El gran reclamo, cómo no, es el episodio 1000, que el anime celebró por todo lo alto con un opening especial animado. Para la ocasión regresó We Are, reinterpretado por su cantante original, Hiroshi Kitadani, acompañado de nuevas imágenes que recorren toda la travesía de los Sombrero de Paja desde el episodio 1. Un resumen emocional que, visto hoy, sigue poniendo la piel de gallina.
El arco donde todo explota
Este tramo de episodios es clave porque Wano no es una isla más. Es el escenario donde One Piecesube varias marchas de golpe, tanto a nivel narrativo como visual. Monkey D. Luffy se enfrenta a enemigos que ponen en jaque todo lo aprendido hasta ahora, mientras el tablero político y militar se descontrola.
Entre los momentos más destacados encontramos la persecución de Big Mom, el enfrentamiento de Luffy con Ulti y la irrupción de Yamato, uno de los personajes más queridos de esta etapa. Todo ello culmina con **el ataque de los Vainas Rojas a Kaido, y la declaración de Momonosuke como futuro shogun.
Aunque One Piece se lleva todos los focos, abril de 2026 será un mes muy fuerte para el formato físico. El 14 de abril llegará Mobile Suit Gundam SEED Freedom en 4K UHD Steelbook, una edición premium que continúa la historia de Gundam SEED y SEED Destiny, con nuevos conflictos políticos y el regreso de personajes clave como Kira Yamato y Lacus Clyne.
Heartopia es probablemente el más accesible del grupo. Se trata de un life sim con construcción de hogar y ciudad, muy en la línea de Los Sims mezclado con Stardew Valley, donde todo invita a bajar el ritmo. Diseñas tu casa, cuidas el jardín, pescas, observas aves y personalizas a tu personaje con ropa y accesorios.
Lo realmente interesante es que está pensado desde el inicio para el multijugador, permitiendo compartir la experiencia con amigos o familiares a distancia. Es uno de esos juegos ideales para charlar mientras haces cosas, sin estrés ni objetivos agresivos.
Un RPG oscuro para los fans de la narrativa densa
En el extremo opuesto encontramos A Song of Sunlight, un RPG narrativo ambientado en un futuro lejano y desolado. Encarnas a Arem, un joven que se adentra en una gigantesca megastructura abandonada bajo la isla donde nació, solo para descubrir una verdad inquietante.
El juego apuesta por combate pseudo-por turnos, exploración lenta y muchísimo texto, con una atmósfera opresiva que recuerda a ciertas sensaciones de NieR. No es un título para todo el mundo, pero si te atraen las historias melancólicas y densas, aquí hay mucho que rascar.
Programar, depurar y entender cómo funcionan los emuladores
No es un juego sencillo ni especialmente amable con principiantes, pero para quienes tengan nociones básicas de programación o curiosidad técnica, resulta sorprendentemente adictivo. Es uno de esos títulos que enseñan mientras juegas, algo poco común incluso dentro del panorama indie.
Estrategia mínima con mucha miga táctica
War of Dots demuestra que no hacen falta gráficos complejos para crear profundidad estratégica. Controlas puntos de colores en un mapa 2D, con solo dos tipos de unidades y reglas muy claras.
Esa simplicidad inicial es engañosa: bajo la superficie hay decisiones tácticas constantes, partidas rápidas y un diseño que invita a repetir “una más”. Ideal para quienes disfrutan de la estrategia pura, sin adornos innecesarios.
Una serpiente gigante con hambre… y puzzles
Entre las propuestas más raras de la semana está Giant Snake Girl Wants The Burger!, un giro puzzle al clásico Snake, donde cada nivel es un pequeño rompecabezas.
Cierra la lista Party Party Anxiety!, un juego de citas con cartas donde el objetivo es mantener conversaciones… sin que la ansiedad te juegue una mala pasada.
Una semana redonda para ampliar tu biblioteca sin gastar nada
La selección de esta semana deja claro que el apartado gratuito de Steam sigue siendo un filón para descubrir joyas indie. Da igual si buscas algo relajante, una historia intensa o una rareza experimental: hay opciones para todos los gustos.
Y lo mejor es que no hay trampa: los añades a tu cuenta y se quedan contigo para siempre.
Uno de los primeros cambios importantes afecta a la relación entre Bundle Brent y el superintendente Battle. En la novela, ambos ya se conocen de una historia anterior. En la serie, en cambio, se encuentran por primera vez, reforzando la desconfianza inicial y el misterio que envuelve toda la trama.
Este ajuste no es menor, porque sitúa al espectador en el mismo punto que la protagonista, descubriendo poco a poco quién es quién y qué se esconde realmente tras Seven Dials.
Además, se introduce un hermano inexistente en la novela, fallecido en la guerra. Este añadido sirve para reforzar el trauma familiar y justificar decisiones extremas, un recurso muy habitual en la ficción contemporánea.
Gerry Wade pasa de secundario a motor emocional
Otro cambio sustancial es el papel de Gerry Wade. En la novela, su relación con Bundle es casi inexistente. En la miniserie, Netflix lo convierte en interés romántico y detonante emocional de la historia.
La serie altera incluso el contexto de la muerte de Gerry. En el libro no hay fiestas elegantes ni familiares presentes: todo ocurre como una broma macabra entre jóvenes. Netflix reescribe este inicio para presentar antes a los personajes importantes y subir el dramatismo desde el primer episodio.
Es una decisión clara de ritmo televisivo: enganchar rápido, aunque se sacrifiquen matices.
Más acción, menos deducción
El tercer acto es donde la serie más se aleja del material original. La persecución en tren, la huida de Loraine y el robo de la fórmula no existen en la novela. Allí todo se resuelve con engaños y revelaciones progresivas.
Netflix apuesta por acción, tensión visual y confrontaciones directas, adaptando el misterio clásico a un lenguaje mucho más contemporáneo y accesible.
Este cambio conecta la historia con thrillers modernos de conspiraciones, alejándola del whodunit tradicional, pero dándole una identidad más reconocible para el gran público.
Un final romántico con matices
Aunque la serie juega con Gerry como posible pareja, el desenlace respeta en parte a Christie: Bill Eversleigh acaba siendo el interés amoroso definitivo de Bundle. Eso sí, con menos sutileza y más confesiones explícitas.
En conjunto, Agatha Christie’s Seven Dials deja claro su objetivo: no homenajear el texto al pie de la letra, sino hacerlo relevante en 2026. Puede que los puristas frunzan el ceño, pero Netflix logra algo clave: rescatar un título olvidado y ponerlo de nuevo en conversación.
Durante años, el ending ha sido poco más que una despedida musical. Pero algunos estudios han entendido que es el último impacto emocional que recibe el espectador. Y cuando se hace bien, puede ser demoledor.
Tras los créditos, lo que queda es el eco.
Jujutsu Kaisen adopta una idea y la retuerce
Tanto Frieren como Jujutsu Kaisen han apostado por endings con diálogos superpuestos, voces que se pisan, frases inconexas que aparecen y desaparecen en pantalla como pensamientos intrusivos. Un auténtico bombardeo sensorial que no busca comodidad, sino incomodidad.
En el caso de Frieren, este recurso funciona como un flujo de conciencia, casi melancólico. Las palabras flotan como recuerdos lejanos, reforzando sus temas sobre el paso del tiempo, la memoria y el legado. Es un enfoque poético, íntimo, pausado.
Jujutsu Kaisen, en cambio, utiliza la misma base para provocar ansiedad.
No es casualidad que este recurso cobre especial fuerza en The Culling Game: Part 1. Yuji Itadori y compañía están al límite, obligados a improvisar estrategias, sobrevivir y tomar decisiones imposibles. El ending te mete directamente en su cabeza… sin pedir permiso.
Cuando el caos narrativo es intencional
Lo interesante es que Jujutsu Kaisen ya había probado este estilo en su segunda temporada, incluso antes de que Frieren se estrenara. Pero ahora lo ha refinado y radicalizado, convirtiéndolo en una herramienta de introspección psicológica.
Durante unos segundos, el espectador forma parte del caos previo al combate, como si estuviera en esa reunión improvisada donde nadie tiene un plan claro. Las voces se solapan, las ideas chocan y la sensación es clara: esto va a ir muy mal.
Es una decisión creativa que demuestra hasta qué punto MAPPA exprime todos los recursos posibles del lenguaje audiovisual.
Del Juju Stroll al colapso mental
Hubo un tiempo en el que los endings de Jujutsu Kaisen eran… divertidos. En la primera temporada, los episodios terminaban con los famosos Juju Stroll, pequeñas escenas cómicas que servían como válvula de escape tras capítulos intensos.
Eso ya no existe.
La historia ha cruzado un punto de no retorno, y los endings lo reflejan. Se acabaron las bromas, se acabó el alivio. Ahora, cada episodio termina con un asalto psicológico que refuerza la gravedad del momento.
Los bocetos agresivos, casi apocalípticos, no parecen dibujos, sino profecías. Y aquí es imposible no pensar en Neon Genesis Evangelion.
La sombra de Evangelion planea sobre Jujutsu Kaisen
Evangelion utilizó pensamientos superpuestos y visuales caóticos para representar el colapso mental de sus personajes. Jujutsu Kaisen aún no ha llegado tan lejos… pero camina peligrosamente cerca.
Sus protagonistas no están rotos, pero viven permanentemente al borde del pánico. Y aplicar ese nivel de ansiedad al recurso que Frieren usa con serenidad es, sinceramente, una jugada brillante.
Donde uno invita a reflexionar, el otro obliga a resistir.
Lo interesante es que MAPPA ha demostrado que los endings no son un adorno, sino una extensión directa del tono y el mensaje de la serie. Y mientras el Culling Game siga avanzando, la ansiedad solo puede ir a más.
Porque en Jujutsu Kaisen, incluso cuando el episodio termina… la tensión no se va contigo.
Lorwyn Eclipsado llega el próximo 23 de enero de 2026, siendo éste pasado fin de semana las presentaciones, unas de las más multitudinarias que se recuerdan en la historia de Magic: The Gathering. Con el lanzamiento de Lorwyn Eclipsado el 23 de enero de 2026, Magic: The Gathering regresa a uno de los planos más icónicos de su historia. Esta colección no solo revive el conflicto entre el día eterno de Lorwyn y la noche de Páramo Sombrío, sino que sirve como el homenaje perfecto al momento que cambió el juego para siempre: la introducción de los Planeswalkers.
La colección Lorwyn Eclipsado marca un hito en Magic: The Gathering al fusionar la nostalgia con la innovación técnica. Este set captura la transformación del plano entre la luz de Lorwyn y la penumbra de Páramo Sombrío mediante las Tierras Reversibles, que muestran paisajes duales en una sola carta.
Los “Cinco de Lorwyn”: El origen de la leyenda de los Planeswalkers
En 2007, el set original de Lorwyn presentó un tipo de carta totalmente nuevo que permitía a los jugadores invocar aliados poderosos al campo de batalla. Estos cinco personajes se convirtieron en la cara de la franquicia:
Ajani Melena dorada (Blanco): Ajani es un guerrero leonino que ayuda a sus aliados con sus grandes poderes de sanación y protección. Se le conoce por todo el Multiverso como un héroe noble y un amigo compasivo que dedica su vida a defender a los débiles y oponerse a quienes tratan de oprimir a los demás. Como miembro de los Guardianes, Ajani suele ejercer de mentor de otros Planeswalkers, a quienes ayuda a dominar sus dones y desarrollar todo su potencial.
Jace Beleren (Azul): Es posible que Jace Beleren sea el mago mental con más talento del Multiverso. Puede leer pensamientos, borrar recuerdos, inducir sueño y sumir a otros en ilusiones. Se trata de un genio estratégico de una inteligencia excepcional y una curiosidad insaciable. Durante muchos años, Jace no tuvo recuerdo alguno de su juventud. Aunque ya los ha recuperado, la búsqueda por descubrir su pasado despertó en él una fascinación por los misterios y los acertijos, además de convertirlo en una persona cautelosa, comedida y, en ocasiones, molestamente intelectual. Jace podría leer con facilidad las verdaderas intenciones de quienes le rodean, pero comprende que eso deterioraría la confianza de sus amigos y le privaría del vínculo sincero que desea.
Liliana Vess (Negro): Liliana Vess es una maestra de la nigromancia que dirige a los muertos y manipula a los vivos para lograr sus propósitos. Es ambiciosa, astuta, tiene una enorme confianza en sí misma y se dedica a jugar al peligroso juego de cambiar de bando; se alía con quien le ofrece el camino que más le garantiza cumplir sus deseos.
Chandra Nalaar (Rojo): La impulsiva Chandra Nalaar, de espíritu libre e inmenso poder, sigue avanzando para convertirse en la heroína que está predestinada a ser. El arte de conjurar fuego le resulta natural y, cuando se enfrenta a un desafío, suele actuar primero y pensar después. Chandra cree que todo el mundo merece ser libre de tomar sus propias decisiones. De hecho, es casi incapaz de mantenerse al margen cuando descubre algún tipo de opresión. Aunque tiene buenas intenciones, la naturaleza impetuosa de Chandra a veces agrava los problemas que intenta resolver. Aun así, las equivocaciones ocasionales no bastan ni una pizca para aplacar su pasión, su optimismo y su deslenguada despreocupación.
Garruk Portavoz Salvaje (Verde): Garruk es un hombre encumbrado como una montaña que dejó de lado la civilización porque prefería una vida solitaria en las tierras salvajes. Este cazador y rastreador perseverante puede ser un enemigo cruel y despiadado para aquellos que ponen en peligro la naturaleza que ama. Como Garruk comparte una conexión intuitiva con las bestias, suele reclutarlas como aliadas y aumentar su tamaño, fuerza y ferocidad mágicamente.
Las habilidades de lealtad de los “Cinco de Lorwyn” fueron diseñadas para ser la expresión máxima de la identidad de cada color.
Con el lanzamiento de Lorwyn Eclipsado, regresan los Planeswalkers con fuerza y nuevos tratamientos de arte
Continuando con nuestro viaje por la historia de Magic: The Gathering, la llegada de Lorwyn Eclipsado el 23 de enero de 2026 nos permite contrastar la simplicidad original con la profundidad estratégica de las versiones actuales. Este set es significativo porque sucede tras los eventos de Reality Fracture, donde las acciones de Jace Beleren alteraron la estabilidad del multiverso.
Oko: Es el Planeswalker principal de la colección. Al ser Lorwyn su plano de origen, su carta utiliza una mecánica de transformación que refleja la dualidad del plano, permitiéndole alternar entre versiones de “luz” y “oscuridad”.
Liliana Vess: Aparece en la historia (como la Profesora Onyx de Strixhaven) buscando a sus estudiantes desaparecidos, pero se confirma que ha perdido su chispa y no puede viajar entre planos por sí misma.
Ajani: También forma parte de la narrativa, acompañando a Liliana y ayudándola a llegar al plano, ya que él sí conserva sus habilidades de Planeswalker.
Con esta nueva edición, llega un giro en las mecánicas de los Planeswalkers. En 2026, los Planeswalkers han evolucionado para reflejar un Multiverso más interconectado y complejo. Mientras que los originales se centraban en efectos lineales, las versiones de Lorwyn Eclipsado introducen cambios significativos:
Sinergias de “Eclipse”: Muchas habilidades actuales interactúan con el estado del plano (Lorwyn o Páramo Sombrío), cambiando sus efectos según si el juego se encuentra en el “día” o la “noche” eterna.
Habilidades Estáticas y Disparadas: A diferencia de los originales, que solo actuaban en tu fase principal, los Planeswalkers de 2026 a menudo incluyen habilidades pasivas que alteran las reglas del campo de batalla de forma constante.
Los primeros bocetos de los “Cinco de Lorwyn”: Sembrando la Semilla
El diseño visual de los “Cinco de Lorwyn” fue un proceso exhaustivo liderado por artistas como Aleksi Briclot. Aunque se lanzaron en la colección Lorwyn, su desarrollo artístico y conceptual comenzó antes, con la intención inicial de aparecer en Future Sight. Con el tiempo, han ido apareciendo otros Planeswalkers que han tenido mayor o menor impacto, tanto en el metajuego como en la historia de los planos de Magic.
Diseño Conceptual (Arte): Los planeswalkers originales fueron ilustrados y reimaginados por varios artistas, siendo Aleksi Briclot uno de los principales responsables de las icónicas imágenes de lanzamiento. Los bocetos buscaban representar arquetipos puros de cada color. El arte de éste artista no sólo se limita a los Planeswalkers, ya que tiene presencia en una gran cantidad de cartas. Sólo sus artes dan para un artículo completo.
Ideas Previas a Future Sight: Originalmente, los planeswalkers estaban pensados como una tríada de “proto-versiones” de Garruk, Liliana y Jace para Future Sight, inspirados en la idea de “estructuras” de Richard Garfield (permanentes que otros jugadores podían atacar).
Evolución del Diseño de Cartas: El equipo creativo quería que los planeswalkers se sintieran como otro jugador en la mesa. Los primeros diseños incluían habilidades que interactuaban con contadores de lealtad, como “poner dos fichas de Saproling 1/1 en juego, perder 1 de lealtad” o habilidades definitivas que requerían acumular lealtad. Estos conceptos han ido evolucionando a lo largo de la historia de Magic: The Gathering, siendo las habilidades el foco central de las estrategias de juego.
El arte como concepto principal en la nueva edición de Lorwyn Eclipsado: una fábula artística
Hoy, en pleno enero de 2026, los Planeswalkers no son solo cartas poderosas, sino los pilares de la narrativa de Magic. Con el retorno a este plano, Wizards of the Gathering invita a los jugadores a redescubrir por qué estos cinco personajes definieron una era y cómo su esencia sigue viva en cada partida actual.
El tratamiento artístico de la edición no se centra sólo en las cartas de Planeswalkers, pero sientan la base para la temática que hay en cartas dedicadas al plano de Lorwyn. Para el lanzamiento de Lorwyn Eclipsado el 23 de enero de 2026, Magic: The Gathering ha introducido una serie de tratamientos visuales “Booster Fun” que capturan la dualidad del plano y rinden homenaje a su rica historia estética.
Estos conceptos originales han sido la base para los nuevos tratamientos visuales en 2026, como los marcos de “Fábula” y las cartas de arte sin bordes que celebran la rica historia estética del plano. Este es el tratamiento principal de la colección. El diseño de los marcos Fábula está inspirado en la estética de cuentos de hadas tradicionales, con bordes que parecen sacados de un libro de ilustraciones antiguo. El diseño destaca por los marcos “Fábula”, que emulan libros de cuentos clásicos, y la inclusión de cartas seriadas extremadamente raras, como la edición limitada de Bitterbloom ilustrada por Rebecca Guay. Además de celebrar el legado de los Planeswalkers originales, la colección introduce mecánicas que interactúan con el estado del mundo, ofreciendo una experiencia estratégica profunda para formatos como Commander y Estándar en este inicio de 2026.
Detalle Visual: Utilizan texturas que evocan el folclore del plano, resaltando la naturaleza bucólica de Lorwyn y el tono sombrío de Páramo Sombrío.
Una de las mayores innovaciones de 2026 es el ciclo de Shocklands reversibles sin borde. Estas cartas presentan dos ilustraciones distintas para la misma tierra: una cara muestra el paisaje bajo la luz eterna de Lorwyn y la otra bajo la oscuridad de Páramo Sombrío. Aunque tienen dos artes, son mecánicamente idénticas a sus versiones estándar.
Bitterbloom Bearer: La carta estrella de la colección cuenta con una versión seriada (limitada a 500 copias) con arte de la legendaria artista Rebecca Guay.
Japan Showcase: Se han confirmado versiones especiales denominadas “Japan Showcase” con el acabado Fracture Foil, disponibles exclusivamente en Collector Boosters. Además el set incluye 54 cartas de arte diferentes (en el 35% de los sobres de coleccionista). Un pequeño porcentaje (5%) de estas cartas incluye la firma del artista en dorado o el símbolo de Planeswalker estampado, ideal para coleccionistas de alta gama.
En conclusión Lorwyn Eclipsado trae de regreso no sólo uno de los planos mas queridos por jugadores y jugadoras, sino que además nos ofrece el retorno con fuerza de algunos de los Planeswalkers originales, así como nuevos artes y tratamientos de cartas que marcan a ésta edición como una de las más importantes del año. Y el 2026 no ha hecho más que empezar.
Gunn explicó en Threads que el estreno dependerá de contar con un guion sólido y añadió que no quiere “saturar” al público mientras The Batman 2 avanza en su desarrollo. Esta secuela, protagonizada por Robert Pattinson y dirigida por Matt Reeves, llegará a los cines el 1 de octubre de 2027, por lo que será la primera versión del personaje en regresar a la gran pantalla.
El director también defendió la importancia de Batman dentro del nuevo Universo DC, aunque insistió en que no es buena idea lanzar dos filmes del personaje el mismo año. De este modo, los fans seguirán disfrutando del Cruzado Enmascarado mientras el DCU gana tiempo para pulir su propia visión.
Cabe recordar que el Batman de Pattinson forma parte del sello Elseworlds, fuera del canon principal del DCU. Mientras tanto, el siguiente gran paso del nuevo universo será Supergirl, la primera película en solitario de Kara Zor-El tras su aparición en Superman.
El proyecto, conocido internamente como “Reggie” —en referencia a la serpiente de En busca del arca perdida—, estaba concebido para situarse entre las películas, replicando la estrategia narrativa utilizada con las series animadas de Star Wars. El desarrollo estaba a cargo de Rodrigo Blaas, reconocido por su trabajo en Star Wars: Visions.
Sin embargo, el estreno de Indiana Jones y el dial del destino en 2023 resultó ser un duro golpe para la franquicia. A pesar de su enorme presupuesto, la película fracasó en taquilla y generó importantes pérdidas para Disney, lo que habría provocado la cancelación de todos los proyectos relacionados con Indy, incluida la serie animada.
An ‘INDIANA JONES’ animated series was in development but soon cancelled by Lucasfilm
• Would have followed Indiana Jones on adventures set in-between the events of the films
• Rodrigo Blaas (‘Star Wars: Visions’) was developing the show
La propia Kennedy admitió poco antes de su salida que, aunque el personaje no estaba “terminado”, no existía interés inmediato en explorarlo. Aun así, los seguidores del arqueólogo más famoso del cine mantienen la esperanza de que, con Dave Filoni al frente, la idea pueda retomarse en el futuro.
Mientras tanto, la saga sigue viva gracias al éxito reciente del videojuego Indiana Jones y el Gran Círculo y a los rumores de un reinicio completo de la franquicia, que podría llegar con un nuevo rostro bajo el sombrero y el látigo.
Junto a su inseparable hermana pequeña Gabby, Laura se ve atrapada entre su identidad como heroína y la sombra de lo que fue: una asesina programada para matar. La aparición de nuevos sujetos X como X-Infinity y el misterioso X-73, cuyo poder se basa en metal fundido, desata un conflicto que es tan personal como explosivo.
La nueva era de la familia Lobezno
Lejos de ser una historia más de los X-Men, Generation X-23 apuesta fuerte por explorar el lado más íntimo de Laura Kinney, su relación con Gabby y el peso emocional de haber sido un experimento viviente. Jody Houser, guionista de la serie, lo deja claro: “Laura ha hecho un trabajo enorme para reconciliarse con cómo fue criada y en quién ha decidido convertirse. Ahora está en una posición que ya hemos visto en Logan muchas veces: la de mentora.”
Este giro la coloca en una encrucijada que no solo implica acción, sino también decisiones morales. ¿Debe proteger a estas nuevas criaturas como hizo Logan con ella, o intentar detener lo que podría ser una amenaza aún mayor? Porque si algo es seguro, es que los nuevos X-mutantes no vienen con buenas intenciones garantizadas.
Gabby, el contrapunto perfecto a Laura, sigue aportando ligereza y optimismo, aunque su visión alegre del heroísmo no siempre encaja con el enfoque más crudo y protector de su hermana. Esta tensión entre ambas no solo es emocionalmente potente, sino que también marca una evolución clave en la narrativa mutante.
Mientras tanto, el apartado visual corre a cargo del artista Jacopo Camagni, cuya habilidad para plasmar emociones en viñetas da vida tanto a las escenas de acción como a los momentos íntimos entre personajes. Según Houser, uno de los nuevos personajes fue rediseñado completamente a partir de un boceto de Camagni, lo que demuestra la colaboración activa en el desarrollo de este nuevo rincón del universo X-Men.
No es casualidad que esta serie encaje dentro de la iniciativa Shadows of Tomorrow, una especie de “nueva era” para los X-Men que busca renovar viejos conceptos sin perder la esencia que los hace memorables. En este caso, el foco está en cómo el legado de un personaje puede multiplicarse y transformarse en algo radicalmente distinto… y peligroso.
Y aunque el título diga Generation X-23, hay algo claro: esto no va solo de Laura Kinney, sino de todo lo que representa. De cómo una víctima puede convertirse en mentora, y de cómo el pasado, aunque superado, siempre encuentra una forma de volver. En este caso, con garras afiladas y traumas heredados.
¿Quién es X-23 y por qué sigue siendo tan relevante?
Laura Kinney, también conocida como X-23, fue creada como un clon de Lobezno por una organización secreta llamada The Facility. Desde sus primeras apariciones en la serie animada X-Men: Evolution hasta su ascenso en los cómics, Laura se ha convertido en una de las figuras más complejas del universo mutante. Su pasado como asesina y su lucha interna la han consolidado como una antiheroína con identidad propia.
A diferencia de Logan, Laura no solo arrastra cicatrices físicas, sino también emocionales. Su relación con Gabby, una versión más joven y alegre de sí misma, le ha ayudado a descubrir una faceta más humana. Esta evolución es lo que hace que Generation X-23 no sea simplemente un spin-off, sino un paso más en la consolidación de un legado que ya no depende solo del viejo Lobezno, sino de toda una nueva familia que ha aprendido a sobrevivir… y ahora quiere vivir.
“No me lo había pasado tan bien rodando nada en mi vida”, dijo Chandler con una sonrisa que lo decía todo. Según el actor, el equipo de producción, liderado por Chris Mundy y los responsables de DC Studios, le ofreció un ambiente de trabajo impecable. Y no se olvidó de su compañero de anillo, Aaron Pierre, a quien describió como “un compañero genial”. También mencionó con cariño a Kelly Macdonald, quien interpreta a una sheriff clave en la trama.
Los nuevos Lanterns
Aunque la serie iba a estrenarse a principios de 2026, Peter Safran, codirector de DC Studios junto a James Gunn, explicó que decidieron mover su estreno a finales de verano para darle el espacio promocional y el “lead-in” que merece. “Es una serie importante para todos”, aseguró Safran, dejando claro que Lanterns será uno de los pilares del nuevo DCU televisivo.
El reparto no se queda atrás: además de Chandler y Pierre como Hal Jordan y John Stewart, la serie contará con Nathan Fillion repitiendo como el excéntrico y bocazas Guy Gardner, conectando directamente con su papel en Superman, la película de Gunn. A esto se suman Ulrich Thomsen como Sinestro, el mentor caído en desgracia de Jordan, y otros nombres interesantes como Garret Dillahunt, Jason Ritter o Nicole Ari Parker.
La historia de Lanterns arranca con un asesinato en Nebraska. Sí, Nebraska. Un crimen que, en principio, no tendría más importancia que salir en las noticias locales, pero que desencadena una investigación intergaláctica por parte de los Green Lantern Corps. Hal Jordan, ya veterano, y John Stewart, el novato con mucho que demostrar, tendrán que trabajar juntos para resolver un misterio que podría sacudir los cimientos del universo DC.
Un enfoque renovado para los Green Lantern
Lo curioso es que esta serie no siempre fue así. Antes de la llegada de Gunn y Safran, HBO Max estaba desarrollando un proyecto centrado en Alan Scott y Guy Gardner, con Finn Wittrock y Jeremy Irvine como protagonistas. Sin embargo, la fusión de Warner Bros. con Discovery y el nacimiento de DC Studios cambiaron las tornas. El enfoque se reajustó por completo, apostando por los dos Lanterns más populares y conocidos para liderar el proyecto: Hal Jordan y John Stewart.
La decisión parece acertada. El nuevo rumbo del DCU quiere ser más coherente, ambicioso y emocional, y una serie como Lanterns, con su mezcla de ciencia ficción, thriller policial y drama de personajes, tiene todo el potencial para marcar un antes y un después en la narrativa superheroica en televisión.
El legado de Hal Jordan y la presión de estar a la altura
Hal Jordan no es cualquier personaje dentro del universo DC. Es uno de los pilares clásicos de la Justice League y ha vivido sagas tan emblemáticas como La noche más oscura o Renacimiento. Encarna al héroe valiente, testarudo, pero con un fuerte código moral que le hace enfrentarse incluso a sus superiores si cree que algo está mal. Interpretarlo no es tarea sencilla, pero Chandler aporta ese carisma maduro que puede hacer justicia al personaje.
No es la primera vez que se intenta adaptar a los Lanterns en imagen real. La película de 2011 con Ryan Reynolds fue un fracaso tanto de crítica como de taquilla, y desde entonces, Warner había sido muy cauta con el personaje. Esta nueva apuesta, más cercana a True Detective en tono, pretende redimir esa mancha y devolverle a Hal Jordan su lugar en el panteón de héroes del cine y la tele.
En su número final, este arco nos deja un sabor agridulce: una historia que se resuelve sin tiros ni explosiones, pero con conversaciones intensas, giros inesperados y un cierre emocional que da sentido a todo el viaje. Si esperabas un final épico a lo blockbuster, puede que salgas decepcionado. Pero si te mola el drama ético con tintes filosóficos, estás en el sitio adecuado.
El final de Strange New Worlds
La misión de Spock, como era de esperar, no iba a ser solo una excursión científica más. Tras descubrir que el planeta helado escondía mucho más de lo que parecía, el vulcano y su equipo se enfrentaron a criaturas marinas lovecraftianas, plantas alienígenas encarceladas y secretos enterrados en el hielo. Pero el gran giro vino cuando Spock, gracias a un mind meld, comprendió que esas criaturas no eran enemigos: solo querían recuperar su hogar.
Las verdaderas amenazas eran los Arken, una raza extinta que había convertido el planeta en una cárcel biobotánica. Las plantas, sedientas de venganza tras siglos de encierro, poseen a Número Uno y planean usar una nave abandonada para forzar la rendición del Enterprise y lanzarse en busca de justicia… aunque no quede nadie vivo a quien castigar.
Mientras tanto, Chapel lidia con su propio dilema emocional. Todo empezó porque estaba aburrida. Tal cual. Necesitaba una aventura, algo que la sacudiera. Y claro, acabó en medio de un embrollo alienígena con criaturas hostiles, traiciones y dilemas morales. El detalle irónico es que su amiga científica, esa que desapareció al principio del arco, también provocó el caos por puro aburrimiento. Y ahí es donde The Seeds of Salvation se apunta un tanto: en esa conexión temática que da coherencia al disparate espacial.
Nueva rivalidad con Spock
Uno de los mejores añadidos de esta historia ha sido D-6, el robot con conciencia propia creado por la amiga de Chapel. Su forma de hablar, seca y directa, rivaliza con la de Spock, lo que genera momentos divertidísimos. El pobre acaba sacrificándose para salvar a todos, pero lo hace feliz: “He vivido, y eso me basta”, dice. Brutal.
Y luego está Pike. Cuando la tensión llega a su punto máximo y parece que todo va a estallar, decide apostar por la paz. No solo comprende el sufrimiento de los seres vegetales, sino que les revela la gran verdad: los Arken murieron hace años. Su venganza es inútil. Así que les propone algo mejor: un nuevo hogar.
¿Adivinas cuál? Exacto, el planeta donde todo empezó. Ese que Chapel consideraba “aburrido”. Círculo cerrado con elegancia. Robbie Thompson clava el aterrizaje con un final sereno, inteligente y fiel al espíritu de Star Trek.
El dibujo de Serg Acuña, acompañado por los colores de JP Jordan, mantiene el tipo pese a lo complejo de algunas escenas. La narrativa visual fluye, y los momentos clave —la posesión de Número Uno, el sacrificio de D-6, el debate con Pike— están bien marcados sin necesidad de estridencias.
Una historia donde el aburrimiento de Chapel acaba desencadenando una revolución alienígena y una nueva esperanza.
Lo más interesante del desarrollo de Christine Chapel en esta miniserie es cómo se rompe con su papel habitual de secundaria eficiente. Aquí no solo toma la iniciativa, sino que su impulso por escapar de la rutina es el motor narrativo de todo el conflicto. En lugar de quedarse en la enfermería del Enterprise, opta por buscar respuestas en un planeta desconocido… y termina enfrentándose a dilemas de vida o muerte. Esta Chapel ya no es solo la enfermera que suspira por Spock, sino una profesional decidida, irónica y capaz de arriesgarlo todo por una causa en la que cree.
Comparada con otras versiones más contenidas del personaje, como la de The Original Series, esta Chapel resulta más humana, incluso cuando sus decisiones rozan lo temerario. Y ese matiz es justo lo que hace que su arco aquí sea tan potente: su debilidad se convierte, sin quererlo, en el detonante de una redención colectiva.
