El final perdido de My Name Is Earl que los fans aún sueñan con ver

La sitcom que terminó en cliffhanger y dejó a sus seguidores con una espinita clavada

Han pasado 16 años desde que My Name Is Earl desapareció de la parrilla televisiva, pero su ausencia todavía pesa entre los que disfrutaron de aquella comedia disparatada sobre el karma, las segundas oportunidades y las meteduras de pata. Ahora, gracias a la nostalgia y al streaming, la serie ha vuelto a colocarse en lo alto de los rankings, con un regreso silencioso que la ha puesto por delante incluso de gigantes como South Park o Better Call Saul.

Lo curioso es que este revival de popularidad no viene acompañado de un cierre real, porque la historia de Earl Hickey quedó en pausa de la forma más frustrante posible: con un “To be continued” que jamás se cumplió.

El secreto de un final nunca contado

En una sesión de preguntas y respuestas en Reddit, su creador Greg Garcia confesó lo que nunca llegó a mostrarse en pantalla. La idea no era que Earl completara su lista de malas acciones, sino algo mucho más redondo: descubrir que su empeño había inspirado a otras personas a crear listas propias, generando un efecto dominó de buenas obras.

Según Garcia, el plan era que Earl se encontrara con alguien que también tenía una lista… ¡y él mismo aparecía en ella! Esa revelación sería el detonante para que Earl comprendiera que había sembrado más bien que mal en el mundo, permitiéndole romper su lista y caminar hacia el atardecer libre de deudas kármicas. Un final poético, con una mezcla de humor y ternura que encajaba perfectamente con el espíritu de la serie.

Un cliffhanger con trampa

El golpe bajo llegó en la cuarta temporada, cuando la serie parecía recuperada tras un tropiezo creativo en la tercera. El descubrimiento de la verdadera paternidad de los hijos de Joy dejó a los fans pegados al televisor, solo para ver cómo la pantalla se fundía en negro prometiendo una continuación que nunca ocurrió.

My Name Is Earl

NBC había asegurado a Garcia que era seguro cerrar así el año, pero la cancelación inmediata dejó a los espectadores con una duda eterna. Y aunque el creador jugó a guiñar el ojo a los seguidores en su posterior comedia Raising Hope, confirmando en una línea que Earl tuvo su final feliz, lo cierto es que el hueco de aquel desenlace perdido sigue pesando.

El legado de Earl Hickey

Más allá del chasco, My Name Is Earl se mantiene como una sitcom de culto, gracias a su premisa tan sencilla como brillante: un perdedor redimido que intenta arreglar sus errores uno a uno. Jason Lee se ganó a la audiencia con su carisma torpón, mientras que el reparto secundario, con Ethan Suplee o Jamie Pressly, convirtió cada episodio en un desfile de personajes memorables.

El hecho de que la serie acumule un 89% de aprobación del público en Rotten Tomatoes no es casualidad. La mezcla de humor absurdo con toques de mensaje moral consiguió algo que pocas comedias logran: mantenerse fresca incluso más de una década después.

El final perdido de My Name Is Earl que los fans aún sueñan con ver

¿Es posible un regreso?

En estos tiempos de revivals y segundas oportunidades, la pregunta es inevitable: ¿podría My Name Is Earl volver con un cierre digno? Aunque ni NBC ni Garcia han mostrado planes oficiales, los fans no pierden la esperanza. Plataformas como Hulu, que ya la incluyen en su catálogo, podrían ser el espacio perfecto para un capítulo especial o incluso una miniserie que repare aquella deuda pendiente.

El éxito de series rescatadas como Futurama o Community demuestra que nunca hay que dar nada por imposible. Si algo nos enseñó Earl, es que siempre hay tiempo para arreglar los errores del pasado.

El regreso más surrealista, Fionna y Cake preparan lío en su temporada 2

La cazadora más misteriosa se une a la pareja más caótica del multiverso animado

No hay multiverso seguro cuando Fionna y Cake están cerca. Tras una primera temporada que conquistó a crítica y fans —y que alcanzó un 100% en Rotten Tomatoes— la serie de Max prepara su segunda tanda de episodios con una sorpresa que ya está dando que hablar: Huntress Wizard, uno de los personajes más queridos de la serie original Adventure Time, se convertirá en la nueva “tercera rueda” de este dúo.

La noticia ha llegado junto a las primeras imágenes, publicadas por Cartoon Network, que muestran a la misteriosa hechicera del bosque interactuando con nuestras protagonistas. Esto confirma que el showrunner Adam Muto no tiene intención de bajar el listón de rarezas y que el mundo de Fionna será el epicentro de esta nueva etapa.

Adventure Time: Fionna y Cake temporada 2

En lugar de saltar constantemente entre dimensiones, esta vez la trama centrará buena parte de sus aventuras en el universo original de Fionna. Según Muto, la idea era “hacerlo más normal”, aunque rápidamente matizó que lo extraño forma parte del ADN de Adventure Time, así que lo de normal… será relativo.

Un regreso que juega con la nostalgia

Para quienes no vieron la primera temporada, Adventure Time: Fionna y Cake se ambienta años después de la serie principal. La historia sigue a Fionna, una versión humana alternativa de Finn, viviendo en un mundo similar al nuestro hasta que un giro multiversal la arrastra a una misión de proporciones épicas. Junto a ella viaja Simon Petrikov —el antiguo Rey Hielo— y, por supuesto, Cake, la gata parlante con más carácter de la animación reciente.

En sus viajes por el multiverso, la serie consiguió algo que muchos spin-offs fracasan en lograr: mantener la esencia del original mientras exploraba tramas y escenarios nuevos. Por eso su éxito fue inmediato, con una legión de seguidores pidiendo más en cuanto terminó.

Huntress Wizard, la incógnita del bosque

La incorporación de Huntress Wizard no es un simple guiño para fans veteranos. En la serie original, este personaje se caracterizaba por su conexión con la magia natural y una personalidad tan críptica como encantadora. Su presencia en la trama podría significar nuevas líneas argumentales vinculadas a la naturaleza, la magia y, quizá, los viejos conflictos de Ooo.

Aunque Adam Muto no ha revelado detalles concretos, las primeras imágenes la muestran junto a Fionna y Cake en escenarios que parecen una mezcla de lo urbano y lo salvaje, lo que podría abrir la puerta a una fusión estética muy atractiva para la animación.

Fionna y Cake

Más allá de las apariencias

El cambio de enfoque hacia el mundo de Fionna plantea un reto narrativo interesante. En la temporada anterior, el salto entre universos permitía sorprender constantemente con reglas, paisajes y culturas diferentes. Ahora, con un marco más “estable”, el reto será sacar partido a la construcción de personajes y a la tensión interna del grupo.

Que Huntress Wizard actúe como tercera integrante añade una dinámica que puede alterar la química entre Fionna y Cake. ¿Será aliada, rival o algo intermedio? Esa ambigüedad es perfecta para mantener el interés episodio a episodio.

Un legado que sigue creciendo

Desde su debut en 2010, Adventure Time ha influido en toda una generación de series animadas, y su spin-off ha demostrado que aún hay mucho por contar. Max y Warner Bros. Animation parecen decididos a seguir explotando ese universo con tramas que combinan humor absurdo, acción y un trasfondo emocional que sorprende por su madurez.

La elección de mantener la producción en manos del mismo equipo creativo, incluido Adam Muto, asegura que el tono y la estética sigan siendo coherentes. Además, el hecho de que la producción de esta segunda temporada se completase a principios de verano indica que el estreno podría anunciarse en cualquier momento.

Fionna y Cake

Expectativas por las nubes

Los fans ya especulan sobre cameos y posibles conexiones con otros personajes del universo original, como Marceline o la Princesa Chicle. Sin embargo, Muto ha dejado claro que el objetivo es darle identidad propia a esta etapa, explorando en profundidad el entorno y la historia personal de Fionna.

Esto no significa que los guiños y referencias vayan a desaparecer; de hecho, parte del encanto de la serie está en esos pequeños detalles que recompensan a quienes llevan años siguiendo el mundo de Ooo.

A la espera de fecha de estreno

Aunque todavía no se ha confirmado el día exacto del regreso, todo apunta a que la espera no será larga. Con la producción ya finalizada y las primeras imágenes en circulación, es probable que Max anuncie la fecha en las próximas semanas.

Hasta entonces, queda claro que Adventure Time: Fionna y Cake volverá con el mismo espíritu irreverente que la hizo destacar, pero con nuevos matices y una integrante que podría cambiarlo todo.

La serie live-action de Tomb Raider vuelve a retrasarse por Amazon

La adaptación de Phoebe Waller-Bridge no llegará tan pronto como esperaban los fans

Cuando parecía que el camino por fin se despejaba para la serie de acción real de Tomb Raider, Amazon MGM Studios vuelve a frenar en seco. El proyecto, anunciado a bombo y platillo en 2023 y con Phoebe Waller-Bridge como principal impulsora, acumula ya varios retrasos que empiezan a impacientar a los seguidores de Lara Croft.

Según Production Weekly, el rodaje no arrancará hasta el primer trimestre de 2026, lo que supone un nuevo aplazamiento respecto a los planes iniciales. El retraso llega tras meses de rumores sobre posibles problemas creativos en el guion, algo que ya había frenado la producción anteriormente.

Serie live-action de Tomb Raider

En noviembre de 2024, incluso se habló de que Sophie Turner (Juego de tronos) estaba en negociaciones para dar vida a la icónica arqueóloga, aunque el estudio nunca llegó a confirmar el fichaje oficialmente. Del argumento se sabe poco más allá de que será una aventura global repleta de acción, fiel al espíritu del videojuego de Crystal Dynamics, con localizaciones exóticas, tumbas imposibles y misterios ancestrales.

Este nuevo proyecto se sumaría a la lista de adaptaciones previas: desde las películas protagonizadas por Angelina Jolie en los 2000, que cimentaron la imagen de Lara Croft como un icono del cine de acción, hasta el reboot de 2018 con Alicia Vikander, que optó por un enfoque más realista e inspirado en los videojuegos más recientes de la saga.

Una franquicia con historia

El fenómeno Tomb Raider nació en 1996, cuando Core Design lanzó el primer videojuego para Sega Saturn, PlayStation y PC. Lara Croft, con su característico look de trenzas, pistolas gemelas y actitud intrépida, se convirtió en uno de los personajes más reconocibles de la cultura pop. No solo fue pionera como protagonista femenina en un género dominado por héroes masculinos, sino que también marcó tendencias en la forma de narrar aventuras interactivas.

A lo largo de casi tres décadas, la saga ha vendido más de 95 millones de copias en todo el mundo y ha pasado por múltiples reinicios, cada uno adaptado a la tecnología y sensibilidad de su época. De ahí que cada intento de trasladar a Lara a la pantalla —ya sea grande o pequeña— venga acompañado de la presión de estar a la altura de una leyenda del videojuego.

Tomb Raider

El reto del formato serie

A diferencia de las películas, el formato televisivo podría ser la oportunidad perfecta para explorar en mayor profundidad la personalidad y evolución de Lara Croft, así como dedicar tiempo a tramas secundarias, relaciones y desarrollo de antagonistas. Además, permitiría adaptar historias más largas y complejas sin las limitaciones de dos horas de metraje.

El reto, por supuesto, estará en encontrar el equilibrio entre la espectacularidad de las secuencias de acción y la construcción de un relato sólido y coherente. No se trata solo de recrear saltos imposibles o tiroteos en ruinas mayas, sino de ofrecer algo que se sienta fresco para los veteranos de la saga y a la vez accesible para nuevos espectadores.

Phoebe Waller-Bridge, la pieza clave

La implicación de Phoebe Waller-Bridge —creadora de Fleabag y guionista en Indiana Jones y el Dial del Destino— ha generado grandes expectativas. Su estilo narrativo combina diálogos afilados, personajes complejos y un equilibrio entre drama y humor que podría aportar una visión renovada a la franquicia.

Ella misma ha confesado lo personal que es este proyecto: “Tomb Raider ha sido una parte enorme de mi vida y me siento increíblemente privilegiada de llevarla a televisión. Lara Croft significa mucho para mí, como para muchos otros, y no puedo esperar para vivir esta aventura”. Una declaración que, sin duda, transmite la pasión que puede marcar la diferencia en el resultado final.

Tomb Raider

Un retraso que enfría la expectación

Que la serie se vaya a 2026 no significa que esté en peligro, pero sí obliga a los fans a armarse de paciencia. Este tipo de retrasos suelen deberse a factores como reescrituras de guion, ajustes de presupuesto, cambios en la agenda de rodaje o decisiones estratégicas del estudio. Amazon MGM Studios, que busca reforzar su catálogo de producciones originales, parece querer asegurarse de que la serie llegue con la calidad necesaria para competir en el saturado mercado del streaming.

Entre la nostalgia y la reinvención

Mientras llega la serie, muchos seguidores aprovechan para revisitar los videojuegos clásicos o las películas anteriores. La nostalgia juega un papel importante en este tipo de adaptaciones, pero también lo hace la necesidad de reinventar a Lara Croft para una nueva generación. El reto de Waller-Bridge y su equipo será precisamente unir esos dos mundos: el de los que conocieron a Lara en los 90 y el de quienes la descubrieron en las entregas modernas.

Si todo sale bien, la espera podría valer la pena. Una Lara Croft televisiva con tramas bien desarrolladas, personajes memorables y acción de alto nivel podría convertirse en uno de los grandes éxitos de Amazon. Hasta entonces, habrá que seguir explorando ruinas virtuales… y cruzar los dedos para que 2026 sea, por fin, el año de su regreso.

James Gunn explica la estrategia detrás del rápido salto de Superman al formato digital

El director de DC Studios revela que la breve ventana en cines de Superman responde a su conexión directa con la nueva temporada de Peacemaker

El codirector ejecutivo de DC Studios, James Gunn, reveló que la cinta del DCU llegó a formato digital apenas un mes después de su estreno el 11 de julio debido a la planificación de Peacemaker temporada 2.

“Es muy complicado, pero la verdad es que es por Peacemaker. Originalmente pensé que se estrenaría el mes que viene. Había muchas cosas que escapaban a nuestro control… quería que todos los que quisieran pudieran ver Superman, incluso quienes no pudieron ir al cine antes de Peacemaker. Y esa es realmente la razón”, explicó a Screen Rant.

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Gunn recordó que, aunque el Universo DC es “en gran parte autónomo”, habrá conexiones narrativas: “La segunda temporada de Peacemaker está muy conectada con Superman. Es una parte importante; sin duda, Superman nos lleva directamente a Peacemaker”.

La temporada 2 de Peacemaker se estrena el 21 de agosto, mientras que la primera película del DCU ya está disponible en digital.

Marvel Zombies llega antes de lo previsto a Disney+ con una dosis extra de caos

Marvel Zombies

Marvel Zombies se presenta con un estreno adelantado y lleno de sorpresas que promete revolucionar la versión más macabra del MCU

Marvel Zombies llega antes de lo previsto a Disney+ con una dosis extra de caos

Los muertos vivientes han decidido no esperar más. Marvel Zombies, la esperada serie animada de Marvel Studios para Disney+, ha movido ficha y aterrizará en nuestras pantallas antes de lo que cualquiera imaginaba. En un giro inesperado, el lanzamiento se adelanta del 3 de octubre al 24 de septiembre de 2025, una semana que para los fans puede parecer una eternidad… pero en sentido inverso: ¡la espera será más corta!

Un anuncio que pone a temblar a los fans

El anuncio llega acompañado de una confirmación que ha hecho sonreír (y temblar) a los seguidores del Universo Cinematográfico de Marvel: todos los episodios estarán disponibles desde el primer día. Nada de morderse las uñas capítulo a capítulo; aquí se viene a devorar la serie de un bocado… como haría cualquier zombi que se precie.

En esta historia alternativa, los héroes del MCU se enfrentan a un enemigo mucho más peligroso que Thanos: un virus que convierte a los más poderosos en depredadores hambrientos. Lejos de las clásicas historias de superhéroes, aquí no hay tiempo para discursos heroicos ni planes a largo plazo. El apocalipsis ha llegado, y los supervivientes deberán pelear cada segundo para mantenerse con vida.

Un reparto de lujo para un mundo en ruinas

El proyecto cuenta con un elenco de voces impresionante que trae de vuelta a caras muy queridas por el público marvelita. Awkwafina retoma su papel como Katey, David Harbour vuelve a enfundarse el traje del Red Guardian, Simu Liu regresa como Shang-Chi y Elizabeth Olsen da vida nuevamente a la Bruja Escarlata.

A ellos se unen Randall Park (Jimmy Woo), Florence Pugh (Yelena Belova), Hailee Steinfeld (Kate Bishop), Dominique Thorne (Riri Williams), Iman Vellani (Kamala Khan) y Hudson Thames como Spider-Man. Una alineación de héroes jóvenes y veteranos que, en circunstancias normales, serían imbatibles… pero que aquí tendrán que sobrevivir entre antiguos aliados convertidos en monstruos.

Marvel Zombies llega antes de lo previsto a Disney+ con una dosis extra de caos

Más salvaje que what if…?

La serie está dirigida por Bryan Andrews y escrita por Zeb Wells, que también ejerce como productor ejecutivo. La inspiración viene directamente del quinto episodio de la primera temporada de What If…?, aquel que nos dejó helados al combinar Ant-Man and the Wasp y Avengers: Infinity War en un festival de terror.

Sin embargo, Andrews ha dejado claro que esta vez se han quitado los frenos: las escenas serán más intensas, más sangrientas y mucho más locas que en el episodio original. En sus palabras, “esto va a ser más hardcore”, prometiendo que los zombis del MCU no se quedarán cortos a la hora de mostrar el lado más salvaje de sus poderes.

Un universo retorcido… y lleno de guiños

Aunque aún no se han revelado todos los detalles de la trama, los cómics en los que se inspira nos dan algunas pistas. La saga original de Marvel Zombies creada por Robert Kirkman presentaba a héroes como Spider-Man, Iron Man y Hulk devorando a villanos… y a otros héroes. No sería raro que la serie animada jugara con estos momentos icónicos, adaptándolos a las versiones cinematográficas que todos conocemos.

Además, este tipo de historias suele esconder referencias y cameos sorpresa que los fans más atentos sabrán cazar. En What If…? ya vimos a personajes como Hope van Dyne o Bucky Barnes luchando contra versiones infectadas de sus compañeros, y es probable que aquí se multipliquen este tipo de encuentros imposibles.

La apuesta de Disney+ por el contenido marveliano

El adelanto de la fecha de estreno no es un simple capricho. En un momento en el que las plataformas de streaming compiten ferozmente por la atención del público, Disney+ sabe que un estreno así puede ser clave para mantener a los suscriptores y recuperar la emoción en torno a las producciones de Marvel.

Con críticas recientes hacia la saturación de estrenos y la irregularidad de algunas series, Marvel Zombies tiene la oportunidad de ofrecer algo diferente: una propuesta oscura, directa y autoconclusiva que, si funciona, podría abrir la puerta a nuevas historias fuera del canon habitual del MCU.

Marvel Zombies llega antes de lo previsto a Disney+ con una dosis extra de caos

¿El inicio de una franquicia zombi dentro de Marvel?

La gran incógnita es si esta serie será un experimento único o el primer paso hacia un universo animado zombi dentro de Marvel. El material original da para varias temporadas y spin-offs, y con un recibimiento positivo, no sería descabellado pensar en expansiones que exploren otros rincones de este mundo arrasado por la plaga.

En cualquier caso, lo que está claro es que el próximo 24 de septiembre tendremos una cita obligada con el caos, el terror y el humor negro que caracteriza a este tipo de historias. Prepárate para ver a tus héroes favoritos como nunca antes… y recuerda: en este universo, la esperanza es tan frágil como una telaraña a punto de romperse.

Las joyas zombis de los últimos 25 años que tienes que ver sí o sí

zombis

Del terror más claustrofóbico al humor más gamberro, el cine de zombis ha vivido una auténtica explosión creativa en lo que llevamos de siglo

Las joyas zombis de los últimos 25 años que tienes que ver sí o sí

Lejos de repetirse, muchos directores han reinventado al muerto viviente con enfoques que van desde la sátira social hasta la pura adrenalina. En esta selección repasamos diez películas que han dejado huella en los últimos 25 años y que, si eres de los que disfrutan con un buen apocalipsis, no deberías perderte. La lista no solo incluye títulos que redefinieron el género, sino también apuestas arriesgadas que mezclan zombis con romance victoriano, parodias salvajes o viajes por carretera con paradas en parques de atracciones infestados. Prepárate para un recorrido que pasa por Reino Unido, Noruega, Corea del Sur y, por supuesto, España.

Mejores películas de zombis

28 Días después abrió el milenio con un giro inesperado: Danny Boyle no pensaba hacer una cinta zombi al uso, pero el resultado devolvió al género su lugar en la gran pantalla. Con un presupuesto ajustado, escenas icónicas como la de Jim cruzando el puente de Westminster vacío demostraron que la tensión no necesita CGI. Su retrato de un Reino Unido desolado y la velocidad brutal de los infectados marcaron tendencia y engendraron secuelas, aunque la original sigue siendo la joya indiscutible.

En World War Z, Brad Pitt se enfunda la piel de un exinvestigador de la ONU decidido a frenar una pandemia global. El filme combina acción trepidante con una sensación de escala que recorre varios países, haciendo que el virus parezca imposible de contener. Pese a su final algo descafeinado para algunos, su ritmo y sus secuencias multitudinarias la colocan como uno de los blockbusters zombis más impactantes.

Dieron otro rumbo al género

Shaun of the Dead se ganó el título de comedia zombi definitiva gracias a Simon Pegg y Edgar Wright. Entre pintas de cerveza y cricket, la cinta ridiculiza el apocalipsis sin perder la tensión. Su humor británico y las bromas recurrentes conectaron con un público que, tras el 11-S y la paranoia global, encontró en esta sátira una vía de escape.

En España, [REC] fusionó el found footage con el terror zombi de forma magistral. La reportera Ángela Vidal y su cámara quedan atrapados en un edificio infectado por algo más que rabia: una posesión demoníaca que va revelando su horror entre sustos y giros inesperados. El remake estadounidense no logró la misma intensidad que el original de Jaume Balagueró y Paco Plaza, convertido ya en un clásico moderno del terror.

Las joyas zombis de los últimos 25 años que tienes que ver sí o sí

Little Monsters, con Lupita Nyong’o y Josh Gad, mezcla comedia y tensión en una excursión escolar que se convierte en una lucha por la supervivencia. Entre canciones con ukelele y bromas subidas de tono, la película no pierde de vista el peligro constante, manteniendo esa sensación de encierro que todo buen título zombi necesita.

Por su parte, Resident Evil llevó a la gran pantalla la famosa saga de videojuegos. Milla Jovovich como Alice se enfrenta al T-Virus, a la Umbrella Corporation y a criaturas como los Lickers. Aunque se tomó licencias creativas, su ritmo frenético y su violencia estilizada definieron un subgénero propio dentro del cine de muertos vivientes.

Mezcla de actualidad con terror

En Corea del Sur, #Alive sorprendió con un planteamiento muy de nuestra era: un streamer atrapado en su piso durante el apocalipsis. Estrenada en plena pandemia de COVID-19, su mezcla de gags tecnológicos y momentos de auténtico pavor conectó con el miedo a la soledad y al aislamiento que todos experimentamos.

Con Zombieland, Woody Harrelson, Jesse Eisenberg y Emma Stone protagonizaron un road trip delirante lleno de normas de supervivencia, parques de atracciones y un cameo legendario de Bill Murray. Su equilibrio entre acción, humor y autoconciencia la convirtió en una de las comedias zombis más queridas.

Experimentos que salieron bien

Orgullo, prejuicio y Zombies llevó la novela de Jane Austen a un terreno tan improbable como divertido. Las hermanas Bennet empuñan espadas en lugar de abanicos y, entre bailes y combates, se enfrentan a hordas de muertos vivientes. Aunque su humor absurdo no es para todos, es imposible negar su originalidad.

Las joyas zombis de los últimos 25 años que tienes que ver sí o sí

Cerramos con Dead Snow, donde unos estudiantes noruegos se topan con zombis nazis en plena montaña. Entre gore, humor negro y paisajes helados, esta cinta demuestra que el género puede ser tan grotesco como divertido. Su atmósfera asfixiante y maquillaje sangriento la hacen inolvidable.

Estas diez películas prueban que el cine zombi de las últimas dos décadas no se limita a repetir fórmulas. Desde propuestas minimalistas hasta superproducciones internacionales, el género sigue mutando… como sus protagonistas. Ya sea para asustarte, hacerte reír o ambas cosas, estos títulos son imprescindibles para cualquier amante de lo macabro.

Retrasado en el estreno de The Running Man, Glen Powell se enfrenta al espectáculo más mortal

La nueva adaptación de Edgar Wright llega con una semana de retraso para conquistar las pantallas IMAX

En un movimiento que pilló a muchos por sorpresa, la esperada adaptación de The Running Man, dirigida por Edgar Wright y protagonizada por Glen Powell, no llegará a los cines el 7 de noviembre como estaba previsto. Su nueva fecha de estreno será el 14 de noviembre de 2025, un ligero cambio que, según informa Deadline, tiene un objetivo muy concreto: asegurar que la cinta pueda proyectarse en un mayor número de pantallas IMAX, aprovechando al máximo su potencial visual y de acción.

El cambio también coloca la película en una posición estratégica, alejándola de estrenos competidores como Predators: Badlands o Die My Love, lo que podría darle aire para brillar en taquilla.

The Running Man fecha de estreno

Basada en la novela homónima de Stephen King, publicada originalmente bajo su pseudónimo Richard Bachman, la historia nos traslada a una América distópica en el año 2025, donde el entretenimiento televisivo ha alcanzado su forma más brutal. El programa estrella, The Running Man, es un concurso mortal en el que los participantes, llamados Runners, deben sobrevivir 30 días mientras son perseguidos por asesinos profesionales. Todo se retransmite en directo a una audiencia sedienta de sangre, y cada día sobrevivido aumenta la recompensa económica.

En el centro de esta pesadilla se encuentra Ben Richards (Powell), un trabajador desesperado que acepta participar para conseguir el dinero necesario para salvar a su hija enferma. Frente a él, Dan Killian (Josh Brolin), el carismático pero despiadado productor del show, que ve en Richards una oportunidad para aumentar la audiencia. Pero lo que empieza como un juego letal se convierte en una amenaza para todo el sistema cuando Richards se gana el apoyo del público y desafía las reglas del espectáculo.

La cinta cuenta con un reparto de lujo que incluye a Josh Brolin, Michael Cera, Colman Domingo, Katy O’Brian, Lee Pace, William H. Macy y Sean Hayes, entre otros. El guion ha sido coescrito por el propio Wright y Michael Bacall, y en la producción también participan Nira Park y Simon Kinberg.

Este no es el primer salto de The Running Man a la gran pantalla: en 1987, Arnold Schwarzenegger protagonizó una versión dirigida por Paul Michael Glaser, que se convirtió en una pieza de culto del cine de acción ochentero. Sin embargo, aquella adaptación se tomó muchas licencias respecto a la novela, transformando la historia en un espectáculo más cercano al cine de aventuras que a la crudeza del material original.

The Running Man

En la novela de King, publicada en 1982, el tono es mucho más oscuro y desesperanzado. Ben Richards no es un héroe musculoso, sino un hombre común llevado al límite por un sistema corrupto y una sociedad que consume violencia como entretenimiento. El programa no se desarrolla en una arena cerrada, sino en un mundo abierto donde el protagonista debe esconderse y desplazarse por diferentes ciudades, todo mientras es rastreado por cazadores y delatado por civiles hambrientos de recompensas.

Esta nueva versión de Edgar Wright promete ser más fiel al espíritu del libro, apostando por un suspense más opresivo, un retrato social incisivo y secuencias de acción espectaculares. Wright, conocido por su precisión visual y su ritmo narrativo impecable en cintas como Baby Driver, parece el candidato ideal para mezclar crítica social con entretenimiento de alto voltaje.

Retrasado en el estreno de The Running Man, Glen Powell se enfrenta al espectáculo más mortal

Otro aspecto interesante será cómo se reinterpreta la figura de Ben Richards en manos de Glen Powell. Tras demostrar su carisma en Top Gun: Maverick y Anyone But You, Powell afronta aquí un papel más intenso y dramático, que podría marcar un punto de inflexión en su carrera. Por su parte, Josh Brolin encarna a Dan Killian, un antagonista que en esta versión podría tener matices más complejos, explorando la maquinaria televisiva que convierte el dolor humano en espectáculo de masas.

Con su estreno en noviembre, The Running Man competirá por la atención de un público que ya habrá vivido la temporada de blockbusters de verano. Su hueco en el calendario, sumado a la potencia de las proyecciones IMAX, podría convertirla en uno de los fenómenos cinematográficos de final de año.

Batman y Deadpool se unen en el crossover más loco que verás este año

batman y deadpool

Grant Morrison lidera un encuentro cósmico entre DC y Marvel con invitados de lujo

Cuando hablamos de cómics imposibles, es difícil no pensar en lo que está a punto de ocurrir: Batman y Deadpool van a compartir página, viñeta y hasta puñetazos en Batman/Deadpool #1, un especial de 64 páginas que aterrizará en las tiendas el 19 de noviembre de 2025. La locura lleva sello de Grant Morrison y Dan Mora, y promete ser uno de esos cómics que se comentan durante años.

No es un evento aislado. Este crossover forma parte de una colaboración histórica entre DC y Marvel que arrancará el 17 de septiembre con Deadpool/Batman #1, un primer asalto que abrirá la puerta a este segundo capítulo. La premisa es oro puro: el Caballero Oscuro, metódico y calculador, forzado a cooperar con el Mercenario Bocazas, maestro del caos y del humor autorreferencial. El resultado: una aventura cósmica y metaficcional que saltará de Apokolips a Earth-TRN666, con la mismísima realidad en juego… y, de paso, una calle parlante llamada Danny.

Batman y Deadpool, caos, humor y acción sin límites

Más allá de la historia principal, el número incluirá cuatro relatos extra que mezclan personajes de ambos universos en combinaciones que ningún fan habría imaginado:

  • Constantine y Doctor Strange, unidos por Scott Snyder, James Tynion IV, Joshua Williamson y Hayden Sherman en una aventura mística con sabor a choque cultural.
  • Nightwing contra Wolverine (Laura Kinney), obra de Tom Taylor y Bruno Redondo, en un duelo de agilidad y garras.
  • Harley Quinn contra Hulk, una pelea tan absurda como irresistible firmada por Mariko Tamaki y Amanda Conner.
  • Static junto a Ms. Marvel, en una misión eléctrica escrita por G. Willow Wilson con dibujo de Denys Cowan.

Este cómic será un festín visual para coleccionistas, con una lista de portadas variantes que parece un Salón de la Fama del cómic: Lee Bermejo, Jim Lee, Mark Brooks, Jenny Frison, Amanda Conner, Nick Dragotta, Jae Lee, Alexander Lozano, Sean Murphy, Frank Quitely, Bill Sienkiewicz, Ryan Sook o Sozomaika, entre otros.

Y no solo se centrarán en Batman y Deadpool: habrá homenajes a cómics legendarios como The Incredible Hulk #340 o Crisis on Infinite Earths #7, así como emparejamientos inesperados, desde Wonder Woman con Scarlet Witch hasta Lobo con Deadpool.

Batman y Deadpool

Un legado de crossovers imposibles

Aunque parezca mentira, no es la primera vez que DC y Marvel se sientan en la misma mesa para mezclar universos. Los veteranos recordarán joyas como Batman/Punisher: Lake of Fire (1994) o Spider-Man and Batman: Disordered Minds (1995), donde los encuentros eran más sobrios y centrados en la acción. En los 90 vivimos el fenómeno DC vs. Marvel, que incluso derivó en la creación de Amalgam Comics, un sello donde vimos híbridos tan surrealistas como Dark Claw (mezcla de Batman y Lobezno) o Super-Soldier (fusión de Superman y Capitán América).

Sin embargo, la diferencia clave de Batman/Deadpool #1 es que Morrison no busca un simple combate o alianza circunstancial, sino una exploración narrativa al límite, rompiendo convenciones y jugando con las reglas del medio. Esto no solo atraerá a lectores veteranos, sino también a nuevos fans que buscan historias que no se tomen demasiado en serio… pero que tampoco se olviden de la acción pura y dura.

Batman y Deadpool

Un cómic que quiere ser evento del año

Para muchos, este cruce llega en un momento ideal: tanto Batman como Deadpool están en un gran momento editorial y mediático. Batman sigue siendo el motor de DC, con múltiples series en curso y presencia en cine, mientras que Deadpool regresa con fuerza a Marvel tras el éxito de Deadpool & Wolverine en la gran pantalla. La suma de ambos garantiza expectación, ventas y toneladas de conversación en redes.

Grant Morrison, conocido por su enfoque experimental en series como All-Star Superman o The Multiversity, tiene vía libre para que esta historia sea un desfile de ideas imposibles. Y con el arte dinámico de Dan Mora, cada página podría ser un póster digno de enmarcar.

En definitiva, Batman/Deadpool #1 no es solo otro crossover: es una celebración del cómic como lenguaje, una demostración de que, cuando DC y Marvel se atreven a colaborar, el resultado puede ser tan oscuro como hilarante, tan épico como absurdo… y tan memorable como quieras que sea.

Genndy Yartakovsky podría volver a Star Wars… si es para llevar a Asajj Ventress al live-action

El creador de la primera serie animada de Clone Wars abre la puerta a un posible regreso

En Star Wars, hay personajes que, aunque no estén siempre en el centro del escenario, han dejado huella imborrable en los fans. Asajj Ventress, la letal asesina de doble sable láser y aprendiz de Dooku, es uno de esos casos. Desde su primera aparición en la serie animada Clone Wars de 2003, su aura oscura y su compleja personalidad han fascinado a seguidores de todas las edades. Y ahora, uno de sus creadores originales, Genndy Tartakovsky, ha dejado caer que no le importaría regresar a Star Wars… siempre que sea para darle vida real a la letal villana.

En una entrevista con Inverse, Tartakovsky —responsable de esa joya de animación 2D que, aunque ya no es canon, sigue siendo de culto— declaró: “Si se convierte en live action, sería genial. Y si me piden hacerlo, sería una conversación interesante”. Un guiño claro a que, aunque no se vea a sí mismo como un fijo en Lucasfilm, la oportunidad de dar el salto junto a Ventress sería difícil de rechazar.

Asajj Ventress en el canon de Star Wars

Aunque la versión de Tartakovsky fue su carta de presentación, Ventress terminó asentándose en el canon gracias a la serie 3D The Clone Wars, donde vimos sus alianzas, traiciones y una evolución que la llevó de ser una asesina despiadada a una antiheroína con motivaciones propias. Su historia culminó en la novela Dark Disciple, donde su destino parecía sellado… hasta que Tales of the Underworld la trajo de vuelta en formato animado, sorprendiendo a todos.

En el universo de Star Wars, resucitar personajes no es nuevo, pero el regreso de Ventress dejó claro que Lucasfilm sabe que el público aún quiere más de ella. Y si hay un momento perfecto para introducirla en carne y hueso, podría ser en Ahsoka temporada 2, donde su historia con la propia Ahsoka Tano (Snips, para los veteranos) encajaría de forma natural.

La química entre ambas —mezcla de rivalidad y respeto— podría dar lugar a secuencias intensas tanto en acción como en diálogos. Además, con la tendencia actual de Star Wars de conectar series y películas, un debut de Ventress en Ahsoka abriría la puerta a su participación en proyectos más grandes.

Genndy Tartakovsky y su huella en Star Wars

Para muchos, el trabajo de Tartakovsky en Clone Wars fue una revolución visual y narrativa. Con su estilo dinámico, combates fluidos y un enfoque más estilizado, introdujo a personajes que se volverían esenciales, como el General Grievous… y por supuesto, Ventress. Aunque Lucasfilm decidió reemplazar esa continuidad por la serie 3D de Dave Filoni, el legado del proyecto original sigue presente en el imaginario fan.

Star Wars

Tartakovsky, además, no es un recién llegado al reto de narrar historias complejas en formatos distintos. Series como Samurai Jack o Primal demuestran su capacidad para combinar acción, silencio y carga emocional. Precisamente, cualidades que encajarían como un guante en una Ventress de carne y hueso.

Un futuro incierto pero prometedor

Por ahora, no hay confirmación oficial de que Ventress vaya a aparecer en live-action. Sin embargo, las apuestas apuntan a que Ahsoka temporada 2, que llegará el próximo año, podría ser el lugar idóneo para su regreso. En paralelo, The Mandalorian & Grogu prepara su salto al cine, y el proyecto Starfighter de Shawn Levy sigue sumando expectación con un reparto encabezado por Ryan Gosling, Mia Goth y Matt Smith.

Star Wars

Mientras tanto, Lucasfilm tiene un calendario apretado, y la inclusión de personajes tan queridos como Ventress podría ser la clave para revitalizar el entusiasmo de parte del fandom que busca historias más oscuras y con matices morales.

En definitiva, el simple hecho de que Genndy Tartakovsky se muestre abierto a participar ya genera ilusión. Si el futuro de Star Wars en live-action quiere sorprender, darle un espacio a Ventress sería un movimiento tan audaz como acertado.

Jason Voorhees vuelve… pero no como esperabas

Un corto sangriento y una campaña inesperada marcan el regreso del icónico asesino

Desde 2009, Jason Voorhees había permanecido en las sombras. El último vistazo oficial al terror del Campamento Crystal Lake fue en aquel reboot de Viernes 13 que dividió a los fans. Ahora, más de una década después, el asesino de la máscara de hockey ha regresado… pero no en una película o serie, sino en un proyecto que nadie vio venir: un corto publicitario de 13 minutos que mezcla horror, nostalgia y un inesperado toque comercial.

El proyecto, titulado Sweet Revenge, no solo trae de vuelta al personaje con un rediseño completo, sino que también inaugura una nueva etapa de la marca oficial “Jason Universe”. Y aunque a primera vista parezca simplemente una campaña para vender sidra temática de Angry Orchard, el director Mike P. Nelson (V/H/S 8/5, Wrong Turn) insiste en que la prioridad era hacer justicia al legado del personaje y reintroducirlo en un formato fresco para la audiencia actual.

Jason Voorhees

“Menos empujar producto y más hacerte sentir allí”, así lo resume Nelson. Según él, el anuncio debía mantener a Jason en el centro de la acción, sin que la marca eclipsara su presencia. El resultado es un pequeño festín para fans: un grupo de amigos y una pareja recién comprometida que viajan a una cabaña junto al lago, una atmósfera inquietante y, como era de esperar, la carnicería que llega sin avisar.

Tras la máscara encontramos al actor y especialista Schuyler White, que aporta un físico imponente y movimientos calculados que recuerdan a la era dorada de los slashers. Aunque el metraje sea breve, hay un claro esfuerzo por modernizar el aspecto y la forma de actuar de Jason, sin perder ese aire de amenaza imparable que lo convirtió en leyenda del cine de terror.

Un regreso que no es casualidad

El lanzamiento de Sweet Revenge no es un simple guiño para Halloween. Forma parte de un plan mayor: reposicionar la franquicia Viernes 13 en la cultura pop tras años de silencio. Este nuevo “Jason Universe” apunta a expandir la marca en distintos formatos, desde productos coleccionables hasta colaboraciones con marcas, como este caso con Angry Orchard.

Además, la presencia de Jason en este corto no es lo único que entusiasma a los fans. En paralelo, el personaje tendrá una nueva aparición en la serie Crystal Lake, producida por A24 y Peacock. Esta producción, actualmente en rodaje, será una precuela centrada en Pamela Voorhees, interpretada por Linda Cardellini, y mostrará a un Jason de 11 años, encarnado por Callum Vinson. Un enfoque inédito que podría aportar más matices al origen del villano.

Viernes 13 - Jason Voorhees - crystal lake

Entre la nostalgia y la reinvención

El regreso de Jason a través de un anuncio puede sonar extraño, pero no es la primera vez que un icono del terror vuelve de esta forma. Michael Myers, Ghostface o Chucky han participado en colaboraciones y campañas para mantener viva su imagen entre estrenos cinematográficos. Sin embargo, en este caso, el cortometraje tiene un valor añadido: sirve como carta de presentación para el nuevo aspecto oficial de Jason, algo que no ocurría desde hace 16 años.

Este rediseño respeta elementos clásicos como la máscara de hockey y la presencia intimidante, pero añade detalles más oscuros y realistas, haciendo que Jason luzca más brutal que nunca. La iluminación, el diseño de sonido y la dirección artística juegan un papel clave para que, incluso en un contexto publicitario, la experiencia sea auténticamente aterradora.

¿Qué significa para el futuro de Viernes 13?

Aunque Sweet Revenge no es un largometraje, marca un punto de partida importante. Las disputas legales por los derechos de la franquicia habían paralizado cualquier proyecto desde 2009, pero ahora parece que hay un plan coordinado para devolver a Jason al centro del género slasher.

Jason Voorhees vuelve… pero no como esperabas

Si la respuesta de los fans es positiva, podríamos ver cómo esta nueva imagen de Jason se traslada a videojuegos, cómics y, con suerte, una futura película. Además, la conexión con Crystal Lake podría ayudar a construir un universo narrativo más amplio, algo que otros iconos del terror ya han intentado con relativo éxito.

Un asesino eterno en la cultura pop

El caso de Jason Voorhees es único. A diferencia de otros villanos, su figura ha trascendido más allá de las películas, convirtiéndose en un símbolo reconocible incluso para quienes nunca han visto un film de Viernes 13. La máscara de hockey, el machete y el silencio mortal son ya parte del imaginario colectivo del horror.

Con Sweet Revenge, la franquicia demuestra que puede adaptarse a los tiempos sin traicionar su esencia. Quizá sea solo un aperitivo antes de un gran regreso en pantalla grande, pero para los fans, volver a ver a Jason acechando en la oscuridad —aunque sea por 13 minutos— es motivo suficiente para celebrar… o para dormir con la luz encendida.