Lionsgate ha confirmado que la búsqueda de los protagonistas será a escala mundial, una decisión lógica teniendo en cuenta el fenómeno internacional en el que se convirtió la obra de Masashi Kishimoto. Por el momento, el estudio está centrado exclusivamente en encontrar a los intérpretes de los tres miembros principales del Team 7, mientras que el casting para el resto de personajes llegará en una fase posterior.
Destin Daniel Cretton fue el encargado de anunciar el inicio del casting a través de sus redes sociales. El cineasta no ocultó su entusiasmo por afrontar uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera, especialmente mientras ultima también el estreno de Spider-Man: Brand New Day, previsto para el 31 de julio.
El director explicó lo importante que resulta para él trabajar con una franquicia que ha marcado a varias generaciones. “Las historias de Kishimoto-sensei han inspirado a generaciones de fans en todo el mundo, y es un honor llevar su mundo y sus personajes por primera vez a la gran pantalla en imagen real. Estoy emocionado de iniciar esta búsqueda mundial para encontrar a nuestro Team 7 y dar vida al increíble universo de Naruto”, afirmó.
Kishimoto sigue ilusionado con la adaptación
Masashi Kishimoto también quiso compartir su entusiasmo por el avance del proyecto, algo especialmente significativo teniendo en cuenta la cautela con la que el autor ha hablado anteriormente sobre la película.
Además, Kishimoto confesó que espera con ilusión descubrir quiénes acabarán interpretando a sus personajes más emblemáticos. El mangaka confía en que el proceso de selección encuentre actores capaces de transmitir la pasión y la personalidad que hicieron tan especiales a los jóvenes ninjas de Konoha.
Un proyecto que llevaba años avanzando con extrema lentitud
La adaptación de Naruto fue anunciada hace ya varios años, pero desde entonces apenas habían trascendido novedades relevantes. Aunque Destin Daniel Cretton fue confirmado como director y Kishimoto expresó públicamente su confianza en él, el desarrollo permaneció prácticamente congelado durante bastante tiempo.
Este nuevo movimiento demuestra que Lionsgate ya está preparando seriamente la producción, situando la película en la fase de preproducción. Aún quedan muchos pasos por delante, desde la elección del reparto hasta el inicio del rodaje, pero el proyecto parece haber dejado atrás el prolongado periodo de incertidumbre.
Pocas franquicias han alcanzado el impacto cultural de Naruto. Desde que comenzó su publicación, la historia del joven ninja soñador ha conquistado a millones de lectores y espectadores en todo el planeta, convirtiéndose en uno de los grandes referentes del manga moderno.
Ahora, la búsqueda de Naruto, Sasuke y Sakura representa el primer gran paso para convertir ese universo en una superproducción de Hollywood. Todavía queda un largo camino antes de ver a los ninjas de la Villa Oculta de la Hoja en los cines, pero por primera vez en mucho tiempo la adaptación parece avanzar con decisión.
El origen de aquel que pasó a ser conocido como la ciudad de Gologolthia.
Aunque, desde el inicio de su andadura, el increíble Hulk le ha plantado cara a todo tipo de enemigos, que van desde humanos normales hasta los más variopintos villanos, actualmente tiene que vérselas con una gran cantidad de monstruos como la Primogénita Sally Barstow, de la que ya hablamos en su momento, al igual que hicimos con Jinni Dagaal, con Nephele, con Sumanguru, con Lycana, con Norgul y con Henry Lang, todos ellos relacionados con la Madre de los Horrores, que llegó a alzarse como el personaje más importante de todos aquellos relacionados con la Primógenita que hemos analizado en esta web.
No obstante, aunque a la Madre de los Horrores no se la ve físicamente hasta la aventura que lleva por título The Requiem Plain, Part Three, publicada en The Incredible Hulk nº 30 (2025), por obra de Phillip Kennedy Johnson y Nic Klein, el arco argumental actual de la cabecera del coloso esmeralda gira alrededor de su historia, ahora que el protagonista se ha convertido en el nuevo huésped de la Primogénita, de modo que resulta completamente lógico que dediquemos este artículo a continuar ahondando en la historia de la Madre de los Horrores, para llegar a detenernos en el origen de aquel que llegó a convertirse en la ciudad de Gologolthia.
Cuando La Tierra fue creada por Aquel Que Está Encima de Todo, también dio vida al Demiurgo con la intención de sembrarlo de vida. Sin embargo, la llegada de la Madre de los Horrores trajo consigo muchas criaturas con formas nada deseables y actos completamente inenarrables.
La diosa-meretriz Gea, amada por una raza de criaturas aladas conocida como El Coro de los Volantine, fue una de las pocas que no cayó ante la corrupción desatada por la Madre de los Horrores. Estos seres, de brillantes colores, vivían en los bosques iluminador por el Sol. Y llegaron a ascender tanto que parecían capaces de alcanzar las estrellas. Muchos de ellos tuvieron vidas muy largas sin que sus pies llegaran a tocar el suelo.
Sin embargo, Vinruviel, la Madre de los Horrores, quiso bendecir a los Volantine con su semilla de corrupción. Aunque lograron conservar su don de volar, este acto los convirtió también en excavadores, de largos colmillos y garras, mientras que los bosques fueron muriendo. En las raíces de los árboles se crearon túneles y madrigueras, con lo que, sobre sus propios huesos y vísceras, la colonia del Coro de los Volantine se convirtieron en la primera ciudad de la Tierra.
La Madre de los Horrores eligió a uno de ellos, lo bendijo con gran tamaño y fuerza y lo ordenó como protector de los suyos, bajo el nombre de Gologolthia (Guardián de mis hijos). Para cumplir con su deber, el nuevo campeón se posó sobre las ciudades con las alas siempre estiradas, ya que los Volantine habían desarrollado una preferencia por las sombras.
Cuando Aquel Que Está Encima de Todo se dio cuenta de lo que estaba sucediendo, ordenó que hubiera un apareamiento entre Gea y el Demiurgo para concebir el Demogorge, que debía encargarse de desbaratar todo lo que la Madre de los Horrores había desatado sobre la Tierra.
Era de esperar que los caminos del Demogorge y el Gologolthia se acabaran encontrando. Sin embargo, el hijo de Gea y el Demiurgo demostró ser muy superior y, después de una noche y un día de sangre, logró matar a su oponente.
Sin nadie para protegerla, el Demogorge se lanzó contra la ciudad, pero la encontró desierta, ya que el sacrificio de su protector les había dado tiempo a los Volantine para excavar aún más profundo, donde nunca podrían ser encontrados, lo que desató la furia del hijo de Gea y el Demiurgo, que arrasó todo lo que encontró en su camino e hizo pedazos el cadáver del Gologolthia hasta que no quedó nada de él.
Cuando cayó la noche y el Demogorge se hubo ido, los Volantine salieron de su escondite para ver su ciudad destruida. Sin embargo, la orden que la Madre de los Horrores le dio al Gologolthia de proteger a los suyos trascendía más allá de la muerte, de tal modo que su sangre se infiltró en la tierra, de la que surgieron torres levantadas a partir de la carne y los tendones del que había sido su protector, que se convertirían en el nuevo santuario de los Volantine.
Aunque los servidores de Aquel Que Está Encima de Todo regresaran para volver a arrasar la ciudad, siempre volvía a reconstruirse para proteger a sus habitantes, gracias a que el espíritu de Gologolthia continuaba vivo. Y es que siempre estará ahí para acoger a cualquier monstruo que precise santuario, con plena disposición de hacer frente a los hombres si alguna vez deciden atacarla.
Norma Editorial cierra Low, la epopeya submarina más hermosa y desesperada del cómic contemporáneo, con su segundo volumen en edición de lujo
Imagina un mundo donde el sol se ha vuelto un verdugo. La superficie de la Tierra es una llanura abrasada e inhabitable, y lo poco que queda de la humanidad lleva milenios escondido en el fondo del mar, dentro de ciudades de cristal que crujen bajo el peso del agua. Hay poca comida, menos aire y casi ninguna esperanza. En ese silencio azul y opresivo, una mujer se niega a rendirse. Esa es la imagen que ha definido esta saga desde su primera página, y ahora llega su capítulo final. La historia que Rick Remender y Greg Tocchini empezaron en las profundidades alcanza por fin la superficie en Low Volumen 2. Edición de lujo, el segundo y último tomo de gran formato que publica Norma Editorial.
Una luz al final del abismo
El planteamiento de Low es de esos que se clavan en la memoria. La raza humana huyó del sol moribundo hacia el océano y, durante generaciones, lanzó sondas al espacio con la esperanza de encontrar otro hogar entre las estrellas. Cuando una de esas sondas regresa, lo hace a una Tierra que ya no reconoce a sus hijos. En este volumen final solo queda en pie una gran ciudad submarina, Salus, y se está desmoronando por dentro. El hambre, la violencia y la corrupción han ido apagando la fe de sus habitantes uno a uno. Frente a todo eso se alza Stel Caine, una protagonista terca y luminosa que ha convertido el optimismo en una forma de rebeldía.
Lo fascinante de la obra es precisamente esa tensión. Remender ha contado en muchas entrevistas que Low nace de una pregunta muy personal, casi terapéutica. ¿Tiene sentido seguir teniendo esperanza cuando todo parece perdido? La saga no responde con eslóganes fáciles, sino que pone a sus personajes contra las cuerdas una y otra vez para ver si la fe sobrevive al golpe. Es ciencia ficción, sí, pero por debajo late una historia muy humana sobre la familia, el duelo y la voluntad de no dejarse arrastrar por la oscuridad. Sin entrar en terreno de spoilers, basta decir que este desenlace lleva esa idea hasta sus últimas consecuencias y le da a la travesía de los Caine el cierre emocional que merecía.
El guionista de las emociones extremas
A estas alturas, Rick Remender es uno de los nombres imprescindibles del cómic independiente estadounidense. Antes de dedicarse de lleno a las viñetas trabajó en la industria de la animación, en películas como El gigante de hierro, y esa sensibilidad por la imagen y el ritmo se nota en todo lo que escribe. Su carrera despegó con series como Fear Agent, y desde entonces ha firmado un catálogo de obras de autor que comparten una misma obsesión. La culpa, la redención y la familia aparecen una y otra vez, ya sea en la California ochentera y violenta de Clase letal o en los saltos dimensionales de Ciencia oscura. Si conoces alguna de esas series, reconocerás enseguida su voz.
El encargado de dar vida visual a este mundo es Greg Tocchini, dibujante brasileño nacido en São Paulo que ya había coincidido con Remender en la etapa de ambos en Marvel Comics. Tocchini no dibuja como casi nadie en el cómic mainstream. Su trazo es suelto, casi soñado, más cercano a la pintura que a la línea clara y limpia del tebeo de superhéroes. Lo acompaña al color Dave McCaig, un veterano premiado cuyo trabajo es clave para que todo funcione.
Un mar que se mira con los ojos abiertos
Y aquí conviene detenerse, porque el apartado visual es el gran tesoro de esta edición. Sin necesidad de tecnicismos, lo que cualquier lector percibe nada más abrir el tomo es una sensación de inmersión total. Tocchini y McCaig consiguen que sientas la presión del agua, el frío de las profundidades y, por contraste, el deslumbramiento de una superficie que los personajes apenas recuerdan. Los azules y verdes fríos de la ciudad submarina conviven con estallidos de luz y color cuando la historia asoma hacia el exterior, y ese juego no es solo bonito. Cuenta cosas. Refuerza la idea de un mundo agonizante donde la belleza y la esperanza luchan por abrirse paso.
El formato de gran tamaño de esta edición es, en ese sentido, casi una declaración de intenciones. Las páginas a doble plana, los grandes espacios abiertos y las composiciones más arriesgadas respiran muchísimo mejor en este tamaño que en una grapa convencional. Es un cómic pensado para mirar despacio, para dejarse llevar por la atmósfera tanto como por el guion. Hay viñetas que funcionan como cuadros, momentos en los que la narración se detiene y simplemente te invita a contemplar. Pocas obras recientes aprovechan tan bien la edición de lujo como esta.
Llegados al veredicto, la recomendación es clara. Low es una de las grandes obras de su autor y una de las propuestas de ciencia ficción más personales y conmovedoras del cómic reciente. Este segundo volumen cierra el círculo con una conclusión a la altura, y el formato de gran tamaño es la mejor manera posible de disfrutarlo. Si ya tienes el primer tomo, este es un cierre obligatorio. Y si todavía no conoces la saga, que sepas que tienes por delante un viaje hermoso, triste y luminoso a partes iguales, una historia sobre seguir mirando hacia la luz aunque todo a tu alrededor sea oscuridad.
Esta edición presentada por Norma Editorial viene en un formato de tapa dura (cartoné con sobrecubierta) con un tamaño de página de 20,5 x 31,3 cm. y contiene la traducción de los números 16 a 26 de la serie original Low, además de material extra con diseños, bocetos y guiones. El tomo contiene 352 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 59,50 € y se puso a la venta en junio de 2026.
Low Volumen 2. Edición de lujo
EL CIERRE DE LA FANTÁSTICA EPOPEYA SUBACUÁTICA DE REMENDER Y TOCCHINI
Hace milenios, la humanidad huyó de la superficie de la Tierra cobijándose en las oscuras profundidades marinas. Sin embargo, las metrópolis submarinas no estaban hechas para ser eternas y evitar perpetuamente la extinción humana, de modo que se lanzaron sondas al espacio para encontrar un nuevo planeta que habitar. Generaciones después, una de estas sondas ha regresado a la Tierra con la esperanza de un nuevo hogar, pero ya solo queda una gran ciudad submarina y está al borde del colapso. El hambre, la escasez de recursos, la violencia y la corrupción han mermado la fe de los habitantes de Salus, pero Stel Caine, obstinada y optimista, quiere luchar por reunir a su familia y encontrar el camino hacia las estrellas y la salvación.
Rick Remender (Clase letal, Ciencia oscura) y Greg Tocchini (The Last Days of American Crime) concluyen su gran saga subacuática en el segundo y último volumen en formato de lujo a gran tamaño.
Autores: Rick Remender, Greg Tocchini y Dave McCaig
No se trata de un cameo ni de una escena postcréditos. Tampoco de un personaje inesperado. La pista llega a través de la música. Cuando Nathan Summers acepta definitivamente su destino como Cable y consigue devolver a los X-Men a su tiempo, suena Purpose is Glorious, el tema compuesto por Natalie Holt para el desenlace de la segunda temporada de Loki.
Puede parecer un detalle menor, pero Marvel rara vez reutiliza una pieza musical de forma casual, especialmente cuando esa melodía está tan ligada a uno de los momentos más importantes del Multiverso.
En Loki, esa composición acompaña al Dios del Engaño cuando acepta sacrificar su libertad para convertirse en el guardián de todas las líneas temporales. En X-Men ’97, la música vuelve a sonar justo cuando Cable asume un destino muy parecido: proteger el futuro aunque eso implique enormes sacrificios personales.
La semejanza narrativa resulta demasiado evidente como para ignorarla.
Mucho más que un simple guiño para los fans
Marvel siempre ha destacado por conectar sus películas y series mediante referencias que, en ocasiones, tardan años en cobrar sentido. Desde pequeños objetos hasta frases aparentemente insignificantes, el estudio ha convertido los llamados easter eggs en parte de su identidad.
No sería la primera vez que un proyecto de animación sirve para adelantar acontecimientos que terminarán teniendo consecuencias en el cine de imagen real. Además, el propio Vigilante (Uatu) ya confirmó anteriormente que el universo de X-Men ’97 forma parte oficialmente del multiverso de Marvel, algo que abre la puerta a todo tipo de posibilidades.
Los X-Men que veremos quizá no sean los de Fox
Desde que Marvel confirmó el reparto de Avengers: Doomsday, existe una pregunta que todavía sigue sin respuesta. ¿Interpretarán James Marsden, Ian McKellen, Patrick Stewart o Alan Cumming exactamente a los mismos personajes que conocimos en las películas de Fox?
Cada vez aparecen más indicios de que la respuesta podría ser negativa.
Las primeras imágenes promocionales muestran a Cíclope con un uniforme azul y amarillo mucho más fiel a los cómics, alejándose completamente del cuero negro que caracterizó a la saga iniciada en el año 2000.
Algo parecido sucede con Bestia. La versión vista en la escena poscréditos de The Marvels apuesta por un aspecto completamente digital muy cercano al diseño clásico de los cómics y de la serie animada.
Estos cambios parecen demasiado importantes para ser simples modificaciones estéticas.
Una inspiración directa en X-Men ’97 tendría mucho sentido
Aquí es donde la teoría comienza a ganar fuerza.
En lugar de recuperar exactamente a los mutantes de Fox, Marvel podría estar utilizando a los mismos actores para interpretar versiones inspiradas directamente en X-Men ’97. De esta manera conservaría el enorme factor nostalgia del reparto clásico mientras ofrecería unas caracterizaciones mucho más próximas al material original.
Sería una solución elegante que permitiría aprovechar el enorme éxito de la serie de Disney+ sin quedar atrapados por la compleja historia cinematográfica anterior.
No sería extraño que estos héroes procedieran incluso de una realidad muy cercana a la Tierra-92131, el universo oficial donde transcurre X-Men ’97, compartiendo su estética colorida, su personalidad y su tono aventurero sin ser necesariamente exactamente los mismos personajes.
Marvel prepara el futuro mutante del MCU
Todo esto también encaja con los planes a largo plazo del estudio.
Marvel necesita introducir definitivamente a los X-Men dentro de la Tierra-616, el universo principal del MCU, pero hacerlo de forma gradual permitirá despedirse primero de las versiones clásicas antes de presentar un nuevo reparto completamente propio.
Avengers: Doomsday podría convertirse así en un puente perfecto entre varias generaciones de mutantes. Los veteranos servirían como homenaje a más de dos décadas de cine superheroico mientras preparan el terreno para la futura encarnación oficial de los X-Men en el Universo Cinematográfico de Marvel.
Si finalmente Marvel confirma esta conexión, no solo habría encontrado una brillante forma de unificar décadas de historias diferentes, sino también la manera perfecta de hacer que la transición hacia la nueva era mutante resulte mucho más natural para los fans.
El primero de los sets filtrados recibe el nombre de “Sentinel Battle” y parece inspirarse directamente en una de las secuencias que ya se habían insinuado gracias a anteriores filtraciones del rodaje. Según la información difundida por un conocido filtrador especializado en LEGO, el set incluye un enorme Centinela, la cabeza de otro Centinela derrotado y un amplio reparto de personajes formado por Doctor Doom, Thor, Mística, Mister Fantástico, Rondador Nocturno y Magneto.
La presencia del cartel de la Mansión X deja poco margen para las dudas. Todo apunta a que el escenario recrea la esperada batalla protagonizada por los X-Men contra los gigantescos robots cazamutantes, un enfrentamiento que lleva meses sonando como una de las piezas clave de la historia de Avengers: Doomsday. Si la filtración resulta acertada, supondría una nueva confirmación del importante papel que tendrán los mutantes en el gran evento cinematográfico de Marvel.
Un Quinjet que podría esconder una enorme sorpresa
Conviene mantener la cautela, ya que existe la posibilidad de que la información haya sufrido algún error durante la traducción o interpretación de los datos filtrados. Algunos aficionados consideran que podría tratarse realmente de un Quinjet de los New Avengers acompañado por U.S. Agent, un personaje que ya existe dentro del UCM y que encajaría mejor con una alineación más tradicional.
Aun así, el filtrador responsable de esta información cuenta con un historial bastante fiable en lo referente a productos de LEGO relacionados con Marvel. Por ese motivo, muchos seguidores consideran que esta posibilidad merece ser tomada en serio y podría estar adelantando uno de los grandes giros de la película.
¿Llegan por fin los Dark Avengers al UCM?
Si la filtración acaba siendo cierta, Avengers: Doomsday podría ser la puerta de entrada de los Dark Avengers al Universo Cinematográfico de Marvel. En los cómics, este grupo está formado por personajes que ocupan el lugar de los héroes clásicos, aunque con métodos mucho más oscuros y, en muchos casos, con identidades falsas o moralmente ambiguas.
Ahora, la aparición de un posible Capitán América de HYDRA en un set de LEGO ha devuelto esas teorías al primer plano. Teniendo en cuenta que el Multiverso será uno de los pilares de Avengers: Doomsday, la introducción de variantes heroicas con trayectorias completamente distintas encajaría perfectamente con la dirección que Marvel Studios lleva explorando desde hace varios años.
Las filtraciones de LEGO vuelven a alimentar el misterio
Por eso, aunque estas descripciones resultan especialmente sugerentes, todavía es imposible asegurar que todo lo incluido en los sets vaya a trasladarse directamente a la película. Marvel Studios mantiene un enorme secretismo alrededor de Avengers: Doomsday, y es probable que parte del contenido del merchandising también sirva para despistar a los seguidores.
Con la Comic-Con de San Diego a la vuelta de la esquina, la espera para salir de dudas será muy corta. Todo apunta a que Marvel aprovechará el evento para mostrar las primeras imágenes oficiales de una película llamada a redefinir el futuro del UCM tras la llegada del Doctor Doom interpretado por Robert Downey Jr.
Mientras tanto, esta nueva filtración no hace más que aumentar la expectación. Si los Dark Avengers terminan formando parte de la historia y un Capitán América de HYDRA aparece realmente en la gran pantalla, Avengers: Doomsday podría esconder muchas más sorpresas de las que los fans imaginaban.
El recuerdo de aquel declive sigue muy presente: cuando la serie superó las novelas de George R. R. Martin, el equilibrio narrativo empezó a desmoronarse, los personajes perdieron coherencia y la espectacularidad sustituyó a la profundidad. No fue un desastre absoluto, pero sí lo suficiente como para marcar un antes y un después en cómo se perciben este tipo de adaptaciones. Y ahora, con proyectos de fantasía cada vez más ambiciosos, ese precedente pesa más que nunca.
La clave del éxito de El Archivo de las Tormentas
Aquí es donde entra en juego El Archivo de las Tormentas, la mastodóntica saga de fantasía creada por Brandon Sanderson, que Apple TV está preparando como una de sus grandes apuestas futuras. Y lo curioso es que, en lugar de generar miedo, este proyecto transmite una sensación poco habitual: confianza.
El motivo principal no es solo la calidad de la obra original, sino la forma en la que se está planteando su adaptación, algo que marca una diferencia enorme respecto a otros casos similares. Sanderson no es precisamente un autor que deje a sus fans esperando durante décadas; su ritmo de publicación es constante y su planificación narrativa, casi quirúrgica.
Esa regularidad ya supone una ventaja evidente, pero no es la única. La adaptación llegará con bastante margen respecto al material publicado, lo que reduce enormemente el riesgo de que la serie tenga que improvisar su propio camino. Y si aun así surgiera algún problema, hay un recurso narrativo preparado para amortiguar el golpe.
Un salto temporal que puede salvar la serie
Uno de los elementos más interesantes de la saga es su estructura interna, ya que incluye un salto temporal importante entre ciertos libros, algo que, llevado a la televisión, podría convertirse en un salvavidas creativo. No es solo un recurso narrativo atractivo: es una herramienta estratégica.
Este salto permitiría detener la producción sin romper el ritmo de la historia, algo impensable en otras series de fantasía donde todo ocurre de forma continua. En un contexto donde los retrasos son cada vez más habituales en plataformas de streaming, contar con esa “válvula de escape” es prácticamente un lujo.
El propio Sanderson ha dejado caer que esta opción existe, aunque no sea la ideal. La idea sería evitar pausas largas entre temporadas, pero si la situación lo exige, ese hueco temporal dentro del universo serviría para mantener la coherencia narrativa sin sacrificar la experiencia del espectador.
Aprender de los errores del pasado
Comparar este proyecto con The Handmaid’s Tale o The Leftovers ayuda a entender por qué algunas adaptaciones sobreviven al material original y otras no. Estas series lograron continuar más allá de sus fuentes porque jugaban en terrenos más “realistas”, sin sistemas de magia complejos ni universos tan extensos que mantener.
En cambio, las grandes epopeyas fantásticas requieren una planificación mucho más sólida. Cada detalle del mundo, cada regla mágica y cada arco de personaje necesita coherencia, y eso es precisamente lo que faltó cuando Juego de Tronos se quedó sin guía literaria.
Aquí es donde Apple TV parece haber acertado de lleno: no solo han elegido una saga con una base sólida, sino que han construido un sistema de seguridad alrededor de ella.
Esto cambia por completo las reglas del juego. Incluso si la adaptación alcanzara a los libros, el autor seguiría teniendo el control del rumbo narrativo, algo que en el caso de Juego de Tronos se perdió por el camino. Tener acceso directo a la mente que creó el universo es, sencillamente, una ventaja enorme.
Además, Sanderson es conocido por su meticulosidad. No solo escribe historias, las diseña con una precisión casi matemática, lo que sugiere que ya tiene claro hacia dónde se dirige la saga, incluso en partes aún no publicadas. Esto permitiría que la serie avanzara sin perder su esencia.
Porque sí, no es la primera vez que Disney se mete en este terreno pantanoso. Sus remakes en acción real llevan años generando opiniones enfrentadas, con títulos que arrasan en taquilla frente a otros que se convierten en auténticos tropiezos. Y en ese contexto, cualquier cambio, por mínimo que parezca, se examina con lupa.
Lo curioso es que la polémica no tiene que ver con el casting ni con la historia… sino con colores. Las imágenes del set han mostrado que el reino de Corona abandona su icónica paleta púrpura y dorada para apostar por tonos azul y amarillo. Un detalle aparentemente menor, pero que ha sido suficiente para encender las redes.
Las reacciones no han tardado en llegar, y algunas han sido especialmente intensas. Desde comentarios exagerados pidiendo cancelar la película hasta críticas más moderadas que simplemente expresan preocupación por los cambios respecto al original. Para muchos fans, ese color no es solo estética: es identidad.
Cuando cambiar demasiado, o demasiado poco, nunca funciona
Aquí es donde Disney vuelve a encontrarse en un callejón sin salida que ya conocemos bien. Si replica el clásico plano por plano, se le acusa de falta de creatividad; si introduce cambios, aunque sean mínimos, se le critica por traicionar la esencia original.
Y este remake llega en un momento delicado para la compañía. Otros proyectos recientes como Blancanieves o Pinocho no han terminado de convencer, mientras que el live-action de Moana ya genera dudas antes de su estreno. En ese contexto, cualquier señal de “riesgo” se magnifica.
¿Una nueva identidad para Rapunzel?
Todo apunta a que este Enredados no será un calco exacto de la película de 2010. Cambiar la estética puede ser una pista de que Disney quiere construir una identidad propia para esta versión, algo que ya ha intentado en otros remakes con resultados dispares.
Pero claro, eso también abre la puerta a nuevas preocupaciones. Si cambian los colores… ¿qué más cambiarán? ¿La historia? ¿Los personajes? ¿El tono? Esas dudas son las que realmente están alimentando el debate.
Un reparto potente para una historia muy conocida
Mientras tanto, el reparto sigue generando interés entre los fans. Teagan Croft tomará el relevo como Rapunzel, acompañada por Milo Manheim como Flynn Rider, una pareja que tendrá que convencer a quienes crecieron con la versión animada.
El resto del casting tampoco se queda atrás.Kathryn Hahn interpretará a Madre Gothel, mientras que Diego Luna se suma al proyecto en un papel todavía desconocido. Además, Caitríona Balfe dará vida a la madre de Rapunzel, un personaje prácticamente inexistente en la cinta original.
Detrás de las cámaras también hay nombres importantes
En la dirección encontramos a Michael Gracey, conocido por The Greatest Showman, lo que ya deja entrever que la película podría apostar fuerte por el espectáculo visual y musical. Por su parte, el guion corre a cargo de Jennifer Kaytin Robinson, que ya ha trabajado con Marvel.
A esto se suma la producción de Kristin Burr, vinculada a proyectos como Cruella, lo que refuerza la idea de que Disney quiere darle un enfoque con personalidad propia, más allá de una simple recreación.
Una historia que todos conocemos, pero no exactamente igual
Para quienes necesiten refrescar la memoria,Enredados nos presenta a Rapunzel, una joven encerrada en una torre con una melena mágica de más de 20 metros. Su encuentro con el carismático ladrón Flynn Rider desencadena una aventura que mezcla humor, romance y libertad.
Ese corazón narrativo probablemente se mantendrá intacto, pero la gran incógnita está en cómo se reinterpretará. Porque adaptar una historia tan querida implica caminar sobre una cuerda floja constante.
Porque sí, Marvel ya tiene guionista para Nova, y no es precisamente una elección neutra. De esas que pasan desapercibidas. Más bien todo lo contrario: es una de esas jugadas que reabre viejos debates entre fans y que puede marcar el tono de la serie desde el minuto uno.
Michael Waldron se pone al mando de Nova
El nombre en cuestión es Michael Waldron, un perfil que a estas alturas ya es más que conocido dentro del universo Marvel. Según el registro del Writers Guild of America West, el guionista aparece vinculado a la serie de Nova dentro de la temporada televisiva 2026-2027, catalogada además como drama. Un detalle que ya apunta a un enfoque más serio y ambicioso de lo que algunos podrían esperar.
Waldron no es un recién llegado. Fue el cerebro detrás de Loki, una de las series más aplaudidas de Disney+, y también firmó el guion de Doctor Strange en el multiverso de la locura. Además, Marvel ha confiado en él para proyectos clave como Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars, lo que deja claro que el estudio lo considera una pieza estratégica dentro de su maquinaria creativa.
Un fichaje que reabre heridas entre los fans
Pero claro, no todo el mundo celebra su incorporación. Y aquí es donde entra el factor polémico. Waldron forma parte de esa generación de guionistas que Marvel reclutó desde la órbita de Rick & Morty, una decisión que en su momento dividió bastante a la comunidad.
Algunos fans siguen viendo esa etapa con recelo, asociándola a un estilo más caótico o irregular en ciertos proyectos del MCU. La llegada de Waldron a Nova vuelve a poner sobre la mesa ese debate, especialmente entre quienes buscan un enfoque más clásico o fiel al tono cósmico del personaje.
Aun así, hay otra cara de la moneda. Su trabajo en Loki demostró que puede manejar conceptos complejos y narrativas ambiciosas sin perder el control. Si algo necesita Nova, es precisamente una visión sólida para explorar el lado cósmico del MCU, un terreno que Marvel todavía está redefiniendo tras el cierre de la Saga del Infinito.
La larga travesía de Nova hasta Disney+
Lo cierto es que este proyecto ha tenido un camino bastante accidentado. Kevin Feige ya hablaba del potencial inmediato del personaje en 2018, dejando claro que Nova era una prioridad futura. Sin embargo, el desarrollo ha ido dando tumbos durante años.
En 2022, el guionista Sabir Pirzada (conocido por Moon Knight) se sumó al proyecto, pero más tarde se confirmó que la idea evolucionaría hacia una serie para Disney+. Poco después, en 2024, Feige aclaró que el protagonista sería Richard Rider, la versión más icónica del personaje en los cómics.
Cambios, pausas y un regreso inesperado
Cuando parecía que todo avanzaba, llegó otro giro inesperado. Ed Bernero asumió el rol de showrunner tras sustituir a Pirzada, pero en febrero de 2025 el proyecto se detuvo en seco. Marvel decidió pausar varias series en desarrollo, y Nova fue una de las afectadas.
Ese parón generó dudas sobre si la serie acabaría viendo la luz. Sin embargo, la reciente inclusión de Waldron en los registros oficiales sugiere que el proyecto ha vuelto a ponerse en marcha, algo que muchos fans ya daban por perdido.
El futuro cósmico del MCU pasa por Nova
Ahora mismo, la gran pregunta no es solo cuándo llegará Nova, sino qué tipo de serie vamos a ver. El personaje tiene potencial para convertirse en uno de los pilares del lado cósmico del MCU, especialmente tras la salida de figuras clave como los Guardianes de la Galaxia.
Al final, todo se reduce a lo mismo: riesgo frente a seguridad. Marvel podría haber optado por un perfil más conservador, pero ha decidido confiar en alguien que ya ha demostrado ser capaz de jugar en las grandes ligas del MCU.
¿Dividirá a los fans? Probablemente. ¿Puede salir algo muy interesante de aquí? También. Y si algo ha demostrado Marvel a lo largo de los años es que, cuando se la juega, a veces acierta de lleno.
Ahora ya no hay lugar para dudas: la adaptación televisiva está oficialmente cancelada, y lo más curioso es que no ha sido por falta de interés, sino por algo mucho más complicado de resolver.
Cuando Hulu anunció en 2019 que adaptaría la obra de Douglas Adams, muchos fans pensaron que por fin se haría justicia a una historia que siempre ha tenido fama de “inadaptable”. El proyecto contaba con nombres potentes como Carlton Cuse y Jason Fuchs, lo que daba cierta confianza en que esta vez sí podría funcionar.
Pero la realidad ha sido mucho más caótica. A lo largo de los años se sucedieron rumores contradictorios, desde renovaciones tempranas hasta pausas en producción que hacían saltar las alarmas. Y al final, todo ese ruido ha desembocado en una conclusión bastante clara: el proyecto nunca terminó de encontrar su forma.
El propio Cuse ha sido directo al hablar del tema. “Ya no estoy trabajando en ello”, confesó, dejando claro que su implicación quedó atrás hace tiempo. Lo más llamativo es que no lo dice desde el desinterés, sino justo lo contrario: siempre ha considerado la novela como una de sus favoritas.
Una historia brillante, pero indomable
Aquí está el verdadero problema. No es que faltaran ganas, es que la historia se resistía a ser adaptada. Según explicó el showrunner, ni él ni el equipo de guionistas lograron dar con una manera de trasladarla a un formato televisivo moderno.
Y tiene sentido. La estructura de la obra original es todo menos convencional: saltos constantes, humor absurdo, fragmentos que parecen sacados de una enciclopedia ficticia y una narrativa que se mueve sin seguir reglas tradicionales. Todo eso funciona de maravilla en papel, pero en pantalla es otro cantar.
Cuse lo resumió de forma bastante honesta: es “una historia increíblemente difícil de descifrar” para televisión. Aun así, también dejó claro que el intento mereció la pena. Trabajar en ese universo, aunque no llegara a materializarse, fue una experiencia creativa muy disfrutable.
Aun así, ha habido intentos. La serie de la BBC en 1981 logró captar parte de su esencia, en gran medida gracias a la implicación de figuras cercanas al autor. Lo mismo ocurrió con la película de 2005 protagonizada por Martin Freeman, que contó con el propio Adams en el guion antes de su fallecimiento.
Estos ejemplos demuestran algo importante: cuando la obra original tiene voz en la adaptación, el resultado suele ser más fiel y coherente. Sin esa guía, el material puede volverse demasiado caótico para el lenguaje audiovisual.
¿Fin definitivo o pausa temporal?
Aunque Hulu ha cerrado esta etapa, eso no significa que la historia haya dicho su última palabra. En los últimos años, otras obras consideradas “inadaptables” han demostrado lo contrario, como Foundation o Dune, que han encontrado formas de trasladar universos complejos a la pantalla.
Eso deja una puerta abierta. Puede que simplemente no fuera el momento adecuado, o el enfoque correcto, pero la industria ha demostrado que, con la visión adecuada, incluso las historias más complicadas pueden encontrar su sitio.
Por ahora, eso sí, los fans tendrán que conformarse con revisitar los libros o las adaptaciones anteriores. La guía del autoestopista galáctico sigue siendo tan fascinante como siempre… solo que, de momento, seguirá viajando sin serie propia en streaming.
Norma Editorial galopa hasta el corazón más oscuro del salvaje oeste con La madre de los hermanos Blood, el western más feroz y hermoso del tándem de 100 balas
Hay polvo en todas partes. En la boca, en los ojos, en la memoria de un padre que ya no respira. El viejo oeste norteamericano nunca fue aquel lugar luminoso de sombreros blancos y duelos limpios al mediodía, y hay autores que llevan toda una carrera recordándonoslo. Tres críos cruzan la frontera de Texas detrás de su madre, arrancada de casa por hombres que desconocen la palabra piedad, y a cada milla descubren que la inocencia se paga cara y que la venganza, por dulce que parezca vista de lejos, siempre deja un regusto amargo. Esa travesía sin retorno, escrita con la misma tinta negra con la que se firman las grandes tragedias, es la que rescata Norma Editorial en La madre de los hermanos Blood.
Tres niños y un desierto que no perdona
La historia arranca, tras un pequeño prólogo, con una muerte y una ausencia. El predicador del pueblo es asesinado, su esposa desaparece y los tres hermanos hijos de esta se quedan solos frente a un horizonte que no promete nada bueno. En lugar de esperar a que alguien venga a salvarlos, deciden ir ellos mismos a por ella, y ahí empieza un viaje que tiene tanto de aventura como de descenso a los infiernos. Lo que parecía una sencilla misión de rescate se va abriendo poco a poco hasta convertirse en un retrato de lo peor y lo mejor del ser humano. Por el camino, los chavales se cruzan con cuatreros, cazadores de recompensas, colonos, buscadores de oro y gente difícil de encasillar en el bando de los buenos o de los malos. También con la cara fea de una época en la que quienes se vendían como portadores de la civilización fueron, en realidad, los invasores que masacraron a los pueblos nativos. No conviene contar mucho más, porque buena parte del placer de leer esta obra está en descubrir hasta dónde son capaces de llegar estos niños y cuánta de su inocencia quedará enterrada en la arena. Basta decir que la búsqueda de la madre es solo el hilo del que cuelga un tapiz enorme, sucio y honesto, y que cada personaje que aparece esconde una historia capaz de llevarse un cómic entero para él solo.
La pareja que aprendió a matar en la ciudad
Para entender por qué este western pega tan fuerte hay que mirar de dónde vienen sus autores. Brian Azzarello (Cleveland, 1962) y Eduardo Risso (Leones, Argentina, 1959) llevan más de dos décadas firmando historias juntos, y todas comparten un mismo ADN. Risso se había curtido en su país y en Europa antes de dar el salto al mercado estadounidense, y fue al unir fuerzas con Azzarello cuando los dos se consagraron de golpe. Lo hicieron con 100 balas, aquella serie del sello Vertigo de DC Comics que se llevó un premio Eisner y que convirtió un noir urbano de maletines y venganzas en uno de los grandes clásicos modernos del cómic. Después llegaron historias del Hombre Murciélago como Batman: Ciudad rota, la ciencia ficción de Spaceman y, sobre todo, Moonshine, aquel cruce de gánsteres y terror que publicó Image Comics.
En todas esas obras se repiten las mismas obsesiones. Personajes que nunca son del todo buenos ni del todo malos, diálogos cortantes que dicen menos de lo que esconden, secundarios que parecen de paso y acaban siendo claves, y una violencia que estalla de repente, sin avisar, como en la vida real. Lo fascinante de La madre de los hermanos Blood es ver cómo todo ese bagaje urbano se traslada ahora al desierto. La pregunta que latía en 100 balas, eso de si la venganza es capaz de llenar el vacío que deja una pérdida, vuelve a sonar aquí, solo que a lomos de un caballo y bajo un sol de justicia. La conspiración de la gran ciudad se cambia por la inmensidad vacía de la frontera, pero el latido es el mismo. Si os gustó cómo el dúo le dio una vuelta de tuerca al cine de gánsteres en Moonshine, aquí encontraréis ese mismo gesto aplicado a las películas de vaqueros, con el añadido de que esta vez los protagonistas son tres niños y eso lo vuelve todo aún más demoledor.
Acuarelas que huelen a sangre y a sol
Y luego está el dibujo, que es media obra. Risso siempre ha sido un maestro de las luces y las sombras, capaz de meterte en un callejón oscuro con cuatro trazos, y aquí coge todo ese talento y lo saca al aire libre. El resultado es deslumbrante. Sus paisajes enormes y vacíos, sus rostros marcados por el sol y la mala vida, su forma de narrar la acción con calma para que el golpe llegue más fuerte cuando tenga que llegar. La gran novedad es el color, que firma él mismo a base de acuarelas cálidas que contrastan con la dureza de lo que cuentan, de modo que la belleza y el horror conviven en la misma viñeta sin pedirse permiso. Es ese contraste el que convierte la lectura en algo casi físico, porque uno disfruta del paisaje al mismo tiempo que aprieta los dientes. No es casualidad que el argentino se llevara un Eisner precisamente por este trabajo, y se nota que está en uno de los mejores momentos de su carrera. La edición española cuenta además con la traducción de Hernán Migoya, que mantiene el tono seco y directo del original sin suavizar nada.
La madre de los hermanos Blood no es un cómic para todo el mundo. Hay violencia explícita y secuencias muy duras que pueden incomodar a más de uno, así que conviene saberlo antes de abrirlo. Pero quien busque un western adulto, hermoso y despiadado, de esos que se quedan dentro mucho después de cerrar la última página, tiene aquí una de las cumbres recientes de Azzarello y una nueva prueba de que, cuando él y Risso se juntan, el cómic se convierte en algo grande. Una historia sobre la familia, la pérdida y el precio de la sangre que confirma que el viejo oeste, contado por las personas adecuadas, todavía tiene muchísimo que decir.
Esta edición presentada por Norma Editorial viene en un formato de tapa dura (cartoné) con un tamaño de página de 21,5 x 27,5 cm. y contiene la traducción de los números 1 a 4 de la serie original The Blood Brothers Mother, publicada en Estados Unidos por DSTLRY. El tomo contiene 224 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 36 € y se puso a la venta en mayo de 2026.
La madre de los hermanos Blood
UN VIOLENTO WÉSTERN DE DOS MAESTROS DEL GÉNERO NEGRO EN CÓMIC
Tres niños emprenden un viaje a través de la salvaje frontera texana para rescatar a su madre, raptada por unos crueles forajidos tras eliminar a balazos a su padre, de oficio predicador. Durante su accidentado periplo, afrontarán los elementos hostiles de un paisaje despiadado, peligrosos animales sedientos de sangre, cazadores de recompensas sin compasión… y mucho más. Un alto precio a pagar en su búsqueda incansable por salvar lo poco que queda en pie de su familia.
Un trepidante wéstern en la tradición de Meridiano de sangre de Cormac McCarthy y Centauros del desierto de John Ford, La madre de los hermanos Blood te dejará sin aliento ¡hasta su última página!
El legendario tándem responsable de la esencial serie de género negro 100 balas se reúne de nuevo en esta aventura implacable de brutalidad y supervivencia en el viejo oeste norteamericano.
