He-Man se reinventa: Nicholas Galitzine promete una versión inesperada del héroe de Eternia

He-Man

Un He-Man muy distinto está en camino, y sí, Hollywood vuelve a tocar nuestra nostalgia otra vez

He-Man se reinventa: Nicholas Galitzine promete una versión inesperada del héroe de Eternia

Los fans de Masters of the Universe llevamos años escuchando promesas, retrasos, cancelaciones y resurrecciones más propias de un hechizo de Orko que de Hollywood. Pero ahora que Nicholas Galitzine se ha puesto la melena rubia, la cosa empieza a oler a proyecto real. Y lo curioso es que el actor no está vendiendo músculo, sino algo más arriesgado: un He-Man con sensibilidad moderna, casi como si Eternia hubiera pasado por terapia de grupo.

Las palabras del actor sobre un He-Man moderno

Según el propio Galitzine, esta nueva visión huye de los clichés ochenteros y abraza una mezcla “entre lo que entendemos como masculinidad tradicional y feminidad”. Vamos, que el príncipe Adam va a repartir mandobles, sí, pero igual también te da conversación mientras salva el universo. Y eso, sinceramente, suena bastante refrescante.

En una entrevista con Screen Rant, el actor confesó que el planteamiento de Travis Knight, director del proyecto, no va a por una reinterpretación superficial. Al contrario: este He-Man quiere ser humano, emocional y hasta divertido, sin renunciar a sus músculos marca de fábrica. Para Galitzine, la gracia está precisamente en ese equilibrio: “Había algo muy humano y muy humorístico en la historia”, explicó. Y teniendo en cuenta lo que a veces hace Hollywood con nuestras franquicias, que alguien mencione “humano” y “humor” sin que nos dé urticaria ya es un logro.

La conexión fue instantánea: el actor asegura que el guion no se parece a nada típico del género, que lo sintió diferente desde la primera lectura, y que esa mezcla de espectacularidad y alma fue lo que le convenció del papel. Y no es poca cosa: ponerse el taparrabos de Eternia es comprometerse con décadas de mitología, memes y comparaciones inevitables con Dolph Lundgren.

Un Adam más cercano y un espectáculo a lo grande

Galitzine también quiso dejar claro que, aunque el proyecto tenga un fondo emocional, la parte de “secuencias increíbles” y “set pieces descomunales” está más que asegurada. Porque sí, este He-Man puede tener introspección, pero sigue necesitando reventar paredes con la espada del poder. Y si Knight, que viene de Bumblebee y Kubo and the Two Strings, está detrás de la cámara, lo mínimo que podemos esperar es cariño visual y escenas de acción con personalidad.

He-Man se reinventa: Nicholas Galitzine promete una versión inesperada del héroe de Eternia

Lo más interesante es que el actor parece realmente emocionado por que el público conozca a su Adam. “Estoy deseando que la gente vea esta película y conozca a Adam”, declaró. Y esa insistencia en Adam, no en He-Man, dice mucho: esta vez no vamos a saltar directamente del príncipe tímido al adonis musculado sin matices. Parece que quieren construir un héroe cuyo arco emocional pese tanto como su bíceps derecho.

Un reparto de lujo para levantar Eternia

Por si lo emocional no fuera suficiente incentivo, Hollywood ha soltado un reparto que parece salido de un crossover improbable: Jared Leto, Idris Elba, Morena Baccarin, Kristen Wiig, Alison Brie y Camila Mendes, entre otros. Vamos, que Eternia promete estar tan llena de caras conocidas que ni Skeletor va a saber a quién intimidar primero.

Es cierto que todavía no han aclarado quién interpreta a quién (y probablemente nos harán sudar antes de soltarlo), pero esto huele a proyecto grande, de esos que quieren competir con franquicias ya consolidadas. Y oye, si alguien puede darle un aire nuevo a la eterna pelea entre Adam y Skeletor, es un reparto así.

Un reboot que quiere romper el molde

Lo más llamativo es el empeño del equipo por alejarse del molde típico del género de fantasía y acción, evitando caer en “otro blockbuster musculosamente vacío”. La apuesta por un héroe más equilibrado, emocional y humorístico suena a declaración de intenciones: no solo quieren recuperar a He-Man, quieren redefinirlo. Algo arriesgado, sí. Pero a estas alturas, Eternia necesitaba una renovación o acabaría olvidada en el cajón de juguetes retro.

Si le sale bien a Knight, podríamos estar ante la primera versión del personaje que realmente conecte con nuevas generaciones, sin perder de vista a los veteranos que crecimos gritando “¡Yo tengo el poder!” en el salón. Y si sale mal… bueno, siempre podremos volver a la animación clásica y fingir que nada ocurrió. Como de costumbre.

He-Man se reinventa: Nicholas Galitzine promete una versión inesperada del héroe de Eternia

Si hay algo claro en todo lo que Galitzine ha contado es que hay corazón detrás del proyecto. Un enfoque moderno, humor, espectáculo y un reparto que podría levantar hasta Grayskull. ¿Qué puede salir mal? Vale, mejor no contestes. Pero por primera vez en mucho tiempo, parece que He-Man vuelve con una propuesta que intenta algo más que un simple lavado de cara.

Bendis y Pichelli vuelven a Marvel con un proyecto secreto que ya huele a bomba

Bendis

La vuelta de Bendis y Pichelli se convierte en un anuncio discreto que incendia al fandom y que apunta claramente a Miles

Bendis y Pichelli vuelven a Marvel con un proyecto secreto que ya huele a bomba

Durante la Milan Games Week & Cartoomics, Brian Michael Bendis soltó una de esas bombas que no se ven venir hasta que ya estás buscando silla para sentarte. El guionista confirmó que está trabajando en un nuevo proyecto secreto para Marvel junto a la dibujante Sara Pichelli, su compañera de crimen creativo y co-madre de Miles Morales. Y sí, Jon, el anuncio llegó sin redoble de tambores pero con suficiente hype para tener a los fans descifrando pistas como si fuera un ARG de Marvel.

Proyecto Marvel 2026

En un post de Instagram, Bendis lo dejó caer con esa naturalidad suya de “no estoy diciendo nada… pero lo estoy diciendo todo”: “Estamos trabajando activamente en un nuevo proyecto para Marvel Comics 2026. Solo dije que es lo más emocionante que hemos hecho juntos hasta ahora”. Pues nada, sin presión.

La pista más evidente —vamos, tan evidente que debería llevar chaleco reflectante— es que podría tratarse de algo relacionado con Miles Morales. No se ha confirmado, claro, pero cuando juntas a Bendis y a Pichelli… pues eso, la calculadora no hace falta.

El regreso a casa de Bendis sigue sumando sorpresas

Marvel ya había anunciado hace semanas que Bendis volvería a la editorial en 2026 para escribir Avengers #800. Una celebración redonda para un número redondo: ideal para reencontrarse con una de las voces que más han definido la Marvel moderna.

Pero que nadie se pensara que aquello era una aparición puntual para hacerse la foto: ya se intuía que había más material en camino, y ahora está clarísimo. Bendis no da puntada sin hilo, y Marvel no recupera a una de sus figuras clave para un solo baile. Este proyecto con Pichelli es la confirmación definitiva.

Ultimate Spider-Man

La Milan Games Week & Cartoomics ha sido el escenario perfecto para soltar la noticia. Allí se celebró un panel centrado en Ultimate Spider-Man con Bendis, Pichelli, C.B. Cebulski y Federico Vicentini, moderado por Zeth Castle y Nicola Peruzzi. Un proyecto relacionado con Miles dentro de un panel sobre el universo Ultimate… venga, que nos lo están dejando a huevo.

Bendis y Pichelli vuelven a Marvel con un proyecto secreto que ya huele a bomba

La feria italiana —que se celebra desde 2011 y hoy reúne a unas 200.000 personas— fue el lugar donde Cebulski soltó el titular como quien comenta que ha comprado leche. La Milan Games Week & Cartoomics es un monstruo en crecimiento, una mezcla de cómic, videojuegos, cosplay y cultura pop que ya se codea con los grandes eventos europeos.

Bendis lo agradeció públicamente, destacando el trato del equipo del festival y la calidez del público. Y, de paso, dejó claro que llevan tiempo trabajando en el nuevo título. O sea, que no es una idea recién apuntada en una servilleta: el proyecto ya está en marcha.

Brian Michael Bendis y su legado con Spider-Man

Antes de seguir, hay que recordar algo importante: Bendis fue quién reinventó Spider-Man en el año 2000, y lo hizo dos veces. Primero, con el Peter Parker adolescente de Ultimate Spider-Man. Después, con la creación de Miles Morales, que terminó convirtiéndose en uno de los personajes más importantes de Marvel en la última década.

Por eso, este anuncio tiene un sabor especial para los fans. No es solo un veterano volviendo a casa; es la oportunidad de ver a los dos creadores originales colaborando de nuevo en un momento en el que Miles vive su edad de oro: videojuegos, cine, animación, merchandising… Lo único que le falta es un bombazo editorial. Y podría estar en camino.

¿Qué podemos esperar realmente de este proyecto?

Por ahora, Marvel no suelta prenda. Pero si analizamos lo que hay sobre la mesa, hay varias posibilidades:

  • Una nueva serie de Miles Morales dentro de una línea especial o un nuevo universo.
  • Un proyecto Ultimate: recordemos que la línea Ultimate está renaciendo.
  • Un especial o novela gráfica para 2026, año en el que Marvel prepara varios hitos.
  • O, quién sabe, algo completamente distinto. Bendis y Pichelli ya han demostrado que no son precisamente previsibles.

Lo que sí ha quedado claro es que “es lo más emocionante que han hecho juntos”, palabras mayores considerando que hablamos de la dupla que parió a Miles.

Y lo mejor: la comunidad ya está en llamas. Redes sociales llenas de teorías, memes, capturas del anuncio y fans intentando encontrar cualquier miguita que confirme que Miles es la clave del asunto. La maquinaria del hype, funcionando como debe.

Bendis y Pichelli vuelven a Marvel con un proyecto secreto que ya huele a bomba

Lo que significa este movimiento para Marvel

Es un mensaje potente: Marvel quiere volver a colocar el foco en la autoría, en proyectos liderados por equipos creativos estrella. Recuperar a Bendis en un momento de transición editorial es una decisión estratégica. Reforzar su regreso con un proyecto “emocionante” junto a Pichelli es directamente un guiño al corazón del fandom.

En resumen:
Marvel está preparando 2026 como un año grande, y este anuncio es la primera pieza de un puzzle que promete titulares durante meses.

Stranger Things vuelve a liarla con su continuidad y los fans no la dejan pasar

Stranger Things

Un detalle sobre Will Byers ha encendido las alarmas otra vez entre los fans de Stranger Things

Stranger Things vuelve a liarla con su continuidad y los fans no la dejan pasar

A veces parece que Stranger Things compite consigo misma para ver cuántos detalles puede olvidar sin despeinarse. Y claro, con una quinta temporada que llega con la expectación por las nubes, los fans han sacado el microscopio. El resultado: varias supuestas inconsistencias de continuidad que han provocado debates encendidos, memes a cascoporro y la sensación colectiva de que en Hawkins alguien se ha dejado la libreta de apuntes en casa.

Un fallo que los fans no han pasado por alto

El último incendio comenzó con el Episodio 4, Sorcerer, donde Will rememora escenas clave de su infancia, entre ellas un momento especialmente luminoso y familiar junto a Jonathan: ambos construyendo Castle Byers bajo un sol precioso, como si estuvieran en un anuncio de colonia de los 80. Una escena monísima… y que, al parecer, se carga lo ya contado antes.

Porque los fans, que ya sabemos que tienen memoria más afilada que el Demogorgon, no tardaron en rescatar The Mind Flayer, episodio de la segunda temporada, donde Jonathan daba una versión totalmente distinta. Allí explicaba que el día que levantaron Castle Byers había sido la noche en que su padre, Lonnie, se largó definitivamente. Y que además lo hicieron bajo un tormentón épico, empapándose hasta tal punto que acabaron enfermos una semana entera. Vamos, que lo único que faltaba era que Will recordase también un arco iris en el cielo para que el retcon fuese perfecto.

El dato que cambia el fondo de los personajes

En las redes, especialmente en X (antiguo Twitter), no tardó en circular la comparación entre ambas versiones. Un usuario lo resumió así: “Jonathan dijo que cuando construyeron Castle Byers estaba diluviando y acabaron los dos enfermos. No tiene sentido que actúen tan normales si es el mismo día que su padre abandonó la casa.” No hacía falta añadir nada más: la contradicción quedó servida.

Stranger Things vuelve a liarla con su continuidad y los fans no la dejan pasar

Pero Castle Byers no es el único frente abierto. En otro episodio de la temporada actual, Joyce comenta que Will tenía 11 años cuando fue abducido al Upside Down, mientras que en la primera temporada aparece bien clarito en el póster de desaparecido que el chico tenía 12. Un detallito, sí… pero viniendo de una serie que vive del misterio, los fans esperan coherencia quirúrgica.

Y aquí es cuando resucita un viejo fantasma: el célebre “Birthdaygate”. En la cuarta temporada, alguien del equipo decidió que recordar la fecha de cumpleaños de Will era demasiado pedir y directamente la omitieron. Los hermanos Duffer reconocieron el gazapo públicamente, prometiendo que intentarían corregir esos despistes. En fin… pues aquí estamos otra vez.

Una grieta que algunos intentan tapar sin éxito

Eso sí, siempre hay fans con más imaginación que los propios guionistas. Algunos han intentado justificar el recuerdo soleado de Castle Byers diciendo que tal vez era un momento previo a la lluvia, una especie de cápsula feliz que Will guarda para sí antes de que todo se torciera. Pero la teoría no convence a muchos. En general, el consenso es que se trata de un error de continuidad de manual. Y siendo sinceros, grabar una serie durante casi una década, con actores creciendo a velocidad absurda y guiones que reescriben cada dos por tres, tampoco ayuda.

El problema es que Stranger Things se ha convertido en una de esas series donde cada fotograma importa, donde cada detalle puede esconder pistas, y donde los fans analizan hasta el número de gotas que caen en un plano. Cuando juegas en esa liga, cualquier contradicción —por mínima que sea— se magnifica.

¿Afectará esto a la recepción de la temporada?

Seguramente no. Stranger Things sigue teniendo una base de seguidores gigantesca, entregada y muy acostumbrada a los recovecos del Upside Down. Pero cierto es que estos fallos dan pie a una conversación interesante: ¿cuánto mimo puede mantener una serie tan larga y ambiciosa antes de empezar a sufrir desgaste?

Stranger Things vuelve a liarla con su continuidad y los fans no la dejan pasar

De momento, la comunidad está en modo detective. Hay recopilaciones completas de errores en Reddit, debates interminables en X y fans que ya están elaborando teorías alternativas para justificar todos los descuidos. Y lo que viene será todavía peor, porque el Volumen 2 llega el 25 de diciembre, y la gente va a escrutar cada escena como si en lugar de ver una serie estuvieran analizando las cámaras de seguridad del Laboratorio Hawkins.

Así que, si la idea de ver fans buscando fallos te resulta entretenida, prepárate: esto no ha hecho más que empezar. Y si los Duffer creían que podían colar un día soleado donde antes había lluvia bíblica… que se vayan haciendo a la idea: el fandom de Stranger Things no perdona ni una.

Sam Wilson lidera un equipo inesperado en Avengers: Doomsday

avengers doomsday avengers secret wars

Loki, Ant-Man, Thor y más se unen al nuevo Capitán América en la próxima gran batalla del UCM

Cuando creíamos que el Universo Cinematográfico de Marvel ya no podía sorprendernos más, Avengers: Doomsday decide romper el tablero. Durante un evento reciente de Disney en Italia, se filtró una diapositiva que revelaría parte del equipo que acompañará al Capitán América de Sam Wilson, y la alineación ha dejado a más de uno con la mandíbula desencajada.

Sam Wilson y su escuadrón sorpresa

Entre los numerosos grupos de héroes que veremos en Avengers: Doomsday —como los Cuatro Fantásticos o los X-Men originales— uno de los focos más intrigantes se ha puesto sobre el equipo liderado por Sam Wilson. Según esa presentación, el nuevo Capitán América estará acompañado por Thor, Ant-Man, Shang-Chi y… atención: ¡Loki!

Sí, Loki, el mismísimo Dios del Engaño, aparece junto a este grupo de héroes como si formar parte de un escuadrón vengador fuera lo más normal del mundo. ¿El detalle problemático? La última vez que lo vimos fue como guardián del multiverso en la Ciudadela del Fin del Tiempo al cierre de la segunda temporada de Loki. Así que… ¿qué hace en un equipo de campo?

Capitán América - Sam Wilson - Los Vengadores - Marvel Comics

La respuesta, obviamente, apunta al caos multiversal que promete arrasar con todo en Doomsday. Lo que está claro es que algo muy gordo está pasando si hasta Loki tiene que volver a mancharse las manos.

El evento Marvel definitivo

Avengers: Doomsday será la culminación de una nueva fase repleta de eventos cósmicos, realidades paralelas y alianzas imposibles. La película contará con un reparto tan extenso que necesitarás un mapa para no perderte. Solo por mencionar algunos:

  • Chris Hemsworth como Thor
  • Anthony Mackie como Sam Wilson/Capitán América
  • Paul Rudd como Ant-Man
  • Simu Liu como Shang-Chi
  • Tom Hiddleston como Loki
  • Pedro Pascal como Reed Richards
  • Vanessa Kirby como Sue Storm
  • Sebastian Stan como Bucky Barnes
  • Letitia Wright como Shuri
  • Wyatt Russell como U.S. Agent
  • Tenoch Huerta como Namor
  • Ebon Moss-Bachrach como The Thing
  • Florence Pugh como Yelena Belova
  • Lewis Pullman como Sentry
  • Danny Ramirez como el nuevo Falcon
  • Joseph Quinn como Johnny Storm
  • David Harbour como Red Guardian
  • Winston Duke como M’Baku
  • Hannah John-Kamen como Ghost
  • Y sí, Kelsey Grammer regresa como la Bestia.
Sam Wilson lidera un equipo inesperado en Avengers: Doomsday

Y por si fuera poco, los mutantes clásicos también se suman a la fiesta:

  • Patrick Stewart como Charles Xavier
  • Ian McKellen como Magneto
  • James Marsden como Cíclope
  • Rebecca Romijn como Mística
  • Alan Cumming como Rondador Nocturno
  • Y Channing Tatum, finalmente, como Gambito.

La batalla final (hasta que venga la siguiente)

El estreno de Avengers: Doomsday está marcado para el 18 de diciembre de 2026, y se espera que sea la entrega más ambiciosa del UCM hasta la fecha. Con tantos personajes, grupos y líneas temporales en juego, lo que está claro es que vamos a tener un espectáculo digno de cerrar el año.

Sam Wilson lidera un equipo inesperado en Avengers: Doomsday

La gran incógnita es cómo se entrelazarán tantas narrativas en una sola película sin volverse un caos absoluto. Pero si algo ha demostrado Marvel, para bien o para mal, es que cuando se trata de juntar nombres potentes en pantalla, sabe cómo generar expectación.

Este tipo de formaciones tan dispares dentro del UCM podrían ser solo la punta del iceberg. La inclusión de Loki en el equipo de Sam Wilson sugiere que Avengers: Doomsday no solo será una guerra de superhéroes, sino también un choque entre realidades, lealtades y redenciones. Con tantos frentes abiertos, es probable que algunas alianzas se tambaleen y que héroes tradicionalmente individuales tengan que aprender a trabajar en grupo… o pagar las consecuencias.

Además, la película parece dispuesta a redefinir el concepto de “equipo vengador”, rompiendo con la estructura clásica que conocimos en fases anteriores. Este nuevo panorama no solo le da aire fresco a la franquicia, sino que prepara el terreno para nuevas generaciones, posibles traiciones y hasta sacrificios inesperados. Porque si algo nos ha enseñado Marvel, es que nadie está a salvo cuando el apocalipsis llama a la puerta.

Ahora solo queda sentarse y esperar a que lleguen los primeros tráilers… y, por supuesto, las primeras bajas.

Videojuegos ‘Hechos en España’: 40 años de talento nacional contados por sus protagonistas

Hecho en España. Iconos del videojuego español

Un nuevo libro recoge el testimonio de 19 creadores clave que construyeron la industria del videojuego en España, desde los pioneros de los 8 bits hasta los estudios indie contemporáneos.

Diecinueve ventanas a la creación española de videojuegos

El libro “Hecho en España. Iconos del videojuego español”, es un ambicioso trabajo de David Martínez Robles y Santiago Bustamante que documenta cuatro décadas de desarrollo nacional de videojuegos. El libro, presentado por Ángel Luis Sucasas en el OXO Museo del Videojuego, nace de las entrevistas realizadas para la exposición temporal “Iconos del Videojuego Español”.

Hecho en España. Iconos del videojuego español
Los autores Santiago Bustamante y David Martínez y el presentador Ángel Luis Sucasas

El volumen reúne conversaciones con figuras que marcaron la historia del sector: desde Paco Suárez y su pionera “La pulga” (1983), pasando por los hermanos Víctor y Pablo Ruiz de Dinamic con “Abu Simbel Profanation”, hasta llegar a títulos recientes como “Gris” (2018) de Conrad Roset o “Endling” (2022) de Javier Ramello.

Entre medias, nombres como Juan Delcán y “La abadía del crimen“, el dúo Gonzo Suárez e Ignacio Pérez Dolset con “Commandos“, o Enric Álvarez y su “Castlevania: Lords of Shadow”. Cada capítulo explora un juego diferente, pero también traza la trayectoria completa de sus creadores.

Entrevistas mientras se juega

“El enfoque era que el visitante pudiese escuchar al creador mientras jugaba al juego”, explica Santiago Bustamante sobre la génesis del proyecto. Esa perspectiva permitió momentos especiales, como cuando los desarrolladores reconocían la dificultad extrema de sus propios títulos de los 80, o cuando Pablo Ruiz recordaba aquellos saltos imposibles de “Abu Simbel Profanation”.

David Martínez subraya el valor de mirar más allá de la nostalgia: “Normalmente en España nos cuesta echar la vista hacia atrás y valorar aquello que hacemos. Este libro daba una perspectiva global, desde aquellos inicios hasta los juegos más relevantes de ahora”.

Los héroes desconocidos de las recreativas

Uno de los descubrimientos más valiosos del proyecto fue rescatar la historia del desarrollo español para máquinas recreativas, un segmento que la prensa especializada había ignorado durante años. Javier Valero y su trabajo con Gaelco, creando títulos como “Radikal Bikers” (1998), o el papel de Bit Manager con las consolas, aportan capítulos fundamentales para entender el sector.

“Es una parte que de alguna manera el tenerla aquí integrada, yo me siento muy orgulloso”, reconoce Bustamante. “Destroyer” comenzó todo, seguido de “World Rally Championship” y otras producciones que apenas aparecían en las revistas de la época.

Del inventor autodidacta al estudio indie

Hecho en España. Iconos del videojuego español

El libro documenta cómo el perfil del desarrollador español ha evolucionado desde los pioneros que montaban sus ordenadores leyendo revistas de electrónica, hasta los estudios actuales que luchan por hacerse un hueco en el mercado internacional.

“En los inicios había mucho de ensayo y error”, comenta Martínez. “Gente que descubre por casualidad el código máquina porque se ha peleado con el BASIC durante años. Que alguien se atreva con eso, a escribir código máquina, a mí me parece a día de hoy una locura”.

La heroicidad ha cambiado de forma, pero persiste. Bustamante lo ejemplifica con Raúl Rubio cerrando Tequila Works: “Son 80 familias, con sus 80 respectivas nóminas que dependían del cierre con el publisher. Eso se refleja en la entrevista y eso para mí es heroico”.

La sombra de Paco Menéndez

Una figura aparece mencionada en múltiples capítulos sin tener entrevista propia: Paco Menéndez. Su colaboración con Juan Delcán en “La abadía del crimen” se describe como una relación creativa comparable a la de Lennon y McCartney.

“Él era consciente de que era brillante”, explica Martínez. “Se pone en contacto con Juan Delcán, que es arquitecto, le pide arquitectura y el resultado es un ejercicio de arquitectura. Jugaban a sorprenderse mutuamente con lo que habían conseguido implementar”.

Esa dinámica de competencia sana aparece también en la rivalidad entre Dinamic y Opera Soft, o en cómo los estudios actuales se nutren del trabajo de sus predecesores. “Todos los creadores al final son deudores del anterior”, apunta Martínez.

Originalidad por necesidad

Un patrón emerge de las entrevistas: la falta de recursos obligó a los desarrolladores españoles a innovar constantemente. Desde “Commandos” inventando el juego táctico hasta “Gris” construyendo un viaje emocional sobre mecánicas de plataformas, los títulos destacados son aquellos que no copiaban fórmulas establecidas.

“Nosotros tenemos que solventar esos problemas de falta de presupuesto con imaginación, con desarrollos que nunca se hayan visto”, señala Martínez. “Cuando lo ha habido, cuando hemos copiado, ha salido mal”.

Conocer la historia para no repetirla

Hecho en España. Iconos del videojuego español

Ambos autores coinciden en la importancia de que los desarrolladores actuales conozcan su legado. “Quien no conoce su historia está condenado a repetirla”, argumenta Martínez. “Como en España hemos tenido problemas para crear un tejido industrial, qué mejor que conocer la historia para no tener que volver a atravesar esos problemas”.

Bustamante apela a la divulgación constante: “Al igual que en el cine me cambió radicalmente leer ‘El cine según Hitchcock’ de Truffaut, que un libro tan humilde como este deje a los creadores hablar en primera persona puede ayudar a meter el videojuego como elemento cultural y artístico en las cabeceras de prensa”.

El libro está disponible ya en librerías y en OXO Museo y promete abrir el apetito para futuras entregas. Con cientos de estudios y títulos por documentar, “Hecho en España” es solo el primer capítulo de una historia que continúa escribiéndose.

Reseña de Marvel Gold. X-Force 1 – Una fuerza a tener en cuenta

Rob Liefeld lo da todo en el primer volumen de la línea Marvel Gold de X-Force, el grupo mutante liderado por Cable, un tomo de lujo publicado por Panini Comics

Panini Comics publica un nuevo tomo de la línea Marvel Gold, uno que recopila un momento mítico en la historia de los mutantes: la transformación de los Nuevos Mutantes en lo que se convertiría en la primera X-Force, una escuadra paramilitar mutante liderada por Cable. Se trata de un tomo esencial para entender el origen de un equipo que desde su nacimiento encarna la rebeldía y la acción descontrolada que nos llega bajo el título de Marvel Gold. X-Force 1 – Una fuerza a tener en cuenta.

Reseña de Marvel Gold. X-Force 1 - Una fuerza a tener en cuenta

De bebés-X a X-Force

En este tomo vamos a ver cómo personajes jóvenes, antes conocidos como “bebés-X”, abandonan su etapa escolar de aprendices para convertirse en soldados que se encargan de misiones más agresiva de lo que estaban acostumbrados.

La formación de X-Force es abrupta y dramática. Bajo la influencia de Cable, los Nuevos Mutantes dejan atrás su inocencia. Cable no es un líder carismático cualquiera, es una figura del futuro con traumas personales y una voluntad férrea de preparar a sus compañeros para una lucha real. Y esos compañeros van a ser mutantes hoy en día conocidos por todos (aunque alguno haya quedado como un personaje de segunda fila con el paso del tiempo): Dominó, Bala de Cañón, Siryn, Rictor, Mancha Solar, Feroz, Estrella Rota, Bum-Bum y Sendero de Guerra entre otros.

La amenaza que se alza contra ellos no es trivial. Se trata de Dyscordia, que lidera al Frente Mutante de Liberación. En paralelo, hay temas más personales sobre el pasado de Cable, sus motivaciones y su historia con los Morlocks, pero en primer plano vamos a tener siempre el tema de un grupo de jóvenes que se han hecho adultos de repente y tienen que lidiar con un mundo agresivo en el que van a tener que tomar decisiones duras. Ya no se trata de ser los buenos, ahora se trata de hacer lo que hay que hacer. En otras palabras: esto es el paradigma de los cómics pijameros de los años noventa. Para bien y para mal, pero sobre todo para mal.

Reseña de Marvel Gold. X-Force 1 - Una fuerza a tener en cuenta

Rob Liefeld!

Rob Liefeld, figura icónica del cómic de los noventa. es el máximo protagonista de este tomo. Liefeld fue quien creó ese trazo agresivo, musculoso y lleno de clichés que define los primeros X-Force. Aporta diseños potentes, con estética militar, con personajes que siempre están listos para la guerra. Su estilo se caracteriza por esos dientes apretados, esa cantidad exagerada de bolsillos y cartucheras, esas armas descomunales, esa ocasional ausencia de pupilas en los ojos de sus personajes (los cuales muchas veces carecían también de pies) y esa hipertrofia que va más allá de lo físicamente concebible. Ese es su sello, y aunque en su momento pegó muy fuerte, hoy no queda más remedio que mirarlo con ternura…

Junto a Liefeld hay guionistas clave como Fabian Nicieza, que se encarga de dar voz a los personajes y de dotar de profundidad a Cable y al resto del grupo. Nicieza entiende a los mutantes, ya que no son solo armas vivientes, sino individuos con pasado, con miedos y con un sentido de propósito. Su escritura trata de equilibrar acción y emoción, permitiendo que la violencia tenga peso y que los diálogos suenen genuinos, no solo como excusa para la explosión de poder, pero es un objetivo que no acaba de conseguir del todo…

En el apartado artístico también hay otros nombres importantes: el celebérrimo Greg Capullo, conocido por su trazo dinámico y fuerte, aporta en algunas páginas una intensidad dramática distinta a la de Liefeld, más detallada, pero aún muy lejos de su prime. Mike Mignola también se pasa por aquí, con su estilo oscuro, sus sombras pronunciadas y sus figuras angulosas, añadiendo un matiz casi gótico en ciertos momentos. También están involucrados Todd McFarlane (otro mito noventero que rivaliza con Liefeld), Brian Murray, Gavin Curtis, Terry Shoemaker, Mark Pacella o Marat Mychaels entre otros, casi todos siguiendo el estilo marcado por Liefeld que ilustraría a toda una década.

Reseña de Marvel Gold. X-Force 1 - Una fuerza a tener en cuenta

Aquellos maravillosos noventa

Si algo se puede destacar positivamente de este tomo es esa energía pura presente en cada página, y también se podría decir que a pesar de todo es posible que aquí veamos la mejor versión posible de Rob Liefeld. Dentro de su estilo, el tipo hace un buen trabajo. Pero sería injusto, a pesar de la nostalgia, no ver que el estilo de Liefeld no es nada envidiable. Su visión exagerada de proporciones imposibles e ilógicas está orientada a llevar la trama como una mera excusa para que surjan de forma continua momentos de acción en los que se pueda lucir con splash pages impactantes. Y nada más.

Este tomo va a ser apreciado por quienes disfrutan del cómic noventero con toda su adrenalina, exceso y dramatismo. Es una celebración de una época mutante salvaje, con una visión potente y carismática de estos personajes. Pero más allá de eso y de asistir a ciertos momentos históricos como la primera aparición de Deadpool, poco bueno se puede decir que este volumen…

El tomo Marvel Gold. X-Force 1 – Una fuerza a tener en cuenta publicado por Panini Comics en tapa dura contiene 568 páginas a color con un tamaño de 17 x 26 cm. e incluye la traducción de la edición americana de los números: The New Mutants 98-100 y Annual 7, X-Force 1-15 y Annual 1 y Spider-Man 16, además de todas las portadas de los números incluidos, una introducción escrita por Raimón Fonseca y una extensa sección de extras. El precio de venta recomendado es de 54 € y se puso a la venta en octubre de 2025.


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Marvel Gold. X-Force 1 – Una fuerza a tener en cuenta

¡Los Nuevos Mutantes se han graduado! ¡No les llames nunca más bebés-X! Liderados por Cable y conducidos por el incombustible arte y la imaginación de Rob Liefeld, Bala de Cañón, Bum-Bum, Sendero de Guerra, Dominó, Estrella Rota, Feroz, Siryn, Rictor y Mancha Solar se han convertido en una milicia mutante: el equipo necesario para enfrentarse contra el misterioso Dyscordia y su Frente Mutante de Liberación. Asiste a la mítica y legendaria presentación de X-Force, en un tomo que lo tiene todo: los debuts de Masacre y Dominó, el regreso de los Morlocks, la presentación de una nueva Hermandad de Mutantes Diabólicos y un vistazo al pasado de Cable. 

Autores: Rob Liefeld, Brian Murray, Gavin Curtis, Mike Mignola, Todd Mcfarlane, Dan Slott, Terry Shoemaker, Sandu Florea, Mark Pacella, Marat Mychaels, Fabian Nicieza y Greg Capullo

Reseña de DC Finest. Harley Quinn: La premisa de la risa

batman harley quinn

La línea DC Finest de Panini Comics presenta una recopilación de historias de Harley Quinn, el personaje creado por Bruce Timm y Paul Dini en la legendaria Batman: The Animated Series

Harley Quinn se ha ganado, por méritos propios, ser el personaje más popular y exitoso de DC Comics creado en las últimas cuatro décadas. Ahora gracias a Panini Comics podemos disfrutar de ella en todo su esplendor a través de un tomo que contiene algunas de sus más conocidas aventuras. Nos llega bajo el título de DC Finest. Harley Quinn: La premisa de la risa.

Reseña de DC Finest. Harley Quinn: La premisa de la risa

Amor loco y otras historias

Este volumen recoge las primeras apariciones de Harley Quinn en el cómic, desde su salto de la pantalla animada a las viñetas hasta sus primeros pasos como antiheroína por derecho propio. Harley nació originalmente en Batman: The Animated Series, creada por Bruce Timm y Paul Dini en 1992, con la intención de ser un personaje secundario, algo así como una secuaz caricaturesca del Joker. Sin embargo, su carisma, su peculiar estilo y su irreverencia hicieron que el público se enamorara de ella.

Aquí vamos a ver su origen, cuando era conocida como Harleen Quinzel, la psiquiatra del Asilo Arkham que se enamora del Joker y termina convirtiéndose en su compañera criminal, y seguiremos con su evolución de villana sonriente a un personaje complejo con su propia voz, con conflictos internos y con muchas aristas. Las primeras historias aún la muestran arrastrada por su obsesión por el Joker, pero luego veremos como se empieza a insinuar algo distinto: Harley quiere sobrevivir a su relación tóxica, y quiere definirse por ella misma. Esto será especialmente reseñable en la multipremiada Amor loco, una serie trágica disfrazada de aventura ligera cartoon que trata al personaje con una sorprendente crudeza emocional mientras aborda temas realmente complejos.

Este tomo es también una ventana a una época en el Universo DC en la que los personajes animados podían pasar a papel con éxito y los cómics buscaban renovarse continuamente. Es el testimonio de un momento en el que un personaje secundario se convierte en leyenda y alcanza el nivel suficiente como para protagonizar cruces con otros de la talla de Batman, Catwoman, Batgirl o Azrael (hoy no lo parece, pero en aquellos años era muy popular).

Batman: Amor loco y otras historias

Paul Dini y Bruce Timm, historia de DC Comics

Paul Dini y Bruce Timm, los creadores originales de Harley Quinn, se han ganado el estatus de leyendas dentro de DC Comics, no solo por su trabajo con la serie animada de Batman de los años noventa y la creación de este personaje, pero principalmente por ello. Dini es el arquitecto del personaje, quien primero le dio voz y personalidad. Timm, por su parte, la dibujó con un diseño sencillo pero icónico, con esas ropas de arlequín, esos colores y esa expresión de chica loca con carisma. Cuando salta al cómic, ese estilo visual se adapta y adquiere volumen. Su labor en Amor loco es esencial: no solo definieron la identidad de Harley, sino que cimentaron la versión clásica del personaje, aquella que inspiró todo lo que vendría después.

Más allá de ellos, en las historias recogidas en este tomo hay otros guionistas y dibujantes con mucho nombre como Karl Kesel, Kano, Pete Woods o Terry Dodson, cada uno aportando su visión. Algunos capítulos tienen un tono más ligero, otros más dramático; algunos dibujos son limpios y de líneas claras, otros oscilan hacia lo realista, lo dinámico o lo expresivo. Esta variedad le da al tomo una riqueza particular, como si el personaje estuviera bajo diferentes luces y mostrara distintas facetas.

Reseña de DC Finest. Harley Quinn: La premisa de la risa

Personaje poderoso, historias flojas

Este tomo tiene muchas virtudes, como su valor histórico y sentimental, con los inicios de un personaje cuya popularidad se puede medir por las veces que ha aparecido adaptado a imagen real en películas o series (como Margot Robbie nada menos que en tres ocasiones o Lady Gaga en la polémica Joker: Folie à Deux) o por el número ingente de disfraces suyos que vemos en cada fiesta de Halloween. Su carisma es lo que hace que sus historias tengan chispa y brillen cuando el equipo detrás de ellas sabe aprovechar al personaje.

Sin embargo, en muchas de las historias aquí incluidas esto no se hace correctamente. Dejando Amor loco aparte, aquí nos vamos a encontrar con muchos guionistas que parecen no querer ir más allá de cumplir con lo mínimo para tener una historia vendible y con muchos dibujantes demasiado damnificados por el estilo noventero en su peor vertiente. Esta combinación da como resultado un buen número de cómics bastante flojos que ensombrecen los aquí incluidos que realmente merecen la pena, de los cuales por suerte también tenemos unos cuantos.

El tomo publicado por Panini Comics en tapa blanda contiene 624 páginas a color con un tamaño de 17 x 26 cm. e incluye la traducción de la edición americana de Action Comics 765, Batman: Legends of the Dark Knight 126, The Batman Adventures 12, Azrael: Agent of the Bat 60, Batman 570 y 573-574, Batman: Shadow of the Bat 93, Detective Comics 737, 740-741, Catwoman 82-84 y 89, The Batman Adventures: Mad Love, The Batgirl Adventures, Batman: Harley Quinn; Batman: Gotham Knights 14 y Harley Quinn 1-8., además de una introducción escrita por Lidia Castillo. El precio de venta recomendado es de 49,95 € y se puso a la venta en septiembre de 2025.


Reseña de DC Finest. Harley Quinn: La premisa de la risa

DC Finest. Harley Quinn: La premisa de la risa

Harley Quinn apareció por primera vez en la legendaria Batman: The Animated Series. Su popularidad permitió el salto a los cómics, lo que cimentó la popularidad actual de este irrepetible personaje. Este volumen recoge las primeras aventuras en el medio de Harley Quinn, desde su debut en las viñetas, pasando por el especial que la introdujo en la continuidad del Universo DC, el multipremiado “Amor loco” y los ocho primeros números de primera serie abierta. 

Autores: Kano, Paul Dini, Karl Kesel, Bruce Timm, Pete Woods y Terry Dodson

Cancelado el Festival de Cómic de Angoulême 2026 en medio de acusaciones de sabotaje político

La histórica cita del noveno arte en Francia se hunde entre boicots, denuncias por mala gestión y una guerra abierta con las instituciones públicas

El que debía ser un año más de celebración para el Festival Internacional de Cómic de Angoulême ha acabado convirtiéndose en un ejemplo de cómo arruinar uno de los eventos más importantes del mundo del cómic. La edición de 2026 ha sido cancelada oficialmente, y la noticia ha sido tan ruidosa como los escándalos que la preceden: acusaciones de sabotaje, retirada de fondos públicos, denuncias por violencia sexual mal gestionada, boicots masivos y un ambiente laboral que muchos han calificado de “tóxico”.

Angoulême 2026, una crónica de una muerte anunciada

Los rumores ya venían desde hace semanas. El frenazo en los preparativos del evento más prestigioso del cómic europeo, solo por detrás de Comiket en Japón y Lucca Comics & Games en Italia, no presagiaba nada bueno. Ahora se confirma: Angoulême 2026 no se celebrará, y el comunicado de la empresa organizadora 9eArt+ no se ha cortado un pelo. En él, se acusa directamente a los organismos públicos de interferir de forma deliberada con el objetivo de expulsarles del control del festival.

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“La responsabilidad recae sobre los financiadores públicos que, con intención manifiesta, han saboteado la continuidad del festival”, ha declarado Franck Bondoux, fundador de 9eArt+, señalando que las subvenciones —en torno a 1,5 millones de euros anuales— son indispensables para su organización. Sin ese apoyo económico de Estado, región y municipio, no había forma de sacar adelante la edición de 2026.

Para más inri, el propio ayuntamiento, con el alcalde Xavier Bonnefont al frente, había convocado una rueda de prensa días antes para criticar abiertamente la gestión del evento y sugerir que era hora de un relevo.

Una bomba que lleva un año cocinándose

La tormenta no apareció de la nada. El conflicto viene gestándose desde enero de 2025, cuando se reveló que una trabajadora fue despedida tras denunciar una violación durante la edición anterior. Desde entonces, la confianza en la gestión privada de 9eArt+ se ha ido desmoronando.

Festival de Cómic de Angoulême 2026

En noviembre estalló el escándalo con una cascada de boicots. Más de 20 ganadores del Grand Prix —incluidos gigantes como Riad Sattouf, Jacques Tardi o Anouk Ricard— anunciaron que no participarían. Editoriales como Dargaud, Dupuis, Glénat o Delcourt se sumaron al rechazo, y colectivos de autoras como el movimiento #Girlcott señalaron al festival como símbolo de todo lo que va mal en la industria del cómic: machismo, precariedad, opacidad y exclusión.

La gota que colmó el vaso fue la decisión del Ministerio de Cultura, liderado por Rachida Dati, de retirar una ayuda de 200.000 euros. Se ofreció una posible restitución si los creadores respaldaban la continuidad del festival, pero esa mano tendida no encontró respuesta.

¿Y ahora qué? El futuro, en el aire

El panorama para los próximos años es incierto. Aunque 9eArt+ ha recordado que el festival les pertenece legalmente, también abren la puerta a una transición negociada hacia un nuevo modelo de gestión. Mientras tanto, ciudades como Saint-Malo o Colomiers ya están recogiendo el testigo y reportan un aumento de interés por parte de autores y editoriales que han abandonado Angoulême.

Festival de Cómic de Angoulême 2026

Desde la ADBDA (Asociación para el Desarrollo del Cómic en Francia), ya se está trabajando en una nueva licitación para 2028. Se baraja una estructura mixta con control público y participación directa de los creadores. Pero la sombra del desastre de 2026 pesa mucho, y la confianza del sector está gravemente dañada.

Lo que está claro es que el Angoulême que conocíamos ha muerto. Y lo ha hecho devorado por la burocracia, la falta de transparencia y un sistema que olvidó que los protagonistas del cómic son quienes lo crean.

El exterminador de Navidad, Terminator se viste de rojo en su cómic más loco

Skynet celebra las fiestas con un Santa Claus que no trae regalos… trae destrucción

¿Qué pasaría si Papá Noel no bajara por la chimenea, sino que atravesara una pared blindada con los ojos rojos brillando? Pues eso es exactamente lo que propone The Terminator: Santa Claus is Coming to Town #1, el especial navideño con el que Dynamite Entertainment ha decidido dejar boquiabiertos a los fans de la franquicia creada por James Cameron. Y sí, es tan disparatado como suena.

En un mundo arrasado por las máquinas, donde los árboles de Navidad brillan por su ausencia y los villancicos han sido reemplazados por sirenas de emergencia, los pocos humanos que aún resisten se aferran a los recuerdos. En medio del desastre, los más jóvenes escuchan una historia imposible: la de un hombre con traje rojo que esquivaba centinelas, burlaba drones y se colaba en casas… ¿era una leyenda o el primer T-1000 disfrazado de Santa?

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El Terminator navideño ya tiene fecha y portadas

El número especial, que se publica el 3 de diciembre, es un one-shot escrito por Paulina Ganucheau e ilustrado por Kendall Goode, y viene con hasta cuatro portadas alternativas a cargo de artistas como Will Robson y Francesco Biagini. Cada una muestra a este Santa-Terminator con un aire más siniestro que el anterior: barba blanca, gorro con filo metálico y esa mítica mirada roja que dice “no he venido a repartir regalos, he venido a cumplir una misión”.

La sinopsis lo deja claro: “Es Nochebuena en el futuro apocalíptico de Skynet, y aunque el ambiente no es precisamente festivo, los ancianos de la Resistencia rememoran los cuentos de su infancia… incluido ese de un hombre que lograba entrar en las casas sin ser detectado. ¿Era magia… o tecnología de infiltración?”

Una idea tan loca como divertida, que mezcla nostalgia navideña con ciencia ficción postapocalíptica, y que llega justo cuando la franquicia busca reinventarse otra vez más.

El exterminador de Navidad, Terminator se viste de rojo en su cómic más loco

James Cameron sigue apostando por Terminator

Y hablando de reinvenciones, James Cameron no ha soltado las riendas de su criatura. Aunque muchos daban por cerrada la saga tras el flojo rendimiento de Terminator: Dark Fate (2019), el director confirmó en septiembre de 2025 que sigue trabajando en una nueva película de Terminator. Eso sí, con Arnold Schwarzenegger ya fuera del proyecto, parece que será un reboot en toda regla.

¿El problema? El tiempo. Cameron está más ocupado que un T-800 en una fábrica de drones. Su prioridad actual es la franquicia Avatar, con Avatar 3: Fire and Ash a punto de estrenarse el 19 de diciembre y otras dos secuelas previstas para 2029 y 2031. Así que la nueva entrega de Terminator podría tardar… bastante.

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Pero no todo está parado: en 2024 Netflix lanzó Terminator Zero, un anime que expandía el universo con estética cyberpunk y un tono mucho más crudo. Este especial navideño viene a completar ese renovado interés, aunque con un enfoque mucho más paródico y desinhibido.

La locura perfecta para estas navidades

¿Un Santa Terminator? ¿Por qué no? Si Marvel Zombies puede tener su lugar en el trineo friki, ¿cómo no va a tenerlo un exterminador navideño con gorrito? Este tipo de experimentos editoriales son puro fanservice, sí, pero también son un soplo de aire fresco para sagas que llevaban tiempo en pausa creativa.

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Si echabas de menos a Skynet, pero también te va la estética de Gremlins o Krampus, esta rareza navideña es tu regalo anticipado de diciembre. Porque si algo nos ha enseñado Terminator es que el futuro no está escrito… y tampoco los límites del crossover.

The Terminator: Santa Claus is Coming to Town #1 llegará a tiendas el 3 de diciembre, y se perfila como uno de los lanzamientos más peculiares del año para fans de la saga y coleccionistas de rarezas. La cuenta atrás ha comenzado… Ho-ho-ho, I’ll be back.

¿The Elder Scrolls 6, Half-Life 3 o una simple expansión de Diablo 4? El críptico teaser de Geoff Keighley desata la locura en redes

bethesda prime video

Una imagen con esqueletos, puertas misteriosas y la frase “regal.inspiring.thickness” enciende las esperanzas de los gamers por el anuncio de Elder Scrolls 6 o Half-Life 3… y también sus miedos

Cuando se trata de crear hype sin decir una sola palabra clara, Geoff Keighley es un maestro del caos digital. A unos días de The Game Awards 2025, el presentador ha vuelto a soltar una de sus ya tradicionales bombas misteriosas: una imagen en redes sociales con una figura macabra y un texto críptico que ha hecho que los fans se monten películas más rápido que cualquier tráiler de Marvel.

La imagen en cuestión muestra lo que parece una especie de estatua demoníaca, con raíces, cadáveres y rostros animales retorciéndose sobre una puerta monumental. Lo acompaña un mensaje igual de desconcertante: “regal.inspiring.thickness”. Y claro, internet ha hecho lo que mejor sabe hacer: especular sin control.

El hype desatado

En cuestión de horas, los foros de Reddit, X (antes Twitter) y demás rincones del fandom ya estaban llenos de teorías. Algunos creen ver indicios de The Elder Scrolls 6 en los detalles de la estructura. Otros están convencidos de que se trata de God of War ambientado en Egipto. Y los más optimistas (o ilusos) incluso gritan por el regreso de Half-Life 3.

the elder scrolls 6

Un usuario desesperado escribió: “ELDER SCROLLS 6. POR EL AMOR DE DIOS, QUE SEA ELDER SCROLLS 6”. Otro bromeó diciendo: “Tiene tres lados. Confirmado: Half-Life 3”. Y por supuesto, no faltan quienes aseguran que es “Fallout: New Vegas 2”, “Bloodborne 2” o incluso Saros, una IP que nadie conoce pero que suena muy importante.

El caos ha sido tal que muchos han empezado a editar la imagen del teaser, añadiéndole números romanos, logos de Bethesda, cuernos de Kratos o incluso a G-Man escondido entre las sombras.

Pero como suele pasar con las ilusiones gamers, la realidad podría ser más mundana.

¿Y si solo es Diablo 4?

La teoría más lógica —y la que más rompe corazones— apunta a una simple expansión de Diablo 4. Algunos fans han comparado la estética del teaser con el diseño de demonios y escenarios de la última entrega del juego de Blizzard, y la cosa cuadra demasiado bien para ser casualidad.

¿The Elder Scrolls 6, Half-Life 3 o una simple expansión de Diablo 4? El críptico teaser de Geoff Keighley desata la locura en redes

Un tuit que se ha viralizado mostraba la imagen nocturna de la supuesta estatua, iluminada con un rojo infernal que recuerda bastante al infierno en Diablo 4. La conclusión es demoledora: “La estatua brilla por la noche. Todo apunta a una expansión de Diablo 4, no God of War. Los demonios coinciden con los diseños del juego”.

Vamos, que podríamos estar ante una estrategia de marketing para revelar el nuevo DLC del juego, con nuevas mazmorras, clases o villanos demoníacos. Muy emocionante si eres fan de Diablo, pero un jarro de agua fría si esperabas dragones o cuernos espartanos.

El factor Keighley, el arte de trollear con estilo

No sería la primera vez que Geoff Keighley juega al despiste y alimenta el hype con un teaser sin contexto. Lo ha hecho en ediciones anteriores, y siempre logra lo mismo: que millones de jugadores especulen, sufran… y finalmente aplaudan o se indignen en directo.

Half Life

La jugada es brillante. Si al final resulta ser The Elder Scrolls 6, se llevará el aplauso eterno. Si es Diablo 4, al menos todos habrán estado hablando del evento durante días. Y si no es ninguno, pues también se hablará. Keighley gana siempre.

The Game Awards 2025 se celebrará en breve y, como cada año, se espera una buena tanda de anuncios sorpresa. Entre los favoritos para aparecer están Clair Obscur: Expedition 33 (el más nominado de la historia del evento), Arc Raiders, y alguna que otra IP nueva que nadie vio venir.

Pero claro, si entre todos esos nombres suena el tema de Skyrim, o vemos a Kratos en un desierto con pirámides al fondo, internet va a estallar. Y si no… pues siempre nos quedará el DLC de Diablo 4, ¿no?