Reseña de Predicador 3

Panini Comics lleva a Nueva Orleans el vudú, los vampiros y el whisky con el tercer tomo de Predicador, un volumen feroz que agranda todavía más la leyenda de la obra maestra de Garth Ennis y Steve Dillon

Nueva Orleans nunca duerme. En sus calles húmedas se mezclan el jazz, el olor a fritanga y el eco de los tambores de las ceremonias vudú. Hasta allí llega un predicador de Texas con la voz de Dios metida en el pecho, acompañado por una novia que dispara mejor que cualquier sheriff y por un vampiro irlandés que bebe whisky como si fuera agua. Buscan un respiro después de sobrevivir a una conspiración que mueve los hilos del mundo desde las sombras. No lo encuentran. En su lugar aparecen viejas deudas, jóvenes que juegan a ser inmortales, un chaval con la cara destrozada que clama venganza y una confesión de amor capaz de agrietar la amistad más sólida de la carretera. Ese sur profundo, sucio y fascinante, contado por dos autores que jamás pidieron permiso para escandalizar, es el que recoge Panini Comics en Predicador 3.

Tras los excesos del segundo tomo, Garth Ennis y Steve Dillon levantan el pie del acelerador y miran hacia dentro. La persecución a escala mundial cede terreno a las relaciones entre los protagonistas. Puede parecer un tomo de transición, pero es mucho más que eso. Aquí se siembran conflictos que tardarán en estallar y que marcarán el rumbo de toda la historia. La serie original se publicó entre 1995 y 2000 bajo el sello Vertigo de DC Comics, y este tercer volumen confirma por qué sigue siendo una de las cimas de aquel catálogo.

Reseña de Predicador 3

Vudú, whisky y vampiros de pega

Jesse Custer sigue siendo el reverendo tozudo de siempre. Dentro de él vive Génesis, una entidad nacida de la unión entre un ángel y un demonio que le concede la Palabra de Dios (el poder de hacer que cualquiera obedezca sus órdenes). Su meta tampoco ha cambiado. Quiere encontrar a Dios, que ha abandonado su puesto en el Cielo, y pedirle explicaciones. Pero antes necesita entender qué es eso que lleva dentro.

Tras el choque con el Grial, la organización secreta que maneja gobiernos a su antojo, el trío pone rumbo al sur. Cassidy propone Nueva Orleans. Allí tiene un viejo amigo que practica el vudú y que quizá pueda ayudar a Jesse a asomarse a los secretos de Génesis. El problema es que Cassidy también tiene un pasado en la ciudad, y ese pasado viene con colmillos. Una pandilla de jóvenes góticos que se hacen llamar Les Enfants du Sang sueña con la vida eterna y ve en el irlandés a su mesías particular.

Mientras tanto, Tulip O’Hare recibe una declaración que no esperaba. Cassidy le confiesa lo que siente por ella, y la relación entre los tres empieza a llenarse de silencios incómodos. Tulip tiene en este tomo más peso que nunca. Se enfada, dispara, se defiende sola y deja claro que no es un simple adorno del héroe. A este cóctel se suma Caraculo, el muchacho de rostro desfigurado que llega dispuesto a vengar la muerte de su padre.

Ennis también abre la puerta al pasado. Por un lado descubrimos el único encuentro de Cassidy con otro vampiro, Eccarius, un tipo pomposo y vanidoso que se aprovecha de chavales perdidos. Es un dardo directo contra el vampiro romántico y atormentado tan de moda en los noventa. Por otro conocemos el origen del Santo de los Asesinos, el pistolero implacable que persigue a Jesse desde el principio. Es un western seco y cruel, sin apenas humor, y quizá lo más oscuro que Ennis escribió para esta saga.

Sorprende el respeto con el que Ennis, ateo declarado, trata el vudú. Frente a la religión organizada, a la que no deja de atizar, las creencias del pantano aparecen como algo cercano y humano. Esa mirada da al tomo un tono distinto, más cálido, sin perder la mala leche habitual.

predicador

Un guionista sin frenos y dos dibujantes de raza

Garth Ennis nació en 1970 en Irlanda del Norte y empezó a publicar cómics en 1989. Su nombre despegó a principios de los noventa en Hellblazer, la serie de John Constantine, donde formó pareja con Steve Dillon. De esa química nació Predicador. Su bibliografía incluye también Hitman, una larga etapa en The Punisher para Marvel Comics y The Boys, otra de sus obras más populares. Su estilo se reconoce al instante. Violencia extrema, humor negro, diálogos afilados y una ternura inesperada cuando toca hablar de la amistad.

Steve Dillon nació en Londres en 1962 y firmó su primer trabajo profesional con solo 16 años, en el número inaugural de Hulk Weekly para Marvel UK. Pasó por 2000 AD y en 1988 fundó junto a Brett Ewins la revista Deadline, muy influyente en el cómic británico alternativo de aquella época. Murió en Nueva York en octubre de 2016, con 54 años.

Su dibujo en este tomo es una lección de narrativa. No busca el lucimiento ni las páginas espectaculares. Prefiere viñetas limpias, fondos justos y una claridad absoluta. Su gran arma son las caras. Dillon consigue que una mirada diga más que un bocadillo entero, y por eso las escenas de diálogo (que son muchas) funcionan igual de bien que los tiroteos. Cuando llega la sangre, que llega, la muestra sin rodeos y con un punto de humor muy negro.

El origen del Santo de los Asesinos corre a cargo de Steve Pugh, dibujante británico nacido en 1966 que trabajó para Vertigo desde sus inicios, con títulos como Hellblazer y Animal Man. Años después firmaría obras tan distintas como The Flintstones, junto a Mark Russell, o Harley Quinn: Breaking Glass, ambas nominadas a los premios Eisner. Su trazo es más áspero y sucio que el de Dillon, y encaja de maravilla con un relato del Viejo Oeste lleno de polvo, sudor y muerte.

El color también tiene su historia. Matt Hollingsworth, que ganó el premio Eisner al mejor colorista en 1997 gracias en parte a esta serie, cede aquí el testigo a Pamela Rambo. Ella se queda con la colección desde este punto y mantiene un estilo coherente durante toda la segunda mitad. Completa el apartado James Sinclair. El resultado acompaña muy bien el calor pegajoso del sur.

Reseña de Predicador 3

Del papel a la televisión (y un veredicto sin sermones)

Durante años Predicador arrastró fama de obra imposible de adaptar. Hubo intentos de película y de serie que se quedaron por el camino. Al final fue la cadena AMC la que estrenó en 2016 una serie desarrollada por Sam Catlin, Seth Rogen y Evan Goldberg. Dominic Cooper dio vida a Jesse, Ruth Negga a Tulip y Joseph Gilgun a Cassidy, mientras que Ian Colletti fue Caraculo y Graham McTavish el Santo de los Asesinos. Duró cuatro temporadas y 43 episodios, hasta 2019.

La serie se tomó muchas libertades con el material original, pero su segunda temporada llevó al trío a Nueva Orleans, un guiño claro a lo que se cuenta en este tomo. Eccarius también acabó asomando en la tercera temporada. Rogen y Goldberg repetirían con Ennis al impulsar la adaptación de The Boys para Prime Video, que acabó siendo un enorme éxito.

Aun así, nada sustituye a las viñetas. Predicador ganó el premio Eisner a la mejor serie regular en 1999, y tomos como este explican por qué. Ennis y Dillon logran algo muy difícil. Hacen reír, asquean, emocionan y hacen pensar, a veces en la misma página. Este tercer volumen baja el ritmo de la acción para mirar a sus personajes a los ojos, y el resultado es un relato más íntimo y, por eso mismo, más inquietante. El capítulo del Santo de los Asesinos, por sí solo, ya justificaría la compra.

Si los dos primeros volúmenes te engancharon, este no te va a defraudar. Si todavía no has empezado, estás tardando. Predicador sigue siendo lectura obligada para cualquier adulto que quiera ver hasta dónde puede llegar el cómic cuando nadie le pone freno.

Esta edición presentada por Panini Comics viene en un formato de cartoné con un tamaño de página de 17 x 26 cm. y contiene la traducción de los números 27 a 33 de la serie original Preacher, además de los números 1 a 4 de la miniserie Preacher Special: Saint of Killers y el especial Preacher Special: Cassidy: Blood & Whiskey. El tomo contiene 352 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 42 € y se puso a la venta en agosto de 2026.


Reseña de Predicador 3

Predicador 3

Tras su enfrentamiento con el Grial, Jesse, Tulip y Cassidy ponen rumbo al sur con la intención de recuperarse, pero el descanso pronto termina: Jesse deberá enfrentarse a un furioso Caraculo decidido a vengar la muerte de su padre, mientras Tulip lidia con la inesperada declaración de amor de Cassidy. Este tercer volumen de la obra maestra de Garth Ennis y Steve Dillon se completa con el salvaje origen del Santo de los Asesinos y el relato del primer y único encuentro de Cassidy con otros vampiros.

Autores: Garth Ennis, Steve Dillon, Steve Pugh, Matt Hollingsworth, Pamela Rambo y James Sinclair

Christopher Judge apunta a Egipto como próximo destino de God of War

El actor que interpreta a Kratos en God of War revela qué mitología le gustaría explorar en la siguiente aventura

El próximo destino de Kratos podría estar relacionado con la mitología egipcia, aunque por ahora no existe confirmación oficial. La posibilidad surgió durante una intervención de Christopher Judge, la voz de Kratos, en la Edmonton Expo 2026.

Cuando un asistente le preguntó qué dirección le gustaría que tomara la saga, Judge respondió que le encantaría viajar a Egipto. El actor destacó el atractivo del panteón egipcio y la cantidad de historias que podrían aprovecharse para una nueva aventura.

Sus declaraciones llegan después de que Kratos haya recorrido los mundos de la mitología griega y nórdica. La última entrega principal, God of War: Ragnarök, puso fin al enfrentamiento con buena parte de los dioses nórdicos, dejando abierta la cuestión de cuál será el siguiente escenario de la franquicia.

Judge también señaló que existen otros panteones menos conocidos que podrían ofrecer posibilidades interesantes. Sin embargo, sus comentarios sobre Egipto no confirman que Santa Monica Studio esté desarrollando un juego ambientado allí.

De producirse ese cambio de escenario, la mitología egipcia ofrecería numerosos personajes que podrían convertirse en nuevos rivales de Kratos, entre ellos figuras como Ra, Anubis u Osiris. Por ahora, todo queda en el terreno de las posibilidades hasta que Sony o Santa Monica Studio proporcionen información oficial de God of War.

Los responsables de La Isla Olvidada ya imaginan nuevas historias para su mundo

Joel Crawford y Januel P. Mercado reconocen que existen muchas posibilidades para continuar la película La Isla Olvidada

La Isla Olvidada lleva pocos días en los cines, pero sus directores ya contemplan la posibilidad de regresar a este universo. Joel Crawford y Januel P. Mercado han explicado en una entrevista con Collider que existen ideas para seguir desarrollando la historia, aunque ahora mismo su prioridad es el estreno de la película.

El proyecto nació en 2020, cuando ambos cineastas decidieron crear una historia original inspirada parcialmente en su propia amistad y en sus vínculos con Filipinas. El desarrollo tuvo una pausa mientras trabajaban en El Gato con Botas: El Último Deseo, antes de retomarse para completar la película.

Mercado también explicó que uno de los grandes retos fue encontrar una identidad visual propia. Después de experimentar con animación 2D y 3D en El Gato con Botas, el equipo quiso llevar esa combinación todavía más lejos en La Isla Olvidada, especialmente mediante las expresiones de los personajes.

Sobre una posible continuación, Mercado señaló que la película deja “muchas preguntas sin respuesta” y que el mundo presentado es mucho más amplio de lo que se muestra en pantalla. Crawford, por su parte, reconoció que ambos estarían encantados de contar más historias ambientadas en este universo.

Eso sí, los directores prefieren centrarse primero en el estreno y comprobar la conexión de la película con el público antes de avanzar con nuevos proyectos. La Isla Olvidada ya se está proyectando en los cines.

Godzilla Minus Zero hace historia con una decisión que cambiará el tono de la saga

Takashi Yamazaki se niega a suavizar su nueva película y lleva a Godzilla hasta un territorio nunca explorado por la franquicia

Godzilla lleva más de siete décadas arrasando ciudades, enfrentándose a monstruos imposibles y recordándonos que estar cerca de un edificio cuando aparece un kaiju nunca es una buena idea. Sin embargo, Godzilla Minus Zero está dispuesta a cruzar una frontera que ninguna película anterior del monstruo de Toho había atravesado, y Takashi Yamazaki tiene bastante claro que era necesario hacerlo.

La secuela de Godzilla Minus One ha recibido en Estados Unidos una calificación R por contenido violento y algunas imágenes sangrientas, convirtiéndose en la primera entrega de la franquicia con semejante clasificación desde que la MPA estableció su actual sistema en 1968. Y no parece tratarse de violencia añadida simplemente para sorprender al público: Yamazaki asegura que determinadas escenas eran demasiado importantes como para modificarlas.

Godzilla Minus Zero necesitaba mostrar una destrucción sin censura

El director explicó durante el Festival de Cine de Nueva York que rebajar la película para conseguir una clasificación PG-13 llegó a estar sobre la mesa, algo comprensible teniendo en cuenta que una calificación menos restrictiva permite llegar a un público mucho mayor. Sin embargo, había una línea que Yamazaki no estaba dispuesto a cruzar: eliminar aquello que consideraba fundamental para su historia.

godzilla

«Había ciertas escenas que, para mí como director, eran esenciales para la película. Censurarlas o cortarlas simplemente no era una opción», explicó Yamazaki. El cineasta también considera que la percepción de las películas calificadas R ha cambiado y que actualmente incluso puede generar cierta expectación entre los espectadores, al transmitir la sensación de estar viendo la obra sin suavizar.

Las primeras reacciones apuntan a un Godzilla mucho más brutal

Y parece que esa decisión se nota en pantalla. Las primeras opiniones recogidas tras las proyecciones destacan especialmente la crudeza de la destrucción y el impacto de algunas secuencias, hasta el punto de considerar que la clasificación R está plenamente justificada. Andrew Salazar, de Discussing Film, aseguró que la película contiene momentos capaces de dejar al espectador con la boca abierta, mientras que Greg Pomes destacó la brutalidad con la que se representa la devastación.

Las comparaciones tampoco están siendo precisamente modestas. Algunos críticos han colocado a Godzilla Minus Zero entre esas secuelas que consiguen superar las expectativas generadas por una primera película extraordinariamente bien recibida. JoBlo llegó a compararla con El padrino. Parte II respecto a su predecesora, mientras que Anthony Orlando la situó junto a Terminator 2 y El caballero oscuro al hablar de grandes continuaciones cinematográficas. Son palabras enormes para una película que todavía tiene que enfrentarse al juicio del público.

Superar Godzilla Minus One no será precisamente sencillo

La dificultad está en que Yamazaki viene de colocar el listón altísimo. Godzilla Minus One consiguió combinar espectacularidad, drama humano y el terror provocado por la criatura sin convertir a sus personajes en simples figurantes esperando la siguiente escena de destrucción. Esa combinación fue una de las claves de su enorme acogida, con un 99 % de valoraciones positivas de la crítica y un 98 % del público en Rotten Tomatoes según los datos recogidos por la fuente.

Godzilla Minus Zero hace historia con una decisión que cambiará el tono de la saga

Godzilla Minus Zero pretende conservar precisamente ese corazón humano, pero aumentando considerablemente la intensidad de aquello que ocurre cuando Godzilla entra en escena. La historia se desarrolla en Japón en 1949, dos años después de los acontecimientos de Minus One, y vuelve a situar a la familia Shikishima en el centro de la narración. Ryunosuke Kamiki regresa como Kōichi Shikishima y Minami Hamabe vuelve como Noriko, acompañados por buena parte del reparto anterior y varias incorporaciones.

La calificación R ya no tiene por qué ser un problema en taquilla

Durante años, recibir una clasificación R podía provocar cierta preocupación en los grandes estudios porque limitaba automáticamente una parte importante del público potencial. Sin embargo, Hollywood ha demostrado repetidamente que una película para adultos puede convertirse en un fenómeno comercial cuando existe suficiente interés alrededor de ella.

Precisamente ese cambio es uno de los argumentos que tranquilizan a Yamazaki. El director considera alentador comprobar que otras producciones calificadas R han conseguido grandes resultados comerciales y espera que Godzilla Minus Zero pueda continuar esa tendencia sin sacrificar su identidad creativa. Para él, esa clasificación incluso puede funcionar ahora como una promesa: el espectador sabe que determinadas ideas no han sido recortadas para conseguir una audiencia más amplia.

Godzilla Minus Zero hace historia con una decisión que cambiará el tono de la saga

Godzilla vuelve a sus raíces más incómodas

La apuesta, además, tiene bastante sentido para un personaje que nunca nació simplemente como un gigantesco monstruo destinado a protagonizar peleas espectaculares. El Godzilla original de 1954 estaba profundamente ligado al trauma nuclear japonés, y las mejores reinterpretaciones del personaje suelen funcionar cuando recuperan ese componente aterrador y convierten al kaiju en algo más que una atracción visual.

Godzilla Minus One entendió perfectamente esa idea, y ahora Godzilla Minus Zero parece dispuesta a llevarla todavía más lejos, mostrando con mayor crudeza las consecuencias humanas de encontrarse frente a una criatura de semejante tamaño y poder. Que haya sangre no garantiza una película mejor, evidentemente; pero si esa violencia sirve para que cada ataque tenga peso dramático, la clasificación R podría terminar siendo mucho más que una simple curiosidad histórica.

La película tiene una duración anunciada de 135 minutos, vuelve a estar escrita y dirigida por Takashi Yamazaki y llegará a los cines estadounidenses el 6 de noviembre de 2026. Después del enorme impacto de Minus One, la gran pregunta ya no es solamente cuánto destruirá Godzilla esta vez, sino hasta dónde está dispuesto Yamazaki a llevarnos para que sintamos las consecuencias.

Star Wars vuelve a los Skywalker y ficha al director que convirtió Spider-Man en un fenómeno

daisy ridley

Lucasfilm prepara una nueva trilogía de Star Wars que podría recuperar a Rey, aunque Disney todavía tiene que dar un paso decisivo

Parecía que Star Wars había cerrado definitivamente la Saga Skywalker cuando El ascenso de Skywalker llegó a los cines en 2019. Nueve películas, varias generaciones de personajes y más de cuatro décadas de historia parecían suficientes para poner punto final al apellido más importante de aquella galaxia muy, muy lejana. Sin embargo, Lucasfilm tiene otros planes.

La compañía estaría preparando una nueva trilogía vinculada a la Saga Skywalker, y ya habría encontrado al encargado de dirigir su primera película: Jon Watts, un cineasta que conoce perfectamente las grandes franquicias gracias a su paso por Marvel y que, además, ya ha trabajado dentro del universo creado por George Lucas.

Jon Watts dirigirá la nueva película de Star Wars

Watts es especialmente conocido por haber dirigido Spider-Man: Homecoming, Spider-Man: Lejos de casa y Spider-Man: No Way Home, las tres películas protagonizadas por Tom Holland como Peter Parker. Su experiencia con Star Wars tampoco es precisamente pequeña, ya que fue cocreador de Skeleton Crew, la serie ambientada durante la era de la Nueva República.

El proyecto colocará a Watts al frente de la primera entrega de una nueva trilogía escrita por Simon Kinberg, otro nombre muy relacionado con el cine fantástico y de superhéroes. Entre sus trabajos encontramos X-Men: Fénix Oscura y Mr. & Mrs. Smith, aunque para los seguidores de Star Wars probablemente resulte mucho más interesante su participación como cocreador de Star Wars Rebels.

star wars

Simon Kinberg lleva años trabajando en esta nueva etapa

La llegada de Watts puede parecer una novedad repentina, pero esta nueva trilogía lleva bastante tiempo cocinándose. Según las informaciones publicadas, Kinberg trabaja en ella desde 2018, por lo que Lucasfilm parece llevar años buscando la fórmula adecuada para regresar a la línea principal cinematográfica.

Y aquí aparece la gran incógnita. Aunque algunos informes presentan las películas como una continuación de la Saga Skywalker, todavía existen dudas sobre si realmente serán consideradas los Episodios X, XI y XII. Otras informaciones apuntan a que podrían constituir una nueva saga relacionada con los acontecimientos anteriores sin adoptar necesariamente esa numeración. Lucasfilm todavía no ha aclarado públicamente este punto.

Rey podría volver a empuñar el sable de luz

El nombre que inevitablemente vuelve a aparecer es Daisy Ridley. Lucasfilm tendría a la actriz en mente para recuperar a Rey, protagonista de la trilogía formada por El despertar de la Fuerza, Los últimos Jedi y El ascenso de Skywalker. Por ahora, eso no significa que su regreso esté oficialmente cerrado.

Su presencia tendría bastante sentido si las nuevas películas avanzan cronológicamente desde el final del Episodio IX. Rey terminó aquella historia adoptando el apellido Skywalker, después de derrotar definitivamente a Palpatine y comenzar una nueva etapa en la que el futuro de los Jedi quedaba prácticamente en sus manos.

Daisy Ridley

El proyecto todavía tiene un obstáculo importante

Pese al fichaje de Jon Watts y al trabajo realizado por Simon Kinberg, conviene contener los tauntauns. Disney todavía no habría dado luz verde definitiva a la nueva trilogía, mientras que Lucasfilm ha evitado hacer comentarios oficiales sobre las informaciones publicadas.

Eso significa que todavía no existe una fecha de estreno anunciada, ni reparto confirmado, ni calendario de rodaje. Tampoco está confirmado que Watts vaya a dirigir las tres entregas: las informaciones disponibles únicamente lo sitúan al frente de la primera película.

Star Wars intenta recuperar su gran saga cinematográfica

El posible regreso resulta especialmente llamativo porque la Saga Skywalker comenzó en 1977 con Una nueva esperanza. Después llegarían El Imperio contraataca y El retorno del Jedi, antes de que George Lucas regresara años después para contar la caída de Anakin Skywalker mediante la trilogía de precuelas.

Disney retomó aquella historia en 2015 con El despertar de la Fuerza. Rey, Finn, Poe Dameron y Kylo Ren heredaron entonces el protagonismo de Luke Skywalker, Leia Organa y Han Solo hasta que El ascenso de Skywalker cerró en 2019 una historia cinematográfica desarrollada durante 42 años.

The Mandalorian and Grogu

Antes llegará otra película muy diferente

Desde entonces, Star Wars ha encontrado buena parte de su expansión en televisión con producciones como The Mandalorian, Andor, Ahsoka o la propia Skeleton Crew. El regreso a los cines, sin embargo, avanza por diferentes caminos y la película de Watts no será la próxima en llegar a las salas.

Ese puesto corresponde actualmente a Star Wars: Starfighter, dirigida por Shawn Levy y prevista para el 28 de mayo de 2027. El proyecto de Watts y Kinberg todavía no dispone de fecha, así que probablemente habrá que esperar bastante antes de descubrir qué significa exactamente continuar la Saga Skywalker.

Lo realmente interesante será comprobar qué entiende Lucasfilm por continuar una historia que aparentemente terminó en 2019. Recuperar a Rey sería el puente más evidente, pero también abriría la puerta a explorar el futuro de los Jedi, presentar una nueva generación de protagonistas y decidir cuánto peso deben conservar los Skywalker en una franquicia que lleva casi medio siglo girando alrededor de su legado.

Absolute Batman redefine el origen de Bruce Wayne con un homenaje a una de las historias más míticas del Caballero Oscuro

Absolute Batman

Absolute Batman #24 completa una pieza fundamental del pasado de Bruce Wayne mientras prepara un enfrentamiento que podría cambiarlo todo

Absolute Batman

Durante casi dos años, Scott Snyder y Nick Dragotta han construido el pasado de su particular Bruce Wayne a pequeñas dosis, dejando que cada nueva revelación explicase un poco mejor cómo aquel niño marcado por la tragedia terminó convirtiéndose en el protector de Gotham. Absolute Batman #24 finalmente encaja varias de esas piezas y lo hace recuperando una de las escenas más famosas de toda la historia del personaje. Todo sucede mientras Batman se enfrenta definitivamente al Espantapájaros en un maizal situado a las afueras de Gotham. La batalla sirve como presente de una narración que viaja constantemente al pasado y termina mostrando el momento en el que Bruce comprende qué debe ser.

Absolute Batman redefine el origen de Bruce Wayne con un homenaje a una de las historias más míticas del Caballero Oscuro

Absolute Batman recupera uno de los momentos fundamentales de Batman: Año Uno

En esta realidad, Bruce Wayne llegó a trabajar como ejecutor armado con un bate de béisbol para Carmine Falcone. Snyder ha utilizado esa peculiar etapa para construir una evolución bastante diferente de la tradicional, aunque el destino termine llevando al protagonista hacia un símbolo que cualquier lector reconoce inmediatamente.

Es entonces cuando entra en juego Batman: Año Uno, la histórica obra de Frank Miller y David Mazzucchelli. En Batman #404, publicado originalmente en 1987, Bruce Wayne se encuentra herido en la mansión familiar cuando un murciélago atraviesa una ventana. El animal se convierte en la señal que estaba esperando y Bruce toma finalmente la decisión que marcará el resto de su vida: convertirse en un murciélago.

El mensaje de Martha Wayne cambia por completo el nacimiento de Batman

Absolute Batman #24 reinterpreta ese instante sin limitarse a copiarlo. Aquí encontramos a Bruce tumbado en el recinto de los murciélagos del zoo, precisamente el lugar donde se había escondido siendo niño durante el tiroteo masivo provocado por Joe Chill bajo los efectos del Espantapájaros.

En lugar de recibir metafóricamente una señal de su padre, este Bruce encuentra inspiración en las palabras de su madre. Recupera un mensaje escrito por Martha Wayne en el que puede leerse: «¡Sé más que esto, Bruce! Con cariño, mamá». Su respuesta resume perfectamente el nacimiento de esta nueva versión del héroe: «De acuerdo, mamá. Seré un murciélago».

Barbara Gordon también encuentra su propia identidad como Bat

La jugada de Snyder resulta especialmente interesante porque Absolute Batman #24 termina contando dos historias de origen paralelas. Bruce acepta definitivamente su condición de Batman mientras Barbara Gordon da un paso parecido al adoptar la identidad de Bat, aunque su transformación recibe bastante menos espacio del que podrían hacer pensar las portadas del cómic.

De hecho, Barbara aparece de forma destacadísima en prácticamente todas las cubiertas del número, algo que podría llevar a pensar que su transformación constituye uno de los grandes acontecimientos del capítulo. Sin embargo, quienes esperasen encontrar una historia centrada principalmente en ella probablemente se llevarán una pequeña decepción.

Absolute Batman redefine el origen de Bruce Wayne con un homenaje a una de las historias más míticas del Caballero Oscuro

El debut de Bat sabe a poco después de todo lo prometido

La aparición de Bat termina resultando bastante breve, especialmente porque tanto las portadas como los diseños conceptuales de Dragotta ya habían mostrado previamente buena parte de su aspecto. La revelación queda situada hacia el final y apenas dispone del espacio necesario para generar todo el impacto que podría haber tenido.

Aun así, colocar los nacimientos simbólicos de Batman y Bat dentro del mismo número permite establecer una conexión evidente entre Bruce y Barbara. Al fin y al cabo, la colección sigue perteneciendo principalmente al Caballero Oscuro y era lógico que la culminación de su origen ocupase el centro emocional de la historia.

El pasado de Bruce Wayne queda cerrado, pero Thomas Wayne sigue siendo un misterio

Después de 24 entregas, Absolute Batman parece dispuesto a dejar atrás buena parte de los fantasmas que han perseguido a Bruce Wayne. Su pasado está prácticamente explicado y su enfrentamiento con el Espantapájaros permite cerrar algunas de las heridas que han definido esta primera gran etapa de la serie. Sin embargo, todavía quedan preguntas bastante inquietantes.

Una de las mayores continúa relacionada con Thomas Wayne y el misterioso hombre demacrado aparentemente retenido por el Espantapájaros. Todavía no existe una certeza absoluta sobre su identidad. Si realmente fuese Clayface haciéndose pasar por Thomas, surgiría inmediatamente otra pregunta: ¿tuvo que encontrarse antes con él para reproducir su aspecto? Y, en ese caso, ¿dónde estaría realmente el cuerpo del padre de Bruce?

Absolute Batman #25 prepara el esperado choque contra Joker

El misterio podría tener otras explicaciones, especialmente después de que Bruce pareciese mantener contacto con Thomas Wayne en el más allá, algo que apuntaría a que su padre está realmente muerto. Snyder todavía dispone de suficientes piezas sobre el tablero como para volver a sorprender a los lectores.

Y parece que no habrá demasiado tiempo para descansar. Absolute Batman #25 prepara nada menos que Batman contra Joker, un choque especialmente esperado teniendo en cuenta lo diferente que resulta este universo respecto a la continuidad tradicional de DC. La propia editorial ha acompañado el próximo número con una descripción bastante contundente: «Todos los villanos. Todos los héroes. Todo está en juego. ¿Qué queda… de Absolute Batman?».

Absolute Batman redefine el origen de Bruce Wayne con un homenaje a una de las historias más míticas del Caballero Oscuro

Scott Snyder todavía tiene mucho que contar en Absolute Batman

El éxito de la colección demuestra que la reinvención de Scott Snyder y Nick Dragotta ha encontrado su propio espacio sin necesitar borrar décadas de historia del personaje. Precisamente ahí está uno de sus mayores aciertos: tomar momentos reconocibles, como aquella escena inmortal de Año Uno, y reconstruirlos para que signifiquen algo distinto.

Con Absolute Batman #24 ya disponible, el origen de este Bruce Wayne finalmente parece completo. Pero alcanzar ese punto no supone el final del viaje. Con Joker esperando a la vuelta de la esquina y varios misterios todavía abiertos, todo apunta a que el verdadero desafío para este gigantesco y brutal Batman apenas acaba de comenzar.

Mary Poppins prepara una serie mucho más oscura que dejará atrás el clásico de Disney

Mary Poppins

La nueva adaptación televisiva de Mary Poppins quiere recuperar a la niñera de P. L. Travers que Disney nunca se atrevió a mostrar

Mary Poppins prepara una serie mucho más oscura que dejará atrás el clásico de Disney

Durante décadas hemos asociado a Mary Poppins con Julie Andrews, canciones inolvidables, chimeneas londinenses y pingüinos animados. Pero cualquiera que haya leído los libros originales de P. L. Travers sabe que aquella niñera prácticamente perfecta de Disney era solo una versión bastante suavizada del personaje que nació en la literatura. Ahora esa otra Mary Poppins podría tener su oportunidad. Tom Winchester, productor relacionado con Shōgun y Pure Fiction Television, está desarrollando una nueva serie de televisión de Mary Poppins en colaboración directa con los responsables del legado de P. L. Travers. Y todo apunta a que esta vez la intención sería acercarse mucho más al espíritu de los libros.

Mary Poppins podría recuperar su lado más oscuro

El proyecto todavía se encuentra en una fase temprana, pero ya se habrían producido conversaciones con Disney. Eso no significa necesariamente que la serie vaya a terminar en Disney+, ya que por ahora no se ha anunciado plataforma, reparto, director ni fecha aproximada de estreno.

Lo realmente interesante está en el material que podría utilizar la producción. P. L. Travers escribió ocho libros protagonizados por Mary Poppins, comenzando con la novela publicada en 1934, y el tono de aquellas historias resulta considerablemente más extraño e inquietante de lo que recuerda cualquiera que creciera exclusivamente con la película de 1964.

La Mary Poppins de los libros no era Julie Andrews

Disney convirtió aquellas aventuras en un musical familiar cálido y sentimental, eliminando o suavizando muchos de los elementos más incómodos de las historias. El cambio probablemente más importante afectó precisamente a su protagonista, porque la Mary Poppins literaria dista bastante de ser aquella encantadora institutriz que interpretó Julie Andrews.

En las novelas es vanidosa, estricta, imprevisible y tiene una lengua bastante afilada. Puede resultar fascinante, pero también intimidante, y no parece especialmente preocupada por caer bien a quienes la rodean. Precisamente esa personalidad podría convertirse en uno de los grandes atractivos de una adaptación televisiva que quiera diferenciarse radicalmente del imaginario construido por Disney.

Los libros tienen una estructura perfecta para una serie

Además, los libros tampoco funcionan como una gran historia continua al estilo tradicional. Se parecen más a una colección de episodios independientes en los que suceden acontecimientos mágicos y extravagantes. Mary aparece y desaparece cuando le viene en gana, mientras que sus intervenciones parecen obedecer únicamente a unas reglas que ella comprende.

Ahí encontramos otra diferencia importante. Cuando Jane y Michael Banks viven aventuras sin la protección de Mary, la magia puede dejar rápidamente de parecer divertida. Los niños descubren que existen criaturas y situaciones genuinamente peligrosas y que la reputación de su niñera no responde únicamente a su carácter.

Mary Poppins prepara una serie mucho más oscura que dejará atrás el clásico de Disney

Un mundo mágico bastante menos acogedor

En ese contexto, los extraordinarios poderes de Mary Poppins adquieren otra dimensión. Ya no hablamos simplemente de una mujer capaz de volar con un paraguas o sacar objetos imposibles de un bolso, sino de alguien suficientemente poderosa como para moverse con tranquilidad por lugares donde los niños Banks podrían encontrarse completamente indefensos.

La posibilidad de realizar una adaptación más cercana a los libros resulta especialmente curiosa teniendo en cuenta la complicada relación que Travers mantuvo con la película de Walt Disney. La escritora nunca ocultó sus diferencias respecto al rumbo que tomó la adaptación protagonizada por Julie Andrews y Dick Van Dyke.

P. L. Travers nunca estuvo cómoda con la película de Disney

Uno de los elementos que más le molestaron fueron las secuencias de animación, especialmente los famosos pingüinos bailarines. Travers consideraba que aquella aproximación hacía demasiado infantil una obra en la que había depositado elementos profundamente personales, relacionados incluso con su propia infancia y con la figura de su padre.

Aquellos desencuentros terminaron formando parte de la cultura popular gracias a Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks), película estrenada en 2013. Emma Thompson interpretó a P. L. Travers mientras que Tom Hanks se puso en la piel de Walt Disney para recrear el complicado proceso que precedió a la adaptación cinematográfica.

Hollywood ya contó el conflicto entre Travers y Disney

Por supuesto, la historia real detrás de aquella relación fue más compleja que cualquier dramatización hollywoodiense. Pero la resistencia de Travers ante determinados cambios introducidos por Disney ayuda a comprender por qué una nueva versión fiel a sus novelas resulta tan interesante más de seis décadas después del estreno del musical.

Aunque pueda parecerlo, esta tampoco sería realmente la primera adaptación televisiva del personaje. CBS emitió una versión de Mary Poppins en diciembre de 1949, dentro de la popular serie antológica Studio One, mucho antes de que Julie Andrews convirtiera al personaje en uno de los mayores iconos familiares del cine.

Mary Poppins ya pasó por televisión antes de Disney

La diferencia es que una serie moderna permitiría explorar con mucha más profundidad los ocho libros de Travers. Su estructura episódica incluso parece especialmente apropiada para televisión: cada capítulo podría introducir una nueva situación fantástica mientras se desarrolla progresivamente la peculiar relación entre Mary y la familia Banks.

Y precisamente ahí está la gran incógnita. Una Mary Poppins más oscura no tendría por qué convertirse en una historia de terror, sino recuperar ese componente inquietante, imprevisible y casi surrealista que Disney decidió transformar en algo mucho más amable.

Mary Poppins prepara una serie mucho más oscura que dejará atrás el clásico de Disney

Una Mary Poppins muy diferente puede estar en camino

Si el proyecto finalmente sale adelante, tendremos ante nosotros una oportunidad bastante insólita de descubrir que Mary Poppins nunca fue exactamente como nos la habían contado. El paraguas, el bolso y la magia seguirían ahí, pero esta vez podrían venir acompañados de una niñera bastante menos dispuesta a endulzarnos las cosas.

La clave estará en comprobar hasta dónde están dispuestos a llegar sus responsables. Recuperar la personalidad original creada por P. L. Travers podría hacer que varias generaciones descubran una Mary Poppins sorprendentemente distinta, mucho más extraña y afilada que la figura inmortalizada por Disney.

Norma Editorial: Novedades octubre 2026

norma editorial

Norma Editorial muestra sus novedades para el mes de octubre 2026, donde destaca la publicación del último volumen de la nueva edición de Sin City, la obra maestra de Frank Miller

Mostramos la selección de novedades de cómic americano, europeo y manga que ha preparado Norma para octubre 2026.

Reseña de The Witcher: Los cómics clásicos

Norma Editorial rescata en The Witcher: Los cómics clásicos las primeras viñetas que dieron rostro al brujo más famoso de la fantasía europea

Un camino embarrado, una taberna mal iluminada y un hombre de pelo blanco que cobra por matar monstruos. Así empezó todo, bastante antes de que Geralt de Rivia llegara a las consolas y a las plataformas de streaming. En la Polonia de los años noventa, recién salida de cuatro décadas de órbita soviética, unos relatos publicados en una revista de ciencia ficción se habían convertido en un fenómeno local que nadie fuera del país vio venir. Aquellas historias tuvieron enseguida su versión dibujada, hecha con medios modestos y pensada para un mercado que cabía en un solo idioma. Durante treinta años fueron una rareza de coleccionista, casi una leyenda que circulaba por los foros en escaneos de mala calidad. Ahora se pueden leer en castellano por primera vez gracias a The Witcher: Los cómics clásicos, el tomo que publica Norma Editorial.

Conviene decirlo de entrada. Esto no es una precuela oficial ni una expansión moderna del universo del brujo. Es el documento fundacional, el primer lugar donde alguien se sentó a decidir qué cara tenía Geralt, cómo era una estriga y qué aspecto tenía el Continente. Todo lo que vino después, del videojuego a la televisión, parte de un imaginario que aquí se dibujó por primera vez.

Reseña de The Witcher: Los cómics clásicos

El brujo antes de ser un icono

La premisa sigue funcionando igual de bien que hace cuarenta años. Geralt es un mutante entrenado desde niño para cazar monstruos. Lleva dos espadas, una de acero y otra de plata, y se gana la vida por contrato, de pueblo en pueblo, cobrando por trabajos que casi nadie quiere hacer. Lo interesante nunca fue la bestia de turno, sino el momento en que el brujo descubre que la criatura tiene sus razones y que los aldeanos que lo han contratado son bastante peores. Andrzej Sapkowski levantó su mundo cogiendo cuentos populares eslavos y europeos y dándoles la vuelta, con un humor seco y una mala leche que todavía sorprenden. Ese es el material que adaptan estas páginas, con el visto bueno del propio autor.

Quien venga de la saga de libros de Geralt de Rivia reconocerá escenas enteras casi frase por frase. La fidelidad es máxima, a veces incluso excesiva. Los cuadros de texto cargan con mucha información y los diálogos se estiran para que quepa todo lo que el relato resolvía en prosa. A cambio, cada historia funciona de forma autónoma, con planteamiento, encargo y resolución, igual que un cuento oscuro. Es un formato que envejece mejor de lo que parece.

Hay algo en estas páginas que cuesta encontrar en el material posterior. El brujo aún no es una estrella. No hay grandes guerras ni tableros políticos, solo caminos, encargos mal pagados y decisiones incómodas. Ese tono de dark fantasy de andar por casa, sucio y cotidiano, es justo lo que convirtió a Sapkowski en un autor distinto dentro del género.

Reseña de The Witcher: Los cómics clásicos

Dos veteranos del cómic polaco

Maciej Parowski no era un guionista cualquiera. Nacido en Varsovia en 1946, fue durante décadas el hombre fuerte de la revista Fantastyka y después director de Nowa Fantastyka. Fue él quien decidió publicar en diciembre de 1986 el relato con el que Sapkowski debutó, un texto que solo quedó tercero en un concurso para autores noveles pero que provocó tal respuesta entre los lectores que el brujo se volvió fijo en la revista. Sin esa decisión editorial es probable que no existiera nada de lo demás. Parowski firmó también, junto a Jacek Rodek, el guion de Funky Koval, considerado el primer cómic polaco para adultos. Murió en 2019, sin llegar a ver traducido su trabajo sobre el brujo.

El dibujante llega con una hoja de servicios todavía más larga. Bogusław Polch debutó a los diecisiete años y entró en el oficio por recomendación de Grzegorz Rosiński, el futuro dibujante de Thorgal. Durante los setenta encadenó los cuadernos policiacos de Kapitan Żbik, y su gran éxito internacional llegó con Bogowie z kosmosu, una serie encargada por un editor alemán y basada en las teorías de Erich von Däniken sobre visitantes extraterrestres en la antigüedad, que acabó traducida a más de diez idiomas. Polch murió el 2 de enero de 2020, apenas dos semanas después de que Netflix estrenara su serie y devolviera al brujo a todas las conversaciones.

Reseña de The Witcher: Los cómics clásicos

Línea clara, espadas y un flequillo discutido

El apartado gráfico es lo que más divide. Polch trabaja con contorno nítido y figuras realistas, una escuela emparentada con la ligne claire franco-belga, y aplica el color en tintas planas, sin grandes juegos de sombras. Le funciona muy bien con los monstruos y con los interiores recargados, y algo peor con los rostros humanos, que repiten gesto más de la cuenta. El diseño de Geralt, con flequillo y melena a media altura, dio para discusiones interminables entre los lectores polacos y sigue chocando a quien tiene grabada la imagen del videojuego. Conviene mirarlo sin prejuicios. Fue la primera vez que alguien tuvo que resolver ese problema de diseño, sin referencia alguna y sin una industria detrás que le respaldara.

Hay cosas que el tiempo no perdona. El formato de álbum obligaba a comprimir relatos densos en muy pocas páginas, y eso se nota en un ritmo que avanza a trompicones y en transiciones bruscas. La rotulación y el montaje pertenecen sin disimulo a otra época. Quien busque una lectura fluida y moderna se va a tropezar más de una vez. Quien busque entender de dónde salió todo tiene aquí una mina.

El recorrido del personaje fuera de las viñetas ayuda a medir el valor de este rescate. En 2001 llegó una superproducción polaca dirigida por Marek Brodzki con Michał Żebrowski como protagonista, y después una serie de televisión que reaprovechaba aquel metraje con resultados discretos. Más tarde aparecieron los videojuegos de CD Projekt RED, que convirtieron a Geralt en un icono global y fijaron la imagen que hoy tiene casi todo el mundo en la cabeza. Y en 2019 llegó la serie de Netflix con Henry Cavill, un arranque potente y una deriva cada vez más discutida por los lectores de los libros. Cavill acabó dejando el papel, Liam Hemsworth tomó el relevo en la cuarta temporada y la quinta y última sigue pendiente de fecha.

Visto ese recorrido, este tomo encaja como la pieza que faltaba justo al principio de la cadena. No es una obra maestra y no pretende serlo. Es un cómic de encargo, hecho deprisa, en un país sin industria del tebeo de género y para un lector que no sabía que estaba asistiendo al nacimiento de un fenómeno. Precisamente por eso resulta fascinante. Como puerta de entrada al universo del brujo hay opciones mejores, porque da muchas cosas por sabidas y exige paciencia. Como documento histórico y como objeto de colección es imprescindible, y Norma Editorial lo ha rescatado con el mimo que el material merecía.

Esta edición presentada por Norma Editorial viene en un formato de cartoné con un tamaño de página de 17 x 26 cm. y contiene la traducción de los seis álbumes de la serie original Wiedźmin, publicados en Polonia entre 1993 y 1995, con las adaptaciones de Camino sin retorno, Geralt, El mal menor, El último deseo y Las fronteras de lo posible, además del relato original Traición, una introducción de Marcin Zwierzchowski y un epílogo del traductor José María Faraldo. El tomo contiene 296 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 39,50 € y se puso a la venta en julio de 2026.


the witcher

The Witcher: Los cómics clásicos

LAS ADAPTACIONES A CÓMIC ORIGINALES DE THE WITCHER DE LOS AÑOS 90

En The Witcher: Los cómics clásicos encontrarás recopiladas las primeras adaptaciones a cómic de The Witcher, creadas por Maciej Parowski y Bogusław Polch a partir de los relatos de Andrzej Sapkowski. Publicados originalmente en Polonia en los años 1990, estos cómics proporcionaron la dimensión visual a todos los elementos de la saga de Geralt de Rivia que ahora conocemos por sus versiones en videojuego, cómics actuales o series de TV.

En este volumen encontrarás las siguientes historias adaptadas a cómic: “Camino sin retorno”, “Geralt”, “El mal menor”, “El último deseo” y “Las fronteras de lo posible”, así como el relato original “Traición”, creado a partir de una idea de Sapkowski. El volumen también incluye una introducción de Marcin Zwierzchowski y un epílogo del traductor José María Faraldo.

Autores: Andrzej Sapkowski, Maciej Parowski y Bogusław Polch

3 teorías sobre el destino de Paige Swanson

Paige

Tres posibles finales diferentes para Paige Swanson.

La serie de televisión The Big Bang Theory (2007 – 2019) gozó de tanto éxito que no es de extrañar que haya contado con más de un spin-off, como, por ejemplo, El joven Sheldon (2017 – 2024), que funciona como precuela de la principal, por lo es lógico que haya personajes relacionados con el protagonista que hayan aparecido en ambas, como la familia del protagonista (a excepción del fallecido padre), Tam o el Profesor Protón, mientras que otros han quedado relegados al olvido. Ese es el caso, por ejemplo, de Paige Swanson, que es, precisamente, el objeto de análisis de este artículo.

Interpretada por la actriz McKenna Grace, se trata de una niña que rivaliza en inteligencia con el joven Cooper desde su primera aparición en el capítulo 2 de la segunda temporada de El Joven Sheldon, titulado Una rival prodigiosa y Sir Isaac Newton. Sin embargo, con el paso del tiempo, el divorcio de sus padres hizo pasar a Paige por una etapa de rebeldía sumada al hecho de que cada vez le gustaba menos el ser tan inteligente, algo que el superdotado de los Cooper era incapaz de comprender.

Después de una serie de malas decisiones, apareció por novena y última vez en el capítulo 16 de la sexta temporada de El joven Sheldon, bajo el título Una camioneta robada y una fuga, lo que es una clara muestra de lo mencionado en este mismo párrafo, para que nunca más se volviese a saber de ella ni a ser mencionada por ningún personaje de cualquiera de las dos series. Así que la pregunta es ¿qué pasó con Paige Swanson? Sigue leyendo este artículo para descubrir las tres teorías más extendidas entre los seguidores de la serie, desde las más lógicas hasta las más siniestras.

Sheldon se niega a hablar de Paige

3 teorías sobre el destino de Paige Swanson

Por peculiar que resulte, sabemos cómo funciona la mente del hijo superdotado de la familia Cooper, al menos hasta cierto punto, por lo que no es extraño que le resulte blasfemo oír que alguien que posee un gran potencial desperdicie su vida, que es justo lo que hizo Paige, por lo que es comprensible que Sheldon no quiera ni pensar en ella, ya que tiene cosas más importantes en las que ocupar su mente, al menos bajo su punto de vista.

Además, tenemos que tener en cuenta que los Cooper saben mejor que nadie lo insoportable que puede llegar a ser Sheldon cuando se le mete algo en la cabeza y quizás comprobaron que el joven reaccionaba de manera aún más rara de lo habitual cuando a alguien se le ocurría mencionar a Paige, por lo que llegaron a la conclusión de que era mejor no hacerlo.

El miedo de Sheldon a terminar igual que Paige

3 teorías sobre el destino de Paige Swanson

Una de las cosas de las que le gusta presumir a Sheldon es de que lo recuerda todo, aunque se trata de sucesos que tuvieron lugar cuando solo era un bebé, por lo que la posibilidad de que olvidara a Paige de manera involuntaria, en un principio, no encajaría como una teoría plausible. No obstante, debemos recordar que el personaje posee mecanismos de defensar para protegerse de todo aquello que pueda hacerle daño. El haber conocido a alguien con un intelecto similar que ha acabado destruyendo su propia vida puede hacer que Sheldon piense que puede pasarle algo parecido y su mente lo ha protegido de dichas ideas haciendo que la olvide.

Al igual que en el caso comentado en el caso anterior, la familia Cooper pudo elegir no mencionar a Paige porque llegaron a la misma conclusión que se menciona en este apartado del artículo.

Paige se quitó la vida

3 teorías sobre el destino de Paige Swanson

A pesar de que no cabe la menor duda de que se trata de la opción más trágica, no por ello debemos dejar de tenerla en cuenta, ya que sabemos lo dura que fue la vida de Paige y, por desgracia, no se trata de algo que solo suceda en la ficción, ya que, en el mundo real, es algo que pasa con más frecuencia de lo que nos gustaría reconocer, por lo que no hay motivo para no pensar que podría ser la única vía de escape que veía una chica joven que tuvo que madurar de golpe aunque aún no se encontrara preparada para ello.

No habría que buscar, en este caso, una razón para que la familia Cooper no volviera a mencionar a Paige. Tratar un tema tan delicado siempre es difícil, incluso aunque hables de alguien a quien no conoces, de modo que, en el caso que nos ocupa, es aún más doloroso, ya que se trataba de una joven que llegó a hacerse amiga de Missy y cuya rivalidad con Sheldon los acercó más de lo que al hijo superdotado de la familia Cooper le gustaría reconocer