Planeta Cómic muestra sus novedades para el mes de enero 2026, donde destaca entre el resto de publicaciones el tomo omnibus de Star Wars de la etapa de los autores Kieron Gillen y Greg Pak. A continuación podéis ver el listado completo de novedades para este mes, dividido en secciones:
No es común ver adaptaciones al cómic de novelas clásicas, y por eso la osadía de Panini Comics a la hora de publicar un tomo que reúne la recopilación de cuatro de las más famosas obras de Jane Austen es tan llamativa. El tomo, que rezuma ese toque british a mitad de camino entre el romance y lo cómico por el que Austen es considerada una leyenda dentro de la novela inglesa, nos llega bajo el título de Marvel Omnibus. Colección Jane Austen.
La publicación de esta recopilación no es algo menor, ya que reúne adaptaciones a cómic de cuatro de las novelas clásicas de Jane Austen: Orgullo y prejuicio, Emma, Sentido y sensibilidad y La abadía de Northanger, todas ellas pilares de la literatura inglesa de comienzos del siglo XIX. Austen es una autora cuya fuerza radica en su agudeza psicológica, su retrato minucioso de la sociedad de su tiempo, su ironía sutil y su habilidad para construir personajes memorables, mujeres y hombres que debaten entre orgullo, deber, sentimientos, apariencias y conveniencias sociales. Sus novelas, originalmente escritas en prosa, han pasado por adaptaciones cinematográficas, series de televisión y ahora cómics.
Que una editorial tan consagrada como Marvel Comics dé el paso de convertir estos clásicos en novelas gráficas mediante su sello Marvel Illustrated es una demostración de que la obra de Austen sigue viva, relevante, y capaz de adaptarse a otros lenguajes narrativos y públicos contemporáneos. Esta colección no busca reinventar el mensaje de Austen, sino rendir homenaje a su legado. Y lo hace con el respeto de conservar los núcleos emocionales y sociales de las historias, todo ello adaptado a un formato ágil, accesible y visualmente atractivo.
Dentro del tomo encontramos cuatro adaptaciones distintas, cada una en cinco números, lo que nos da cuatro reinterpretaciones gráficas de mundos británicos de salones, bailes, expectativas y corazones confundidos.
La más famosa de las novelas de Austen es Orgullo y prejuicio. La adaptación nos sumerge en la casa de la familia protagonista, con cinco hijas, una madre obsesionada con conseguir matrimonios favorables, un padre indeciso y una sociedad repleta de normas no escritas. En ese contexto, surge la protagonista: Lizzy Bennet, inteligente, astuta, segura de sí misma, pero atrapada en un mundo donde lo que importa es el apellido, la fortuna y la posición social. A su alrededor, Mr. Bingley, Mr. Darcy y Jane Bennet formarán un cuadro de relaciones tensas y malentendidos. La obra explora cómo las apariencias engañan, cómo el orgullo puede cegar incluso contra lo que se desea y cómo el amor verdadero exige valentía, honestidad y, a veces, sacrificio.
En la siguiente obra la heroína es Emma Woodhouse, una joven adinerada y caprichosa que se ve a sí misma como una especie de casamentera benevolente. Cree poder dirigir la vida de los demás, uniendo parejas y arreglando destinos. Pero Emma descubre que la vida no es un tablero de ajedrez y que sus decisiones afectan a otros. Esta adaptación transmite muy bien la arrogancia juvenil de Emma, su ingenuidad, su ego y su evolución emocional.
En Sentido y sensibilidad, las hermanas Elinor Dashwood y Marianne Dashwood representan dos caras de la misma moneda: la razón y la emoción. Tras la muerte del padre, ambas se ven en una posición precaria sin fortuna, con deudas y con la necesidad de buscar un porvenir digno. Esta obra contrasta la sensatez, la prudencia y la moderación social de la primera con la pasión, la sensibilidad extrema y el idealismo romántico de la segunda. Asistimos a esperanzas rotas, amores imposibles, concesiones, duelo, desengaños… hasta la posibilidad de una felicidad serena, pero ganada con heridas. Es una historia madura, triste a veces, pero honesta con sus personajes, que no promete finales felices fáciles, sino realismo emocional.
Por último, en La abadía de Northhanger nos encontramos una historia de tono más ligero, casi de sátira, pero no carente de profundidad. Está narrada a través de los ojos de Catherine Morland, una joven ingenua y soñadora que devora novelas góticas y espera encontrarse con castillos, misterios y secretos en su vida real. Pero la realidad de Bath, la de la alta sociedad británica, es mucho más prosaica, llena de normas sociales, conveniencias, pequeñas intrigas y desengaños. Catherine aprenderá que las personas reales no son vampiros ni fantasmas, sino humanos con defectos y vergüenzas.
Adaptar a cómic novelas tan densas, con tantos matices psicológicos y sociales, no es una tarea fácil. Pero los equipos creativos de estas series cumplieron su cometido con elegancia y acierto. Hay fidelidad narrativa en unos guiones con capacidad de condensar sin traicionar, mientras que en el apartado gráfico se nos presenta un mundo visual que, aunque simplificado respecto al detalle novelístico, logra transmitir la atmósfera de las obras originales.
El color, la ambientación, la arquitectura, los trajes de época, los salones ingleses, los bailes, los paisajes rurales… todo ayuda a que el lector se transporte a principios del siglo XIX y viva la historia tal y cómo Austen la pensó. Pero claro, hay limitaciones. Ciertas sutilezas psicológicas y monólogos internos pierden fuerza en la traducción al lenguaje visual. Algunas escenas se simplifican, algunos diálogos se recortan, y ciertas subtramas quedan suavizadas. La versión cómic busca agilizar y condensar, y en ese proceso se pierde algo de la riqueza literaria original. No reemplaza al original, sino que lo reinterpreta.
Precisamente por eso esta recopilación funciona mejor como una puerta de entrada ideal para quienes no conocen a Austen o les intimidan sus novelas o para quienes disfrutan más del medio visual que del literario. Para fans veteranos de la autora esto puede sentirse como una versión light de su obra, pero con encanto, ya que permite revivir los historias de Austen con otros ojos, reencontrarse con los personajes y comprobar la atemporalidad de sus conflictos.
En cuanto a la magnífica edición, el tomo de lujo de la línea Marvel Omnibus publicado por Panini Comics en tapa dura con sobrecubiertas contiene 488 páginas con un tamaño de 17 x 23.8 cm. a color. Incluye la traducción de la edición americana de las series limitadas Pride & Prejudice, Emma, Sense & Sensibility y Northanger Abbey. También incluye las portadas de todos los números incluidos. El precio de venta recomendado de este tomo es de 55€ y se puso a la venta en noviembre de 2025.
Marvel Omnibus. Colección Jane Austen
Marvel Comics se enorgullece en presentar estas cuatro grandes adaptaciones al cómic de las obras maestras de Jane Austen. En Orgullo y prejuicio, viajamos a través de los complejos círculos sociales británicos de Lizzy Bennet y su adorable, a la par que excéntrica, familia tras la llegada a Netherfield del taciturno Mr. Darcy. En Emma cobra vida la heroína más precoz de Austen. Sentido y sensibilidad explora el mundo de Elinor y Marianne Dashwood, dos hermanas que, tras perder a su padre, se ven obligadas a abrirse camino en la vida mientras buscan el amor y la felicidad. Por último, en La Abadía de Northanger la fantasiosa Catherine Morland se acerca a los terribles secretos que cobija una antigua abadía.
Autores: Janet K. Lee, Nancy Butler, Sonny Liew y Hugo Petrus
Cuando creías que lo habías visto todo en Gotham, Absolute Batman va y nos presenta una versión de Poison Ivy tan radical que parece salida de un cruce entre un desfile de alta costura y una pesadilla botánica. Lejos de la imagen verde seductora que todos tenemos en mente, la nueva Pamela Isley en este universo alternativo es un estallido de colores, texturas y simbología que apunta a una narrativa tan retorcida como prometedora.
Con su debut previsto en los números #17 y #18 de la serie escrita por Scott Snyder, esta reinterpretación del personaje ya ha generado un buen puñado de comentarios en redes sociales gracias a la portada revelada por el ilustrador Björn Barends, compartida por East Coast Comics en Instagram. Y no es para menos: el diseño es tan impactante como desconcertante.
La nueva Poison Ivy luce una melena larguísima decorada con flecos y hojas con forma de pluma, mientras que su torso se divide entre un entramado anaranjado en el centro y bordes verdes, simulando quizás la fusión entre la carne y la savia. Añade a eso plumas blancas que emergen de su cuerpo, pulseras grises en muñecas y tobillos, y un tono de piel que transiciona entre lo humano y lo vegetal de forma escalofriantemente orgánica. El resultado: una Ivy que parece más una deidad de la naturaleza furiosa que una simple eco-terrorista.
Y no, no se trata solo de una capa de pintura nueva: esta versión promete dejar huella en la historia del murciélago.
Los números #17 y #18, previstos para el 11 de febrero y el 11 de marzo de 2026, contarán con el arte del invitado especial Eric Canete, y marcarán un punto de inflexión en la serie Absolute Batman, que desde octubre de 2024 ha estado explorando una realidad alternativa con un Bruce Wayne de 24 años, ingeniero civil de día y justiciero brutal de noche.
En este contexto, Poison Ivy no es una activista con poderes botánicos: es un monstruo que Gotham ha creado… y que ahora quiere vengarse.
La sinopsis oficial del número #17 lo deja bien claro:
“Absolute Poison Ivy hunde sus dientes en Ark-M. La Dra. Pamela Isley ha sido liberada de las instalaciones con un odio inagotable y un fuego ardiente de venganza contra Gotham City y todos los que la metieron en la barriga de la bestia.”
El siguiente número promete más caos:
“Tras la explosiva revelación del final del número anterior, Batman sigue luchando contra los monstruos mutantes de Poison Ivy y acaba descubriendo un horror aún más grotesco que se ha incrustado en los cimientos mismos de la ciudad. Todo mientras las maquinaciones del Joker empiezan a tomar forma en una alianza con un nuevo aliado.”
Vamos, que esto no es un paseo por el parque.
Absolute Batman no es un reinicio cualquiera: es una reinvención a lo bestia del mito de Batman, en la línea de otras propuestas extremas como DC Black Label, pero con identidad propia. La ciudad está más corrupta, los villanos más desquiciados y el héroe… bueno, el héroe aún está intentando no ahogarse en su propia rabia.
La llegada de esta Poison Ivy visceral y vengativa no solo sirve como contrapunto perfecto a este Batman más físico y desesperado, sino que subraya el tono brutal y distorsionado del universo Absolute. Ya no hablamos de villanos con motivaciones trágicas: aquí lo que hay es puro terror camuflado de ecología.
Y ojo, que el Joker también se está moviendo entre bastidores, así que lo que venga después de esta historia promete ser aún más salvaje.
Como suele pasar con estas versiones alternativas, hay fans que están encantados con el giro artístico y conceptual, y otros que ya están afilando los cuchillos. Pero si algo ha demostrado esta serie es que se atreve a romper con los moldes clásicos, ofreciendo reinterpretaciones profundas —y visualmente potentes— de los personajes más conocidos de DC.
Con Absolute Superman ya matando a Martha Kent y el Joker convirtiéndose en un agente del caos aún más retorcido que nunca, Absolute Batman se está posicionando como una de las apuestas más atrevidas y locas del nuevo universo editorial.
Y si la nueva Ivy es un indicador de hacia dónde van las cosas… agárrate que vienen curvas.
Ni el Demogorgon, ni Vecna, ni los rusos… El verdadero enemigo de Stranger Things esta vez ha sido su propio fandom. A solo un paso del final definitivo, la temporada 5 ha tropezado de forma inesperada con un review bombing masivo que ha dejado a uno de sus episodios más importantes con una puntuación que nadie habría imaginado.
El episodio 7, estrenado el pasado 25 de diciembre bajo el título The Bridge, ha sido calificado con un alarmante 5,4 en IMDb, una cifra insólita para una serie que hasta ahora había bailado entre el 8 y el 9 sin despeinarse. Con más de 107.000 valoraciones registradas, el capítulo se ha convertido en el peor valorado de toda la serie, y el motivo del descontento ha dividido por completo a la audiencia.
En el centro de la polémica está la salida del armario de Will Byers, interpretado por Noah Schnapp. En plena tensión previa al enfrentamiento con Vecna, el personaje abre su corazón a sus amigos en una escena que muchos han calificado como emotiva, necesaria y valiente, pero que otra parte del público ha considerado fuera de lugar por el momento elegido para revelarla.
Lo que podría haber sido un paso adelante en la representación LGTBIQ+ en una de las series más vistas del planeta, ha terminado convertido en un campo de batalla digital. Las redes sociales han ardido con comentarios tanto de apoyo como de crítica feroz, y el resultado ha sido una avalancha de valoraciones negativas que parecen más un castigo ideológico que una crítica constructiva.
Lo que más sorprende no es solo la puntuación individual del episodio, sino su impacto en toda la temporada. Según datos de Rotten Tomatoes, el índice de aprobación del público ha caído en picado hasta un 56%, el más bajo desde que la serie se estrenó allá por 2016. Para hacerse una idea, la temporada 1 aún ostenta un imbatible 96%, y ninguna otra bajó del 86%.
Esto plantea una pregunta incómoda para Netflix y los creadores, los hermanos Duffer: ¿el problema es el episodio en sí o el ruido que lo rodea? El guion ha sido criticado también por su ritmo irregular, el encaje de la escena de Will en la narrativa principal y algunas decisiones de montaje que, según parte de la audiencia, entorpecen la tensión previa al clímax.
De momento, Netflix guarda silencio. Ni una declaración oficial, ni una defensa abierta del episodio. Solo el calendario avanza, y el 31 de diciembre llegará el esperado final con el episodio 8. Si “The Bridge” ya ha incendiado el debate, el cierre promete ser igual de explosivo… para bien o para mal.
La narrativa de Will Byers ha sido una de las más discretas y progresivas en toda la serie, y eso también explica parte del choque que han sentido algunos fans. Su viaje interior siempre se insinuó desde la segunda temporada, con escenas que hablaban de sentirse diferente, de estar fuera de lugar. Pero nunca se abordó de forma explícita… hasta ahora.
El hecho de que el personaje revele su orientación justo en el punto más tenso del arco final ha abierto un debate genuino: ¿se aprovechó todo su potencial narrativo o simplemente se aceleró por falta de espacio en el guion? La falta de tiempo para desarrollar esa parte de su identidad con más calma ha generado frustración tanto entre quienes apoyan la escena como entre quienes la critican.
Stranger Things, más que una serie, ha sido durante años una cápsula de nostalgia ochentera, aventura juvenil y monstruosidades entrañables. Pero ahora que se despide, también se enfrenta a lo que muchas otras ficciones globales no han podido esquivar: la hipersensibilidad, la polarización cultural y la presión imposible de complacer a todos.
Porque sí, la PS2 tuvo clásicos eternos, pero entre sus estanterías también se esconden esos discos que ahora solo sirven como posavasos vintage. Vamos a sumergirnos en esa arqueología del desastre.
Lo de Grand Theft Auto III es casi mítico: revolucionó el género, redefinió el sandbox y convirtió a Rockstar en lo que es hoy. Pero si alguien se atreve a revisitarlo en PS2, tarde o temprano se encontrará con la Purple Nines glitch, un error capaz de sabotear por completo una segunda partida.
Este fallo, que bloquea objetivos relacionados con una banda eliminada durante la historia, hace que lograr el ansiado 100% sea tan posible como ver a Claude hablando. Y ya sabemos que eso no ocurre.
El EyeToy fue pionero antes de que la Wii hiciera del movimiento una religión. Pero entre minijuegos simpáticos surgió EyeToy: Chat, una herramienta de videollamada que pretendía ser videojuego sin serlo.
Hoy sus servidores son historia, así que aunque quisieras probar esta reliquia tecnológica, lo máximo que conseguirías es ver tu cara en baja resolución y recordar que la innovación también tiene sus naufragios.
Si ya cuesta encontrar las entregas principales de .hack, imagina su MMORPG japonés exclusivo. .hack//fragment dependía de servidores que murieron hace más de una década y, con ellos, cualquier oportunidad de experimentarlo como fue diseñado.
A día de hoy, jugarlo es una odisea reservada para arqueólogos frikis, y aun así, sin el online original, el juego queda reducido a una sombra de sí mismo.
Para muchos fans, SOCOM murió cuando se apagaron esos servidores.
La versión de PS2 de Star Wars: Battlefront fue una revolución absoluta. Batallas masivas, mapas icónicos y la sensación de estar dentro de una superproducción galáctica.
Pero su online, el verdadero corazón del juego, cayó en 2010. Hoy queda una campaña que parece más un tutorial glorificado. No es mala, pero tampoco es la razón por la que este Battlefront se convirtió en leyenda.
El MMO de Square Enix sigue vivo, sí, pero solo en PC. La versión de PS2 lleva años desmantelada, sus servidores cerrados y su propuesta imposible de revivir.
Es triste, porque FFXI fue una de las mayores apuestas online que jamás llegó a una consola. Pero en PS2 ya no es más que un recuerdo.
Otro caso doloroso de MMO extinto: EverQuest Online Adventures. Un título completamente dependiente del online que dejó de existir en cuanto los servidores dijeron adiós.
La versión online del clásico de coches asesinos era pura locura y destrucción. Pero en 2007 se apagaron sus servidores y fin del espectáculo.
El original sí puede jugarse, pero esta edición multijugador es otra víctima del apagón digital de la PS2.
Competidor espiritual de Twisted Metal, este título sobrevivió sorprendentemente hasta 2021. Pero claro, una vez apagados los servidores, su razón de existir desapareció con ellos.
Con su venta prohibida y su contenido ilegal, es literalmente un juego imposible de adquirir y, por tanto, de jugar. Y sinceramente, tampoco te estás perdiendo nada.
La cosa siempre había sido sencilla: cuando tocaba organizar el Spider-Society, el mando caía en Peter, Miles o Miguel O’Hara. Hasta que llegó la miniserie Spider-Society (2024), donde la mayoría de Spiders caen ante el ataque del Sinister Squadron. ¿Quién toma el relevo? Araña, que se convierte en una líder improvisada de un grupo formado por joyas como Spider-Punk o el misterioso Weapon VIII.
La guinda del pastel es una villana inesperada: una versión alternativa de la tía May fusionada con Madame Web. Un delirio delicioso.
Si te van los saltos temporales sin anestesia, Astonishing Spider-Man & Wolverine es tu sitio. Jason Aaron y Adam Kubert lanzan a los dos héroes por el tiempo y el espacio, enfrentándolos a situaciones tan absurdas como brillantes.
Además de la acción, destaca ver cómo Spidey y Logan estrechan su amistad a base de sufrir juntos. Y sí, hay romance para Peter en el Viejo Oeste. Porque ser Spider-Man es un drama incluso cuando viajas al pasado.
En 2025, Kyle Higgins y Mat Groom decidieron que la cosa se les había ido de las manos… y que eso estaba maravillosamente bien. El Web-Heart y el Hive Mind, entidades cósmicas de dos universos enfrentados, obligan a Spiders y simbiontes a luchar en su nombre.
¿Lo mejor? Peter le hace una transfusión de sangre a Eddie Brock, creando a Spider-Venom. El caos absoluto. El resultado es épico, trágico y con un final sorprendentemente amable.
En Ultimate Incursion, Miles llega a un nuevo universo donde Peter Parker obtuvo sus poderes veinte años tarde y ahora es un adulto con familia. Este viaje sirve para mostrar un Miles maduro, emocional y conectado a sus raíces.
Su regreso al universo principal trae un regalito: las “origin boxes”, tecnología capaz de activar poderes superheroicos. Marvel haciendo Marvel.
Sí, esto pasó. En 1978, Marvel tenía derechos sobre Red Sonja, así que Claremont y Byrne juntaron a Spidey y Sonja para detener al hechicero Kulan Gath.
El momento estrella llega cuando Mary Jane toca una espada y termina poseída por el espíritu de Red Sonja. Una bizarrada maravillosa que hoy es casi una pieza arqueológica, porque Marvel ya no puede reeditarla.
Si la primera Spider-Verse puso en órbita a Miles Morales, Spider-Geddon lo confirmó como líder nato. Aquí, Miles organiza el equipo mientras Superior Spider-Man regresa con un fichaje estrella: el Spider-Man de los videojuegos de PlayStation.
Los Inheritors vuelven, aunque sin el mismo impacto, pero el verdadero peso emocional lo lleva Miles y su evolución.
En Spider-Gwen: Gwenverse, Marvel decidió que ya era hora de ver a Gwen Stacy convertida en otros héroes icónicos. Thor-Gwen, Capitana América-Gwen, y un largo etcétera que es puro festival fan.
En lugar de repetir el concepto Spider-Gwen multiplicada, esta miniserie explora qué habría pasado si Gwen hubiese tomado otros caminos superheroicos.
Dan Slott puso punto final a su saga multiversal con End of the Spider-Verse, un evento que no alcanza la fuerza del original, pero sí suma cameos, acción y ese caos ordenado tan marca de la casa.
El multiverso arácnido no terminó aquí, pero quedó claro que había espacio para historias nuevas sin perder el espíritu inicial.
Mayday Parker es uno de los personajes más queridos por quienes crecimos leyendo ese universo MC2. Su serie llegó a los 100 números, explorando un futuro donde Peter y MJ siguen juntos y su hija toma el manto.
Una lectura emotiva, divertida y con una protagonista que merece volver cuanto antes.
La etapa de Bendis y Pichelli sigue siendo una puerta perfecta de entrada para quienes conocieron a Miles por las películas de animación.
El viaje desde la muerte de Peter al ascenso del nuevo Spider-Man mantiene toda la esencia emocional del cine, pero con matices que solo el cómic puede ofrecer.
Aunque no cabe ninguna duda de que Lex Luthor es la mayor némesis de Superman, la verdad es que la lista de enemigos del protagonista de esta web es mucho más extensa, ya que en su interior podemos encontrar villanos de los más variopinto, como el peculiar Mxyzptlk o Juicio Final, que ha sido el único capaz de acabar con su vida. Sin embargo, otro villano que no debemos dejar pasar por alto es Brainiac, que es el personaje principal de este artículo.
Su debut tuvo lugar en la primera aventura publicada en el ejemplar Action Comics nº 242 (1958), bajo el título de Superman: “The Super-Duel in Space”, con guion de Otto Binder y dibujos de Al Plastino. Tal y como podemos comprobar en el interior de dicho tebeo, Brainiac es un extraterrestre exiliado del planeta Colu, el cual, en su busca del conocimiento, se dedica a encoger y embotellar ciudades, entre las que podemos destacar Kandor, la capital de Krypton. Pese a su importancia como villano de Superman, hasta la fecha solo ha dado el salto al live-action en tres ocasiones, tal y como se puede comprobar si se continúa con la lectura de este artículo hasta el final.
Este actor se encargó de dar vida a Brainiac en trece episodios de Smallville (2001 – 2011), empezando por el primero de la quinta temporada (89 de la serie completa), titulado La llegada, y el noveno de la octava etapa (161 del cómputo general), llamado Abismo aunque en este último solo escuchamos su voz y ni siquiera está acreditado. Se dio a conocer en la trama como un humano normal, conocido como el doctor Milton Fine, aunque no tardó en descubrirse que era más de lo que parecía, pese a que no le vemos con su típica apariencia verdosa en ningún momento. Muere de manera definitiva cuando Clark lo empala con una daga Kryptoniana.
Regresó en el cuarto capítulo de la décima temporada (199 de la serie completa), titulado Regreso, aunque en esta ocasión daba vida a Brainiac 5, una versión actualizada y futurista del personaje que se encuentra en el bando correcto y forma parte de la Legión de Superhéroes.
Continuamos con nuestro repaso de intérpretes que se han metido en la piel de Brainiac con este actor que le ha dado vida en la serie Krypton (2018 – 2019), en la que se nos muestra como uno de los personajes principales, ya que apareció en cada uno de los veinte capítulos, repartidos en dos temporadas, de los que se compone la misma.
Dado que los acontecimientos que tienen lugar en este espacio televisivo suceden dos generaciones antes del nacimiento de Kal-El, tenemos la ocasión de profundizar más en el personaje, al que los habitantes de Krypton han bautizado como el “coleccionista de mundos“, ya que Brainiac ha enfocado su atención hacia dicho planeta. Aunque su parecido físico con su homólogo del cómic es mayor que en el caso anterior, hay que tener en cuenta que el actor tuvo que sufrir una combinación de maquillaje y prótesis que tardaban nada menos que entre cuatro y siete horas en aplicarle.
Este es el aspecto que lucirá el actor protagonista de este apartado cuando interprete a Brainiac en la película Superman: Man of Tomorrow (que verá la luz en el año 2027), en la que será la primera incursión del villano en el mundo de los largometrajes en live-action.
Aunque no cabe la menor duda de que el rostro verde y el atuendo que podemos ver en la fotografía dan muy buenas vibraciones, aún tendremos que ser pacientes para ver si Brainiac funciona como villano principal de la segunda película de Superman, ya que todo parece indicar que cumplirá con ese rol.
A la espera de ver qué tal se desenvuelve Lars Edinger como Brainiac, por ahora el que se lleva el gato agua es Blake Riston, ya que su parecido físico con el personaje es mayor que el de James Masters, pese a que este intérprete también ofreció una versión interesante del villano. ¿Nos hará cambiar de idea la película de Superman: Man of Tomorrow? El tiempo lo dirá.
Normalmente, dejo abierta la posibilidad de que, con el paso del tiempo, surja una nueva versión del personaje que eclipse a todos los anteriores. No obstante, dado que hace poco que se ha reiniciado el Universo Cinematográfico de DC, quizás pase mucho tiempo hasta que exista la opción de ver a un nuevo Brainiac, aunque si la compañía cae en manos de Netflix, Paramount o alguna otra de estas empresas, tal y como comentamos en su momento, y si los planes de James Gunn no son suficientemente rentables, no sería nada descabellado que se volviese a empezar de cero.
Netflix se está tomando muy en serio su adaptación de Assassin’s Creed, y su último fichaje apunta a una apuesta ambiciosa por combinar talento emergente con rostros reconocibles. La actriz australiana Tanzyn Crawford, a quien veremos dentro de muy poco en la esperada A Knight of the Seven Kingdoms de HBO, ha sido confirmada como parte del reparto principal de la serie de acción real inspirada en el universo de Ubisoft.
La historia, como en los videojuegos, girará en torno a la guerra milenaria entre los Asesinos y los Templarios, dos facciones enfrentadas por el control del destino de la humanidad. Una lucha que transcurre en las sombras pero que repercute directamente en algunos de los momentos más decisivos de la historia.
La actriz se incorpora como personaje regular en la producción, aunque Netflix guarda con recelo todos los detalles sobre su papel. No estará sola: compartirá pantalla con Toby Wallace (Babyteeth) y Lola Petticrew (Dating Amber), también confirmados como protagonistas, además de Zachary Hart y Laura Marcus en roles importantes.
Antes de saltar al Animus, Crawford debutará en el universo de Juego de Tronos, interpretando a uno de los personajes principales de A Knight of the Seven Kingdoms, precuela centrada en la historia de Ser Duncan el Alto y su joven escudero Egg, futuro rey Aegon V. El estreno está previsto para el 18 de enero de 2026, lo que sin duda pondrá su nombre en el radar justo antes de meterse de lleno en este nuevo proyecto con Netflix.
La serie de Assassin’s Creed estará dirigida por Roberto Patino (Westworld, DMZ) y David Wiener (Brave New World) como showrunners. Ambos figuran también como productores ejecutivos, junto a un nutrido equipo proveniente de Ubisoft Film & Television, incluyendo a Gerard Guillemot, Margaret Boykin y Austin Dill. La producción arrancará en Italia en algún momento de 2026, lo que sugiere que el enfoque histórico y la ambientación serán piezas clave.
Aunque no se ha confirmado oficialmente, algunos rumores apuntan a que esta nueva historia se adentrará en un periodo inexplorado dentro de la franquicia, con figuras históricas como el emperador Nerón haciendo acto de presencia. Algo que encajaría con la filosofía de la saga: reinterpretar momentos históricos desde el prisma de una lucha secreta que redefine lo que creíamos saber.
Esta no es la primera vez que Assassin’s Creed da el salto al formato audiovisual. En 2016, Michael Fassbender protagonizó la fallida película producida por Sony Pictures. A pesar del potencial y el nombre del actor, la cinta se perdió en su propio laberinto narrativo y quedó como un ejemplo más de las adaptaciones que no supieron captar la esencia del juego.
Ahora, con un enfoque más serializado y una mayor libertad creativa, Netflix tiene la oportunidad de corregir errores del pasado. La narrativa expansiva y el componente histórico de la franquicia encajan como anillo al dedo en el formato episódico, donde se pueden explorar distintos momentos del pasado con profundidad, sin olvidar las tramas contemporáneas que conectan todo el lore.
Desde su debut en 2007, la franquicia de Ubisoft ha vendido más de 230 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los pilares del videojuego moderno. Entregas como Assassin’s Creed II, Black Flag, Origins o Valhalla han ido construyendo un universo rico, complejo y con una base de fans leales que esperan que esta adaptación esté a la altura.
Con la incorporación de Tanzyn Crawford, la serie gana fuerza y visibilidad justo antes de entrar en producción. Su paso por dos grandes franquicias como Juego de Tronos y Assassin’s Creed podría convertirla en uno de los rostros más destacados de 2026. Queda por ver si Netflix sabrá aprovechar el potencial narrativo y visual de la saga para ofrecernos una historia a la altura, pero con este elenco y equipo creativo, las expectativas ya están por las nubes.
Jamie Campbell Bower se ha ganado un hueco en el panteón de los villanos más memorables de la televisión gracias a su aterradora interpretación de Vecna en Stranger Things. Pero con la serie llegando a su fin tras una quinta temporada intensa y llena de despedidas, muchos ya están mirando hacia el futuro… y ese futuro, para los fans, debería incluir una visita al Universo DC.
Desde que el último episodio de Stranger Things 5 se estrenó, las redes se han llenado de una propuesta que ha calado fuerte: Bower como El Espantapájaros (Scarecrow), uno de los enemigos más emblemáticos de Batman. No es una idea oficial, pero sí una de esas campañas fan que surgen con tanta fuerza que hasta los estudios acaban prestando atención.
Jonathan Crane, alias Scarecrow, es un personaje que juega con el miedo como arma, algo que Bower domina a la perfección tras su papel como Henry Creel. La estética perturbadora, la voz grave y ese aura de amenaza constante lo convierten en un candidato ideal para encarnar al antiguo profesor de psicología convertido en maestro del terror.
Por ahora no hay confirmación de que Scarecrow aparezca en el nuevo DCU, pero con una película de Batman: The Brave and the Bold en camino, no es descabellado imaginar que Crane podría volver a escena.
Este villano debutó en 1941 en World’s Finest Comics #3, creado por Bill Finger y Bob Kane. Aunque tradicionalmente vinculado al universo de Batman, también ha colaborado con organizaciones como la Legión del Mal y la Sociedad Secreta de Supervillanos.
En el cine, Cillian Murphy dejó el listón muy alto en la trilogía de Nolan, aportando un enfoque frío e intelectual al personaje. Más recientemente, vimos versiones diferentes en series como Gotham (Charlie Tahan) o Titans (Vincent Kartheiser), aunque con menos impacto. Ahora, con James Gunn y Peter Safran redefiniendo el nuevo DCU, es el momento perfecto para reinventar al Espantapájaros con un actor capaz de llevar el personaje a nuevas profundidades… y ahí es donde entra Bower.
El actor británico ha demostrado su rango en proyectos como Twilight, Harry Potter, Cazadores de Sombras y Animales Fantásticos, aunque ha sido en Stranger Things donde ha desplegado todo su arsenal de carisma siniestro. De hecho, su presencia ha sido comparada por muchos con la de los grandes villanos clásicos del cine de terror, y eso es justo lo que necesita un Scarecrow digno del nuevo universo compartido.
Por ahora, The Brave and the Bold es poco más que un título. Se sabe que presentará al nuevo Batman del DCU, así como a su hijo Damian Wayne, el quinto Robin. No hay fecha de estreno, ni casting confirmado, ni antagonista revelado. Es el caldo de cultivo perfecto para teorías, rumores… y sueños húmedos de casting.
¿Imagináis una Gotham sumida en el caos psicológico por culpa de las toxinas del miedo, con Jamie Campbell Bower al mando del juego? Pues muchos fans ya lo están viendo tan claro como si fuera realidad.
Más allá del runrún sobre DC, Bower continúa expandiendo su carrera. Recientemente ha sido confirmado como uno de los protagonistas de la tercera temporada de El Señor de los Anillos: Los Anillos de Poder, lo que demuestra que Hollywood sigue apostando fuerte por su presencia magnética.
Si finalmente llega al universo DC, no sería su primera incursión en adaptaciones comiqueras, pero sí la más importante. Y lo haría con un personaje que le permitiría seguir explorando esa mezcla de amenaza, inteligencia y fragilidad, un cóctel que domina como pocos.
Jamie Campbell Bower no es un recién llegado al género fantástico, pero con Stranger Things ha consolidado una imagen muy concreta: la de un villano que te hiela la sangre sin necesidad de levantar la voz. Eso, trasladado al universo DC, podría darle al Espantapájaros una nueva dimensión, alejada de lo caricaturesco y más cercana al terror psicológico.
Además, encajaría como anillo al dedo en el enfoque de Gunn y Safran, que han prometido un DCU con más profundidad emocional y un tratamiento más serio de sus personajes, incluso los más retorcidos. Y si hay un personaje que puede representar esa oscuridad introspectiva sin perder fuerza narrativa, es Crane. Y Bower podría ser su rostro definitivo.
Peggy Carter está lejos de colgar el escudo. Aunque su aparición en el teaser de Avengers: Doomsday brilló por su ausencia, nuevas filtraciones apuntan a que Hayley Atwell tendrá un papel central en la próxima gran película del Universo Cinematográfico de Marvel. Según el habitual informador Daniel Richtman, la actriz británica no solo volverá, sino que vivirá su momento más estelar en la franquicia: “No es un simple cameo, tiene un papel importante durante toda la película”.
Este inesperado giro coloca a Peggy en el epicentro de un nuevo conflicto multiversal que enfrentará a los héroes contra el imponente Doctor Doom, interpretado nada menos que por Robert Downey Jr. Sí, como lo oyes: Tony Stark ha muerto, pero Downey Jr. sigue dentro del juego… solo que en el otro bando.
No es la primera vez que Atwell encarna a una versión alternativa de su personaje. En What If…? ya se transformó en la poderosa Capitana Carter, una variante con el suero del supersoldado en las venas, y más tarde volvió en Doctor Strange en el Multiverso de la Locura. Aunque allí no terminó precisamente bien (ejem… partida por la mitad gracias a Wanda), la actriz nunca escondió su deseo de explorar más a fondo su papel.
En una entrevista con Den of Geek, Atwell lo dejó claro: “Hay tantas cosas que Peggy podría hacer. Es un personaje infravalorado. Quiero llevarla al siguiente nivel como Capitana Carter, sobre todo después de todo el entrenamiento de Misión Imposible. Estoy lista, ¡vamos allá!”.
Y parece que Marvel le ha tomado la palabra. Porque los rumores más jugosos aseguran que veremos múltiples versiones de Peggy, lo que abre la puerta a una historia multiversal en la que podría incluso liderar a los Vengadores… o formar su propio equipo.
Si el regreso de Peggy Carter no fuese suficiente, Avengers: Doomsday se presenta como una auténtica orgía de personajes. Desde veteranos como Thor (Chris Hemsworth), Ant-Man (Paul Rudd) o Loki (Tom Hiddleston), hasta nuevos fichajes como Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como Johnny Storm y Ebon Moss-Bachrach como The Thing. Y sí, la alineación mutante también viene fuerte: Ian McKellen como Magneto, Patrick Stewart como el Profesor X, James Marsden como Cíclope y Channing Tatum como Gambito están confirmados. Una barbaridad.
Todo esto bajo la batuta de los hermanos Russo, quienes regresan al UCM tras dirigir los titanes Infinity War y Endgame. En su comunicado oficial, afirmaron: “Queremos llevar esta aventura a lugares nuevos y sorprendentes, tanto para los fans como para nosotros mismos”. Traducción: prepárate para llorar, gritar y flipar en colores.
El estreno está previsto para el 18 de diciembre de 2026, con Avengers: Secret Wars programada para el 17 de diciembre de 2027. Así que sí, el futuro del UCM ya tiene fecha… y mucha, mucha Peggy.
Peggy Carter debutó como el interés romántico de Steve Rogers en Capitán América: El primer vengador, pero su papel fue creciendo gracias a la serie Agent Carter y su evolución como símbolo de resistencia y liderazgo. Su frase “Sé lo que valgo” se ha convertido en todo un lema feminista dentro del fandom. Ahora, Marvel parece dispuesto a hacer justicia dándole por fin el foco que merece.
Aunque aún no sabemos si Cap volverá a cruzarse con ella (el teaser dejaba entrever algo…), todo apunta a que Capitana Carter será uno de los pilares del nuevo ciclo. Y con el multiverso desatado, todo es posible: ¿quizás un reencuentro con su Steve? ¿O algo completamente nuevo?
En el nuevo panorama del UCM, muchos fans comparan el rol de Peggy como Capitana Carter con otros “líderes inesperados”, como Sylvie en Loki o Yelena en la saga de Black Widow. Todas ellas representan una nueva era de figuras femeninas poderosas, imperfectas y carismáticas, que se ganan su sitio sin pedir permiso. Peggy, con su mezcla de disciplina militar, carisma clásico y escudo en mano, puede convertirse en la sorpresa del año si Marvel juega bien sus cartas.
