The Last of Us y el posible cierre de su historia en HBO

The Last of Us 2 Ellie

La serie de The Last of Us podría despedirse tras su tercera temporada

Todo apunta a que The Last of Us llegará a su fin con la temporada 3, aunque HBO aún no lo ha confirmado oficialmente. Casey Bloys, jefe de la cadena, dejó entrever que esa tercera entrega podría ser la última, aclarando que la decisión final recaerá en los showrunners.

La segunda temporada adaptó solo una parte del segundo videojuego de Naughty Dog, y desde el principio Neil Druckmann y Craig Mazin defendieron la necesidad de más temporadas para cerrar la historia de forma adecuada. Sin embargo, el panorama cambió tras la salida de Druckmann, quien decidió apartarse de la serie para centrarse en futuros proyectos del estudio, incluido un nuevo videojuego.

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El final de la temporada 2 dejó un momento clave: el enfrentamiento entre Abby y Ellie, la muerte de Jesse y un cierre abrupto que da paso a una nueva perspectiva narrativa. Siguiendo la estructura del juego, la temporada 3 se enfocará principalmente en Abby, sin renunciar a profundizar en Joel, Ellie y otros personajes importantes.

A pesar de que muchos detalles ya son conocidos por los fans del videojuego, Mazin y Druckmann aseguraron que todavía habrá sorpresas, e incluso regresos inesperados. Con algunos ajustes narrativos, el resto de la historia de The Last of Us podría contarse perfectamente en una sola temporada más, lo que haría de este cierre uno natural y satisfactorio para la mayoría del público.

El Caballero de los Siete Reinos da el bombazo revelando la verdadera identidad de Egg

El secreto mejor guardado del escudero más incómodo de Poniente acaba de explotar y las consecuencias no pintan nada bien para Dunk en el tercer capítulo de El Caballero de los Siete Reinos

En El Caballero de los Siete Reinos hay secretos que pesan más que una espada. Miradas esquivas, silencios incómodos y decisiones que se toman tarde. Pero ninguno resulta tan peligroso como el de Egg, ese chaval testarudo que acompaña a Dunk fingiendo ser un don nadie… hasta que deja de serlo. El tercer episodio lo deja claro: en Poniente, revelar tu apellido puede ser una sentencia.

Lo que empieza como una injusticia más marca Targaryen termina convirtiéndose en un punto de no retorno para Dunk. Egg interviene, alza la voz y recuerda a todos quién es. Y justo cuando parece salvar a su amigo, lo empuja al abismo. Porque la sangre importa, pero también condena.

el caballero de los siete reinos

Egg en El Caballero de los Siete Reinos

Desde el primer capítulo estaba claro que Egg no era un escudero cualquiera. Demasiado listo, demasiado respondón y con una forma de mirar a los nobles que no encaja con alguien criado entre barro y pulgas. La serie juega al despiste, pero tampoco se esfuerza demasiado: Egg es Aegon Targaryen, hijo de Maekar y futuro rey de los Siete Reinos.

Su huida no nace del capricho. Egg rechaza el privilegio, las túnicas caras y una familia convencida de que el poder lo justifica todo. A diferencia de otros miembros de su casa, cree de verdad que los plebeyos importan, algo casi subversivo en Poniente.

Pero hay algo aún más importante: Egg quiere ser caballero. No uno de salón, sino de los que recorren caminos, pasan hambre y entienden a la gente común. Por eso elige a Dunk, el único caballero auténtico que encuentra, aunque sea pobre y sin apellido ilustre.

El Caballero de los Siete Reinos da el bombazo revelando la verdadera identidad de Egg

El aprendizaje de Egg en la serie

La ironía es brutal: para aprender a ser un buen rey, Egg tiene que dejar de ser príncipe. Y en el universo de George R. R. Martin, eso siempre se paga caro. Los fans de Juego de Tronos recordarán que Aemon Targaryen pronuncia el nombre de Egg antes de morir. Una conexión directa con un futuro marcado por la tragedia.

Mientras Egg crece, Dunk se hunde. Golpear a Aerion Targaryen ya era una locura. Pero hacerlo mientras ocultas a un príncipe fugado es prácticamente firmar tu sentencia. La revelación lo salva en el momento… pero lo señala para siempre.

La serie acierta al no romantizar el heroísmo. Dunk no es un elegido, solo un hombre decente atrapado en un sistema injusto. Ahora tendrá que demostrar que es caballero no con palabras, sino con hechos. Y todo apunta a un juicio, a una prueba imposible y a una pregunta incómoda: ¿qué define realmente a un caballero?

El Caballero de los Siete Reinos da el bombazo revelando la verdadera identidad de Egg

El origen de Egg y por qué su historia importa más de lo que parece

Egg no es solo un niño rebelde, es el reflejo de una idea peligrosa en Poniente: que el poder puede aprenderse desde abajo. Su viaje junto a Dunk funciona como una lección encubierta sobre liderazgo, alejada de palacios y conspiraciones. Aprender a dormir al raso y escuchar a los olvidados es, para él, una forma de prepararse para gobernar.

Además, su relación con Dunk rompe la jerarquía clásica de maestro y aprendiz. Aquí no hay linaje que valga: hay respeto ganado a golpes de realidad. Esa dinámica es la que convierte a El Caballero de los Siete Reinos en algo distinto, más humano y más trágico, recordándonos que en Poniente las mejores intenciones no siempre conducen a finales felices.

The Marvels habría contado con un Batman para el primer acto de la película

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El actor que fue Batman estuvo muy cerca de debutar en el MCU con un papel clave que Marvel decidió eliminar en pleno desarrollo de The Marvels

Durante meses, The Marvels fue una de esas películas del MCU rodeadas de rumores, reescrituras y decisiones creativas que nunca llegaron a ver la luz. Ahora sabemos que una de las más llamativas incluía a un actor de primerísimo nivel, alguien que ya había llevado capa en otra gran franquicia… y cuyo destino estaba sellado desde el minuto uno.

Según un nuevo informe, Marvel Studios llegó a plantearse fichar a George Clooney para interpretar a un importante héroe de los cómics de Marvel en The Marvels. Un golpe de efecto que prometía sorprender a los fans, pero que finalmente fue descartado antes de llegar al rodaje.

The Marvels trama descartada

El scoop llega de la mano del conocido insider @MyTimeToShineHello, que reveló en X que la idea original era fichar a una gran estrella —entre ellas Clooney o Clive Owen— para dar vida a un héroe muy relevante del universo Marvel. El giro estaba claro desde el principio: el personaje tendría bastante peso… pero moriría al final del primer acto.

the marvels thor

Una jugada arriesgada, pensada claramente para impactar al espectador y elevar la sensación de peligro desde el arranque. Sin embargo, Marvel terminó descartando por completo esta subtrama, y el personaje nunca llegó a formar parte de la versión final de la película.

No se ha confirmado oficialmente qué héroe iba a interpretar Clooney, aunque las fuentes coinciden en que no se trataba de un cameo menor, sino de una figura reconocible para los lectores de cómics. Precisamente ese peso narrativo habría sido una de las razones para eliminar la idea durante el desarrollo.

Más allá de The Marvels, lo curioso es que no era la primera vez que el nombre de George Clooney sonaba para el MCU. Y esta vez, el motivo fue bastante más explícito… y sangriento.

Batman - George Clooney - James Gunn - DCU - Universo DC

Antes incluso de que el universo cinematográfico de Marvel echara a andar, Clooney estuvo cerca de convertirse en Nick Fury. Así lo recogen un reportaje de Business Insider de 2015 y el libro Marvel Comics: The Untold Story, publicado por Sean Howe en 2013.

El actor llegó a interesarse por el personaje, pero todo cambió al descubrir la versión más extrema de Fury, la escrita por Garth Ennis y dibujada por Darick Robertson para la línea MAX de Marvel a principios de los 2000. Violencia explícita, tono adulto y escenas imposibles de trasladar a una superproducción mainstream fueron suficientes para que Clooney diera un paso atrás.

El Nick Fury que Marvel nunca habría llevado al cine

El propio Garth Ennis, cocreador de The Boys, habló del tema en 2024 durante una entrevista en el podcast Comic Book Herald. El guionista reconoció que había oído el rumor y que no le sorprendía la reacción del actor. “Alguien pudo decirle: ‘no te acerques a esto’”, comentaba Ennis, dejando claro que Marvel Studios jamás habría permitido que Fury se comportara como en sus cómics.

The Marvels habría contado con un Batman para el primer acto de la película

Y tenía razón. Cuando el personaje dio finalmente el salto al cine, el enfoque fue radicalmente distinto. El papel acabó en manos de Samuel L. Jackson, cuya versión de Nick Fury estaba claramente inspirada en la línea Ultimate de Marvel.

Su debut, recordado ya como historia del cine de superhéroes, llegó en la escena postcréditos de Iron Man, y desde entonces Fury se convirtió en uno de los pilares narrativos del MCU, conectando sagas, equipos y generaciones de héroes.

Visto con perspectiva, resulta fácil imaginar por qué Marvel descartó ambas ideas con Clooney. En el caso de The Marvels, introducir a una gran estrella para matarla de inmediato podía distraer más que sumar. Y en el caso de Nick Fury, el tono adulto y salvaje de los cómics MAX chocaba frontalmente con la identidad que Marvel estaba construyendo en cine.

Aun así, no deja de ser fascinante pensar cómo habría cambiado el MCU si George Clooney hubiese entrado en juego, ya fuera como Fury o como ese misterioso héroe sacrificado en The Marvels. Una de esas decisiones creativas que nunca veremos… pero que ayudan a entender hasta qué punto el universo Marvel se construye también a base de renuncias.

Metroid está cada vez más cerca de la gran pantalla

Metroid Samus Returns

Samus Aran suena con fuerza para dar el salto al cine mientras Nintendo sigue expandiendo su universo audiovisual ahora con Metroid tras el paso Mario y Zelda

La maquinaria de rumores vuelve a girar en torno a Nintendo, y esta vez lo hace con una de sus franquicias más queridas y misteriosas. En las últimas horas, varias fuentes del sector han comenzado a señalar que la compañía japonesa estaría desarrollando una adaptación cinematográfica de Metroid, una idea que lleva décadas rondando la cabeza de los fans y que ahora, por primera vez en mucho tiempo, parece algo más que una fantasía.

El comentario que ha desatado todo procede del insider Daniel Richtman, conocido en redes como DanielRPK, quien asegura que Nintendo ya habría puesto en marcha el proyecto. Aunque no hay confirmación oficial ni nombres asociados al estudio, director o reparto, la simple posibilidad de ver a Samus Aran en la gran pantalla ha sido suficiente para incendiar foros, redes sociales y debates entre jugadores veteranos.

metroid prime

La estrategia de Nintendo

El momento, desde luego, no es casual. Nintendo atraviesa una etapa especialmente agresiva en su estrategia audiovisual, tras comprobar que sus licencias funcionan —y muy bien— fuera del mando y la consola. El éxito arrollador de The Super Mario Bros. Movie en 2023 cambió las reglas del juego y abrió la puerta a un plan más ambicioso que ya incluye una película de The Legend of Zelda en acción real.

En ese contexto, apostar por Metroid tiene todo el sentido, sobre todo después del reciente lanzamiento de Metroid Prime 4: Beyond. El juego ha supuesto un regreso sólido de la saga Prime, muy bien recibido por crítica y público, revitalizando el interés por una franquicia que llevaba años en silencio. Ambientes opresivos, exploración solitaria y una narrativa ambiental muy marcada: ingredientes perfectos para una adaptación cinematográfica con personalidad propia.

metroid prime

El enfoque de Metroid

A diferencia de Mario o Zelda, Metroid juega en otra liga tonal. Aquí no hay colorido desenfreno ni fantasía luminosa, sino ciencia ficción, aislamiento y horror espacial. Desde su debut en 1986, la saga ha sido comparada una y otra vez con Alien, algo nada casual si tenemos en cuenta la presencia de Ridley y el diseño biomecánico de muchos de sus enemigos. Trasladar ese ADN al cine permitiría a Nintendo conectar con un público más adulto, algo que hasta ahora apenas ha explorado en este terreno.

La especulación sobre el casting no se ha hecho esperar. Brie Larson y Charlize Theron son los nombres que más se repiten entre los fans. La primera, por su experiencia superheroica y su cercanía previa con Nintendo; la segunda, por su potencia física y presencia en el cine de acción. Aun así, muchos jugadores defienden que Samus necesita algo más que un rostro famoso: una actriz capaz de transmitir carácter, silencio y determinación sin apoyarse constantemente en el diálogo.

Metroid

Los intentos fallidos

No sería la primera vez que Metroid intenta llegar a Hollywood. A principios de los 2000 se habló de un proyecto con John Woo al frente que nunca llegó a materializarse. Más recientemente, otros insiders han apuntado a Universal como posible interesada en integrar la saga dentro de un universo cinematográfico conectado con Mario. Además, los propios informes financieros de Nintendo dejan claro que hay más películas en camino, aunque sin especificar cuáles.

Eso sí, conviene mantener los pies en el suelo. Todo depende del rendimiento de los próximos estrenos de Nintendo en cine, especialmente Zelda. Si esos proyectos funcionan, Metroid tendría muchas más papeletas para recibir luz verde definitiva. Hasta entonces, estamos ante un rumor sólido, pero rumor al fin y al cabo.

Mientras esperamos noticias oficiales, siempre queda el refugio seguro: volver a los juegos. Ya sea explorando Metroid Prime 4: Beyond o revisitando clásicos como Super Metroid, la saga sigue demostrando por qué Samus Aran es uno de los iconos más potentes del videojuego. Y si algún día da el salto al cine, todo apunta a que no será una adaptación cualquiera, sino una apuesta clave para el futuro audiovisual de Nintendo.

Pixar apunta alto con Hoppers: la película más divertida del estudio según las primeras reacciones

Hoppers

Las primeras impresiones colocan Hoppers más cerca de Inside Out 2 que de los últimos tropiezos del estudio

Pixar apunta alto con Hoppers: la película más divertida del estudio según las primeras reacciones

Pixar vuelve a estar en boca de todos y, esta vez, por las razones correctas. Hoppers, su próxima gran apuesta animada, ya ha sido vista por un pequeño grupo de críticos y periodistas, y las reacciones iniciales no dejan lugar a dudas: el estudio podría haber firmado una de sus películas más divertidas en años. No solo se habla de carcajadas constantes, sino de una sensación que muchos fans llevaban tiempo esperando: Pixar recupera esa chispa creativa capaz de combinar humor desatado, emoción genuina y una idea imposible que acaba funcionando. Para muchos, Hoppers apunta más a Inside Out 2 que a decepciones recientes como Elio.

La nueva película de Pixar

Drew Taylor, de The Wrap, ha sido uno de los primeros en lanzar el titular que ha incendiado las redes: “#Hoppers es la película más divertida que ha hecho Pixar”. Pero su entusiasmo no se queda ahí. Según el crítico, la cinta está rebosante de ideas, gags visuales y corazón, con diseños de personajes adorables y un mensaje medioambiental muy marcado.

Taylor destaca además un detalle clave: es una película que no se parece a ninguna otra de Pixar, pero que al mismo tiempo encaja perfectamente en su ADN. Una combinación complicada que el estudio no siempre ha logrado en los últimos años.

Humor salvaje sin perder la emoción

Daniel Howat, de Next Best Picture, coincide en el tono general y subraya que Hoppers es genuinamente desternillante, con una historia que se vuelve cada vez más absurda y desatada, pero sin olvidar el componente emocional que define al estudio.

Por su parte, Tyler Taing, de Discussing Film, describe la película como una de las propuestas más originales, emotivas y alocadas que Pixar ha firmado en mucho tiempo. Una opinión compartida por la mayoría de críticos que han podido verla antes de su estreno.

Una de las mejores películas no secuela de Pixar

Uno de los comentarios más reveladores llega de Chris Killian, de ComicBook, quien afirma que Hoppers es una de las mejores películas no secuela que Pixar ha hecho en bastante tiempo. Una frase que pesa especialmente en una etapa donde las continuaciones parecen dominar la estrategia del estudio.

Este detalle refuerza la idea de que Pixar todavía es capaz de sorprender con historias nuevas, sin depender de franquicias consolidadas ni personajes ya conocidos.

Pixar apunta alto con Hoppers: la película más divertida del estudio según las primeras reacciones

Una premisa tan extraña como irresistible

En cuanto a su historia, Hoppers no se anda con medias tintas. La película sigue a Mabel, una adolescente que transfiere su conciencia a un castor robótico con el objetivo de ayudar a la comunidad animal. Sí, es tan raro como suena, y precisamente ahí está gran parte de su atractivo.

Pixar lleva décadas demostrando que las ideas más absurdas pueden convertirse en relatos profundamente humanos, y las primeras reacciones indican que aquí el equilibrio entre locura, humor y mensaje está especialmente afinado.

El contexto complicado del estudio

El estreno de Hoppers llega en un momento delicado para Pixar. Durante la pandemia, títulos como Onward, Soul, Luca o Turning Red mantuvieron el nivel creativo, pero su paso casi exclusivo por streaming les restó impacto en salas.

Después vino una etapa irregular: Elemental logró una remontada notable en taquilla y Inside Out 2 se convirtió en la película más taquillera de la historia de Pixar, mientras que Lightyear y Elio dejaron sensaciones bastante más frías entre público y crítica.

Pixar apunta alto con Hoppers: la película más divertida del estudio según las primeras reacciones

¿El gran punto de inflexión?

En ese contexto, Hoppers se presenta como una posible corrección de rumbo, apostando por originalidad pura, humor sin complejos y emoción clásica. Justo lo que muchos esperan cuando piensan en Pixar.

La película cuenta con un reparto de voces encabezado por Piper Curda, Bobby Moynihan, Jon Hamm y Kathy Najimy, y llegará a los cines el 6 de marzo.

Si las primeras impresiones no exageran, Pixar podría estar a punto de firmar una de sus películas más celebradas de los últimos años.

Popeye y Dagwood se cuelan en Savage Dragon y acompañan a Mickey Mouse en el número más salvaje de Erik Larsen

Popeye

El cómic aprovecha el dominio público para cruzar a Popeye y Dagwood en una historia que solo podía publicarse ahora

Popeye y Dagwood se cuelan en Savage Dragon y acompañan a Mickey Mouse en el número más salvaje de Erik Larsen

Hay cómics que llegan cuando tienen que llegar. Y luego está Savage Dragon #278, un número que no habría sido posible unos meses antes y que demuestra hasta qué punto Erik Larsen sigue jugando en otra liga. Con un retraso editorial que parecía anecdótico, el veterano autor ha terminado convirtiendo el calendario en parte del propio guion, colando a varios iconos clásicos justo en el momento exacto en el que entran en dominio público. El resultado es una auténtica locura: Popeye, Dagwood y Mickey Mouse compartiendo páginas con los Dragon, todo bajo el paraguas de Savage Dragon, la serie que Larsen lleva escribiendo y dibujando desde hace más de tres décadas sin pedir permiso a nadie.

Popeye y Dagwood se cuelan en Savage Dragon y acompañan a Mickey Mouse en el número más salvaje de Erik Larsen

El poder del dominio público

Desde hace años, Savage Dragon se ha convertido en un laboratorio creativo sin frenos, especialmente en lo que respecta al uso de personajes que han pasado a dominio público. Larsen ya había levantado ampollas al introducir una versión temprana de Mickey Mouse en etapas recientes, retratándolo como una figura decadente, provocadora y profundamente incómoda.

En Savage Dragon #278, publicado finalmente a finales de enero de 2026 pese a estar previsto originalmente para abril de 2025, el autor aprovecha ese desfase temporal como arma narrativa. Si el cómic hubiese salido en la fecha inicial, algunos de los personajes que aparecen simplemente no podrían estar ahí.

Popeye entra en escena pero no como lo recuerdas

El primer gran invitado es Popeye el Marino, que aparece antes incluso que la versión que IDW planea utilizar en The Rocketeer. Larsen se adelanta y lo introduce en los muelles, compartiendo escena con Tyrone Dragon mientras observa los barcos ir y venir.

Eso sí, no esperes al Popeye heroico y fanfarrón de los dibujos animados. Aquí es un personaje derrotado, casi patético, que acompaña a Olive Oyl mientras ella tiene una cita con otro hombre. Una versión amarga y desmitificada que encaja perfectamente con el tono cínico de la serie.

Poco después, Popeye acaba envuelto en un violento enfrentamiento con los Vicious Fishes, una amenaza submarina que se convierte en el eje del número y que pone en jaque incluso a los personajes más curtidos.

Un guiño pulp desde las profundidades

Uno de los momentos más curiosos del cómic llega con la aparición fugaz de un nadador rubio que no dura demasiado con vida. Puede parecer un secundario sin importancia, pero en realidad se trata de Lt. Brad Fletcher, un personaje rescatado de Champion Comics de finales de los años 30.

Popeye y Dagwood se cuelan en Savage Dragon y acompañan a Mickey Mouse en el número más salvaje de Erik Larsen

Fletcher protagonizó Neptina, Queen of the Deep, una historia pulp en la que investigaba submarinos desaparecidos y acababa implicado en guerras submarinas gracias a un casco-burbuja para respirar bajo el agua. Larsen recupera esta pieza olvidada del cómic clásico solo para recordarnos que en Savage Dragon nadie está a salvo, ni siquiera las reliquias del pasado.

El regreso más incómodo

Como si Popeye no fuera suficiente, Mickey Mouse regresa con cuentas pendientes. La versión “early Mickey” que Larsen utiliza, basada en sus primeras encarnaciones ya en dominio público, vuelve con sed de venganza contra la familia Dragon.

Y no viene solo. A su lado aparece Peg Leg Pete, su antagonista clásico, que también ha entrado recientemente en dominio público. El encuentro es tan surrealista como inquietante, y reafirma la idea de que Larsen no utiliza estos personajes como homenaje, sino como bisturí para diseccionar el mito cultural que representan.

Dagwood llega por los pelos literalmente

La última gran sorpresa del número es Dagwood, el eterno compañero de Blondie. Su inclusión es especialmente llamativa porque solo ocurre gracias al retraso del cómic: Dagwood pasó a dominio público apenas unas semanas antes de la publicación real del número.

Si Savage Dragon #278 hubiera salido en abril de 2025, Dagwood simplemente no estaría ahí. Larsen lo introduce casi como una broma metanarrativa, recordando al lector que el tiempo, en este caso, juega a favor del caos creativo.

La gran pregunta ahora es evidente: ¿veremos a Blondie en el número 279? Si el calendario vuelve a hacer de las suyas, no sería nada raro.

Popeye y Dagwood se cuelan en Savage Dragon y acompañan a Mickey Mouse en el número más salvaje de Erik Larsen

Un cómic que sigue rompiendo límites

Savage Dragon #278, publicado por Image Comics y creado íntegramente por Erik Larsen, pone el foco en Tyrone Dragon, uno de los hijos del Dragón, enfrentándose en solitario a una invasión submarina. Un niño de nueve años contra horrores marinos, con invitados inesperados del cómic y la animación clásica.

A estas alturas, queda claro que Savage Dragon no tiene intención de frenar. Con cada nuevo personaje que entra en dominio público, la serie amplía su campo de juego. Y sí, con Batman y Superman acercándose peligrosamente a ese estatus en el futuro, la pregunta no es si aparecerán… sino cuándo.

Un héroe original de la Liga de la Justicia se vuelve oficialmente malvado después de 85 años

Liga de la Justicia

Hawkman, fundador de la Liga de la Justicia, deja atrás cualquier ambigüedad moral y cruza definitivamente la línea

Un héroe original de la Liga de la Justicia se vuelve oficialmente malvado después de 85 años

La revelación llega en Absolute Superman #16, con guion de Jason Aaron y arte de Juan Ferreyra, y no exageramos al decir que el origen de este nuevo Hawkman es uno de los más brutales que ha firmado DC en años.

Un origen que borra al héroe clásico de un plumazo

El simple vistazo a la portada ya dejaba claro que algo iba muy mal. El choque entre el nuevo Superman y Hawkman prometía violencia, pero lo realmente perturbador llega al descubrir cómo nace esta versión de Carter Hall. Aquí no hay caída progresiva ni corrupción lenta: Hawkman nace literalmente en un baño de sangre.

El arma icónica del personaje, su mazo con pinchos, ya no es solo un símbolo guerrero, sino el centro de una mitología oscura aún por desentrañar. Este artefacto no solo le concede las alas, sino también una misión basada en la venganza, la ejecución y la supremacía.

El Universo Absolute empieza a enseñar su verdadero rostro

Y como suele ocurrir en el Absolute Universe, nada existe de forma aislada. El número deja pistas muy claras de que Black Adam podría ser el “Rey Shazam” de esta realidad alternativa, ampliando una cosmología mística que parece diseñada para justificar la violencia como orden natural.

Todo apunta a que Hawkman no es una excepción, sino una pieza más dentro de un mundo donde los poderes sobrenaturales no elevan al héroe, sino que lo empujan hacia decisiones extremas y, en muchos casos, irreversibles.

Hawkman ya ha cruzado la línea y no hay vuelta atrás

Por si quedaban dudas sobre su alineamiento, Hawkman ya tiene sangre de héroe en las manos. En Absolute Evil #1, Carter Hall asesina a Green Arrow, actuando directamente al servicio de las fuerzas antagonistas. No es un error ni una manipulación mental: es una decisión consciente.

Un héroe original de la Liga de la Justicia se vuelve oficialmente malvado después de 85 años

Lo más inquietante es que este Hawkman sigue considerándose uno de “los buenos”. Desde su punto de vista, la violencia es una herramienta legítima para imponer el orden en un mundo que ya nació roto.

Cuando la historia se reescribe desde la brutalidad

Las páginas de adelanto muestran su participación en conflictos históricos como la Segunda Guerra Mundial, junto a los llamados Peacemakers. Esto sugiere que la historia del mundo ha sido reconfigurada bajo una lógica mucho más autoritaria, donde el bien y el mal dependen del bando que empuña el arma más grande.

En un universo moldeado por Darkseid, la pregunta no es si Hawkman es un villano, sino qué significa realmente ser un héroe cuando la moral queda subordinada al poder.

La maldición de reinventarse una y otra vez

Desde su creación en los años 40, Hawkman siempre ha sido uno de los personajes más problemáticos y fascinantes de DC. Reencarnaciones, viajes en el tiempo, orígenes contradictorios y reinterpretaciones constantes han convertido a Carter Hall en un héroe casi imposible de fijar en una sola versión definitiva. Precisamente por eso, el Universo Absolute parece el terreno perfecto para llevar esa confusión un paso más allá, transformando su eterna dualidad en algo mucho más violento y explícito.

A diferencia de otros héroes reinventados en esta línea editorial, Hawkman no se limita a cambiar de tono, sino de función narrativa. Donde antes era un guerrero trágico que luchaba contra su propio pasado, ahora es un instrumento directo de la brutalidad del mundo que habita, más cercano a una fuerza imparable que a un protector clásico. Esa evolución lo coloca en un punto incómodo, pero también coherente, dentro de una realidad donde el heroísmo ya no es una virtud… sino una excusa.

Un héroe original de la Liga de la Justicia se vuelve oficialmente malvado después de 85 años

Un Hawkman irreconocible y por eso mismo fascinante

DC no está jugando a la nostalgia. Está provocando al lector, obligándole a replantearse iconos que llevan más de ocho décadas en pie. Este Hawkman no busca redención, ni equilibrio, ni justicia poética. Busca victoria.

Las respuestas llegarán cuando Absolute Superman #16 se publique el 4 de febrero, pero una cosa ya está clara: el Hawkman clásico ha muerto, y lo que ocupa su lugar es algo mucho más peligroso.

Blumhouse prepara su nueva pesadilla política con un exorcismo en la Casa Blanca

Blumhouse

El terror sobrenatural se cuela en el despacho oval con una adaptación de la mano de Blumhouse que mezcla demonios, poder y tensión política

Blumhouse prepara su nueva pesadilla política con un exorcismo en la Casa Blanca

Hay lugares que parecen intocables… hasta que el terror decide instalarse en ellos. La Casa Blanca es el nuevo escenario elegido por el horror, y no hablamos de metáforas políticas. El cómic The Exorcism at 1600 Penn dará el salto al cine con una adaptación que promete ser tan incómoda como fascinante. La noticia ha despertado el interés de los fans del género: Blumhouse y Atomic Monster han puesto el ojo en esta historia publicada por IDW, convencidos de que aquí hay algo más que simples sustos. Hay actualidad, simbolismo y una premisa que conecta directamente con el clima político contemporáneo.

Una adaptación que mezcla exorcismos y poder

El proyecto adapta la serie creada por Hannah Rose May y la artista Vanesa Del Rey, una obra que ya destacó por fusionar el terror de posesiones clásicas con el thriller político. Una combinación poco habitual, pero tremendamente efectiva en papel.

En el centro del relato está Kelly Doyle, recién elegida como la primera presidenta de Estados Unidos. Mientras lidia con la presión mediática, la maternidad y una posible crisis internacional, algo demoníaco comienza a manifestarse en el interior de la Casa Blanca, transformando el poder en un auténtico campo de batalla espiritual.

Blumhouse y Atomic Monster, una alianza muy medida

La película estará producida por Jason Blum para Blumhouse, junto a Atomic Monster, la compañía de James Wan especializada en terror de alto impacto. Una unión que parece hecha a medida para este material tan particular.

Desde la productora lo tienen claro. Ryan Turek, productor ejecutivo, explicó que lo que más les atrajo fue el tono realista y urgente de la historia, capaz de unir el horror sobrenatural con tensiones políticas actuales de una forma profundamente humana.

IDW respalda el salto al cine

Detrás del acuerdo también está IDW Publishing, con su CEO Davidi Jonas implicado como productor ejecutivo. Una señal clara de confianza en el potencial cinematográfico del cómic, que ya funcionó muy bien entre los lectores.

La propia Hannah Rose May ha celebrado la adaptación como un sueño cumplido, destacando que Blumhouse ha definido el terror moderno para toda una generación y agradeciendo a IDW su apoyo constante para llevar esta historia a nuevas audiencias.

Blumhouse prepara su nueva pesadilla política con un exorcismo en la Casa Blanca

Una franquicia con futuro más allá de Washington

Y ojo, porque esto no acaba aquí. La serie ya cuenta con una secuela en viñetas titulada The Exorcism at Buckingham Palace, lo que abre la puerta a una expansión internacional si la película funciona en taquilla.

Si el proyecto tiene éxito, Blumhouse podría sumar una nueva franquicia a su catálogo, explorando el terror desde los centros de poder más emblemáticos del mundo, algo poco habitual dentro del género.

Terror institucional con sello Blumhouse

No es casualidad que Blumhouse haya apostado por este proyecto. La productora lleva años redefiniendo el terror, combinando ideas potentes con presupuestos ajustados y conceptos muy reconocibles.

En este caso, el choque entre rituales demoníacos y política internacional puede dar lugar a una película tan provocadora como distinta, donde el miedo no solo venga de lo sobrenatural, sino también de las decisiones humanas.

Una apuesta oscura y poco convencional

El estilo visual de Vanesa Del Rey, crudo y perturbador, marca una referencia clara para la adaptación. Todo apunta a un tono oscuro, incómodo y alejado del terror más comercial, algo que encaja perfectamente con la filosofía de Blumhouse.

Blumhouse prepara su nueva pesadilla política con un exorcismo en la Casa Blanca

A falta de director y reparto confirmados, The Exorcism at 1600 Penn ya se perfila como una de las adaptaciones de cómic más originales dentro del terror reciente, demostrando que incluso los lugares más poderosos del mundo pueden ser vulnerables al mal.

Absolute Flash confirma una muerte clave en DC y presenta una nueva fuerza de la velocidad

Barry Allen vuelve, pero no como esperabas, y el origen del poder de Wally West da un giro inquietante en Absolute Flash

El Universo Absolute de DC vuelve a sacudir a los fans con una revelación que cambia las reglas del juego. Absolute Flash #11 no solo despeja uno de sus mayores misterios, sino que lo hace de la forma más dura posible: Barry Allen está oficialmente muerto. Y no, no hablamos de una muerte ambigua o reversible al estilo clásico del cómic superheroico.

Desde su primer número, Absolute Flash ha jugado a despistar. ¿Qué ocurrió realmente con Barry Allen? ¿De dónde procede la velocidad de Wally West? La nueva entrega de la serie no se limita a responder… también abre un melón cósmico que puede redefinir el concepto mismo de la Fuerza de la Velocidad dentro de DC.

La muerte de Barry Allen y el origen del misterio

Wally West aparece atrapado en otra dimensión, completamente aislado, cuando se reencuentra con Barry Allen. Pero este Barry no es el héroe de siempre: se manifiesta como una figura espectral teñida de rojo, casi un eco de lo que fue. Sin rodeos, confirma lo impensable: está muerto, aunque su conciencia sigue existiendo en ese extraño lugar junto a otros seres que corrieron la misma suerte.

absolute flash

Lejos del dramatismo clásico, el encuentro tiene un tono casi científico. Barry explica que ambos se encuentran en un espacio conocido como el Punto Quieto, una dimensión fuera del tiempo, saturada de una energía primigenia que él define como “la sustancia roja pura de la vida”. Una fuerza tan poderosa como letal.

Absolute Flash y la nueva fuerza roja

Esa energía recibe el nombre de Red Life, y aquí llega la gran sorpresa. Barry y otros científicos alienígenas sobrevivieron a nivel mental, pero sus cuerpos fueron destruidos al entrar en contacto con ella. Wally es la excepción absoluta: el primer ser capaz de vincularse a la Red Life sin morir ni mutar por completo.

No todos corrieron la misma suerte. Eobard Thawne, el eterno antagonista, también entró en contacto con esta energía… y acabó transformado en una entidad demoníaca, lo que deja claro que este nuevo poder no es precisamente benigno.

En qué se diferencia la Red Life de la fuerza de la velocidad

Las similitudes con la clásica Fuerza de la Velocidad son evidentes. Ambas funcionan como campos energéticos extradimensionales capaces de otorgar velocidad sobrehumana a través del tiempo y el espacio. Pero aquí empiezan las diferencias clave.

Absolute Flash confirma una muerte clave en DC y presenta una nueva fuerza de la velocidad

La Red Life no se comporta como la Speed Force tradicional. Su vínculo con Barry y Wally resulta mucho más orgánico, casi biológico, lo que acerca este concepto a otra fuerza mística muy conocida en DC: The Red, la energía que conecta a toda la vida animal.

En el Universo DC clásico, The Red es la fuente de poder de personajes como Beast Boy, Vixen o Animal Man. Todos ellos pueden acceder puntualmente a supervelocidad, pero nunca alcanzan los niveles imposibles de los velocistas clásicos. Entonces, ¿por qué en el Universo Absolute parece ocupar el lugar de la Speed Force?

Darkseid, The Red y un universo corrompido desde su origen

La respuesta puede estar fuera de Absolute Flash… pero no fuera de DC. En la serie principal de The Flash, Darkseid intentó destruir la Fuerza de la Velocidad y sustituirla por una Omega Speed nacida de su corrupción.

Absolute Flash confirma una muerte clave en DC y presenta una nueva fuerza de la velocidad

En el Universo Absolute, ese paso podría no haber sido necesario. Esta realidad fue creada como un reflejo directo de la voluntad de Darkseid, lo que abre la posibilidad de que The Red haya sido manipulada desde su origen para cumplir la misma función que la Speed Force.

Esto explicaría varios elementos que los fans ya habían notado: los poderes de Wally son erráticos, funcionan en ráfagas cortas y resultan inestables, justo como ocurre con los personajes conectados a The Red en el canon tradicional.

un Flash más peligroso y un futuro incierto

La gran pregunta ahora no es solo qué es realmente la Red Life, sino cuál será su precio. Si esta energía destruye cuerpos, transforma villanos en monstruos y mantiene a Barry atrapado como una conciencia sin forma, ¿cuánto tiempo podrá Wally seguir usándola sin consecuencias? Con guion de Jeff Lemire y un apartado visual tan potente como inquietante firmado por Nick Robles, Absolute Flash se consolida como una de las reinterpretaciones más oscuras e interesantes del velocista escarlata en años.

Absolute Flash #11 ya está disponible en tiendas especializadas, y todo apunta a que la velocidad en el Universo Absolute nunca volverá a ser la misma.

Las caras de Jared Leto relacionadas con el cine de cómic

Jared Leto

Personajes interpretados por Jared Leto en el cine de cómic.

Hay diversos actores que, a lo largo de su carrera, han dado vida a personajes que, de un modo u otro, están relacionados con el mundo del cómic. Un caso claro lo tenemos con Jarede Leto, actor que, hasta la fecha, ha sido elegida en ocho ocasiones distintas para interpretar cinco papeles diferentes, con mayor o menor protagonismo, tal y como se puede comprobar si se continúa leyendo este artículo.

Joker

Jared Leto Joker

Aunque puede que el Príncipe Payaso del Crimen sea uno de los papeles más recordados de Jared Leto, no se puede decir que sea precisamente por su brillante versión del personaje, ya que su actuación decepcionó a la mayor parte de los espectadores. Sin embargo, siendo fieles a la verdad, hay que reconocer que Escuadrón Suicida (2016), dirigida por David Ayer, que fue la película en la que el actor dio vida por primera vez a este criminal de Gotham, no convenció mucho al público en términos generales, más allá de la interpretación de sus actores.

No obstante, esa no fue la última vez que vimos a Jared Leto dando vida al mayor enemigo de Batman, ya que regresó para Liga de la Justicia de Zack Snyder (2021), ya que ambas películas sucedían en la misma continuidad y el Joker tenía algo que decir en las dos. De hecho, lo más seguro es que esta versión del villano hubiera tenido una mayor duración si la llegada de James Gunn no hubiera supuesto un reinicio del Universo Extendido de DC.

Nlander Wallace

Las caras de Jared Leto relacionadas con el cine de cómic

Aunque no interpreta ninguno de los papeles principales de la película, no se puede dejar de mencionar que Jared Leto se encarga de dar vida a un fabricante de replicantes en el filme titulado Blade Runner 2049 (2017).

Pese a que, tras la película que acabamos de citar, esta franquicia futurista no ha tenido más entregas, al menos hasta la fecha actual, no es la única vez que se ha podido ver a Jared Leto metiéndose en la piel de Nlander Wallace, ya que el personaje también hizo acto de presencia en el corto titulado Blade Runner 2036: Nexus Caídos (cuyo estreno también tuvo lugar en 2017), el cual, tal y como indica su nombre, funciona como precuela de la película mencionada en el párrafo anterior.

Michael Morbius

Las caras de Jared Leto relacionadas con el cine de cómic

Hubo una época en la que, por algún motivo, Sony pensó que era una buena idea hacer películas de secundarios de Spiderman sin la presencia Peter Parker ni de su alter ego. Una de ellas está bastante relacionada con Jared Leto, ya que fue el actor protagonista de Morbius (2022), un filme sobre este famoso vampiro de Marvel cuyo fracaso supuso un clavo más en el ataúd de esta serie de largometrajes, sobre todo después de que el tráiler se burlara descaradamente de los espectadores al dar a entender que el héroe arácnido aparecería en el filme.

Ni siquiera la aparición del Buitre de Michael Keaton en la escena post-créditos de la película, como ya comentamos en su momento, en un ya olvidado intento de fusionar esta saga con el Universo Cinematográfico de Marvel, sirvió para salvar la película de Morbius. De hecho, si Adrian Toomes regresa en algún proyecto del UCM, lo más seguro es que no se haga ninguna mención al cambio de universo, ahora totalmente carente de sentido, que acabamos de mencionar.

Ares

Las caras de Jared Leto relacionadas con el cine de cómic

Contrariamente a lo que podría dar a entender el título de este apartado del artículo, Jared Leto no está interpretando en la película Tron: Ares al dios griego de la guerra sino a un programa muy sofisticado que saltó del mundo virtual al real para llevar a cabo una peligrosa misión.

Al igual que hizo cuando se encargó de dar vida al fabricante Nlander Wallace, en este caso Jared Leto volvió a meterse en la virtual piel del protagonista de este apartado en el cortometraje Tron: Un vistazo especial de Ares (que también vio la luz en el año 2025).

Skeletor

Las caras de Jared Leto relacionadas con el cine de cómic

No podemos poner punto y final a este listado de los personajes relacionados con el mundo del cómic que ha encanado Jared Leto sin hacer mención de este icónico villano, pese a que aún no hemos podido ver la versión que ofrecerá el actor, ya que este ser cadavérico será el principal antagonista de la película Masters del Universo, que no llegará a las salas de cine hasta el mes de junio de este mismo año.

Aún es demasiado pronto para saber si esta película llegará a contar con la acogida suficiente como para tener una segunda parte, por lo que tampoco podemos adivinar si Jared Leto volverá a transformarse en Skeletor o si este filme será su presentación y despedida como el mayor enemigo de Eternia, aunque no tardaremos demasiado en salir de dudas.