Doctor Who nos pone el corazón en un puño con su nuevo tráiler

ncuti gatwa doctor who

La temporada 2 de la icónica serie aterriza en Disney+ el 12 de abril y ya nos tiene contando los días para volver a ver las aventuras del Doctor

El regreso de Doctor Who está más cerca que nunca y, como quien no quiere la cosa, Disney+ ha soltado un tráiler que te va a hacer soltar una lagrimita. En él, vemos al nuevo Doctor, interpretado por Ncuti Gatwa, embarcarse en una misión emocionalmente intensa para ayudar a Belinda Chandra (Varada Sethu) a volver a casa. Y ojo, porque la música de fondo es el temazo de Phil Collins Take Me Home, lo que eleva todo a un nivel aún más nostálgico y potente.

Esta segunda temporada del Doctor interpretado por Gatwa promete más humanidad, más viajes alucinantes… y más lágrimas. Todo apunta a que Doctor Who se adentra en una etapa más introspectiva y personal, sin perder ni un gramo de su esencia aventurera.

doctor who

Fecha de estreno, tráiler y detalles clave

En el tráiler, que ya se puede ver en todas las redes sociales y canales oficiales, descubrimos que Belinda no lleva tanto tiempo perdida como cree. Ella asegura haber desaparecido solo unas horas, pero el Doctor le dice que han pasado seis meses. ¿Problemas temporales? ¿Un fallo del TARDIS? Sea lo que sea, ella decide confiar en él para volver a casa, y ese viaje compartido es el hilo conductor de lo que veremos en esta nueva tanda de episodios.

Además, se confirma el regreso de Ruby Sunday, interpretada por Millie Gibson, que aparece en una de las escenas más misteriosas del tráiler, mirando al infinito mientras el viento sopla a su alrededor… en una habitación cerrada. Sí, es muy probable que el TARDIS tenga algo que ver con esa ráfaga de aire.

Por si fuera poco, también vuelve uno de los personajes más estrambóticos y geniales de la última etapa: Alan Cumming como Mr. Ring-A-Ding, ese dibujo animado con aires de villano de cartoon que arrastra al Doctor y a Belinda a un mundo completamente animado. ¿Doctor Who versión Looney Tunes? Pues parece que sí, y la verdad, suena divertidísimo.

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Un viaje al corazón del Doctor

Más allá de las peripecias espacio-temporales, lo que realmente destaca del tráiler es el foco en el tema del hogar. Belinda se pregunta si sus padres están bien, si puede volver con ellos, y el Doctor reflexiona sobre lo que significa estar solo. De hecho, él mismo dice ser el último de los Señores del Tiempo, algo que los fans de la serie saben que ha ido y venido según las temporadas.

El planeta Gallifrey, hogar del Doctor, ha sido destruido, resucitado y destruido otra vez más veces de las que podemos contar. Y todo esto sin olvidar la revelación de que el Doctor es el origen genético de los mismísimos Señores del Tiempo, un giro que sigue dando mucho que hablar desde que se reveló en The Timeless Children.

¿Es posible que el Doctor, a pesar de todos sus viajes y regeneraciones, siga sin saber realmente dónde está su hogar? Tal vez esta temporada no solo nos hable de ayudar a Belinda, sino también de que el propio Doctor se reconcilie con su identidad. Como decía Sarah Jane Smith al Décimo Doctor: “Tienes la familia más grande del universo”. Y quizá ha llegado el momento de que lo recuerde.

Doctor Who nos pone el corazón en un puño con su nuevo tráiler

Títulos de los episodios y estreno

El nuevo tráiler ha llegado solo dos días después de que se desvelaran los títulos oficiales de los episodios, y ya sabemos que el primer capítulo se llama The Robot Revolution. Suena a caos mecánico, ¿no? Pues apunta bien la fecha, porque el primer episodio de la temporada se estrena el 12 de abril en Disney+, tanto en Reino Unido como en el resto del mundo.

Y sí, esta nueva etapa no solo tiene a Ncuti Gatwa como protagonista, sino también una producción más internacional, con un tono renovado pero sin perder el espíritu clásico que ha mantenido a Doctor Who durante más de 60 años en antena.

Kevin Feige no confía del todo en los Russo para Avengers 5 y 6

los hermanos Russo DC Studios

Un nuevo rumor apunta a tensiones internas en Marvel Studios con los Russo de vuelta al mando tras su último estreno en Netflix

Desde que los hermanos Russo se despidieron del UCM con Endgame, el fandom soñaba con su regreso para los eventos más grandes del futuro: Avengers: Doomsday y Secret Wars. Pero, según los últimos rumores, Kevin Feige no está tan convencido de que sean los directores ideales para cerrar esta nueva saga multiversal. ¿Está Marvel en una encrucijada creativa?

Kevin Feige teme que los Russo no repitan la magia de Endgame

Aunque Joe y Anthony Russo tienen una trayectoria épica dentro del Universo Cinematográfico de Marvel —recordemos Capitán América: El Soldado de Invierno, Civil War, Infinity War y la mismísima Endgame—, sus proyectos fuera de Marvel no han tenido el mismo impacto. Y eso, al parecer, está sembrando dudas en la mente del mandamás de Marvel Studios.

Kevin Feige marvel studios

Según Daniel Richtman, conocido insider con base en Patreon, Feige tiene “preocupaciones reales” sobre la dirección creativa de los próximos Avengers. Aunque no planea sustituir a los Russo, sí pretende involucrarse mucho más directamente en cada etapa de desarrollo, desde los guiones hasta la postproducción.

“Kevin Feige tiene reservas sobre que los Russo dirijan las dos próximas películas de Avengers. Pero ahora mismo, sustituirlos no es una opción, así que planea estar encima del proyecto como nunca antes, asegurándose de que el guion sea perfecto y todo avance según lo previsto”, señaló Richtman.

¿Un Feige más controlador que nunca?

Esta implicación extra de Feige podría suponer un giro importante para Marvel Studios, que siempre ha dado cierta libertad a sus directores (con excepciones, claro). Pero si hay algo que el estudio no se puede permitir ahora mismo, es otro tropiezo como el de The Marvels o Quantumania.

Además, las dudas no surgen de la nada. Desde su salida del UCM, los Russo no han logrado replicar su éxito. Películas como Cherry, The Gray Man o la reciente The Electric State no convencieron ni a la crítica ni al público. De hecho, esta última ha sido descrita como “una experiencia insulsa” por medios como ComingSoon.net, que le dio un discreto 5/10.

spider-man 4 kevin feige

El reto de superar el pasado y mirar al futuro

Feige sabe que repetir la hazaña de Infinity War y Endgame es un Everest creativo y emocional, y la presión es máxima. Avengers: Doomsday, que comienza su rodaje en primavera de 2025, tiene ya fecha de estreno: 1 de mayo de 2026. Le seguirá Secret Wars, prevista para el 7 de mayo de 2027. Dos eventos que marcarán el cierre (¿definitivo?) de la saga multiversal.

Los rumores también han reavivado el debate entre los fans sobre si los Russo han perdido el toque o si simplemente han trabajado con guiones mediocres fuera del paraguas Marvel. ¿Podrían redimirse? ¿O estamos ante una repetición de éxitos pasados que no sabrán reinventarse?

¿Quién tiene la última palabra en el UCM?

Pese a las dudas, los Russo siguen al frente de ambas películas, lo que indica que en Marvel aún confían en su visión. Eso sí, no serán dueños absolutos del timón. Si todo va como dice Richtman, Feige será una especie de “co-director en la sombra”, marcando el ritmo desde el inicio.

Kevin Feige - ¿Qué pasaría si...? Marvel

Y ojo, porque esto no es algo habitual. Aunque siempre ha estado involucrado, pocas veces hemos visto al presidente de Marvel Studios intervenir con tanta intensidad en un mismo proyecto. Esto puede deberse a que Doomsday y Secret Wars no solo tienen que funcionar como películas… sino como culminación de una era.

Lo que está en juego

Más allá de lo creativo, Marvel también se la juega en taquilla. Tras varios tropiezos, la franquicia necesita un golpe sobre la mesa que recupere la confianza de los fans. Y el regreso de rostros clásicos, nuevas amenazas como Doctor Doom y rumores de cameos salvajes podrían ser ese empujón que el UCM necesita.

Pero si algo está claro es que el ambiente en Marvel ya no es tan relajado como antes. El estudio se encuentra en plena fase de reajuste, y tanto Doomsday como Secret Wars pueden definir el futuro del UCM… o precipitar un cambio de rumbo total.

Charlie Cox habla de su pesadilla que duro 2 años con Spider-Man

Spider-Man - Daredevil Charlie Cox

El actor recuerda el infierno de mantener en secreto su regreso como Daredevil en el Universo Marvel

Cuando Spider-Man: No Way Home arrasó en los cines en 2021, los fans enloquecieron con sus múltiples cameos, pero hubo uno en particular que emocionó especialmente a los seguidores más fieles de Marvel: Charlie Cox regresando como Matt Murdock. Aunque su aparición fue breve, fue suficiente para confirmar lo que muchos esperaban… ¡Daredevil ya formaba parte oficialmente del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM)!

El regreso de Daredevil al UCM

“Fue una pesadilla de dos años”, confesó Cox en una entrevista reciente para Disney’s D23 Magazine, citada por Total Film. Y no lo dice a la ligera. El actor británico tuvo que guardar silencio absoluto sobre su cameo durante todo ese tiempo. “Odio tener que guardar secretos”, añadió. Y lo entendemos perfectamente: ser parte de una de las mayores sorpresas del cine reciente y no poder decírselo ni a tus amigos… ¡menudo suplicio!

Charlie Cox - Daredevil

Lo más gracioso es que, según cuenta, acabó filtrando su cameo a Andrew Garfield, quien también regresó como The Amazing Spider-Man en la misma película. Se reunieron para cenar sin pensar demasiado en las consecuencias, y al llegar al restaurante se dieron cuenta de que podían haber metido la pata hasta el fondo: “Nos sentamos en una mesa mirando a la pared para no hacernos notar”, recuerda entre risas.

La estricta política anti-spoilers de Marvel

No es ningún secreto que Marvel Studios se toma muy en serio sus spoilers, y el caso de No Way Home fue especialmente delicado. Todo estaba calculado al milímetro para que la aparición de los tres Spider-Man (Tom Holland, Andrew Garfield y Tobey Maguire) fuera una auténtica sorpresa. Así que tener también a Charlie Cox de vuelta como Matt Murdock fue como la guinda secreta del pastel.

daredevil

En la película, Murdock aparece como abogado de Peter Parker tras la revelación pública de su identidad como Spider-Man. Aunque no llega a enfundarse el traje de Daredevil, su breve escena —en la que incluso demuestra unos reflejos inhumanos al atrapar un ladrillo volador— fue suficiente para confirmar que su historia continúa dentro del UCM.

Su nueva etapa en daredevil: born again

Por suerte, para su nueva aventura en Daredevil: Born Again, no ha tenido que sufrir ese nivel de secretismo extremo. “Probablemente sea lo mejor”, comentó Cox con alivio. La serie, que también contará con Vincent D’Onofrio como Kingpin, sigue a ambos personajes en un intento de dejar atrás sus pasados violentos para centrarse en proteger Nueva York… aunque, claro, las sombras del pasado no tardarán en resurgir.

El reparto de la serie es de lujo: Jon Bernthal vuelve como Punisher, y se suman nombres como Margarita Levieva, Michael Gandolfini, Genneya Walton, Arty Froushan, Deborah Ann Woll, Elden Henson, Wilson Bethel, Jeremy Earl y Ayelet Zurer. Vamos, que pinta a serie potente y oscura, como nos gusta a los fans del vigilante de Hell’s Kitchen.

CHARLIE COX

Entre el hype y el miedo a los spoilers

Aunque la época de No Way Home ya pasó, la expectación por lo que vendrá con Daredevil está más viva que nunca. Los fans esperan que esta nueva serie recupere el tono más crudo y adulto de la versión de Netflix, pero con el músculo de producción de Marvel Studios.

Y claro, las teorías y rumores están a la orden del día. ¿Veremos a Spider-Man cruzarse con Daredevil de nuevo? ¿Tendrá Born Again más cameos sorpresa? ¿Volverá Foggy Nelson a ser el alivio cómico que todos queremos? Cox y el equipo están siendo más abiertos esta vez, pero no demasiado. Porque, como ya aprendieron, un solo desliz puede arruinar años de planificación.

Sea como sea, Born Again apunta a ser uno de los estrenos más esperados del UCM. Y aunque Cox ya no tenga que esconderse en restaurantes como si fuera un espía de SHIELD, los fans sí seguimos pendientes de cada pista y detalle que se filtre antes del estreno.

Reseña de Creepy 4 y 18

Los grandes autores de lo fantástico llegan de la mano de Planeta Cómic en dos nuevas entregas de la serie de terror más mítica de la historia: Creepy

Los amantes del cómic de terror están de enhorabuena: Planeta Cómic continúa rescatando la mítica revista Creepy con la publicación de dos nuevos tomos recopilatorios, el volumen 4 y el volumen 18. Esta noticia es fantástica para los seguidores del horror clásico, ya que significa más páginas repletas de historias macabras, ilustraciones espectaculares y el inconfundible estilo de los grandes maestros del género. Con esta publicación Planeta Cómic refuerza su compromiso con la preservación de este material imprescindible, ofreciendo a los lectores una oportunidad única de disfrutar del terror mezclado con la fantasía y la ciencia ficción en su máxima expresión.

Reseña de Creepy 4 y 18

Creepy 4

Al comenzar el tomo nos encontramos con Una maldición de garras, un relato que nos transporta a una aldea acosada por una maldición que transforma a los hombres en bestias salvajes. Y como autores tenemos a dos nombres de peso, para que lo gordo venga ya de primera mano: Neal Adams, reconocido por su estilo realista y dinámico, aportó una nueva dimensión al arte de Creepy, infundiendo a las historias una sensación de inmediatez y emoción realmente innovadoras, y Archie Goodwin, en gran parte responsable de que la revista siguiera existiendo por aquel entonces.

Goodwin seguirá siendo el principal protagonista de los relatos iniciales, que incluyen brujas, castillos encantados, vikingos congelados que regresan a la vida, hombres primitivos que se enfrentan a insectos gigantes, una mujer obsesionada con el verdugo que acabará con su vida, un museo de los horrores, un aviador con extrañas alucinaciones, zombis (tal y como se entendía este concepto en la cultura haitiana, no como en la versión de George Romero) y una historia de ambientación victoriana en la que se rinde homenaje a dos grandes iconos de terror del siglo XIX.

Las historias en las que el nombre de Goodwin no aparece como autor son realmente las más flojas, aunque tal vez habría que destacar entre ellas la adaptación libre de Carmilla. Fue originalmente una de las primeras y más influyentes historias de vampiros, escrita por el autor irlandés J. Sheridan Le Fanu y publicada por primera vez en 1872 en la antología In a Glass Darkly, antes de la famosa Drácula de Bram Stoker. En su momento marcó un punto de inflexión en la literatura de terror al introducir una vampira femenina y explorar el tema de la sexualidad y el deseo en un contexto gótico y perturbador, y eso es algo que ha sido muy bien trasladado a las viñetas.

Reseña de Creepy 4 y 18

Creepy 18

Roger McKenzie, Carmine Infantino y Walter Simonson son los responsables de la primera historia que encontramos en este tomo, que tiene al igual que las siguientes una temática realmente sorprendente teniendo en cuenta a lo que estamos habituados en esta serie: el deporte, en esta caso el baseball. Pero que nadie se preocupe porque alguna muerte tendrá lugar antes de llegar al final de este improbable relato…

Es el propio McKenzie (el autor más presente en este tomo) quien se une al señor Richard Corben posteriormente para continuar con el football en una historia que tendrá como protagonista a una momia egipcia. Sí, football y momias en la misma historia, justo cuando se podía pensar que Creepy ya había cubierto todo el espectro del terror y lo fantástico. El hockey sobre hielo, el tenis, la hípica y de nuevo el baseball (en esta ocasión con robots) serán los deportes elegidos para las siguientes historias que cierran esta saga deportiva que solo por lo refrescante y original que resulta ya merece la pena.

A partir de aquí ya volveremos a terrenos más conocidos. Los vampiros, el abominable hombre de las nieves y ese tipo de cosas poblarán las páginas del tomo, pero será una historia firmada por Bruce Jones y Al Williamson en la que tendremos como protagonistas a Santa Claus, a un niño con una pistola de rayos y a un robot excesivamente protector una de las que mayor impresión pueda causar en este tomo. Cabe mencionar también que esta forma parte de una saga de historias navideñas, algunas coloreadas con un bitono rojizo, todas realmente apreciables.

Otra realmente destacable está englobada en un grupo de cuentos marcianos clásicos, y es Un relato distorsionado, firmado por Al Sirois y Gray Morrow. El apartado artístico, plagado de figuras hiperrealistas y escenarios maravillosos, es realmente excepcional en este caso.

En este tomo cabe destacar la gran variedad de estilos y temáticas, un esfuerzo por sorprender continuamente al lector que se puede apreciar en el resultado final y que, a estas alturas de la serie, es casi una obligación.

Estos dos tomos con los que continua la recuperación de esta serie (4 y 18) publicados por Planeta Cómic se presentan en formato tapa dura sin sobrecubiertas. Contienen 240 y 288 páginas en blanco y negro respectivamente, con un tamaño de página de 20 x 27,6 cm, y presentan la traducción a cargo de Albert Agut Iglesias y Ignacio Bentz de la edición americana de los números del #16 al #20 y del #84 a #88 de la serie original. El precio de venta recomendado para cada tomo es de 40 € y se pusieron a la venta en febrero de 2025.


creepy

Creepy 4

Un recopilación terrorífica.

Los años 60 fueron una época de gran inspiración e innovación en la forma de narrar de los cómics, y pocos títulos mostraron aquella asombrosa evolución como la revista Creepy.

Creepy y la revista de su incorregible primo, Eerie, reinventaron las historias cortas de terror ilustradas e hicieron que algunas sensibilidades del mundo de la edición underground llegaran a la industria editorial establecida, dejando los inolvidables legados de Alex Toth, Frank Frazetta, Neal Adams, Gray Morrow y muchos otros artistas impresionantes.


Reseña de Creepy 4 y 18

Creepy 18

¡Haceos a la mar con el marinero más enfermizo e impactante, queridos lectores!

¡El tío Creepy, vuestro carcajeador comandante, está al timón del horror, guiándoos a través de aguas tormentosas en un eterno VIAJE POR EL TERROR!

Sobresaltos originales y extraños abundan en el decimoctavo volumen de la aclamada serie recopilatoria de Dark Horse, que reúne los números 84 a 88 de la infame antología de terror de la Editorial Warren. ” En esta etapa de Creepy encontramos algunas revistas centradas en endiabladas temáticas deportivas, monstruos clásicos, atrocidades navideñas y en el siempre fascinante planeta Marte.

Nuestro hermoso tomo en tapa dura también presenta asombrosos relatos clásicos de Al Williamson, Carmine Infantino, Luis Bermejo, Bernie Wrightson, Richard Corben, John Severin, José Ortiz y Bruce Jones, entre otros, así como todas las páginas originales de aficionados, columnas de correo y un nuevo prólogo del editor asesor de Creepy y guionista, Dan Braun.

Las 3 películas que referenciaron a Estela Plateada

Estela Plateada

Estela Plateada fue tomada como referencia en tres películas completamente diferentes.

Estela Plateada es un personaje que fue creado en la aventura titulada The Coming of Galactus!, que vio la luz en el cómic Los 4 Fantásticos nº 48 (1966), por obra de Stan Lee y Jack Kirby, aunque, en este caso concreto, su creación fue una idea del dibujante, ya que, desde su punto de vista, un ser tan poderoso como el Devorador de Mundos debía contar con un heraldo cuyo trabajo fuese el de encargase de buscar los planetas que su amo necesitaba consumir para subsistir.

Aunque es conocido en su país de origen como Silver Surfer, en realidad, el nombre civil de este personaje es Norrin Radd, proviene del planeta Zenn-la, mide 1,93 metros y pesa 100 kilos. Al aceptar convertirse en heraldo de Galactus, a cambio de salvar su planeta, adquirió poderes casi ilimitados, gracias a los cuales posee fuerza, resistencia, agilidad y velocidad sobrehumanas, además de manipulación cósmica y la posibilidad de realizar viajes interestelares. Tras cambiar de bando, después de que Alicia Masters conmoviera su corazón, Estela Plateada dejó de estar al servicio de Galactus y se convirtió en uno más de los héroes del Universo Marvel.

Dejando las series de dibujos y los videojuegos aparte, el personaje ya ha sido visto en versión live-action en la película Los 4 Fantásticos y Silver Surfer (2007), donde ha sido interpretado por Doug Jones, mientras que, este mismo año, Julia Garner dará vida a su contrapartida femenina en el largometraje Los Cuatro Fantásticos: Primeros pasos. No obstante, existen otras películas, ajenas a Marvel, en las que, pese a que Estela Plateada no haga acto de presencia, se hacen referencias a él, tal y como puedes comprobar si continuas leyendo este artículo hasta el final.

Vivir sin aliento (1983)

Las 3 películas que referenciaron a Estela Plateada

Comenzamos nuestro repaso con esta película, de 97 minutos de duración, que se encuentra dirigida por Jim McBride y protagonizada por Richard Gere (como Jesse Lujack) y Valérie Kaprisky (en el papel de Mónica Poiccard). En realidad, se trata de un remake del largometraje Sin aliento (1960). La trama de esta versión gira en torno a la relación entre una chica francesa y un criminal estadounidense cuyos caminos se cruzan en la ciudad de Los Ángeles.

Mientras que, en la versión original, el protagonista era un seguidor de Humprey Bogart, en el remake cambiaron por completo de tercio y lo convirtieron en un entusiasta de los cómics de Estela Plateada, tal y como se puede comprobar en la foto que corona este artículo.

Reservoir Dogs (1992)

Las 3 películas que referenciaron a Estela Plateada

Quentin Tarantino dirigió esta película, de 99 minutos de duración, protagonizada por Harvey Keitel (como el Señor Blanco), Tim Roth (en el papel del Señor Naranja), Chris Penn (que interpreta a Eddie Cabot), Steve Buscemi (que encarna al Señor Rosa), Lawrence Tierney (que hace de Joe Cabot) y Michael Madsen (que se mete en la piel del Señor Rubio). La trama habla de seis criminales que no se conocen entre sí pero son contratados para llevar a cabo un trabajo.

A Quentin Tarantino se le ocurrió la idea de decorar la pared de la habitación de uno de los personajes con un póster de Estela Plateada, aunque fue más una referencia a la película mencionada en el apartado anterior que al personaje de Marvel en sí mismo.

Marea roja (1995)

Las 3 películas que referenciaron a Estela Plateada

Bajo la dirección de Tony Scott, Denzel Washington (como el comandante Ron Hunter) y Gene Hackman (en el papel del capitán Frank Ramsey), protagonizan esta película de 116 minutos de duración, en la que se narra una historia que transcurre en 1955, durante un periodo de inestabilidad en Rusia.

Lo curioso de esta película es que Tony Scott le pidió a Quentin Tarantino que le hiciera unos arreglillos al guion, lo que culminó en la inclusión de una escena en la que, tras una pelea en el interior de un submarino, uno de los tripulantes le explica al personaje interpretado por Denzel Washington que la razón de trifulca era un desacuerdo sobre cuál era el mejor Estela Plateada, si el de Jack Kirby o el de Moebius.

La película de Estela Plateada que nunca se hizo.

Las 3 películas que referenciaron a Estela Plateada

Después de que las referencias a Estela Plateada se hubieran cruzado en su camino, a Quentin Tarantino acabó por llamarle la atención la idea de llevar a cabo un proyecto cinematográfico sobre el personaje, tal y como se lo comunicó al estudio pertinente. No obstante, todo se quedó en la intención, ya que no quisieron respaldarle debido al elevado coste que hubiera conllevado el rodaje.

En su lugar, Quentin Tarantino llevó a cabo Pulp Fiction (1994), que resultó todo un éxito, como cabía esperar de un reparto lleno de grandes estrellas del mundo del séptimo arte. Sin embargo, siempre nos quedará la duda de cómo habría resultado una película de Estela Plateada dirigida por Quentin Tarantino.

Te contamos todo lo que reveló en el último Silent Hill Transmission sobre la esperada entrega Silent Hill f

Silent hill

La nueva entrega de Silent Hill se aleja del pueblo clásico y nos lleva al Japón rural de los 60, con una estética que mezcla terror y lirismo

Silent Hill

Cuando Konami dice que vuelve a Silent Hill, no es solo una vuelta al terror psicológico, es una reinvención de todo lo que creíamos saber sobre la franquicia. El pasado 13 de marzo, el Silent Hill Transmission regresó con fuerza, y esta vez todas las miradas estaban puestas en Silent Hill f, el próximo gran título de la saga. Desde que se presentó en 2022 como un misterioso teaser, Silent Hill f ha sido un enigma. Pero ahora, tras el reciente streaming de Konami, tenemos muchas más pistas… y un montón de razones para emocionarnos (y temblar).

Terror con raíces japonesas

El primer gran bombazo del evento fue un nuevo tráiler que nos dejó con la boca abierta. Silent Hill f no se desarrolla en el mítico pueblo de Maine, ni en ningún lugar de Estados Unidos. Esta vez, nos trasladamos a Japón en los años 60, concretamente al ficticio Ebisugaoka, basado en el real Kanayama, en la prefectura de Gifu.

El cambio de escenario no es casual: Konami ha querido recuperar la esencia japonesa que se fue diluyendo con los años. “Silent Hill siempre fue una mezcla entre el horror occidental y japonés”, comentó Motoi Okamoto, productor de la saga. “Sentíamos que habíamos perdido parte de esa identidad”.

Y, vaya si la han recuperado.

Una belleza que inquieta… y aterroriza

El nuevo tráiler deja claro que Silent Hill f es visualmente impactante. Alejándose de los tonos apagados y el óxido clásico, el juego presenta un entorno cubierto por flores rojas y rosadas que, lejos de ser solo decorativas, devoran todo a su paso: edificios, animales, y personas. Una mezcla de belleza y destrucción que resulta profundamente perturbadora.

Esta estética se inspira directamente en el concepto de que la belleza extrema puede volverse inquietante, muy presente en el terror japonés. La protagonista —una joven que deberá enfrentarse a decisiones difíciles— explorará esta dualidad entre lo hermoso y lo monstruoso.

Un nuevo enfoque narrativo

Uno de los grandes nombres detrás de este proyecto es Ryukishi07, autor de las novelas visuales When They Cry. Para él, Silent Hill es tanto un lugar como una metáfora del tormento interior de cada personaje. Y bajo esa premisa, ha construido una historia que promete remover emociones.

Te contamos todo lo que reveló en el último Silent Hill Transmission sobre la esperada entrega Silent Hill f

“Silent Hill es también una batalla psicológica con el pecado, el sufrimiento y los traumas internos”, afirmó. Y en esta ocasión, el personaje femenino no será una simple víctima: tomará sus propias decisiones, incluso si estas la llevan a destinos peores.

La criatura más bonita y aterradora que has visto

Para dar forma a este nuevo universo, Konami ha contado con el artista kera, encargado del diseño de criaturas. Su reto fue lograr algo “hermoso y aterrador”, manteniéndose fiel al espíritu de la saga, pero aportando algo único. Por lo que se ha mostrado, su trabajo ha dado en el clavo.

Además, el juego contará con una nueva dimensión llamada “Dark Shrine”, la versión renovada del clásico “Otro Mundo”. Y cómo no, esta nueva dimensión tendrá su propia atmósfera sonora.

Música que hiela la sangre (y el alma)

¿Quién mejor para componer la música del Fog World que Akira Yamaoka? El compositor original de la saga regresa para Silent Hill f, combinando sonidos tradicionales japoneses con esa angustia melódica tan suya. Y en el Dark Shrine, entra en escena Kensuke Inage, que ha creado un sonido más ritual, etéreo y escalofriante, basado en la música ceremonial de los antiguos cortes japoneses.

Según Inage, “la música está pensada para conectar al jugador con el sufrimiento y el miedo de la protagonista”. Y si hay algo que esta saga sabe hacer bien, es precisamente eso: sumergirte en el horror desde dentro.

Una historia independiente, pero 100% Silent Hill

Aunque no conecta directamente con las tramas anteriores, Silent Hill f es puro Silent Hill en espíritu. Tiene sus mundos paralelos, simbolismo oscuro, monstruos deformes y una narrativa centrada en el trauma y la culpa.

Y para quienes se preguntan si hace falta haber jugado a los títulos anteriores: la respuesta es no. Silent Hill f se ha diseñado para ser accesible a nuevos jugadores, pero con guiños suficientes para que los fans veteranos se sientan en casa.

Por ahora, no hay fecha de lanzamiento confirmada, pero ya se puede añadir a la lista de deseos en PlayStation, Xbox, Steam y Epic Games. Eso sí, viendo el avance del desarrollo, no debería tardar mucho.

Te contamos todo lo que reveló en el último Silent Hill Transmission sobre la esperada entrega Silent Hill f

¿Será este el renacer definitivo de la saga?

Tras el éxito del remake de Silent Hill 2 en 2024, las expectativas están por las nubes. Y si Silent Hill f logra cumplir con lo que promete, podríamos estar ante uno de los capítulos más originales e impactantes de la franquicia.

Terror psicológico, folklore japonés, una dirección artística brutal y una protagonista que se enfrenta al horror con decisión… Silent Hill f no solo pinta bien, pinta inolvidable.

El épico final de la 3ª temporada de Invencible redime la escena más injusta de Atom Eve en los cómics

Invencible

La serie de Prime Video reescribe uno de los peores momentos del cómic original de Invencible… y lo convierte en oro superheroico

El épico final de la 3ª temporada de Invencible redime la escena más injusta de Atom Eve en los cómics

Desde que se estrenó la serie animada de Invencible, los fans del cómic original han estado atentos a cada cambio, cada giro, cada mejora. Y con el final de la tercera temporada, Amazon Prime nos ha regalado algo que llevábamos años esperando: justicia para Atom Eve. Porque si alguna vez hubo un personaje maltratado por su propio universo en las viñetas, esa fue ella. Pero la animación ha dicho basta… y lo ha hecho a lo grande.

El épico final de la 3ª temporada de Invencible redime la escena más injusta de Atom Eve en los cómics

Atom Eve brilla por fin con luz propia

En lugar de repetir una de las escenas más misóginas del cómic, la serie ha transformado a Eve en la heroína poderosa, inteligente y brillante que siempre debió ser. Y lo mejor de todo es que esta decisión no solo mejora su arco, sino que redefine cómo deben tratarse los personajes femeninos en el género de superhéroes.

Los cómics de Invencible, escritos por Robert Kirkman, tienen muchos puntos fuertes. Pero el trato a Eve, especialmente en su enfrentamiento con Conquest, no era uno de ellos. En las viñetas, este momento es poco más que un triste cliché: ella intenta salvar a Mark, pone un escudo, el villano lo revienta en un segundo y le atraviesa el torso. Literalmente. Y todo para que Mark se enfade y luche mejor. Vamos, el típico “ella sufre para que él brille”.

En cambio, en la serie, el equipo liderado por Kirkman y animado por Amazon ha decidido que esa narrativa no tenía cabida en el 2025. La Eve que vemos en pantalla no es un adorno romántico ni una víctima útil: es una diosa molecular en modo furia. Se pone el traje, descompone materia, manipula densidad del aire, convierte sólidos en agua y planta cara a uno de los villanos más temibles de todo el universo Viltrumita.

Y aunque no gana, lo que hace en ese combate es mucho más de lo que cualquier otro héroe terrestre ha conseguido jamás. Ella no solo se enfrenta a Conquest: le demuestra a toda la audiencia que ha dejado de ser secundaria.

De interés romántico a protagonista con autonomía

Desde su primera aparición, la Atom Eve de la serie ha sido distinta. Sí, sigue enamorada de Mark, pero su identidad no gira en torno a él. Tiene motivaciones, conflictos, un pasado y un presente que existen por sí mismos. De hecho, Prime Video incluso le dedicó un especial completo solo para explorar su historia. Un privilegio raro para personajes femeninos en este tipo de producciones.

El épico final de la 3ª temporada de Invencible redime la escena más injusta de Atom Eve en los cómics

El combate contra Conquest es la culminación de todo ese desarrollo. No es solo una escena de acción espectacular, que lo es. Es una declaración de intenciones: Eve no está aquí para que Mark tenga algo que perder, está para luchar, decidir, resistir y seguir adelante. Aunque duela. Aunque pierda. Aunque le atraviesen el torso de nuevo.

Y es que, en esta versión, hasta ese momento de debilidad se siente distinto. No es la típica damisela en apuros: es una heroína que da todo lo que tiene, sin miedo.

Una evolución que marca la diferencia en el género

No todo ha sido perfecto. A veces la trama aún coquetea con hacer de Eve una sombra de Mark. Pero, a diferencia de los cómics, la serie se esfuerza por construir a Eve como una figura autónoma, que no necesita del protagonista masculino para existir. Y en un género tan plagado de estereotipos y roles machistas, eso ya es decir mucho.

Gracias a esto, Atom Eve se ha convertido en uno de los personajes más queridos y respetados de la serie. Su capacidad de evolucionar, de levantarse, de no rendirse… la han convertido en un ejemplo para miles de espectadores.

Invencible no solo nos ha mostrado un mundo en el que los superhéroes sangran, sufren y se equivocan. También nos ha enseñado que los personajes femeninos no tienen por qué ser relegados a víctimas o novias trágicas. Pueden ser protagonistas, luchadoras, científicas, líderes. Pueden tener una voz y una historia propias.

El combate que cambió la historia

No es casualidad que este rediseño ocurra justo en uno de los momentos más icónicos del cómic. El enfrentamiento con Conquest era, para muchos, un símbolo de todo lo malo que Invencible podía llegar a ser. Ahora se ha convertido en el ejemplo de todo lo que puede ser cuando se hace bien.

El épico final de la 3ª temporada de Invencible redime la escena más injusta de Atom Eve en los cómics

La rabia de Eve, su decisión de intervenir aunque esté débil, su forma de usar los poderes no solo con fuerza, sino con inteligencia, nos regalan una de las mejores escenas de acción de toda la serie. Y lo más importante: nos devuelve la esperanza de que el género superheroico puede aprender de sus errores.

Blancanieves lidera la taquilla pero decepciona con sus con cifras

Blancanieves

Ni la magia de Disney ni la nostalgia pudieron salvarla del maleficio del estreno tan flojo del live action de Blancanieves

Blancanieves lidera la taquilla pero decepciona con sus con cifras

Blancanieves llegó para reinar en la taquilla… pero lo hizo más por falta de competencia que por mérito propio. Con un debut de 43 millones de dólares, la nueva versión en acción real del clásico de Disney se coloca en lo más alto del ranking semanal en Estados Unidos, aunque lo hace con un sabor más amargo que una manzana envenenada. En lugar de rescatar a la industria del cine como muchos esperaban, su estreno confirma lo que ya veníamos sospechando: 2025 está siendo un año para olvidar en la taquilla.

Una taquilla poco prometedora

Desde que se anunció, esta Blancanieves venía arrastrando polémicas: retrasos en su lanzamiento, críticas al CGI y un eterno debate sobre la representación de los personajes. Todo eso fue generando una tormenta perfecta de mala prensa que, al parecer, ha hecho mella en el interés del público. La película, protagonizada por Rachel Zegler y Gal Gadot, no ha conseguido conectar con las masas, y su puntuación de B+ en CinemaScore apunta a que no tendrá un largo recorrido en cartelera.

Para Disney, que ha visto cómo algunas de sus versiones en imagen real funcionaban muy bien en años anteriores, esto es un duro golpe. No estamos ante un El Rey León o La Bella y la Bestia. Esto se parece más a la fría recepción que tuvo Pinocho o incluso Peter Pan & Wendy, que terminaron diluyéndose en el catálogo de Disney+.

Pero el problema no es solo de Blancanieves. El arranque de 2025 está siendo una travesía por el desierto para Hollywood. Salvo Capitán América: Brave New World, que ha logrado superar los 100 millones de dólares (y por los pelos), ningún estreno ha reventado la taquilla ni ha cruzado la barrera psicológica de los 100 millones en su debut. Ni uno solo.

Un panorama taquillero sombrío

El resto del top 5 semanal da pena verlo:

  • Black Bag: 4,4 millones
  • Capitán América: Brave New World: 4,1 millones
  • Mickey 17: 3,9 millones
  • Novocaine: 3,7 millones

Parece un ranking sacado de una semana de enero, no del comienzo de primavera. Las salas de cine están llenas de títulos que no entusiasman, que no mueven al público, y que solo rellenan espacios vacíos. Los grandes estrenos siguen sin convencer, y cada vez cuesta más sacar a la gente de casa para sentarse en una butaca frente a la gran pantalla.

Blancanieves lidera la taquilla pero decepciona con sus con cifras

Y ojo, que lo de Blancanieves podría quedarse en anécdota si el próximo fin de semana lo confirma. Las previsiones apuntan a que tendrá una caída del 50-60%, lo que abriría la puerta para que Jason Statham, sí, Jason Statham, le arrebate el primer puesto con su nueva peli de acción: A Working Man. Se estima que este thriller pueda rozar los 22 millones, lo justo para arrebatarle la corona a la princesa.

¿Es el fin de la fórmula Disney?

Una pregunta empieza a flotar en el aire: ¿ha caducado la fórmula de los remakes live-action? Lo que hace unos años parecía una mina de oro para Disney, ahora empieza a mostrar signos de agotamiento. La nostalgia ya no tira tanto, y el público parece cansado de ver una y otra vez las mismas historias con un filtro más oscuro, CGI brillante y un discurso algo forzado.

En el caso de Blancanieves, también se ha notado que sus dos protagonistas, Rachel Zegler y Gal Gadot, no han conseguido ganarse al público como se esperaba. Las declaraciones de Zegler durante la campaña promocional, mezcladas con ciertas tensiones por temas de actualidad, han generado más ruido que hype. Y ese ruido, por muy viral que sea, no se traduce en entradas vendidas.

¿Qué viene ahora?

El próximo fin de semana pinta algo más animado, pero tampoco es que venga el apocalipsis de estrenos. Además de A Working Man, también llegan Death of a Unicorn (una rareza de A24 con Paul Rudd y Jenna Ortega) y The Woman in the Yard, lo nuevo de Blumhouse intentando levantar cabeza. Ninguna parece tener el poder de revivir un año que va camino de cerrar el primer trimestre con un descenso del 7% respecto a 2024.

Blancanieves lidera la taquilla pero decepciona con sus con cifras

Así que sí, Blancanieves lidera la taquilla, pero lo hace en un trono bastante polvoriento, sin aplausos ni ovaciones. Más bien, como única ocupante de un castillo en ruinas, donde nadie quiere quedarse demasiado tiempo.

El director de Minecraft tiene una explicación sorprendente para el curioso título de la película

Minecraft

La nueva película basada en el famoso videojuego no se llama “The Minecraft Movie”, y hay una razón creativa detrás de eso

El director de Minecraft tiene una explicación sorprendente para el curioso título de la película

¿Qué ocurre cuando un juego sin historia fija salta a la gran pantalla? Esa es justo la pregunta que los fans de Minecraft se han hecho al ver el título oficial de su esperada adaptación cinematográfica: A Minecraft Movie. Sí, con ese “A” al principio, no “The”. Y aunque parece un detalle sin importancia, en realidad es una declaración de intenciones de los creadores. Según explicaron Jared Hess (el director) y Mary Parent (presidenta de producción mundial de Legendary) en Variety, ese pequeño artículo indefinido encierra toda la filosofía detrás del proyecto.

El significado del título A Minecraft Movie

“Lo llamamos A Minecraft Movie porque respetamos el hecho de que no hay una única historia que defina el juego”, dijo Mary Parent. Y es que, como cualquier jugador sabrá, Minecraft no tiene una narrativa preestablecida. No hay héroes oficiales, ni villanos concretos. Solo tú, el mundo que construyes y lo que decidas hacer con él.

Jared Hess, conocido por dirigir joyas del humor absurdo como Napoleon Dynamite y Nacho Libre, también lo dejó claro: “No somos la historia oficial. No estamos canonizando nada. Somos solo una de entre un millón de historias posibles”.

Este enfoque, en lugar de limitar, abre las puertas a infinitas posibilidades narrativas. No intenta definir el universo de Minecraft, sino jugar en él. Y eso, para muchos fans, es justo lo que necesitaban escuchar.

Una película con una clara declaración de intenciones

En este sentido, A Minecraft Movie se presenta como una especie de fan fiction con presupuesto de blockbuster. Una aventura que nace dentro del espíritu libre y creativo que hizo tan popular al videojuego. Como si alguien dijera: “oye, esta es solo una forma de contar algo con bloques y creepers… tú puedes imaginarte la tuya”.

Y hablando de imaginación, el apartado visual también se ha atrevido con lo absurdo. No faltan piglins, llamas y esas construcciones imposibles que hacen del juego una caja de locuras pixeladas. “Hay muchas cosas en Minecraft que son absurdas. Eso es parte de lo divertido”, dijo Parent. Según ella, el tono ha sido clave, y nadie mejor que Hess para entenderlo y aplicarlo.

El director de Minecraft tiene una explicación sorprendente para el curioso título de la película

La película más absurda del año… y con orgullo

En los tráilers lanzados hasta la fecha, se nota que A Minecraft Movie no quiere ir de seria ni parecerse a otras adaptaciones más solemnes. Está llena de referencias, humor visual y personajes que parecen sacados directamente del inventario del juego. Para algunos puede parecer raro, pero para quienes llevan años picando piedra en este universo, es parte del encanto.

La elección del tono no ha sido casual. Con Hess al mando, la película apuesta por el humor inteligente, lo ridículo y lo entrañable. En resumen, ese tipo de humor que hace que un tipo vestido de luchador mexicano resulte entrañable en Nacho Libre.

No es una sorpresa que este equipo haya optado por la autoexpresión por encima de la fidelidad canónica. Minecraft, al fin y al cabo, nunca se trató de una historia cerrada. Se trata de ti. De lo que tú quieras construir.

¿Seguirá el camino de Super Mario o de Borderlands?

El éxito o fracaso de la película aún está por verse. Las adaptaciones de videojuegos han tenido un historial mixto en taquilla. Ahí están los casos de The Super Mario Bros. Movie o Sonic, que arrasaron, frente a títulos como Borderlands, que han generado dudas incluso antes de estrenarse.

El director de Minecraft tiene una explicación sorprendente para el curioso título de la película

Phil Spencer, CEO de Microsoft Gaming, habló recientemente sobre este tema: “Estamos aprendiendo y creciendo en este proceso. Cuanto más lo intentamos, más confianza ganamos”, aseguró. Spencer confirmó que la compañía ha tomado nota de adaptaciones anteriores como Halo o la próxima Fallout, para construir productos cada vez más sólidos.

Así que, aunque A Minecraft Movie no prometa ser la película definitiva del juego, sí parece que va a ser una fiel representación de su espíritu. No es la historia, es una historia. Y eso, en un universo donde puedes construir desde una granja de pollos automática hasta una réplica del Taj Mahal, suena bastante acertado.

La estatua de Guts de Berserk regresa por todo lo alto con una edición mejorada tras 10 años de espera

Berserk

Una de las figuras más buscadas de Berserk vuelve renovada, con nuevos detalles y un precio que hará temblar a Griffith

La estatua de Guts de Berserk regresa por todo lo alto con una edición mejorada tras 10 años de espera

Durante una década ha permanecido casi como una leyenda, una de esas piezas que los coleccionistas de Berserk susurran con reverencia. Pero el regreso del guerrero maldito ya es oficial: Gecco vuelve a lanzar su estatua de Guts basada en el arco “Lost Children”, y esta vez lo hace con una versión que lleva el concepto de mejora a otro nivel.

Estatua Guts

Pocos personajes del manga tienen el peso simbólico y visual de Guts, el Espadachín Negro. Su diseño, brutal y lleno de cicatrices —literalmente y metafóricamente—, ha sido replicado en todo tipo de productos a lo largo de los años. Pero esta nueva figura escala 1/6, titulada Guts, Lost Children Arc, The Black Swordsman Redecoration Ver., no es un simple relanzamiento: es una reinvención de una de las estatuas más emblemáticas de 2015.

Gecco ha utilizado técnicas de pintura avanzadas y ha remodelado detalles clave, ofreciendo una figura que no solo revive la nostalgia, sino que supera a su antecesora en calidad y realismo. Y sí, también en precio.

Una obra de arte con más sangre, detalles y… ¡Puck en el hombro!

El verdadero poder de esta figura no está solo en su escala —unos imponentes 38 cm de altura—, sino en la fidelidad al espíritu del manga de Kentaro Miura. Ahora Guts lleva a Puck tallado directamente en su hombro izquierdo, con una nueva ballesta esculpida en la misma mano. En la versión original, Puck aparecía dentro de la bolsa del guerrero, junto a un Beherit y otros objetos. Esta vez, la puesta en escena es más directa, más agresiva y más espectacular.

El acabado de la pintura ha sido completamente renovado, incorporando detalles sangrientos y una textura más realista en la armadura, la piel y la base —un cadáver enemigo que sostiene a Guts, como si el dolor fuera su pedestal eterno—. Como toque final, el símbolo de la Marca del Sacrificio se graba con precisión en la parte trasera del cuello, sumando otro guiño para los fans de hueso duro.

La estatua de Guts de Berserk regresa por todo lo alto con una edición mejorada tras 10 años de espera

Dos rostros, un mismo destino

La figura permite intercambiar entre dos expresiones faciales, dando opción a mostrar a Guts en actitud más serena (si eso es posible en él) o directamente enfurecido, como lo conocimos en sus momentos más oscuros del manga. Compuesta por PVC, ABS y poliuretano, es una pieza robusta pensada para ocupar un lugar destacado en cualquier estantería… siempre que la estantería pueda soportar su presencia.

¿El precio de tener a Guts en casa? Nada menos que 469,99 dólares (unos 435 euros al cambio actual). Un coste que, para muchos, puede parecer otra Marca del Sacrificio, pero que para otros es simplemente el tributo que se paga por tener una figura digna de los apóstoles.

El momento perfecto para los fans de Berserk

El regreso de esta figura no es casual. Desde que Kouji Mori tomó el relevo de Miura tras su fallecimiento en 2021, la serie Berserk ha visto un aumento brutal en popularidad. En 2024, uno de sus tomos fue el manga más vendido en Estados Unidos, superando a gigantes como Chainsaw Man y Jujutsu Kaisen. La historia de venganza, sufrimiento y redención de Guts ha conectado con una nueva generación de lectores, y los objetos de coleccionismo como esta estatua están viviendo un auténtico boom.

La estatua de Guts de Berserk regresa por todo lo alto con una edición mejorada tras 10 años de espera

Una joya para unos pocos (y muy afortunados)

Los preorders ya están disponibles en la web oficial de Gecco, aunque el lanzamiento no será inmediato: la estatua está programada para salir entre septiembre y noviembre de 2025. Así que si eres fan de Berserk, tienes más de un año para ir ahorrando o vender tu alma a los dioses del Vacío. Lo que prefieras.

Una cosa está clara: el legado de Kentaro Miura sigue más vivo que nunca, y esta figura es una forma brutal —y hermosa— de rendirle homenaje.