Y no, no es solo la forma de estrenar lo que cambia. El nuevo tráiler promocional, lanzado justo dos semanas antes del estreno, deja claro que esta última tanda será pura dinamita emocional. En él vemos a rostros ya familiares como Cassian Andor, Mon Mothma, Vel Sartha, Luthen Rael y el queridísimo droide K-2SO, con una voz en off que clama: “La revolución está cobrando vida”. Solo esa frase basta para erizar la piel a cualquier fan veterano.
Lo más potente viene al analizar el fondo de la historia
En lo técnico, el equipo creativo de esta temporada también va a tope. Los tres primeros episodios están escritos por el propio Gilroy. Después se suman Beau Willimon, Dan Gilroy y Tom Bissell, cada uno aportando su visión a los diferentes bloques de episodios. En la dirección, Ariel Kleiman se encarga de los primeros seis capítulos, Janus Metz toma el relevo con los tres siguientes, y Alonso Ruizpalacios cierra el círculo con los últimos tres. Un trío de ases que promete un final con distintos tonos, pero una única dirección: el clímax.
Por eso, esta temporada final no solo concluye una historia. Reafirma la apuesta de Lucasfilm por narrativas que van más allá del sable láser, y que exploran zonas grises, dudas existenciales y dilemas éticos en plena guerra galáctica.
A medida que nos acerquemos a abril, los fans no solo contarán los días, sino que se prepararán emocionalmente para despedir a un personaje que se ha ganado su lugar en la resistencia… y en nuestros corazones.
Y todos, absolutamente todos, le siguen sin rechistar. Le llaman “sir”. Le obedecen. Le admiran.
Este no es el Cyborg que se queda en la torre reparando sistemas. Es un general curtido en mil batallas, que reparte órdenes y reconocimiento como quien reparte justicia en un mundo roto.
Un nuevo estilo que dice más de lo que parece
La parte estética no se queda atrás. El look de Victor con melena desordenada y una barba cerrada le da un aire de veterano postapocalíptico que encaja como anillo al dedo en el caos de World War V. Lejos de ser una decisión de moda, su aspecto es una evolución visual de su nuevo estatus. Más maduro, más decidido, más líder.
Durante años, el rol de líder en los Titanes ha sido compartido entre Nightwing, Donna Troy o Starfire. Pero este cómic plantea una alternativa con argumentos de peso: Victor no solo tiene el poder y el conocimiento técnico, también tiene carisma, estrategia y humanidad. Y lo demuestra sin que parezca forzado ni fuera de lugar.
Además, no es la primera vez que el personaje pide a gritos una reinvención más ambiciosa. En otras series, como Justice League Odyssey o Teen Titans, ya hemos visto atisbos de lo que puede ofrecer si se le da espacio. Pero nunca con esta fuerza.
Y si encima lo acompañan con un equipo tan rompedor como este, las posibilidades son infinitas.
Uno de los villanos de Daredevil volverá para la temporada 2 de Born Again
Se han compartido nuevas fotos del set de la temporada 2 de Daredevil: Born Again, y dichas imágenes confirman un esperado regreso. Ahora bien, aunque sea evidente, debemos aclarar que lo publicado podría considerarse spoiler.
¿Quién vuelve para la segunda temporada?
La segunda temporada de Born Again se sigue rodando en Nueva York, por lo que se han estado publicando unos cuantos spoilers importantes, y ahora, se ha confirmado gracias a nuevas fotos del set que el actor Wilson Bethel regresará como Bullseye. Por tanto, si eras de los que estaban preocupados por el personaje, puedes estar tranquilo, ya que el popular villano parece que sobrevive a los acontecimientos del final de la primera temporada. Los fans esperan que el personaje se vista con un traje más fiel a los cómics, y en la temporada 2 del programa, se podría cumplir ese deseo.
“Una audaz y oportuna reinvención de la historia de Carrie White (Howell), una estudiante de secundaria inadaptada que ha pasado su vida recluida con su dominante madre. Tras la repentina y prematura muerte de su padre, Carrie se encuentra lidiando con el panorama desconocido de la escuela secundaria pública, un escándalo de acoso escolar que destroza su comunidad y el surgimiento de misteriosos poderes telequinéticos”.
Minecraft da el salto de los videojuegos a la gran pantalla con el filme Una película de Minecraft.
Minecraft es un videojuego de construcción, cuyo diseño, que corrió a cargo de Markus Persson “Notch”, Jens Bergensten “Jeb” y Nathan Adams “Dinnerbone”, vio la luz por primera vez en 2009, aunque la verdad es que no tuvo su primera versión estable hasta 2011.
Pese a tratarse de un videojuego que no cuenta con demasiada historia a sus espaldas, sobre todo si lo comparamos con otras franquicias, al menos ha conseguido cosechar el éxito suficiente para dar el salto al cine, bajo el título Una película de Minecraft, que es, precisamente, el filme que analiza este artículo, tal y como puedes comprobar a continuación.
Con Jared Hess ocupando su puesto en la silla del director, Una película de Minecraft, de una duración aproximada de 100 minutos, está protagonizado por Jack Black (como Steve), Jason Momoa (en el papel de Garrett Garrison), Sebastián Eugene Hansen (que interpreta a Henry), Emma Myers (que encarna a Natalie), Danielle Brooks (que se mete en la piel de Dawn), Jennifer Coolidge (que se convierte en la directora Marlene), Jemaine Clement (que se transforma en Daryl) y Rachel House y Allan Henry (como la voz y la captura de movimientos de Malgosha, respectivamente). A continuación, puede verse el tráiler.
La trama nos revela que la anodina vida de Steve da un giro radical cuando, tras atravesar un portal, llega a un extraño mundo hecho de cubos de construcción de fácil manipulación. Tiempo después, el destino cruza los caminos del antiguo campeón de videojuegos Garrett Garrison, los jóvenes hermanos Henry y Natalie y la agente inmobiliaria Dawn, ya que los cuatro se ven transportados al mismo mundo que Steve, donde lo ayudan a derrotar a la malvada Malgosha mientras buscan el camino de regreso a casa.
Lo primero que llama la atención de Una película de Minecraft es la manera en que han decidido bautizar el largometraje, ya que los filmes que adaptan videojuegos suelen llevar por título el nombre del producto en cuestión, al que después se le añade la coletilla que indica que se trata de una película y no de un videojuego. Sin embargo, en este caso, se ha hecho de forma completamente deliberada, ya que, como ya dijimos en su momento, dado que el mundo de Minecraft no tiene un argumento concreto, este proyecto es una de tantas historias que se podría contar sobre este peculiar mundo.
La apuesta más arriesgado que podemos encontrar en Una película de Minecraft es lograr fusionar el mundo real con el del videojuego en una historia que pueda conservar, al menos, un mínimo de coherencia argumental, una asignatura en la que este largometraje aprueba con nota.
Como viene siendo una costumbre, Una película de Minecraft contiene dos escenas post-créditos: una al principio y otra al final, de modo que, si no quieres perderte nada, es mejor que no tengas prisa por levantarte de la butaca. Aunque, siendo honestos, hay que reconocer que ninguna de las dos aporta nada sustancial a la trama, aparte de unos toques de humor. Y es que, aunque Una película de Minecraft parece estar funcionando bien en taquilla, no existen demasiadas probabilidades de que vaya a contar con una segunda parte, de modo que no es necesario mostrar una escena post-créditos que avance una futura aventura.
En definitiva, si eres fan del videojuego que funciona como la fuente de origen de este proyecto, Una película de Minecraft merece que le des una oportunidad, ya que el filme está lleno de guiños que no les costará nada identificar a los seguidores habituales de la franquicia. Por otra parte, si nunca lo has jugado, puedes ver este largometraje sin miedo a quedarte a medias, ya que es fácil de seguir, puesto que su única pretensión es la de hacer pasar un rato entretenido al espectador, que es para lo que se supone que se inventó el mundo del séptimo arte.
Bienvenido al mundo de Minecraft, donde la creatividad no sólo ayuda a crear, sino que es esencial para la supervivencia. Cuatro inadaptados, Garrett “El Basurero” Garrison, Henry, Natalie y Dawn, se encuentran luchando con problemas ordinarios cuando de repente se ven arrastrados a través de un misterioso portal al Mundo Exterior: un extraño país de las maravillas cúbico que se nutre de la imaginación.
Para volver a casa, tendrán que dominar este mundo (y protegerlo de cosas malvadas como Piglins y Zombies, también) mientras se embarcan en una búsqueda mágica con un inesperado experto artesano, Steve. Juntos, su aventura desafiará a los cinco a ser audaces y a volver a conectar con las cualidades que hacen que cada uno de ellos sea único y creativo… las mismas habilidades que necesitan para prosperar de nuevo en el mundo real.
Daredevil Born Again #7: La caída de Musa y el despertar de Fisk
El séptimo episodio de “Daredevil: Born Again” representa un punto de inflexión en la temporada, donde varias tramas convergen de manera abrupta y otras nuevas se perfilan en el horizonte. La serie ha decidido resolver prematuramente la amenaza de Musa, quizás el antagonista más interesante hasta el momento, para abrir paso a lo que todos esperábamos: el inevitable enfrentamiento entre Matt Murdock y Wilson Fisk.
El apresurado final de Musa
La conclusión del arco de Musa resulta francamente decepcionante. Para un personaje tan enigmático, que se movía entre túneles y operaba desde las sombras, su muerte a plena luz del día carece de la resonancia dramática que merecía. Los guionistas parecen haber sacrificado el potencial de este villano para acelerar el desarrollo de otra trama: el creciente poder y la rabia descontrolada de Fisk, materializada en su nuevo “escuadrón” de policías.
Un error flagrante aparece al inicio del episodio, cuando el resumen nos muestra explícitamente al joven que había pedido ayuda profesional a Heather. Esta sobreexplicación elimina cualquier sutileza en la revelación de la identidad de Musa. Aunque muchos espectadores ya lo habíamos intuido en su primera aparición, subrayarlo de manera tan evidente resulta innecesario y resta impacto al personaje.
La exploración psicológica de Bastian/Musa también queda a medias. Durante su consulta, admite su fijación por la doctora Glenn, pero las motivaciones que se nos presentan son vagas y deberían haberse establecido con mayor profundidad en episodios anteriores. El daño psíquico que inflige al Dr. Glenn ocurre de forma demasiado precipitada, desprovisto del dramatismo necesario. Un episodio adicional dedicado a presentar a Musa como una amenaza creciente para la ciudad y, especialmente, para Heather, habría resultado mucho más satisfactorio.
Heather Glenn: por fin, protagonismo
La Dra. Heather Glenn (Margarita Levieva) finalmente abandona su rol pasivo como simple confidente y toma acción en este episodio. El personaje evoluciona considerablemente cuando se enfrenta a Bastian/Musa, aunque su violento ataque acribillándolo a tiros parece diseñado principalmente para crear una brecha entre ella y Matt. Su grito “Cualquiera que necesite una máscara es un cobarde” reafirma su postura sobre los justicieros y establece un inevitable conflicto con la doble vida de Murdock.
La escena inicial donde Heather descubre los moratones de Matt tras su ducha resulta significativa. Su preocupación profesional la lleva a preguntarle directamente si se trata de autolesiones, lo que adquiere un peso particular en el contexto del catolicismo torturado de Daredevil. La confesión de Matt sobre la falsedad de su vida actual es peligrosamente reveladora, especialmente considerando que se lo dice a su pareja, que además es psicóloga. Este momento íntimo anticipa las complicaciones que se avecinan en su relación.
El latido de la tensión
El uso del sonido de los latidos funciona en un doble nivel a lo largo del episodio: por un lado, nos indica el estado emocional del protagonista; por otro, genera una tensión palpable en el espectador. Este recurso sonoro se ha convertido en una seña de identidad de la serie, conectando al público con la hipersensibilidad auditiva de Matt y transformando su “discapacidad” en una ventana a su mundo interior.
Fisk: el despertar del Kingpin
Wilson Fisk está perdiendo la compostura, y eso lo hace más peligroso que nunca. La mera idea de que Daredevil haya regresado a operar en su ciudad le resulta intolerable, llevándolo a un momento de vulnerabilidad donde se desahoga con Buck. Su indignación por los brutales métodos extrajudiciales de Daredevil roza la hipocresía, y en el fondo parece más admiración y proyección que verdadera condena moral.
La ironía resulta palpable cuando Fisk, como alcalde de Nueva York, arremete contra los justicieros por infringir la ley, mientras él mismo planea utilizar “recursos institucionales, recursos policiales” para su vendetta personal. Como bien le señala Buck, “usarlos para ajustar viejas cuentas podría considerarse un abuso de poder”, una advertencia que Fisk claramente ignora, cegado por su obsesión.
El enigma Vanessa
El cierre del episodio nos presenta una escena deliberadamente ambigua con Vanessa (Ayelet Zurer), quien se reúne con Luca (Patrick Murney), un descontento jefe mafioso. La conversación gira en torno al estado del submundo criminal de Nueva York y la deuda multimillonaria que arrastran. “Cuando tú dirigías era mejor. Y lo sabes”, le dice Luca, sugiriendo un cambio en la forma de gestionar las operaciones criminales.
El angelical Wilson Fisk y su amada Vanessa
Esta escena plantea múltiples posibilidades: ¿Vanessa quiere recuperar su posición como capo? ¿Es un plan coordinado con Fisk para eliminar a Luca? ¿O quizás Vanessa busca que emerja el verdadero Kingpin que todos esperamos? Personalmente, me inclino a pensar que Vanessa está tendiendo una trampa a Luca en coordinación con Fisk. A pesar de sus desacuerdos, parece mantener su lealtad hacia él.
Conclusión
El séptimo episodio marca un antes y un después en “Daredevil: Born Again”. Aunque la resolución del arco de Musa resulta precipitada y desaprovecha el potencial del personaje, sirve como catalizador para el verdadero conflicto de la serie: el inevitable enfrentamiento entre Daredevil y Kingpin. La imprudencia de Matt al pronunciar el nombre de Heather mientras está uniformado confirma que su vida personal y su misión como justiciero están a punto de colisionar frontalmente.
La serie está sentando las bases para un final de temporada que promete elevarse por encima de sus irregularidades. Con Fisk abandonando su fachada de político respetable y Matt arriesgando cada vez más su identidad secreta, “Daredevil: Born Again” parece dispuesta a recuperar la intensidad que caracterizó a su predecesora.
Mr. Negative podría dar el salto definitivo al cine
Todo empezó con una filtración de casting que ha circulado en redes. Según el conocido insider Daniel Richtman, Marvel busca a un actor asiático de entre 30 y 50 años para un papel relevante en Spider-Man: Brand New Day. Aunque el nombre del personaje no se menciona, los fans han sido rápidos en conectar los puntos: Martin Li, también conocido como Mr. Negative, encaja perfectamente.
Y es que este villano no solo fue el antagonista principal del arco de cómic Brand New Day, sino que ganó aún más popularidad gracias a los videojuegos de Insomniac Games, donde su historia y poderes ofrecieron uno de los enfrentamientos más emocionantes contra el trepamuros.
Stephen Oyoung, el actor que dio vida al personaje en los videojuegos de Spider-Man y Spider-Man: Miles Morales, no ha querido quedarse fuera de la conversación. En su cuenta de X (antiguo Twitter), dejó caer una indirecta más que directa: “Solo por diversión, ¡etiquetad todos a @MarvelStudios! ¡UNÍOS A MÍ!”, escribió, animando a los fans a hacer campaña para que lo elijan como Mr. Negative en la gran pantalla.
De los videojuegos a la gran pantalla
No es la primera vez que Oyoung expresa su entusiasmo por interpretar al personaje en acción real. En 2024, ya comentaba en Threads (otra red social que cada vez pesa más en este tipo de rumores): “¿Qué tiene que hacer uno? Llevo casi veinte años en este negocio. Solo sé kung-fu y tengo un sueño.” Su dedicación y cariño hacia el personaje ha hecho que muchos lo vean como la opción más lógica para el papel.
Aunque Sony y Marvel aún no han confirmado nada oficialmente, los rumores se han disparado como telarañas. La combinación del título Brand New Day, la descripción del casting y las declaraciones de Oyoung han creado un cóctel explosivo que tiene a toda la comunidad arácnida especulando.
¿Quién es Mr. Negative y por qué es tan importante?
Para los que no estén al día, Mr. Negative (Martin Li) es un personaje que combina una dualidad fascinante: por un lado, es un filántropo aparentemente bondadoso que dirige un refugio para personas sin hogar; por el otro, esel jefe de una organización criminal conocida como los Inner Demons, con la capacidad de manipular energía negativa, controlar mentes y corromper a sus enemigos. Su estética, inspirada en la fotografía de negativo blanco y negro, lo convierte en uno de los villanos visualmente más impactantes del universo de Spider-Man.
Además, su historia personal toca temas muy humanos: identidad, dualidad moral y trauma, algo que podría encajar perfectamente en el tono más maduro y emocional que Tom Holland y Marvel han explorado en las últimas películas del arácnido.
Lo que sabemos (por ahora) de Spider-Man: Brand New Day
La película, cuyo rodaje comenzará en verano de 2025, tiene una fecha de estreno oficial: 31 de julio de 2026. Más allá del título y el logo revelado durante la CinemaCon de 2025, no se ha desvelado ninguna sinopsis oficial, ni tampoco el reparto completo.
Eso sí, el nombre elegido no es casualidad. Brand New Day fue una etapa crucial en los cómics tras los eventos de One More Day, donde Peter Parker hace un pacto con Mefisto para borrar su matrimonio con MJ a cambio de salvar la vida de Tía May. Esto reinició el statu quo del personaje, algo que podría tener eco en esta nueva película, especialmente si buscan alejarse de lo visto anteriormente y empezar desde cero con un Peter más adulto.
Spider-Man: Brand New Day y el reinicio espiritual
Todo apunta a que esta nueva entrega será una especie de “reinicio espiritual”, tanto para los personajes como para los fans. El posible fichaje de Mr. Negative como villano no solo aportaría frescura, sino también un nivel de profundidad y acción visual que haría justicia al legado de los videojuegos y los cómics. ¿Será esta la película que consolide al Spider-Man de Tom Holland como el más completo de todos? Tendremos que esperar a 2026 para comprobarlo, pero lo que es seguro es que el hype ya está por las nubes.
Aunque Legendary Pictures aún no ha confirmado nada de forma oficial, el rumor suena con fuerza: Pattinson estaría negociando un papel “importante” en la película, lo que ha hecho que muchos fans ya estén lanzando teorías sobre qué personaje interpretará en esta segunda parte. Y aunque los detalles del papel se mantienen en secreto, las apuestas no han tardado en llegar.
Robert Pattinson y el universo de Dune
La producción comenzará este verano, y parece que Villeneuve quiere sorprender con nuevas caras sin renunciar al talento que ya le funcionó. El elenco principal regresa con Timothée Chalamet, Zendaya, Florence Pugh y Anya Taylor-Joy, entre otros, pero hay hueco para sangre nueva. Y en una historia tan densa y cargada de simbolismo como Dune, cada personaje tiene un peso tremendo en el desarrollo de la trama.
Pattinson, que viene de encadenar proyectos de prestigio, encajaría como un guante en ese ecosistema de ambición, traición y mesianismo. Acaba de finalizar el rodaje de The Drama, una cinta de A24 donde comparte pantalla con Zendaya (¿casualidad?), y también tiene en cartera Die, My Love, junto a Jennifer Lawrence, bajo la dirección de Lynne Ramsay. Por si fuera poco, se encuentra inmerso en la adaptación de La Odisea con Christopher Nolan, un viejo conocido que lo dirigió en Tenet.
La saga galáctica más ambiciosa de los últimos años
Desde que Villeneuve estrenó la primera entrega en 2021, la saga Dune ha crecido de forma espectacular. Más de 1.120 millones de dólares en taquilla mundial, 15 nominaciones a los Oscar (ambas películas incluidas en la categoría de Mejor Película) y un universo expandido que ahora también incluye la serie precuela Dune: Prophecy en HBO Max, ambientada 10.000 años antes del ascenso de Paul Atreides. Esta serie ha sido dirigida por Alison Schapker, veterana de Perdidos, y ha sido muy bien recibida por la crítica.
Todo esto convierte a Dune en una franquicia que no para de crecer, y la llegada de Pattinson podría significar un nuevo punto de inflexión. Ya no se trata solo de adaptar los libros: Villeneuve está construyendo un universo cinematográfico cohesionado que puede rivalizar con otras franquicias del género como Star Wars o El Señor de los Anillos.
Ambos roles serían ideales para el tipo de intensidad introspectiva que Pattinson ha mostrado en sus últimas películas. Y teniendo en cuenta que Dune: Messiah es una obra más política y filosófica que su predecesora, el enfoque más sobrio y contenido del actor podría ofrecer un contraste potente frente al misticismo de Paul y la ferocidad del desierto.
¿Cuándo sabremos más?
Todo apunta a que en los próximos meses Legendary y Villeneuve harán oficial el anuncio. Por ahora, las negociaciones siguen su curso, y si todo va bien, el rodaje arrancará este mismo verano, con vistas a un estreno en 2026. Mientras tanto, los fans solo pueden especular, imaginar… y soñar con ver a Pattinson envuelto en una túnica fremen, ojos azules por la especia, y una daga escondida entre los pliegues.
La incorporación de Pattinson al universo de Duneno sería solo un golpe de efecto mediático, sino una apuesta artística muy interesante. El actor ha demostrado con creces que ya no es “el de *Crepúsculo”, y que su versatilidad le permite moverse entre lo indie y lo blockbuster con total naturalidad.
Si algo ha dejado claro Villeneuve con sus adaptaciones es que no está interesado en el espectáculo vacío. En Dune, cada decisión estética y narrativa tiene un propósito, y si ha puesto los ojos en Pattinson, es porque encaja en esa visión más profunda del sci-fique el director canadiense lleva años construyendo.
Desde los 13 años prestando voz a uno de los personajes más queridos de Disney, Martella asegura que este revival no solo recupera el espíritu de la serie, sino que presenta algunos de los mejores episodios que han hecho jamás. Y lo dice alguien que ya forma parte de varias generaciones de fans.
En esta nueva etapa, la serie retoma su esencia con 40 episodios producidos por los creadores originales, Dan Povenmire y Jeff “Swampy” Marsh. Lo mejor: todo el reparto principal regresa, incluida la propia Martella, Ashley Tisdale y Olivia Olson, quien ahora también colabora en el equipo de guionistas.
¿Qué hay de nuevo en este regreso? Además de las historias más locas y veraniegas, Martella destaca un gran cambio en el proceso creativo: antes la serie se escribía a partir de storyboards, pero ahora trabaja directamente con guiones completos. Esto no solo facilita su trabajo como actor de voz, sino que también enriquece las interpretaciones y da más contexto a cada escena. Y sí, aún se graba presencialmente en el estudio, algo que él prefiere frente al trabajo remoto.
El alma musical sigue viva
Una de las cosas que más recuerdan los fans de Phineas y Ferb es su enorme legado musical. Canciones que se clavaban en el cerebro y se volvían virales antes incluso de que existieran los TikToks. Según Martella, ese componente sigue más vivo que nunca en esta quinta temporada.
“Summer Belongs to You sigue siendo mi favorita, es un temazo pop”, comenta, recordando la vez que la cantó con Ashley Tisdale. En esta nueva tanda de episodios ha vuelto al micro, grabando nuevos temas que él mismo describe como súper divertidos y adictivos. Y ojo, porque algunos nacen directamente de notas de voz improvisadas por los creadores, que luego evolucionan hasta convertirse en números musicales espectaculares.
Crossover en la Tierra Media, por favor
Uno de los momentos más jugosos de la entrevista fue cuando Martella dejó volar su imaginación: quiere un crossover con El Señor de los Anillos. “Tenemos personajes de sobra para hacer una comunidad del anillo”, bromea, imaginando a Doofenshmirtz como Gollum y a Buford y Baljeet como Gimli y Legolas. Aunque reconoce que legalmente sería complicado por los derechos, no oculta su entusiasmo. “Sería un desmadre divertidísimo”, dice entre risas.
Y ya que estamos hablando de sueños, también confesó su deseo de interpretar a Spider-Man en algún proyecto futuro. Aunque admira el trabajo de Yuri Lowenthal en los juegos de PlayStation, Martella cree que tiene la voz adecuada para el trepamuros y estaría encantado de sumarse al universo de los superhéroes. Ya dio vida a Jason Todd y Red Hood en varios proyectos animados de Batman, y asegura que le encantaría seguir explorando ese tipo de personajes.
Una temporada para enmarcar
Para Martella, esta nueva etapa no es solo un revival, sino una oportunidad para expandir el universo de la serie. Promete momentos brillantes, sorpresas con personajes secundarios y ese toque emocional que convirtió a Phineas y Ferb en un fenómeno de culto.
“Hay episodios en esta temporada que están entre lo mejor que hemos hecho”, asegura convencido. Además, destaca que el mensaje central sigue intacto: divertirse, crear, imaginar… y, como siempre, esquivar los intentos de Candace por pillarles con las manos en la masa.
La temporada 5 de Phineas y Ferb se estrena el 6 de junio en Disney Channel, y los episodios estarán disponibles en Disney+ al día siguiente. Así que ya sabes: prepara el ventilador, la bebida fría y deja que esos dos hermanos sigan reinventando el verano.
Detrás del dibujo está Gil Kane, uno de los grandes ilustradores de Marvel, y la pieza en cuestión no es cualquier cosa: se trata de la portada de Marvel Spotlight #32, publicada en 1977. Vamos, el debut oficial de Jessica Drew con su icónico traje rojo y negro que se grabó a fuego en la retina de miles de fans.
Entre los grandes nombres que se llevaron ovaciones, también destacaron:
Arthur Adams y Terry Austin, cuya portada desplegable de New Mutants Special Edition #1 (1985) alcanzó los 240.000 dólares, el récord absoluto para una obra de Adams.
Un Detective Comics #1 de 1937, en estado Fine+ (6.5), se vendió por 228.000 dólares. Y sí, hablamos de un número anterior incluso a la primera aparición de Batman.
El Silver Surfer #1 de 1968 tampoco se quedó atrás: voló por 132.000 dólares, demostrando que el surfista cósmico sigue teniendo tirón.
Frank Miller y Joe Rubinstein también tuvieron su momento estelar. Su portada original para The Marvel Comics Index #9B (1982) alcanzó los 180.000 dólares, mientras que Ron Lim y George Pérez rompieron su propio techo con la portada de The Infinity Gauntlet #5, que se fue por 162.000 dólares.
Frank Frazetta, por su parte, aportó una joya inesperada: la portada de la novela Night Walk de Bob Shaw, que nada tiene que ver con Spider-Man, pero que alcanzó los 528.000 dólares. Pura magia visual.
Y no nos olvidamos de otra pieza muy querida: la portada de Swamp Thing #21 titulada The Anatomy Lesson, ilustrada por Tom Yeates, basada en la legendaria historia de Alan Moore, Steve Bissette y Rick Veitch, que encontró nuevo dueño por 192.000 dólares.
La fiebre del coleccionismo no afloja
Barry Sandoval, vicepresidente de Heritage, resumía así el fenómeno: “Cuando ves cómics como Detective Comics #1 o Silver Surfer #1 alcanzando cifras astronómicas, entiendes que los coleccionistas siguen profundamente conectados con los orígenes del medio”. Y es que estas obras no son solo papel: son fragmentos de historia cultural, testigos de una época y motores de imaginación colectiva.
Por su parte, Todd Hignite, vicepresidente ejecutivo de la casa de subastas, aseguró que “estamos viendo un entusiasmo sin precedentes en todos los frentes: números clave, arte original, primeras apariciones… Todo vale si tiene alma”. Lo cierto es que el mercado del cómic clásico vive una segunda juventud, y cada nuevo récord parece empujar el listón un poco más alto.
Más allá del precio
Lo que hace especial esta venta no es solo la cifra, aunque los 690.000 dólares suenen a locura. Es el hecho de que una portada dibujada hace casi 50 años siga generando tanto interés, tanto deseo y tanta admiración. Es una victoria para el arte secuencial, para la narrativa visual, y sobre todo, para todos esos lectores que alguna vez soñaron con ser héroes.
Y si nos ponemos románticos, también es una reivindicación de personajes femeninos como Spider-Woman, que desde su nacimiento en los años 70 no ha dejado de evolucionar y ganarse su hueco entre las grandes figuras del Universo Marvel.
Porque al final, cada trazo de esos originales contiene algo que el dinero no puede medir: la emoción de un descubrimiento, el eco de una infancia, la chispa de una pasión que no entiende de edades.
