Marvel prepara su siguiente gran movimiento mutante tras X-Men y podría llegar antes de lo esperado

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Una nueva serie de Marvel Studios podría ampliar el universo mutante del UCM en 2028 con personajes todavía desconocidos

Marvel prepara su siguiente gran movimiento mutante tras X-Men y podría llegar antes de lo esperado

Marvel parece decidida a que los mutantes tengan mucho más peso en el futuro del Universo Cinematográfico de Marvel. Con la nueva película de X-Men ya situada en el horizonte, ahora ha aparecido un rumor que apunta a que el estudio estaría trabajando también en una serie protagonizada por un mutante o incluso por todo un grupo de ellos. La información procede del insider James Mack, quien asegura haber conocido la existencia de un proyecto televisivo mutante actualmente en desarrollo en Marvel Studios. Según su publicación en X, la compañía tendría la intención de estrenarlo en algún momento de 2028, un año especialmente importante para los hijos del átomo dentro del UCM.

La nueva serie mutante de Marvel podría llegar en 2028

Mack afirma que ha sabido que Marvel Studios desarrolla una serie relacionada con uno o varios mutantes, aunque no ha ofrecido nombres de personajes ni pistas concretas sobre la trama. «Acabo de enterarme de que una serie relacionada con un mutante o un grupo de mutantes está en desarrollo en Marvel Studios, actualmente prevista para 2028», explicó.

Por ahora conviene tratar la información con bastante prudencia. Marvel Studios no ha anunciado oficialmente esta supuesta serie, tampoco ha confirmado su ventana de estreno ni ha revelado si formaría parte directamente de los planes relacionados con los próximos X-Men. No hay datos conocidos sobre reparto, formato, guionistas o responsables creativos.

Marvel podría aprovechar la serie para explorar otros mutantes

Precisamente esa ausencia de información abre un abanico enorme de posibilidades. Una producción televisiva permitiría a Marvel presentar personajes mutantes alejados de los miembros más famosos de los X-Men, algo especialmente útil en un universo que cuenta con décadas de historias y cientos de héroes y villanos potencialmente aprovechables.

Marvel podría recurrir a grupos como X-Force, X-Factor, los Nuevos Mutantes o incluso personajes individuales con suficiente peso como para sostener una serie propia. También existiría la posibilidad de que el proyecto sirviese para contar cómo empieza a cambiar la sociedad del UCM a medida que la existencia de los mutantes deja de ser una excepción.

Los X-Men ya tienen fecha para entrar con fuerza en el UCM

El gran punto de inflexión debería llegar con la próxima película de los X-Men de Marvel Studios, prevista para el 5 de mayo de 2028. El proyecto está llamado a convertirse en uno de los capítulos fundamentales de la siguiente etapa del universo compartido, especialmente después de años introduciendo conceptos relacionados con los mutantes poco a poco.

Si el rumor de la serie termina siendo cierto, resulta especialmente llamativo que ambos proyectos estén previstos para el mismo año. Marvel podría estar preparando una estrategia similar a la utilizada durante otras fases del UCM, utilizando cine y televisión para desarrollar diferentes partes de un mismo conflicto o presentar personajes antes de reunirlos posteriormente.

Marvel prepara su siguiente gran movimiento mutante tras X-Men y podría llegar antes de lo esperado

El terreno mutante ya se está preparando

La presencia mutante tampoco surgiría de la nada. Marvel lleva tiempo introduciendo piezas relacionadas con los X-Men y el concepto de los mutantes, ya sea mediante personajes concretos, referencias directas o conexiones con anteriores universos cinematográficos.

Según la información publicada sobre los próximos proyectos del estudio, Spider-Man: Brand New Day ampliará también este frente mediante Jean Grey, personaje asociado históricamente a los X-Men. Este tipo de incorporaciones podría servir para normalizar progresivamente la presencia mutante antes de que llegue la película principal del grupo.

Avengers: Doomsday reunirá a varios X-Men clásicos

Otro proyecto especialmente importante será Avengers: Doomsday. La película contará con varios actores procedentes de las anteriores películas de X-Men, entre ellos Patrick Stewart como Charles Xavier, Ian McKellen como Magneto y James Marsden como Cíclope.

Su regreso podría convertirse en algo más que un simple ejercicio de nostalgia. La Saga del Multiverso permite recuperar versiones anteriores de numerosos personajes, y Marvel podría utilizar estos encuentros para preparar la transición hacia una generación completamente integrada dentro de la continuidad principal del UCM.

Deadpool y Loki ya abrieron la puerta

La propia estructura del multiverso facilita esta clase de movimientos. La Autoridad de Variación Temporal, presentada inicialmente en Loki, ha terminado convirtiéndose en una herramienta especialmente útil para conectar diferentes realidades y franquicias.

Deadpool y Lobezno explotó directamente esas posibilidades, combinando elementos del UCM con personajes y referencias vinculadas durante años al universo cinematográfico de los X-Men. La llegada definitiva de los mutantes parece ahora una cuestión de cuándo y cómo, más que una posibilidad lejana.

Marvel prepara su siguiente gran movimiento mutante tras X-Men y podría llegar antes de lo esperado

Marvel necesita algo más que una película de X-Men

Una serie situada alrededor de 2028 tendría además bastante sentido desde un punto de vista narrativo. Los mutantes funcionan especialmente bien cuando existe espacio para desarrollar sus conflictos sociales, sus diferentes facciones y las relaciones entre numerosos personajes, algo complicado de condensar únicamente en películas de dos horas.

Todavía queda por descubrir quién podría protagonizar este supuesto proyecto. Pero si finalmente Marvel confirma la información, 2028 podría convertirse en el verdadero año de los mutantes dentro del UCM, con los X-Men ocupando las salas de cine mientras Disney+ abre otro frente para ampliar uno de los rincones más extensos del universo Marvel.

The Walking Dead cierra una batalla de cuatro años, pero AMC tendrá que pagar una auténtica fortuna

The Walking Dead Daryl Dixon

Robert Kirkman y varios productores de The Walking Dead ponen fin a un largo conflicto con AMC que todavía deja otro frente legal abierto

Durante años, los caminantes no han sido el único problema alrededor de una de las franquicias televisivas más importantes de AMC. The Walking Dead también ha arrastrado una complicada historia judicial relacionada con el reparto de sus enormes beneficios, una batalla mucho menos sangrienta que las vividas por Rick Grimes y compañía, aunque con cantidades de dinero capaces de provocar algún que otro infarto.

Ahora, uno de esos conflictos finalmente llega a su desenlace. AMC Global Media y Robert Kirkman, creador del cómic original de The Walking Dead, han alcanzado un acuerdo para cerrar la demanda presentada hace cuatro años, poniendo fin a una disputa en la que también estaban implicados varios nombres fundamentales de la adaptación televisiva.

La demanda de The Walking Dead termina con un acuerdo millonario

Según la información publicada por The Hollywood Reporter, AMC pagará un total de 120 millones de dólares, alrededor de 102 millones de euros al cambio actual, para resolver el enfrentamiento con Kirkman y los productores Glen Mazzara, David Alpert, Charles Eglee y Gale Anne Hurd.

Eso sí, el dinero no llegará en un único pago. AMC desembolsará 85 millones de dólares antes del 18 de septiembre de 2026, mientras que los 35 millones restantes deberán abonarse antes del 31 de enero de 2027. Esta última cantidad funcionará como un anticipo relacionado con futuras participaciones económicas contempladas en los contratos firmados por las partes.

The Walking Dead cierra una batalla de cuatro años, pero AMC tendrá que pagar una auténtica fortuna

En el comunicado conjunto con el que ambas partes han confirmado el final del conflicto se evita cualquier tono especialmente beligerante. “Las partes esperan poder compartir el éxito continuado de la franquicia durante muchos años más”, señalaron, dejando claro que el acuerdo busca cerrar heridas y mantener funcionando una marca que todavía sigue teniendo mucho recorrido.

El verdadero problema estaba en cómo se repartían los beneficios

La disputa estaba relacionada principalmente con los derechos de participación en los beneficios generados por The Walking Dead y su primer spin-off, Fear the Walking Dead. En otras palabras, el conflicto giraba alrededor de cómo AMC calculaba el dinero generado por las series y qué porcentaje correspondía posteriormente a determinados creadores y productores.

La cuestión puede parecer puramente contable, pero cuando hablamos de una franquicia internacional con temporadas, licencias, distribución, merchandising y múltiples producciones derivadas, pequeñas diferencias en la fórmula utilizada para calcular los beneficios pueden traducirse en decenas de millones de dólares.

The Walking Dead cierra una batalla de cuatro años, pero AMC tendrá que pagar una auténtica fortuna

Además, Kirkman no ha sido precisamente el primero en enfrentarse a AMC por este asunto. Mucho antes de este acuerdo, Frank Darabont, responsable de desarrollar inicialmente The Walking Dead para televisión, inició su propia batalla judicial contra la cadena, acompañado por la agencia Creative Artists Agency.

Frank Darabont ya logró otro acuerdo todavía mayor

Aquella demanda comenzó en 2013 y terminó convirtiéndose en uno de los grandes antecedentes del conflicto actual. AMC alcanzó finalmente en 2021 un acuerdo de unos 200 millones de dólares con Darabont y CAA, una cifra superior incluso a la que ahora recibirá el grupo encabezado por Kirkman.

Darabont había sido una pieza esencial durante el nacimiento de la adaptación televisiva. El cineasta de Cadena perpetua y La milla verde dirigió el episodio piloto y ejerció como showrunner durante la primera etapa de la serie antes de abandonar la producción. Su posterior enfrentamiento con AMC puso bajo la lupa la manera en la que la compañía contabilizaba los ingresos de The Walking Dead.

The Walking Dead cierra una batalla de cuatro años, pero AMC tendrá que pagar una auténtica fortuna

Aquel precedente terminó teniendo consecuencias mucho más amplias. Las dudas sobre las fórmulas utilizadas para calcular los beneficios de la franquicia animaron a otros participantes creativos a reclamar el dinero que consideraban que les correspondía, convirtiendo el éxito económico de la serie en el origen de varias disputas judiciales.

El universo de The Walking Dead continúa pese a las demandas

Resulta especialmente llamativo que todos estos enfrentamientos hayan coincidido con una etapa en la que AMC ha seguido exprimiendo el universo creado por Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard. Aunque la serie principal terminó en 2022 después de once temporadas, The Walking Dead nunca desapareció realmente de la televisión.

Después llegaron producciones como The Walking Dead: Dead City, centrada en Maggie y Negan; The Walking Dead: Daryl Dixon, con Norman Reedus llevando al personaje hasta Europa; y The Walking Dead: The Ones Who Live, que permitió recuperar a Rick Grimes y Michonne. A ellas hay que sumar proyectos anteriores como Fear the Walking Dead, World Beyond o la antología Tales of the Walking Dead.

Todo ello demuestra por qué las participaciones económicas tienen tanta importancia. The Walking Dead dejó hace tiempo de ser simplemente una serie para convertirse en una propiedad audiovisual capaz de generar nuevas historias durante años, incluso después del final de la producción que inició el fenómeno en 2010.

Reseña de Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl

Panini Comics recupera en Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl la etapa en la que Kara Zor-El aprendió por fin a volar sola

Chicago, 1982. Nieve sucia en las aceras, un apartamento diminuto en un edificio donde los vecinos se conocen de toda la vida y un campus en el que nadie levanta la vista de los apuntes. Ahí aterriza una estudiante de psicología llamada Linda Danvers, que ha dejado atrás Metrópolis, un trabajo de actriz que nunca acabó de cuadrarle y, sobre todo, la sombra enorme de su primo. No viene a salvar el mundo. Viene a sacarse un doctorado, a pagar el alquiler y a averiguar quién es cuando nadie la compara con nadie. Que además pueda parar un tren con una mano es casi un detalle administrativo, aunque sea el que la mete en todos los líos. Esa mezcla de rutina universitaria y capa roja es la que rescata Panini Comics en Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl.

Reseña de Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl

Una kryptoniana con matrícula en Lake Shore

La premisa es sencilla y justo por eso funciona. Supergirl se muda a Chicago, se matricula en la universidad Lake Shore y levanta una vida desde cero. Hay una casera con un pasado doloroso, hay compañeros de facultad, hay un jefe rarísimo en el departamento de psicología y hay un novio que no siempre dice la verdad. Alrededor de ese día a día, el guionista Paul Kupperberg va colocando amenazas nuevas en lugar de reciclar las de su primo. Aparece Psi, una telépata desbocada que confunde a Kara con un monstruo. Aparece Reactron, un veterano de Vietnam convertido en reactor andante. Aparece The Gang, un cuarteto de matones que acaba llevando a la protagonista a cruzarse con la Patrulla Condenada.

El punto más alto llega con Blackstarr, una científica que resuelve la teoría del campo unificado y usa ese poder para liderar un grupo neonazi. Kupperberg podría haberse quedado en el chiste fácil de la villana con esvástica. En lugar de eso conecta a la villana con la anciana del portal, superviviente de Auschwitz, y convierte una pelea cósmica en un asunto íntimo. Es un cómic de 1983 que habla de odio racial, de memoria y de lo que se hereda sin querer. No todo envejece igual de bien (el melodrama se dispara de vez en cuando), pero la voluntad de tratar a Kara como una adulta con problemas de adulta sigue intacta.

Reseña de Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl

Un fan escribiendo y una leyenda dibujando

Kupperberg había empezado en 1975 en Charlton Comics, todavía estudiante, y llevaba años firmando historias para los títulos de Superman que editaba Julius Schwartz en DC Comics. Era seguidor del personaje desde crío y se tomó el encargo como la ocasión de escribirla segura de sí misma. Su carrera posterior da idea del músculo del hombre. Creó a Arion, Checkmate y Takion, resucitó a la Patrulla Condenada, escribió Vigilante y años después firmó Life With Archie para Archie Comics, nominada al Eisner y al Harvey.

Al lápiz iba nada menos que Carmine Infantino, que por entonces acumulaba casi cuarenta años de oficio. Hablamos del dibujante que creó al Flash de Barry Allen en Showcase número 4 junto al guionista Robert Kanigher y arrancó con ello la Edad de Plata. Del que rediseñó a Batman en 1964 y dio forma a la Batgirl de Barbara Gordon con Gardner Fox. Del que dirigió editorialmente DC Comics desde 1967, llegó a editor en 1971 y fichó a Jack Kirby. Cuando salió de la empresa en 1976 volvió al tablero y dibujó Star Wars para Marvel Comics.

Su trabajo aquí es puro Infantino tardío. Figuras angulosas, composiciones planas y limpias, mucho poste de luz y mucha esquina de ciudad real. El entintador Bob Oksner le da un acabado suelto y elegante, y el colorista Tom Ziuko aplica esa paleta ochentera que hoy funciona como una máquina del tiempo. No es un dibujo espectacular al gusto moderno. Es un dibujo que cuenta, que sitúa a la protagonista en un mundo con peso y que en las secuencias cósmicas se permite alguna locura memorable.

De Helen Slater a Milly Alcock

Aquí llega la parte que conecta estas páginas con la pantalla. La serie recortó su nombre y estrenó traje nuevo para ir preparando el terreno a la película de 1984 que dirigió Jeannot Szwarc con Helen Slater. El plan no salió como esperaban. La cabecera se canceló con el número 23 en ese mismo 1984 y un año después Marv Wolfman y George Pérez mataban a Kara en Crisis en Tierras Infinitas. Esta fue, por tanto, la última serie regular de la Supergirl anterior a aquel borrón y cuenta nueva.

La segunda vida de este material llegó en 2016, cuando DC Comics lo recopiló en inglés al calor de la serie de televisión protagonizada por Melissa Benoist. Y la tercera es esta. El tomo español se puso a la venta un día antes del estreno de Supergirl, la película de Craig Gillespie con Milly Alcock, que adapta Supergirl: Woman of Tomorrow de Tom King y Bilquis Evely. El contraste entre ambas Karas es enorme y por eso resulta tan estimulante leerlas cerca. La de Gillespie es dura, cínica y recorre la galaxia buscando venganza. La de Kupperberg e Infantino discute con su casera, corrige exámenes y pelea por el alquiler.

Si solo conoces a Supergirl por sus versiones audiovisuales, este es un sitio estupendo para ver de dónde sale esa heroína que se empeña en ser algo más que la prima de alguien. Y si ya la conocías, aquí tienes la etapa que muchos lectores señalan como su mejor momento clásico, recuperada por fin en castellano en un único volumen. Recomendado sin reservas para quien disfrute del superhéroe ochentero y para quien quiera entender por qué Kara Zor-El se ganó su sitio.

Esta edición presentada por Panini Comics viene en un formato de rústica con solapas con un tamaño de página de 17 x 26 cm. y contiene la traducción de los números 1 a 13 de la serie original The Daring New Adventures of Supergirl y de los números 14 a 23 de su continuación Supergirl. El tomo contiene 488 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 49,95 € y se puso a la venta en junio de 2026.


Reseña de Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl

Las nuevas e intrépidas aventuras de Supergirl

Una de las etapas fundamentales en la historia de Supergirl. En la década de los ochenta, Paul Kupperberg y Carmine Infantino llevaron a Linda Danvers lejos de la seguridad de Metropolis. De las calles de Chicago a las colinas de San Francisco, la joven universitaria dará con leales nuevos amigos y poderosos enemigos, increíbles descubrimientos y terroríficos peligros, en un viaje en el que conocerá su país adoptivo y, a la vez, a ella misma.

Autores: Paul Kupperberg, Carmine Infantino, Bob Oksner y Tom Ziuko

Reseña de Sandman Mystery Theatre 2

Panini Comics sigue desenterrando una de las joyas más negras del sello Vertigo con este segundo tomo de Sandman Mystery Theatre

Nueva York, 1938. La ciudad presume de haber dejado atrás lo peor de la Gran Depresión, pero el dinero nuevo convive con callejones donde aparecen cuerpos que nadie reclama. En los salones de la alta sociedad se brinda con champán mientras los periódicos venden titulares de sangre a dos centavos. En medio de todo eso hay un hombre rico que duerme fatal. Wesley Dodds sueña con crímenes, y sus pesadillas no son simbólicas, son avisos concretos que no lo dejan en paz hasta que hace algo con ellos. Para callarlas se pone una máscara antigás, carga una pistola de gas somnífero y sale a la calle como Sandman. Sin capa, sin músculos imposibles y sin ninguna gana de ser un héroe. Ese Nueva York de trajes cruzados, humo de tabaco y moral averiada es el que vuelve a abrir Panini Comics en Sandman Mystery Theatre 2.

Reseña de Sandman Mystery Theatre 2

Sueños que huelen a depósito de cadáveres

La serie nunca se comporta como un cómic de superhéroes, ni siquiera cuando pasa cerca de uno. Los casos que resuelve Wesley son crímenes de sección de sucesos, con culpables que tienen trabajo, familia y una explicación perfectamente humana para lo que hacen. En este tramo hay un asesino que aplica conocimientos médicos sobre mujeres a las que trata como material de estudio, un carnicero que reparte los restos por la ciudad y un estrangulador obsesionado con el cuerpo perfecto. También hay alguien que se coloca una máscara idéntica a la de Sandman para asaltar a los paseantes de Central Park, lo que sitúa a Wesley en la peor posición posible, la de tener que cazar a un impostor mientras la policía lo busca a él.

Cada caso se despliega en cuatro actos, igual que un serial radiofónico de la época, y eso da a la lectura un ritmo muy reconocible. Lo que cambia de un arco a otro es el peso de lo que ocurre fuera de la investigación. Dian Belmont, hija del fiscal del distrito, deja de ser una acompañante ocasional para convertirse en el otro motor de la función, y su relación con Wesley llega en estas páginas a un punto de no retorno. Por el camino aparece Rex Tyler, un químico que ha fabricado una píldora capaz de darle una hora de fuerza descomunal, y su encuentro con Sandman funciona como el primer boceto de una alianza que la historia de DC Comics ya había escrito décadas antes.

Reseña de Sandman Mystery Theatre 2

Dos guionistas y un fantasma de la Edad de Oro

El personaje que hay debajo de la máscara antigás es muy viejo. Gardner Fox y Bert Christman lo crearon en 1939, cuando el cómic de superhéroes todavía se estaba inventando a sí mismo, y lo convirtieron en miembro fundador de la Sociedad de la Justicia de América. Durante décadas fue poco más que una reliquia simpática. En 1993, el sello Vertigo que dirigía Karen Berger decidió que aquel hombre de la máscara servía para algo bastante más interesante que el homenaje nostálgico.

Matt Wagner puso la idea sobre la mesa. Venía de crear Grendel y Mage, dos series de autor que ya demostraban su gusto por los personajes que arrastran una obsesión más grande que ellos mismos. Steven T. Seagle se incorporó al guion poco después y acabó firmando la serie a cuatro manos hasta el final. La pareja funcionó porque repartía bien el trabajo, Wagner con el armazón del misterio y Seagle con la textura de unos secundarios que aquí pesan tanto como el protagonista.

Los dos tuvieron después carreras largas y muy distintas. Wagner alternó encargos con obra propia y firmó historias de Batman y de Madame Xanadu. Seagle escribió la novela gráfica autobiográfica It’s a Bird… y cocreó Big Hero 6 para Marvel Comics, el grupo que Disney convirtió en película de animación años más tarde. Conviene recordar también que Neil Gaiman escribió un especial que cruzaba a este Sandman con el suyo, señal de que la casa se tomaba en serio a sus dos inquilinos. Quien llegue nuevo hará bien en empezar por el primer tomo de la colección, porque a estas alturas las relaciones entre los personajes ya vienen con mucho recorrido detrás.

Reseña de Sandman Mystery Theatre 2

La línea sucia que le va a esta ciudad

El dibujo es la otra mitad del carácter de la serie. Guy Davis trabaja con una línea nerviosa, casi arañada, que reparte la suciedad por igual entre los rostros y los decorados. Sus personajes tienen papadas, ojeras y ropa que cae mal, y sus interiores parecen fotografías de archivo. Fue él quien rediseñó el traje del protagonista para que pareciera ropa comprada en una tienda y no un disfraz, y años después llevaría ese mismo trazo orgánico a B.P.R.D., la serie que dibujó junto a Mike Mignola.

En estas páginas no está solo. Vince Locke se encarga de uno de los casos con un acabado más crudo y granulado. Después dibujaría A History of Violence junto a John Wagner, la novela gráfica que David Cronenberg llevó al cine. Warren Pleece firma otro de los arcos con un estilo de contrastes duros y volúmenes más rígidos que se nota bastante al venir de Davis, aunque respeta la puesta en escena de la serie. El color de David Hornung cose todo eso con una paleta apagada de marrones, verdes enfermos y rojos que solo aparecen cuando tienen que doler.

El resultado es un cómic que envejece de maravilla porque nunca buscó parecer moderno. Este segundo volumen es más duro que el anterior, hace menos concesiones y es el tramo en el que la serie deja de presentarse y empieza a jugar fuerte. Si lo suyo es el noir con crímenes incómodos y personajes que se equivocan mucho, esta es una compra segura. Si viene buscando superhéroes, mejor saberlo antes de abrirlo, porque aquí el heroísmo consiste sobre todo en no mirar hacia otro lado.

Esta edición presentada por Panini Comics viene en un formato de cartoné con un tamaño de página de 17 x 26 cm. y contiene la traducción del Annual 1 y de los números 21 a 36 de la serie original Sandman Mystery Theatre. El tomo contiene 464 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 50 € y se puso a la venta en junio de 2026.


Reseña de Sandman Mystery Theatre 2

Sandman Mystery Theatre 2

Segundo volumen de la aclamada serie de Vertigo con la que Matt Wagner (Grendel) recuperó a Wesley Dodds, el Sandman original de la Edad de Oro de los cómics, mediante una reinterpretación con el mejor sabor noir. Acompaña a Wesley Dodds al periodo de entreguerras, en el que terribles pesadillas lo guiarán a través de un puñado de historias de terror y suspense.

Autores: Matt Wagner, Steven T. Seagle, Guy Davis, Vince Locke, Warren Pleece y David Hornung

Vengadores: Secret Wars tomaría elementos de una de las historias más importantes de Wanda y los Jóvenes Vengadores

bruja escarlata

Un nuevo comentario sobre Vengadores: Secret Wars apunta a que Marvel Studios estaría mezclando varias tramas de los cómics para construir el gran cierre de la Saga del Multiverso

La Bruja Escarlata podría tener un papel especialmente importante en Vengadores: Secret Wars. Según una reciente declaración de James Mack, la película no solo tomará como referencia el evento Secret Wars de 2015, sino que también incorporará elementos de The Children’s Crusade y Avengers Forever.

La primera de estas historias resulta especialmente relevante para Wanda. En los cómics, Wiccan y Speed descubren que podrían ser las reencarnaciones de los hijos de la Bruja Escarlata y emprenden la búsqueda de su madre. El conflicto termina involucrando también a los Vengadores y los X-Men, mientras Wanda se encuentra sin memoria y vinculada al Doctor Doom.

Precisamente por esa conexión, el rumor podría apuntar a una historia que reúna a Wanda con una nueva generación de héroes del UCM. Si Marvel adapta parte de ese concepto, los Jóvenes Vengadores podrían convertirse en una pieza importante de la trama de Secret Wars y utilizar la búsqueda de Wanda como uno de sus principales objetivos.

Mack respondió a un fan en X que preguntaba si la película seguiría una historia similar a The Children’s Crusade o si Wanda lideraría directamente a los Jóvenes Vengadores. Su respuesta fue que Secret Wars combinará elementos de los tres cómics mencionados, incluyendo a Wanda y los Jóvenes Vengadores/Campeones, además de la versión de Loki como Avenger Prime presente en Avengers Forever.

Este rumor adquiere todavía más interés después de las informaciones que apuntaban a que las nuevas escenas rodadas para Vengadores: Doomsday incluirían a Elizabeth Olsen como Wanda Maximoff. No obstante, Marvel Studios no ha confirmado oficialmente ni esas escenas ni la historia que podría tener el personaje en Secret Wars.

Wanda no aparece desde Doctor Strange en el Multiverso de la Locura, donde aparentemente murió al destruir el Darkhold en el monte Wundagore. Su posible regreso lleva tiempo siendo objeto de especulación y, si finalmente se produce, Secret Wars podría ofrecerle una historia conectada directamente con los héroes más jóvenes.

Por ahora, todo esto debe considerarse un rumor y no una descripción confirmada de la película. Lo que sí está establecido es que Secret Wars llegará a los cines el 17 de diciembre de 2027 y que Marvel está tomando como inspiración diferentes etapas de los cómics para construir su propia versión del evento.

Capitana Marvel podría reaparecer en Vengadores: Doomsday mientras otros rumores sobre muertes pierden fuerza

Capitana Marvel

Nuevas informaciones de Vengadores: Doomsday apuntan a que Capitana Marvel tendría una aparición al final de la película, mientras siguen circulando rumores sobre importantes muertes

Vengadores: Doomsday continúa rodeada de especulaciones sobre el destino de sus numerosos personajes. James Mack, conocido por compartir información sobre Marvel, ha respondido recientemente a varias teorías asegurando que Carol Danvers no habría sido eliminada de la película, que Shuri y Thor no morirían y que el hijo de Steve Rogers no moriría fuera de pantalla.

Esta última afirmación merece especial atención. Mack no está diciendo que el personaje vaya a sobrevivir, sino únicamente que, si termina muriendo, su muerte no sucedería fuera de cámara. Por ahora tampoco existe confirmación oficial sobre ninguno de estos destinos.

Según Mack, Capitana Marvel tendría además una aparición especial hacia el final de la película. Brie Larson no figura entre el reparto anunciado oficialmente, por lo que, si finalmente la información resulta cierta, su aparición podría estar reservada para el tramo final de la historia.

A partir de ahí solo podemos especular. Carol podría encontrarse todavía en Tierra-616 y participar en la batalla durante la Incursión final, o los héroes podrían llevarla hasta la Tierra-828 de los Cuatro Fantásticos para que se una al enfrentamiento contra Doctor Doom en el tercer acto. Ninguna de estas posibilidades está confirmada.

Los comentarios de Mack no descartan otros rumores que circulan sobre la película, ya que se refieren a personajes y situaciones diferentes. De acuerdo con diversos informes no confirmados, Mística y Nightcrawler podrían morir durante el ataque de Doom y los Centinelas al universo de los X-Men. También se ha rumoreado que Loki sería encontrado con el corazón extirpado.

Otros supuestos acontecimientos apuntan a muertes de Bucky y del hijo de Steve Rogers. En el caso de este último, conviene recordar que la información de Mack únicamente señala que no moriría fuera de pantalla, por lo que no permite concluir cuál será finalmente su destino.

También se ha informado que Lobezno y el Spider-Man de Tobey Maguire morirían al comienzo de la película. Sin embargo, según esos mismos rumores, ambos personajes reaparecerían posteriormente, revelándose que en realidad siguen vivos.

Nada de todo esto ha sido confirmado por Marvel y el estudio todavía mantiene en secreto buena parte de la trama. Lo que sí sabemos es que Doomsday reunirá a los Vengadores, los Cuatro Fantásticos, los wakandianos y diferentes personajes de los X-Men, con Robert Downey Jr. como Doctor Doom y los hermanos Russo nuevamente en la dirección.

La película tiene previsto llegar a los cines el 18 de diciembre de 2026. Hasta que Marvel publique nuevos detalles, el destino de estos personajes seguirá perteneciendo al terreno de los rumores.

Reseña de Bajo los árboles, donde nadie te ve: La consagración de la primavera

Bajo los árboles, donde nadie te ve: La consagración de la primavera es el segundo tomo publicado por Astiberri de la entrañable osa y asesina en serie Samantha Strong creada por Patrick Horvath

En Bajo los árboles, donde nadie te ve, también publicada por Astiberri, Patrick Horvath introdujo al lector a una inesperada asesina en serie como fue el personaje de Samantha Strong integrada en la aparentemente idílica localidad norteamericana de Woodbrook.

El primer volumen estaba construido fundamentalmente alrededor de Samantha Strong y su condición de asesina en serie, pero en La consagración de la primavera, Horvath introduce una consecuencia directa de aquellos crímenes, que es el personaje de Mónica, la hermana de una de las víctimas, que continúa buscando respuestas años después.

La decisión del autor transforma un asesinato del primer volumen, que podría haber quedado como un episodio cerrado, en un acontecimiento con unas consecuencias humanas duraderas. La víctima deja de ser simplemente el cadáver necesario para una historia de asesinos, porque además tiene familiares, genera duelo y alguien continúa reclamando justicia para ella.

Reseña de Bajo los árboles, donde nadie te ve: La consagración de la primavera

Esta interpretación modifica también el camino de la obra, porque pese a seguir existiendo el horror, en este segundo tomo aparece con mayor claridad el misterio delictivo y la investigación del asesinato. En Bajo los árboles, donde nadie te ve: La consagración de la primavera el lector conoce cosas que Mónica desconoce, de modo que buena parte de la tensión procede de ver el progresivo acercamiento del personaje a Samantha. De este modo, Horvath consigue mantener la incertidumbre incluso en las escenas aparentemente carentes de peligro.

Conforme avanza el tomo, esta estructura va estrechando el cerco, ya que Mónica obtiene información sobre Samantha mientras el pasado de esta última se desarrolla mediante flashbacks, haciendo que paulatinamente ambas líneas terminen convergiendo.

 El guion de Patrick Horvath

En Bajo los árboles, donde nadie te ve. La consagración de la primavera Horvath conserva el humor negro, la violencia súbita y la inquietud de la obra original, pero añade una mayor densidad psicológica. De hecho, probablemente aquí esté la evolución más importante respecto al primer tomo del autor estadounidense.

La historia ya no trata únicamente de preguntarse cómo consigue Samantha matar sin ser descubierta, sino también qué ocurre cuando los sus delitos dejan una huella que la asesina no puede controlar. El resultado es un guion menos dependiente de la sorpresa macabra y más construido sobre los personajes, las consecuencias de sus actos y el suspense psicológico.

Aquí el personaje de Mónica resulta fundamental, porque su búsqueda tiene algo de obsesivo, pero Horvath consigue que el lector entienda perfectamente su comportamiento. Mónica lleva años intentando saber qué ocurrió con su hermano mientras las instituciones son incapaces de proporcionarle respuestas ¿qué hace una persona cuando la policía no puede ayudarla?

Además, el salto temporal permite introducir un elemento nuevo, porque Samantha ya no opera exactamente en el mismo mundo que en el primer volumen. La modernización de la sociedad y las nuevas posibilidades de la investigación criminal hacen progresivamente más difícil que determinados secretos permanezcan ocultos.

El dibujo y el color

Horvath conserva incólume uno de los elementos que daban personalidad al primer volumen, de este modo, el autor continúa utilizando los animales antropomórficos que parecen proceder de un cuento infantil ilustrado, pero ese dibujo amable hace que los asesinatos, los cadáveres y la violencia resulten mucho más perturbadores.

Aunque los protagonistas sean animales, Horvath consigue transmitir emociones extraordinariamente humanas, así Mónica incluso siendo un pato antropomórfico, su pico funciona expresivamente casi como un rostro humano.

También se mantiene el contraste entre lo adorable y lo grotesco. La primera página de la secuela ya utiliza una imagen de horror corporal para recordar al lector que bajo la estética aparentemente inocente continúa existiendo un relato extremadamente oscuro.

La paleta continúa deliberadamente asociada al libro infantil ilustrado, con unos colores suaves y acuarelados. Esa paleta podría pertenecer perfectamente a un cuento para niños, mientras los personajes tienen un tratamiento algo más realista.

Reseña de Bajo los árboles, donde nadie te ve: La consagración de la primavera

Existe una evolución interesante, porque cuando la acción abandona parcialmente la pequeña Woodbrook, el mundo exterior resulta visualmente más sucio y desaturado. La ciudad aparece gris, degradada y criminalizada. El color, por lo tanto, deja de ser únicamente una elección estética y contribuye a diferenciar los espacios sociales.

Horvath también emplea variaciones cromáticas para organizar temporalmente la narración. Por ejemplo, un ligero tono sepia para los flashbacks, diferenciando inmediatamente pasado y presente

En definitiva, resulta especialmente interesante que este segundo tomo altera parcialmente la posición moral del lector. En el primero, el enorme carisma de Samantha y el atractivo visual de su rutina podía llevar al lector a disfrutar de la inteligencia del asesino.

En La consagración de la primavera, Horvath introduce las consecuencias de esa violencia y devuelve visibilidad a las víctimas. Mónica representa justamente aquello que Samantha había conseguido borrar, como es la memoria del muerto y la persistencia de quienes se quedan atrás.

Astiberri ha publicado Bajo los árboles, donde nadie te ve: La consagración de la primavera de Patrick Horvath dentro de su colección Sillón orejero, en cartoné, con unas medidas de 17×26, a color, con una extensión de 152 páginas, traducidas al castellano por Santiago García como en el primer volumen.

Bajo los árboles donde nadie te ve la consagración de la primavera

Han pasado ocho largos años desde que Samantha Strong, ciudadana ejemplar y osa parda sedienta de sangre, irrumpiera en la ciudad, secuestrara a un simpático patito, descuartizase su cuerpo y enterrase los restos en el bosque. La familia del patito busca, desde entonces, justicia con ahínco aunque sin ningún avance.

Sin embargo, casi una década después de que la adorable Samantha Strong se consolidase como la única asesina en serie de Woodbrook, el mundo está entrando en una nueva etapa. Como Samantha pronto descubrirá, no hay secretos en la era de internet y aquellos que perdieron a sus seres queridos en la masacre no han apagado la llama de la justicia. Se avecina un ajuste de cuentas en Woodbrook. ¿Habrá hecho bien su trabajo esta encantadora osa?

Bajo los árboles, donde nadie te ve. La consagración de la primavera es una secuela escrita por el guionista y cineasta Patrick Horvath, ganador del premio Harvey 2025 a Obra del año y nominada al premio Eisner 2024 a Mejor serie nueva por Bajo los árboles, donde nadie te ve (Astiberri, 2025), cuya publicación en España lleva tres ediciones en solo un año. Horvath vuelve a demostrar con esta obra una habilidad admirable para acoplar las escenas más macabras con una estética propia de las fábulas infantiles.

Regreso a las margaritas a medianoche: Prácticamente magia 2 (crítica)

Prácticamente magia 2

Hay un fenómeno singular en el cine contemporáneo: la necesidad imperiosa de desenterrar fórmulas noventeras para intentar reactivar una chispa emocional que, en su momento, no dependía únicamente del guion, sino de un contexto cultural irrepetible.

Prácticamente magia 2: el hechizo de la nostalgia

Prácticamente magia (1998), dirigida originalmente por Griffin Dunne y basada en la novela de Alice Hoffman, no fue un éxito inapelable de crítica en su estreno; de hecho, la prensa la recibió con cierta tibieza, descolocada por su extraña mezcla de comedia romántica, drama familiar, costumbrismo con sabor a lavanda y terror gótico doméstico. Sin embargo, el tiempo, las emisiones televisivas de sobremesa y el boca a boca la convirtieron en un clásico de culto incontestable. Era una película con textura, con olor a pan recién hecho, chocolate y margaritas a medianoche.

PRÁCTICAMENTE MAGIA 2 (también conocida como Hechizo de amor: La magia continúa) retorna a un mundo empapado de travesuras a la luz de la luna y de poderosa magia ancestral. Por lo tanto, las hermanas Owens tienen que confrontar la oscura maldición que amenaza con destruir a su familia de una vez para siempre en este evento cinematográfico de diversión, magia y caos que no hay que perderse.

Anunciar y ejecutar Prácticamente magia 2 casi tres décadas después implicaba asumir un riesgo monumental: cruzar la delgada línea entre rendir un tributo honesto al legado de la familia Owens o entregar un producto prefabricado para satisfacer la nostalgia del catálogo digital. El resultado final es una obra escindida, una película que atrapa por instantes la luz cálida de la casa victoriana junto al mar, pero que tropieza constantemente con las exigencias del cine de franquicia moderno.

El corazón de la casa: La química incombustible de Bullock y Kidman

Si hay una razón legítima para la existencia de esta secuela, esa es la presencia conjunta de Sandra Bullock (Sally) y Nicole Kidman (Gillian). La industria del cine rara vez logra reproducir la complicidad orgánica entre dos intérpretes cuando transcurre tanto tiempo, pero en el momento en que ambas comparten pantalla, el artificio cinematográfico se disuelve.

Prácticamente magia 2

Bullock recupera a una Sally más asentada pero perpetuamente cauta frente al destino, mientras que Kidman vuelve a dotar a Gillian de esa energía efervescente, libérrima y trágica que la caracterizó. La dinámica entre ellas no se siente ensayada; hay un ritmo natural en sus miradas, en el modo en que se interrumpen las frases y en la gestualidad doméstica que construyen. Cuando Sally y Gillian están en la cocina preparando una pima o discutiendo sobre el peso de la tradición familiar, la película brilla con una autenticidad indiscutible.

El verdadero acierto de la cinta radica en no intentar maquillar el paso del tiempo. Las hermanas Owens han envejecido, han acumulado ausencias, cicatrices y responsabilidades. La película acierta de pleno al tratar la madurez femenina no como un declive, sino como una consolidación del poder personal y brujil. La brujería en este universo nunca fue cuestión de varitas o conjuros espectaculares, sino de intuición, lazos de sangre, botánica y sororidad. En esos pasajes íntimos, la secuela alcanza cotas de enorme ternura.

Prácticamente magia 2

El relevo generacional y la dispersión del foco

El problema fundamental de Prácticamente magia 2 aparece cuando la cámara se aleja del núcleo duro formado por Sally y Gillian para intentar construir un ecosistema narrativo más amplio y vendible a las nuevas audiencias. La introducción de las hijas de Sally —ya adultas y con visiones radicalmente opuestas sobre el uso de la magia— y de las nuevas descendientes de la estirpe satura el metraje de tramas secundarias que nunca llegan a asentarse del todo.

Prácticamente magia 2

Donde la película original mantenía un grupo reducido de personajes perfectamente delineados (donde las tías Jet y Frances aportaban el contrapunto cómico y sabio), esta secuela sufre de sobrepoblación. Se intentan abordar demasiados temas en simultáneo:

  • El peso del legado: La resistencia de las jóvenes Owens a aceptar las tradiciones matriarcales frente a la modernidad tecnológica.
  • Una nueva amenaza ancestral: El despertar de un rencor antiguo que busca romper la linaje de las brujas de la isla desde sus raíces.
  • Los dilemas amorosos paralelos: Múltiples tramas románticas desarrolladas a trompicones que carecen del misterio y la tensión trágica que tuvo la historia con el detective Gary Hallet en la cinta original.

Esta dispersión provoca que el segundo acto se sienta confuso, acelerado y falto de aliento. Los personajes secundarios entran y salen de la mansión sin dejar un poso emocional claro, convirtiéndose en meros resortes dramáticos para hacer avanzar el argumento hacia un clímax previsible.

Prácticamente magia 2

Entre la artesanía botánica y el artificio del CGI

Uno de los grandes valores de la película de 1998 fue su dirección artística. La casa de las Owens era un personaje más: un laboratorio vivo repleto de frascos de vidrio, plantas secas suspendidas del techo, madera desgastada y una luz dorada que sugería un espacio congelado en el tiempo. Todo se sentía tangible, olfativo y cercano.

En esta entrega, si bien el diseño de producción intenta replicar con minucia la arquitectura de la mansión y el diseño del jardín de hierbas, la dirección de fotografía y el tratamiento visual caen en la trampa de la pulcritud digital. El uso de iluminación artificial demasiado limpia y el abuso de efectos generados por ordenador para representar los actos mágicos resta gran parte de la atmósfera orgánica que definía a la saga. La magia de las Owens pierde impacto cuando se traduce en destellos de luz digital en lugar de vapor saliendo de un caldero, el batir de las alas de un escarabajo o el chasquido de un fósforo encendido.

Luces y sombras de una secuela inevitable

Analizada en su totalidad, Prácticamente magia 2 no es un desastre irredimible ni una obra maestra de la nostalgia; es un producto profundamente desequilibrado que vive de los destellos de genio de sus dos protagonistas.

Prácticamente magia 2

Es en la fidelidad a esa premisa donde la película encuentra sus mejores minutos. Cuando la narración se calma, apaga las explosiones de efectos visuales y deja que Bullock y Kidman hablen sobre el miedo a la pérdida, sobre la belleza de envejecer juntas y sobre la inevitable servidumbre del amor, la secuela justifica su existencia.

Sin embargo, para el espectador que busque la coherencia formal, el encanto artesanal y la narrativa compacta de la primera entrega, esta continuación resultará por momentos frustrante. Es un viaje de regreso a una casa querida que ha sido reformada con materiales demasiado modernos: sigue reconociéndose el olor de la madera vieja, pero algunas habitaciones se sienten frías e impersonales.

Prácticamente magia 2 se queda así en un término medio: un regalo entrañable pero imperfecto para los fans acérrimos de la familia Owens, y una muestra más de cómo el Hollywood actual a menudo confunde la nostalgia con la necesidad de explicar y ampliar aquello que ya era perfecto en su serena imperfección original.

The Legend of Zelda confirma título y fecha para su esperada película de acción real

Nintendo y Sony ponen fecha al salto de The Legend of Zelda al cine mientras desvelan nuevas pistas sobre una historia que no copiará ningún juego

Después de años escuchando rumores, especulaciones y deseos de los fans, la película de acción real de The Legend of Zelda empieza a convertirse en algo mucho más tangible. Nintendo y Sony Pictures han dado un importante paso adelante al confirmar oficialmente cómo se llamará la producción que pretende trasladar Hyrule a la gran pantalla.

Y no parece que hayan querido complicarse demasiado con el título. La película se llamará simplemente The Legend of Zelda y llegará a los cines de todo el mundo el 30 de abril de 2027. La producción, dirigida por Wes Ball, ya se encuentra en marcha y afronta ahora una de las tareas más complicadas de cualquier adaptación: transformar cuatro décadas de historia de los videojuegos en una aventura cinematográfica capaz de contentar tanto a veteranos como a recién llegados.

The Legend of Zelda prepara una historia propia para el cine

Sony Pictures confirmó las novedades a través de sus redes sociales, donde anunció que The Legend of Zelda se encuentra actualmente en producción. «¡Es oficial! La película de acción real de The Legend of Zelda, actualmente en producción, se titulará The Legend of Zelda. Su estreno en cines de todo el mundo está previsto para el 30 de abril de 2027», señaló la compañía.

The Legend of Zelda confirma título y fecha para su esperada película de acción real

Quizá lo más interesante, sin embargo, no sea el nombre ni siquiera la fecha. Durante las celebraciones relacionadas con el 40 aniversario de la saga de Nintendo se ha aclarado una de las mayores incógnitas alrededor del proyecto: la película no pretende trasladar directamente al cine ninguno de los videojuegos publicados hasta ahora. En lugar de adaptar títulos como Ocarina of Time, Twilight Princess o Breath of the Wild, los responsables han optado por construir una historia original utilizando elementos reconocibles de toda la franquicia.

Link, Zelda y Ganondorf estarán en el centro de la aventura

Eso no significa que el argumento vaya a alejarse demasiado de los grandes pilares de la saga. La historia tendrá como protagonista a Link, un joven guerrero que deberá proteger el reino de Hyrule frente a una amenaza que los jugadores conocen perfectamente. Ganondorf aparecerá como un poderoso señor de la guerra decidido a hacerse con la Trifuerza y utilizar su poder para controlar el reino.

A partir de ahí, Link emprenderá una peligrosa aventura para impedir sus planes, una premisa suficientemente familiar como para conservar el espíritu de los juegos pero también lo bastante abierta como para permitir al director y los guionistas jugar con diferentes épocas, criaturas y escenarios. La Trifuerza, Hyrule y el eterno enfrentamiento contra Ganondorf ofrecen una base reconocible sin obligar a repetir exactamente ninguna entrega.

The Legend of Zelda confirma título y fecha para su esperada película de acción real

El reparto también comienza a definir cómo será esta nueva interpretación del universo creado por Nintendo. Benjamin Evan Ainsworth interpretará a Link, mientras que Bo Bragason dará vida a la princesa Zelda. Uli Latukefu asumirá el papel de Ganondorf y Dichen Lachman aparecerá como Impa, otro de los personajes recurrentes más importantes de la franquicia.

Wes Ball tiene por delante uno de los mayores retos de Nintendo

Detrás de las cámaras encontramos a Wes Ball, cineasta conocido por dirigir la trilogía de El corredor del laberinto y El reino del planeta de los simios. Además de ocuparse de la dirección, Ball participa como productor junto a Avi Arad, Joe Hartwick Jr. y el mismísimo Shigeru Miyamoto, creador de algunas de las sagas más importantes de Nintendo.

El guion corre a cargo de T. S. Nowlin, mientras que Sony Pictures Releasing se encargará de distribuir la película. La implicación directa de Miyamoto seguramente resulte especialmente tranquilizadora para muchos fans, sobre todo después del enorme cuidado que Nintendo ha mostrado durante los últimos años al permitir que sus principales franquicias salten a otros medios.

No hay que olvidar lo que ocurrió con Super Mario Bros.: La película, cuyo extraordinario éxito comercial volvió a demostrar que las propiedades de Nintendo pueden funcionar fuera de las consolas cuando sus responsables conservan los elementos que las hicieron especiales. Zelda, sin embargo, plantea un desafío bastante diferente: su mundo necesita transmitir épica, misterio, aventura y fantasía sin convertirse simplemente en otra producción medieval de gran presupuesto.

the legend of zelda

Una saga con 40 años de historia llega finalmente a la gran pantalla

Desde el lanzamiento del primer The Legend of Zelda en Japón en 1986, Link y la princesa Zelda han protagonizado algunas de las aventuras más influyentes de la historia del videojuego. La saga ha cambiado innumerables veces de estética, estructura y mecánicas, pasando de aventuras bidimensionales a enormes mundos abiertos como los de Breath of the Wild y Tears of the Kingdom.

Precisamente esa variedad podría convertirse en una de las grandes ventajas de la película. Al no estar obligada a reproducir un videojuego determinado, la producción puede seleccionar monstruos, localizaciones, objetos y conceptos pertenecientes a diferentes etapas de Zelda. El resultado podría ofrecer algo reconocible para prácticamente cualquier generación de jugadores sin quedar encadenado a una única versión de Hyrule.

Todavía quedan muchas incógnitas por despejar, desde el aspecto definitivo de personajes como Ganondorf hasta la importancia que tendrá la magia o cuáles serán las criaturas elegidas para poblar este nuevo Hyrule. Lo que ya sabemos es que The Legend of Zelda tiene marcada una fecha importante en el calendario: 30 de abril de 2027. Después de cuatro décadas imaginando cómo sería recorrer Hyrule en carne y hueso, los fans están cada vez más cerca de descubrirlo.

Godzilla Minus Zero confirma oficialmente su gran teoría y revela el significado de su título

Godzilla Minus Zero sorprende a todos los seguidores con la llegada de un nuevo kaiju y el cambio de formato a IMAX

El nuevo tráiler de Godzilla Minus Zero no solo ha confirmado una de las principales teorías sobre la película, sino que también ha aportado nuevas pistas sobre el verdadero significado de su título. Hasta ahora, buena parte de la historia de la secuela de Godzilla Minus One permanecía rodeada de misterio. Los primeros avances apuntaban a una nueva confrontación entre la humanidad y Godzilla después de que la criatura lograse regresar a la vida, pero la propia tradición de la franquicia hacía pensar que habría algo más.

Después de que Godzilla fuese derrotado por las fuerzas japonesas en la película original de 1954, el monstruo regresó apenas un año más tarde en Godzilla Raids Again, donde se enfrentó a Anguirus, que posteriormente se convertiría en uno de sus aliados. Desde entonces, los combates entre kaijus han sido uno de los elementos esenciales de la saga. Este precedente, unido a varias declaraciones del director Takashi Yamazaki, había alimentado la posibilidad de que la continuación de Godzilla Minus One siguiera esa misma línea.

El nuevo tráiler confirma la llegada de otro kaiju

Hasta ahora, Toho había evitado confirmar oficialmente que un segundo monstruo participaría en Godzilla Minus Zero. Sin embargo, los últimos segundos del nuevo tráiler incluyen un rugido fácilmente reconocible que deja pocas dudas sobre lo que ocurrirá en la película. Godzilla tendrá que enfrentarse a uno de sus enemigos más legendarios.

Godzilla Minus Zero confirma oficialmente su gran teoría y revela el significado de su título

Ese rugido pertenece a King Ghidorah, el gigantesco dragón dorado de tres cabezas que se ha enfrentado a Godzilla en numerosas ocasiones en el cine. Introducido en 1964 en Ghidorah, the Three-Headed Monster, el personaje suele ser presentado como una criatura extraterrestre extremadamente poderosa y destructiva. El Monsterverse mantuvo precisamente este origen cuando recuperó al personaje en Godzilla: King of the Monsters en 2019.

King Ghidorah podría llegar desde el espacio

Dado que su procedencia extraterrestre constituye una de las características fundamentales del personaje, resulta probable que Godzilla Minus Zero mantenga algún tipo de explicación similar, aunque por el momento no existe confirmación oficial. Mientras Godzilla está estrechamente relacionado con las consecuencias del armamento nuclear desarrollado por la humanidad, Ghidorah podría aparecer como una amenaza procedente del espacio.

Esta situación podría acercar la película a títulos de la franquicia como Godzilla vs. SpaceGodzilla o Godzilla 2000. En esas historias, los humanos consideran inicialmente a Godzilla una amenaza, pero terminan comprendiendo que necesitan su fuerza para combatir a un enemigo todavía más peligroso. Si Minus Zero sigue esa estructura, esta encarnación de Godzilla podría evolucionar desde su papel de villano hasta convertirse en una especie de antihéroe.

godzilla

El título de Godzilla Minus Zero tendría un segundo significado

La aparición de Ghidorah también podría explicar una parte hasta ahora oculta del título de la película. Inicialmente, se interpretó que Minus Zero representaba la situación de Japón tras los acontecimientos de Godzilla Minus One. La primera película mostraba a un país devastado después de la Segunda Guerra Mundial, partiendo prácticamente de cero antes de que Godzilla empeorase todavía más su situación.

Sin embargo, el descubrimiento de Ghidorah parece añadir un nuevo significado. En la película de 1965 Invasion of Astro-Monster, King Ghidorah recibió el nombre en clave de “Monster Zero”. Esa misma denominación fue recuperada décadas después en el Monsterverse, donde Monarch identificó también al Ghidorah de Godzilla: King of the Monsters como Monster Zero.

Godzilla Minus Zero confirma oficialmente su gran teoría y revela el significado de su título

Monster Zero podría ser la verdadera clave de la secuela

La relación entre King Ghidorah y la expresión “Zero” difícilmente parece casual ahora que el nuevo tráiler ha confirmado la presencia del monstruo. El título Godzilla Minus Zero podría estar jugando simultáneamente con la situación de Japón después de los acontecimientos de la primera película y con la llegada del propio Monster Zero.

De este modo, Ghidorah podría convertirse en la principal amenaza de la historia, obligando tanto a los personajes humanos como posiblemente al propio Godzilla a enfrentarse a un enemigo común. Godzilla Minus Zero, dirigida y escrita nuevamente por Takashi Yamazaki, tiene previsto su estreno para el 6 de noviembre de 2026.