la realidad y cómo se pueden comprender los acontecimientos mundiales.

El guion

El guion es probablemente el aspecto más singular de la obra de Joan Mundet, más aún cuando han transcurrido 25 años desde el terrible atentado en Nueva York que cambió el mundo a partir de ese 11 de septiembre de 2001.

Precisamente en un homenaje a esas víctimas a través de un simposio organizado por la Sociedad Española de Investigación en Seguridad Global el último 11 de septiembre, el Teniente Coronel Manuel González que impartió la ponencia del análisis geopolítico sobre el 11S, también se basó en los cómics que narrar esos hechos para realizar ese análisis.

De este modo, Best Seller. La cara oculta de la luna no es una historia convencional dentro del cómic español porque el lector se ve inmerso en una trama, donde la protagonista forma da vida a la historia leyendo una ficción con su propio protagonista que, a su vez, forma parte de la historia.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

Este guion donde una ficción da pie a otra ficción no enreda la trama, sino que la amplifica y mejora, porque mientras Laia lee la novela de su padre y la crítica, el lector también lo lee, haciendo que Héctor Servando se observe con la mirada del padre, de la hija y la del propio lector pero sin llegar a la afirmación de Sir Walter Scottch de “Oh qué enmarañada red tejemos, cuando primero practicamos para engañar”.

Es decir, que la cita de La caverna de José Saramago que utiliza el autor al comienzo de la obra no es una mentira, pero tampoco una verdad absoluta, sino que se trataría, como dijo Churchill, que en la guerra, la verdad es tan valiosa que siempre debería ir custodiada por una escolta de la mentira.

Esa resolución literaria que utiliza Mundet hace que la conspiración en la que se ve envuelta Servando no se interprete de forma completamente literal, evitando que la historia sea más propia del Departamento de la Verdad, permitiendo que se desarrolle teleológicamente como el autor pretendía para mostrar la realidad existente entorno a los diferentes poderes.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

Aún así, el autor nos deja algunos detalles que pueden llevar a ese conspiracionismo estudiado por Taguieff, como la nota que hacen llegar en árabe a Servando, que de una forma un tanto forzada podría traducirse como: Si haces eso, te arrepentirás. Vuelve con nosotros. Antes de que sea demasiado tarde.

Como incide el propio autor en el relato y en el epílogo, el foco central de la trama gira sobre la verdad, la representación y el poder, mostrando y tratando de responder, si el arte es capaz de cambiar la sociedad. Del mismo modo, muestra también la preocupación por los seres queridos aunque la comunicación con ellos sea más difícil que en un ámbito abstracto.

El dibujo

Visualmente el lector habitual del autor se encontrará con un Joan Mundet reconocible, gracias a su dibujo figurativo, sólido y de marcada vocación narrativa. El autor, como en otras obras precedentes no quiere realizar una experimentación con los trazos que deslumbren pero opaquen a la historia, sino que lo planifica en beneficio de la lectura.

Los personajes de Mundet tienen una marcada expresividad con unos escenarios que resultan convincentes, como la base militar, Formentera o Manhattan; y donde la composición de cada página y cada viñeta permite seguir con claridad una trama que, de otro modo, resultaría muy compleja.

Hay que destacar la efectividad de las viñetas en las que el autor reduce la presencia del texto y permite que sean las imágenes las que conduzcan la secuencia, como la conversación entre Laia y su padre, ella con una camiseta de Cobi y su madre apagando la televisión con el logo de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992, el lector se sitúa perfectamente sin necesidad de textos aclaratorios.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

La influencia cinematográfica se puede percibir en varias de las viñetas gracias a la elección de algunos encuadres. Así, el lector observa unos primeros planos junto con cambios de perspectiva y planos generales, que ayudan a transmitir la sensación de aislamiento, incertidumbre o amenaza sin necesidad de verbalizarlos.

El color sigue la misma filosofía que el dibujo, donde Munet enfatiza el acompañar a la trama antes que imponerse sobre esta. Las gamas de colores empleados son contenidas, por lo que se puede observar la línea del dibujo y, a su vez, mostrar los diferentes ambientes y los estados emocionales de los protagonistas.

Cuando el autor emplea los cambios cromáticos, estos contribuyen a separar la realidad cotidiana del universo progresivamente inquietante que atraviesa Servando.

En definitiva, después de dos lustros largos desde su primera publicación, Best Seller. La cara oculta de la luna conserva buena parte de sus preguntas y algunas, paradójicamente, parecen hoy todavía más actuales que en 2014, con lo que su lectura da pie a nuevas interpretaciones que mantiene las básicas planteadas por el autor.

La edición

Cartem Cómics ha publicado Best Seller. La cara oculta de la luna de Joan Mundet, dentro de la colección Novela Gráfica, encuadernada en tapa dura, con unas medidas de 21 x 29’7 cm, a color, con una extensión de 72 páginas, incluyendo un prólogo de Antoni Guiral y unos extras de bocetos junto con unas notas del propio autor.

Reseña de Best Seller. La cara oculta de la luna (2026)

Atrévete a cruzar la línea entre lo que se escribe y lo que se vive.

n escritor de éxito y su hija avanzan, cada uno a su manera, hacia una espiral de obsesión y sospecha mientras la novela que él escribe parece replicar —o anticipar— la fractura que se abre en su propia familia.

Un thriller psicológico metaliterario que combina drama familiar contemporáneo con intriga conspirativa y reflexión sobre la construcción de la realidad.

Dos historias. Una misma obsesión.

Un escritor de éxito publica su última novela. Durante unas vacaciones, su hija comienza a leerla sin imaginar que esa historia acabará cuestionando también su propia realidad.

Mientras avanza la lectura, dos relatos empiezan a entrelazarse. Por un lado, la relación entre un padre y sus hijas, marcada por silencios, heridas y una distancia que parece imposible de salvar. Por otro, la historia de Héctor Servando, un hombre cuya vida queda irremediablemente marcada tras los atentados del 11 de septiembre.

Lo que comienza como una novela dentro de otra termina convirtiéndose en un inquietante juego de espejos donde la ficción y la realidad avanzan hasta confundirse.

Metaliteratura: cuando la ficción invade la realidad

En Best seller, Joan Mundet utiliza la metaliteratura como el verdadero motor del relato. La novela que lee Laia no es un simple recurso narrativo: dialoga constantemente con la historia principal y transforma la manera en que el lector interpreta todo cuanto sucede.

Las fronteras entre autor, personajes y lectores comienzan a difuminarse. Cada página invita a preguntarse hasta qué punto las historias que contamos terminan moldeando nuestra forma de entender el mundo y a quienes nos rodean.

Lejos de convertirse en un ejercicio intelectual, este juego narrativo se integra con naturalidad en la historia y convierte la lectura en una experiencia absorbente, donde cada descubrimiento abre nuevas preguntas.

Un thriller psicológico sobre la obsesión

Aunque los atentados del 11 de septiembre sirven como punto de partida de la narración, Best seller no es una historia sobre aquel acontecimiento, sino sobre las consecuencias que un trauma puede dejar en quienes lo viven de cerca.

La obsesión, la búsqueda de respuestas, el miedo, la pérdida y la incertidumbre impulsan un relato que avanza entre la tensión psicológica y el drama humano. Joan Mundet construye una historia donde los personajes intentan comprender una realidad que parece escapar constantemente a su control.

El resultado es una novela gráfica que combina intriga, emoción y reflexión sin renunciar nunca al ritmo narrativo.

Joan Mundet, autor imprescindible del cómic español

Joan Mundet demuestra una vez más su enorme capacidad como narrador gráfico. Su dibujo, elegante y expresivo, encuentra el equilibrio entre el realismo y la emoción, mientras la composición de página guía al lector con una claridad que hace fluir la historia con absoluta naturalidad.

Cada viñeta está al servicio del relato. Los silencios, las miradas y el ritmo de la narración adquieren tanta importancia como la propia acción, construyendo una atmósfera cada vez más inquietante a medida que ambas historias se aproximan.

Una obra para redescubrir

Publicada originalmente en 2014, Best seller regresa ahora en una nueva edición de Cartem Cómics para devolver a los lectores una de las obras más singulares de Joan Mundet.

Una novela gráfica que combina thriller psicológico, drama familiar y metaliteratura en una historia donde la ficción deja de ser un refugio para convertirse en un espejo capaz de alterar la realidad.

Porque algunas historias terminan cuando se cierra el libro.

Otras empiezan precisamente en ese momento.

Crystal Lake cambia la historia de Jason Voorhees y altera uno de los momentos clave de Viernes 13

Crystal Lake

La precuela de Peacock y A24, Crystal Lake, viaja ocho años atrás y modifica una parte esencial del origen del mítico asesino

Crystal Lake cambia la historia de Jason Voorhees y altera uno de los momentos clave de Viernes 13

Durante décadas creíamos conocer bastante bien lo ocurrido en Camp Crystal Lake antes de que Jason Voorhees se convirtiera en uno de los mayores iconos del terror. Sin embargo, la nueva serie Crystal Lake parece dispuesta a jugar con esa seguridad. La producción no se limitará a rellenar huecos de la franquicia, sino que introducirá cambios importantes en la cronología que los fans de Viernes 13 llevan años dando por sentada.El más significativo aparece precisamente en uno de los acontecimientos que lo empezó todo: la muerte del joven Jason Voorhees.

Crystal Lake cambia el origen de Jason Voorhees

El tráiler oficial sitúa ahora su ahogamiento durante el verano de 1971, mientras que la mitología tradicional de Viernes 13 colocaba aquel trágico episodio a finales de los años 50. No hablamos, por tanto, de un pequeño ajuste de fechas, sino de una modificación capaz de reorganizar buena parte del pasado de Pamela y su hijo.

Según la nueva cronología, Jason muere en 1971 y buena parte de Crystal Lake transcurrirá durante 1972. La serie se situará aproximadamente ocho años antes de los acontecimientos de la película original de Viernes 13, dejando bastante espacio para mostrar cómo el dolor y la tragedia terminan transformando por completo la vida de Pamela Voorhees.

Esta decisión también deja clara una cosa: los responsables de la serie no parecen obsesionados con encajar cada detalle dentro de la continuidad clásica. En lugar de limitarse a construir una precuela totalmente condicionada por las fechas de las películas, Crystal Lake utilizará algunos de los elementos más reconocibles de la saga para contar su propia versión de los acontecimientos.

Antes de la masacre, Crystal Lake era otro lugar

Uno de los aspectos más interesantes de esta propuesta será conocer el escenario antes de que quedara asociado para siempre con cadáveres, cuchillos y adolescentes tomando decisiones bastante cuestionables. Brad Caleb Kane, showrunner de la serie, quiere mostrar una época en la que Crystal Lake todavía parecía un campamento de verano corriente.

Kane explica que Pamela trabaja allí como cocinera mientras Jason, con 11 años, participa en las actividades junto con los demás niños pese a sus limitaciones físicas. Su madre intenta que disfrute de una experiencia normal al aire libre: “Pam es cocinera en Camp Crystal Lake, Jason es un campista de once años que participa en todas las actividades pese a sus limitaciones físicas, y su madre está completamente decidida a asegurarse de que tenga un verano normal al aire libre con otros niños… pero con consecuencias finalmente trágicas”.

Pamela Voorhees ocupará el centro de la historia

Precisamente ahí puede estar una de las mayores fortalezas de la serie. Para quienes conozcan solamente la imagen de Jason con su característica máscara de hockey, conviene recordar que el asesino de la primera película de Viernes 13 no era Jason, sino Pamela Voorhees. La precuela tendrá así la oportunidad de desarrollar con calma cómo una madre destrozada acaba convirtiéndose en la mujer que conocimos en aquel clásico del slasher.

Kane anticipa que el camino no será precisamente directo. Según el responsable de la serie, Pamela atravesará distintas situaciones antes de llegar a su ruptura definitiva y comenzar su sangrienta venganza: “Las cosas dan algunos giros y vueltas en el camino hacia el completo colapso psicótico de Pam y su posterior masacre sangrienta”.

Linda Cardellini se convierte en Pamela Voorhees

La encargada de asumir ese papel será Linda Cardellini como Pamela Voorhees, mientras que Callum Vinson, visto anteriormente en Chucky, interpretará al joven Jason. Dos elecciones especialmente interesantes porque la historia parece querer dedicar mucho más tiempo a los personajes que a convertir inmediatamente Crystal Lake en otra sucesión de asesinatos.

Crystal Lake cambia la historia de Jason Voorhees y altera uno de los momentos clave de Viernes 13

La trama encontrará a Pamela casi un año después del ahogamiento de Jason, todavía completamente consumida por la pérdida de su hijo. Será entonces cuando dos desconocidos aparezcan en su casa y comiencen a hacer preguntas sobre su pasado, poniendo en marcha unos acontecimientos que amenazan con remover todo aquello que Pamela intentaba dejar atrás.

Dos desconocidos desatan nuevas preguntas

La llegada de estos personajes provocará una cadena de sucesos cada vez más inquietante alrededor de Crystal Lake. A medida que avance la historia, los propios habitantes de la zona comenzarán a preguntarse quién es realmente Pamela Voorhees y cuánto conocen de la mujer que tienen delante.

Esa premisa permite imaginar una serie más cercana al thriller psicológico durante algunos momentos, aunque evidentemente todo conduce hacia el territorio sangriento que convirtió a Viernes 13 en una institución del cine de terror. La ventaja está en que el espectador conoce parte del destino de Pamela, pero no necesariamente el camino que seguirá esta nueva versión para llegar hasta allí.

Ocho años para construir la tragedia de Viernes 13

Situar la historia ocho años antes de la primera película ofrece además un margen considerable. Los creadores pueden desarrollar progresivamente la transformación de Pamela sin tener que precipitar su descenso hacia la violencia, mostrando las consecuencias del fallecimiento de Jason y los acontecimientos posteriores que terminarán marcando Camp Crystal Lake para siempre.

También resulta curiosa la decisión de cambiar la fecha del ahogamiento. Los fans más puristas probablemente levantarán una ceja ante semejante modificación, pero una nueva continuidad puede permitir a Crystal Lake sorprender incluso a quienes conocen prácticamente de memoria la saga. Saber cómo termina una historia no significa necesariamente saber qué camino seguirá para llegar hasta allí.

Crystal Lake no tendrá miedo de cambiar la mitología

En realidad, jugar con la continuidad tampoco resulta demasiado extraño dentro de Viernes 13. La franquicia ha acumulado durante décadas resurrecciones, cambios de rumbo y secuelas que han ido modificando su propia mitología, así que esta nueva versión del pasado puede entenderse como otra reinterpretación más del universo de Jason Voorhees.

La diferencia es que ahora los cambios afectan directamente a uno de los acontecimientos fundacionales de la historia. Mover la muerte de Jason hasta 1971 permite construir una nueva cronología alrededor de Pamela, ofreciendo a los guionistas mayor libertad para explorar los años anteriores a la matanza presentada en la película de 1980.

La precuela quiere sorprender incluso a los fans veteranos

Ese equilibrio entre elementos reconocibles y acontecimientos nuevos será probablemente una de las claves de Crystal Lake. Los espectadores ya saben que Pamela terminará relacionada con una terrible masacre, pero la serie puede aprovechar precisamente ese conocimiento para jugar con las expectativas y esconder varios giros durante el camino.

Además, poner el foco inicialmente sobre Pamela y el joven Jason permite recuperar una parte de la historia que normalmente queda eclipsada por la imagen del asesino adulto con máscara de hockey. Antes del monstruo existieron un niño, una madre y una tragedia, y parece que A24 y Peacock quieren aprovechar esa relación para construir algo más que otra historia de asesinatos en un campamento.

Crystal Lake cambia la historia de Jason Voorhees y altera uno de los momentos clave de Viernes 13

El regreso a Crystal Lake ya tiene fecha

Los ocho episodios de Crystal Lake se estrenarán el 15 de octubre en Peacock, iniciando así una nueva etapa para una de las sagas más conocidas del terror. La gran incógnita será comprobar hasta dónde están dispuestos sus responsables a modificar lo que creíamos saber sobre Jason Voorhees.

Porque regresar a Camp Crystal Lake siempre implica peligro, pero esta vez habrá otro elemento añadido: ni siquiera los fans que conocen de memoria Viernes 13 podrán estar completamente seguros de lo que ocurrirá. Y para una franquicia con tantos años a sus espaldas, recuperar esa sensación de incertidumbre puede ser precisamente lo que necesitaba.

Spider-Man: Brand New Day revela una espectacular escena eliminada que apostaba por el parkour real

Brand New Day

Un vídeo del rodaje descubre una acrobacia descartada que demuestra cuánto trabajo físico hubo detrás del movimiento de Spidey en Brand New Day

Spider-Man: Brand New Day revela una espectacular escena eliminada que apostaba por el parkour real

Hay escenas que apenas duran unos segundos, pero detrás pueden esconder horas de ensayos, especialistas, medidas de seguridad y una preparación física enorme. Lo curioso es que algunas ni siquiera consiguen llegar al montaje definitivo. Eso es precisamente lo que ha ocurrido con una secuencia de Spider-Man: Brand New Day que ahora ha salido a la luz gracias a unas imágenes del rodaje. El vídeo muestra a Spider-Man desplazándose a gran velocidad por la parte superior de un edificio antes de lanzarse al vacío y terminar su salto sobre una enorme colchoneta de seguridad.

Spider-Man: Brand New Day apostó por una escena de parkour muy física

La secuencia tiene ese tipo de movimiento que encaja perfectamente con Spider-Man. El personaje no debería limitarse a balancearse entre edificios; también resulta especialmente reconocible cuando corre, salta, trepa y utiliza prácticamente cualquier superficie urbana como parte de su recorrido. El fragmento recuperado transmite precisamente esa sensación de agilidad casi imposible que siempre ha acompañado al héroe de Marvel.

Sin embargo, todo ese esfuerzo terminó quedándose fuera de Spider-Man: Brand New Day. La escena no aparece en el montaje final de la película, aunque eso no significa necesariamente que hubiera algún problema con ella. Durante la edición de una producción de estas dimensiones se eliminan secuencias por ritmo, duración, continuidad o simplemente porque otra alternativa funciona mejor dentro de la historia.

Los efectos prácticos siguen teniendo sitio junto al CGI

Lo más llamativo del vídeo está en comprobar hasta qué punto las acrobacias físicas continúan formando parte de una superproducción moderna. Spider-Man es uno de esos personajes donde el CGI resulta prácticamente inevitable: sus balanceos, saltos imposibles y movimientos más extremos difícilmente podrían reproducirse siempre de manera real sin asumir riesgos innecesarios.

Pero combinar efectos digitales con especialistas puede ayudar a que las escenas tengan una sensación de peso y movimiento diferente. Cuando existe una persona ejecutando parte de la acción delante de una cámara, el contacto con el suelo, la velocidad o la propia inercia del cuerpo aportan una referencia física real que posteriormente puede completarse con efectos visuales.

Una escena eliminada que despierta todavía más curiosidad

El material apareció acompañado de un sencillo mensaje que explicaba su origen: «Detrás de las cámaras de una acrobacia que no llegó al montaje final de Spider-Man: Brand New Day». Y precisamente ahí está parte de su atractivo. Ver una escena terminada puede resultar espectacular, pero observar cómo se construye permite apreciar elementos que normalmente permanecen ocultos para el espectador.

Spider-Man: Brand New Day revela una espectacular escena eliminada que apostaba por el parkour real

También plantea una pregunta bastante inevitable: ¿cuántas escenas similares terminaron igualmente descartadas? En una película de Spider-Man pueden rodarse diferentes versiones de una persecución, saltos desde distintos ángulos, movimientos alternativos o pequeñas piezas de acción destinadas a conectar secuencias mayores. Muchas de ellas jamás llegan a conocerse fuera del equipo de producción.

El contenido adicional podría mostrar mucho más del rodaje

Por eso, este tipo de imágenes convierte las futuras ediciones domésticas en algo especialmente interesante para los fans. Una edición digital o en 4K Blu-ray con un buen documental sobre el rodaje, escenas eliminadas y material de los especialistas permitiría descubrir hasta dónde llegó el trabajo práctico realizado para la película.

Durante años, los extras de las ediciones domésticas han permitido comprobar que algunas de las secuencias más espectaculares del cine nacen de una mezcla mucho más compleja de lo que parece. Especialistas, cables, plataformas, colchonetas, decorados y efectos digitales pueden formar parte del mismo plano, aunque el resultado final haga que todo parezca completamente natural.

Spider-Man funciona especialmente bien cuando sentimos sus movimientos

Hay además una razón por la que estas imágenes llaman tanto la atención tratándose del trepamuros. Spider-Man siempre ha sido un superhéroe extremadamente físico. Su manera de moverse forma parte de su personalidad tanto como sus bromas, su traje o sus telarañas. No vuela tranquilamente hasta su destino: se impulsa, cae, rebota, corre por paredes y convierte la ciudad en un gigantesco circuito de obstáculos.

Spider-Man: Brand New Day revela una espectacular escena eliminada que apostaba por el parkour real

Por eso resulta una pena que esta pequeña secuencia de parkour no encontrara finalmente su sitio en la película. Al menos, su aparición fuera del montaje permite descubrir otra pieza del enorme trabajo que existe detrás de las escenas de acción de Spider-Man. Y si este salto descartado estaba guardado entre el material del rodaje, cabe imaginar que todavía pueden quedar bastantes sorpresas esperando salir de la bóveda.

Reseña de Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3

Panini Comics cierra con Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3 una de las etapas más subestimadas del trepamuros

Un escritor puede pasarse la vida intentando alejarse del personaje que lo hizo famoso y acabar volviendo a él una y otra vez. Gerry Conway tenía diecinueve años cuando heredó a Spiderman de manos de Stan Lee, se atrevió a matar a Gwen Stacy con apenas veinte y dejó por el camino a media docena de secundarios que hoy siguen en activo. Quince años después regresó al trepamuros por la puerta de atrás, en las series hermanas, y allí levantó casi en silencio uno de los periodos más largos y coherentes que ha tenido el personaje. Una Nueva York de sindicatos del crimen, periodistas quemados, viejas deudas de honor y matrimonios que aguantan como pueden. El tramo final de aquel viaje, el que salda las cuentas con casi todos los fantasmas que el guionista había ido dejando por detrás, es el que rescata Panini Comics en Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3.

gerry conway spiderman

Nueva York pasa factura

La ciudad que retrata este volumen no se parece a la de los grandes eventos cósmicos. Aquí manda el rencor acumulado. Robbie Robertson, jefe de redacción del Daily Bugle, arrastra una historia turbia con Lápida, el sicario albino que un día le destrozó la espalda por saber demasiado, y esa relación funciona como columna vertebral emocional de todo el tramo. Alrededor se mueven Carroña, con su virus imposible de curar y su memoria prestada, el mercenario Puma reclamando una deuda de honor que a Peter Parker le viene fatal, el Hombre Ígneo y un Doctor Octopus que hace tiempo que dejó de conformarse con atracar bancos.

Lo interesante es que Conway nunca trata estas tramas como episodios sueltos. Las dos cabeceras arácnidas que firmaba a la vez funcionaban como una única novela por entregas, con subtramas que saltaban de una a otra, y eso invita a leer el tomo de corrido y sin prisa. Mientras tanto, la vida del fotógrafo se desmorona por lo bajo. Problemas de dinero, un compañero de redacción que le hace la vida imposible, un matrimonio con Mary Jane Watson que se sostiene a base de conversaciones incómodas. Es un Spiderman adulto, cansado y muy humano, más cerca del culebrón urbano que del espectáculo superheroico.

Reseña de Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3

El chico que heredó al Hombre Araña

Nacido en Brooklyn en 1952, Conway vendió su primer relato a los dieciséis años y entró en Marvel Comics siendo poco más que un lector con suerte. Le bastaron dos años para convertirse en el primer guionista fijo de la serie principal del trepamuros tras Stan Lee, y desde ahí firmó algunas de las decisiones más comentadas de la historia del tebeo estadounidense. La muerte de Gwen Stacy, la creación de El Castigador, la de El Chacal y la del clon que décadas después reventaría la continuidad arácnida. Llegó a ocupar brevemente el puesto de editor jefe de la editorial y en 1976 puso en marcha la propia cabecera de la que habla este tomo.

Su currículo fuera de la Casa de las Ideas es igual de grueso. En DC Comics creó a Firestorm, a Power Girl, al segundo Robin y a Killer Croc, escribió ocho años de La Liga de la Justicia y firmó el primer gran cruce entre editoriales rivales. Después se pasó a la televisión, donde trabajó en series como Ley y orden o Matlock. Su vuelta al personaje en 1988 fue, en cierto modo, la de un veterano que ya no tenía nada que demostrar y podía dedicarse a lo que mejor se le daba, que era la trama larga y la gente corriente. Cuando dejó la cabecera, el testigo pasó a J. M. DeMatteis, que llevaría a Peter Parker a un territorio todavía más oscuro. Conway falleció el 26 de abril de 2026 a los setenta y tres años, así que este volumen llega a las librerías españolas convertido, sin pretenderlo, en una despedida.

Reseña de Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3

Dos lápices de barrio

El apartado gráfico lo sostienen dos dibujantes de los que hacen su trabajo sin llamar la atención. Sal Buscema, hermano de John Buscema y conocido en el gremio como Our Pal Sal, viene de una década entera al frente de El Increíble Hulk y aplica aquí la misma receta. Página legible, planificación clarísima, expresividad facial a raudales y una capacidad casi olvidada para que una discusión en un despacho tenga tanto ritmo como una pelea en una azotea. Alex Saviuk se ocupa de la otra mitad de la historia y su estilo, más limpio y de raíz clásica, encaja como un guante. Fue el dibujante que más tiempo aguantó en aquella cabecera y luego pasó más de veinte años dibujando la tira de prensa del personaje.

El tomo guarda además una despedida de las que emocionan. En sus páginas asoma el lápiz de Ross Andru, el hombre que definió el Nueva York arácnido de los años setenta y que trabajó con Conway en su primera etapa. Es su último trabajo con el personaje y murió poco después. Ver a ese equipo reunido una vez más, ya en el ocaso, vale por sí solo el precio de la entrada.

Quien llegue a estas viñetas desde las pantallas se encontrará más caras conocidas de las que espera. Lápida, personaje que Conway y Saviuk pusieron en circulación un año antes de todo esto, acabó siendo el gran villano de la serie animada The Spectacular Spider-Man de 2008, con la voz de Keith David, y reapareció como guardaespaldas de Kingpin en Spider-Man: Un nuevo universo. También asoma por aquí la pareja formada por el trepamuros y el Doctor Extraño, la misma que Spider-Man: No Way Home convertiría en un fenómeno de taquilla, con idéntica mezcla de solemnidad mágica y chiste a destiempo.

El balance es muy favorable. No es la etapa que suele citarse cuando se habla del Spiderman de aquellos años, porque entonces las portadas de Todd McFarlane se llevaban toda la conversación, pero el tiempo ha ido colocando a Conway en el sitio que merece. Lo que ofrece es un tebeo de superhéroes sin trampa, escrito con oficio, que apuesta por la continuidad emocional antes que por el golpe de efecto y que confía en que el lector recuerde lo que pasó veinte números atrás. Para quien busque un Spiderman clásico, callejero y con paciencia narrativa, este tomo es una compra segura. Y para quien siguiera a su guionista desde los setenta, es también la última vez que se le puede dar las gracias.

Esta edición presentada por Panini Comics viene en un formato de cartoné con un tamaño de página de 17 x 26 cm. y contiene la traducción de los números 161 a 177 de la serie original The Spectacular Spider-Man, los números 62 a 70 de Web of Spider-Man, Marvel Super-Heroes 4, Spider-Man: Fear Itself y Spider-Man/Dr. Strange: The Way to Dusty Death. El tomo contiene 776 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 66 € y se puso a la venta en julio de 2026.


Reseña de Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3

Marvel Héroes. El Espectacular Spiderman de Gerry Conway 3

El volumen que pone cierre a la ambiciosa segunda etapa de Gerry Conway en el mundo arácnido. Unos episodios que incluyen el regreso de Carroña, El Duende, El Puma, El Hombre Ígneo o el Doctor Octopus, la alianza de Spidey con muchos de sus villanos… ¡para combatir a Los Vengadores! Incluye cruces con “Actos de Venganza” y, por supuesto, el duelo final de Spidey contra Lápida. ¡Y también tenemos la icónica transformación de Spidey en Hulk, la última colaboración de Ross Andru en la franquicia arácnida o la vuelta de una vieja alianza, la del Hombre Araña con el Doctor Extraño!

Autores: Gerry Conway, Sal Buscema, Alex Saviuk, Ross Andru, Kurt Busiek, Roy Thomas, Stan Lee, David Michelinie, Terry Kavanagh, Archie Goodwin, Don Perlin, Michael Bair, Ben Trovato y Bob Sharen