Aunque su andadura fue breve, Batwoman logró capturar la esencia de una Gotham en caos tras la desaparición de Batman. Kate Kane y luego Ryan Wilder, se ponen la capa para combatir el crimen, mostrando que el manto de héroe puede ser asumido por cualquiera con el valor de enfrentarse a la adversidad.
Clásicos animados que nunca pasan de moda
Static Shock no solo fue pionero al presentar a un superhéroe afroamericano como protagonista, sino que también abordó temas sociales relevantes que aún resuenan en la audiencia. Por otro lado, Batman: La Serie Animada, sigue siendo un referente del género, ofreciendo algunas de las historias más memorables del caballero oscuro.
Ninguna discusión sobre series de superhéroes estaría completa sin mencionar a Wonder Woman. La interpretación de Lynda Carter como Diana Prince no solo definió el papel, sino que también ayudó a establecer a la mujer maravilla como un símbolo feminista durante y más allá de los años 70.
En una vuelta de tuerca a los relatos tradicionales, series como Peacemaker y Kite Man: Hell Yeah! ofrecen una perspectiva satírica y a veces absurda del universo de los superhéroes, mostrando que incluso los personajes más inverosímiles pueden tener su momento de gloria.
Además, la interacción entre las series y los desarrollos cinematográficos continúa enriqueciendo el universo DC. Por ejemplo, la transición de personajes como Nightwing, de un compañero juvenil en las series animadas a un héroe independiente en Titans, muestra un crecimiento que los seguidores pueden apreciar a lo largo de los años. Esta coherencia y evolución en la narrativa son claves para mantener enganchados a los fans, demostrando que cada serie no solo entretiene, sino que también contribuye al legado de DC.
La saga de Harry Potter, basada en las novelas de J.K. Rowling, capturó la imaginación de millones. En esta primera entrega, seguimos a Harry, un joven huérfano que descubre que es un mago. La mezcla de amistad, magia y la lucha entre el bien y el mal la convierten en un clásico que no debe faltar en la colección de ningún fan de la fantasía. Esta película establece las bases para un mundo lleno de aventuras que ha influido en toda una generación.
3. La historia interminable (1984)
Un verdadero clásico de la fantasía, La historia interminable es una adaptación de la novela homónima de Michael Ende. La historia sigue a un niño llamado Bastian, quien se sumerge en un libro mágico que lo transporta a un mundo de criaturas fantásticas. A través de sus páginas, Bastian se enfrenta a la oscuridad que amenaza con consumir el reino de Fantasía. La película, llena de imaginación y emoción, sigue siendo un referente de la fantasía infantil.
4. El laberinto del fauno (2006)
Bajo la dirección de Guillermo del Toro, esta obra maestra combina fantasía y horror en una historia ambientada en la España de 1944. Ofelia, una joven, descubre un mundo de criaturas mágicas y un fauno que le encomienda tres tareas para demostrar su valía. El laberinto del fauno es una exploración conmovedora de la inocencia perdida y el poder de la imaginación, con una estética visual impresionante.
5. Los Goonies (1985)
Aunque no es una película de fantasía en el sentido tradicional, Los Goonies captura el espíritu de la aventura y la camaradería. Un grupo de niños se embarca en una búsqueda del tesoro que los lleva a enfrentar desafíos y a descubrir secretos familiares. La mezcla de humor, aventura y amistad ha convertido a esta película en un clásico de culto que sigue siendo amado por las nuevas generaciones.
6. Las crónicas de Narnia: El león, la bruja y el armario (2005)
Considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos, La princesa prometida es una mezcla de aventura, romance y humor. La historia de Buttercup y Westley ha capturado corazones durante décadas, y sus icónicas citas y personajes memorables la han consolidado como una obra maestra de la comedia romántica y de fantasía.
Una joya de Disney, La bella y la bestia cuenta la historia de un príncipe maldito que debe aprender a amar y ser amado antes de que sea demasiado tarde. La película no solo destaca por su hermosa animación, sino también por su mensaje sobre la belleza interior y la redención. Conmemorando la magia del amor, es un relato que resuena en todas las edades.
Estas diez películas no solo son entretenidas, sino que también ofrecen lecciones valiosas y momentos emotivos que han dejado huella en la cultura popular. Desde la lucha entre el bien y el mal hasta el poder de la amistad y la valentía, cada una de estas historias invita a los espectadores a soñar y a explorar mundos que, aunque ficticios, resuenan profundamente en la experiencia humana.
La segunda temporada de Andor se estrena justo después de la convención de fans Star Wars Celebration, evento que tendrá lugar desde el 18 hasta el 20 de abril de 2025.
La serie protagonizada por Diego Luna es considerada por muchos fans de Star Wars como uno de los mejores proyectos de la saga en los últimos años, por eso Disney y Lucasfilm están apostando por esta producción para que sea la cara de la franquicia en 2025.
Las series se ha convertido en uno de los mejores escenarios para adaptar historias de cómics a la pantalla, por eso, te traemos una lista de las que han conseguido transferir ese tratamiento adulto tanto en su trama como en sus personajes
En un mundo donde los superhéroes son tratados como mercancías, The Boys ofrece una crítica mordaz a la cultura de las celebridades y la corrupción empresarial. La serie sigue a un grupo de vigilantes que luchan contra un equipo de superhéroes corruptos, explorando la delgada línea entre el heroísmo y la avaricia. Eric Kripke captura la esencia de los cómics de Garth Ennis, elevando el material original a nuevas alturas.
3. El ascenso del villano
Ambientada tras los eventos de The Batman, El Pingüino es un emocionante drama criminal que presenta la historia de Oz Cobblepot en su lucha por el control de Gotham. A diferencia de la típica narrativa de superhéroes, la serie se asemeja a un drama criminal de Martin Scorsese, explorando el lado oscuro del crimen organizado con una profundidad de carácter impresionante. La actuación de Colin Farrell es particularmente destacable, aportando matices a su personaje que lo hacen memorable.
Legion se adentra en un territorio que pocos shows de cómics se atreven a explorar: la psicología. La historia de David Haller, un hombre que descubre que sus «voces internas» son, de hecho, manifestaciones de sus poderes mutantes, desafía las convenciones del género. Con un enfoque surrealista y una dirección artística audaz, Legion se convierte en un viaje visual que desafía la lógica y ofrece una experiencia única.
7. Horror y belleza
Aunque Swamp Thing fue cancelada prematuramente, su única temporada fue un festín visual de horror gótico y narración efectiva. La serie captura la esencia de los cómics de Alan Moore, explorando temas de identidad y el horror del cuerpo con efectos prácticos impresionantes. La atmósfera oscura y los temas complejos crean una experiencia inigualable para los fans del género.
The Boondocks es una serie animada que combina humor y crítica social. La historia de dos hermanos que se mudan a un suburbio mayormente blanco explora temas raciales y culturales de una manera única. Su mezcla de acción y comedia hace que sea un referente en la televisión, ofreciendo una visión provocadora de la sociedad contemporánea.
La evolución de las series de cómics hacia un público maduro ha permitido la exploración de temas complejos y controversiales. Desde la violencia y la psicología hasta la crítica social, estas series ofrecen narrativas que no solo entretienen, sino que también invitan a la reflexión. Si buscas entretenimiento que desafíe las normas, estas diez series son imprescindibles.
La incorporación de Nakano no solo marca un hito paraOne Piecesino que también asegura que la dirección creativa de la serie esté en manos de alguien con un historial probado de éxito. Durante su tiempo en Shonen Jump, Nakano estuvo a cargo de series que transformaron el género shonen, como Dragon Ball, Naruto y Demon Slayer, catapultando la revista a la fama mundial y haciendo de ella una referencia obligada para los fans del manga.
Un nuevo capítulo para One Piece
La saga de los Piratas de Sombrero de Paja, que actualmente se encuentra en su «Saga Final», está atravesando por un momento crítico. La serie de anime está en pausa mientras Toei Animation transmite una versión remasterizada del arco «Isla Gyojin», una pausa estratégica que permite al manga tomar la delantera en la narrativa y facilita la colaboración de Eiichiro Oda, creador de la serie, en la segunda temporada de la adaptación live-action de Netflix.
La nueva posición de Nakano promete no solo mantener a los leales seguidores de la serie sumergidos en contenido exclusivo, como películas especiales y proyectos únicos ligados al universo deOne Piece, sino también atraer a nuevos espectadores con innovaciones y expansiones en la franquicia.
La estrategia de Nakano apunta a una fusión de innovación y respeto por la tradición que ha caracterizado a One Piece desde su debut en 1997. Las aventuras de Luffy D. Monkey y su tripulación, los Piratas de Sombrero de Paja, han capturado la imaginación de los fans por más de dos décadas. Con Nakano al mando, la promesa es doble: profundizar en la rica historia de la serie y explorar nuevas fronteras en la forma de series especiales y proyectos interactivos.
El legado continúa creciendo
Desde su estreno, One Piece ha sido más que un anime y un manga; se ha convertido en un fenómeno cultural que abarca adaptaciones cinematográficas y una reciente serie live-action de Netflix. La visión de Nakano podría muy bien ser el catalizador que lleve a One Piece más allá de los límites de lo convencional, ofreciendo a los fans viejos y nuevos una razón más para quedarse enganchados en este viaje épico.
Las expectativas están altas y los ojos de los aficionados y críticos estarán puestos en cómo Nakano manejará su nueva posición. Pero si su trayectoria en Shonen Jump es algo por lo que pasar, One Piece está en camino a una era de renovación y vigor sin precedentes.
El corazón de One Piece
Desde su primera aparición en 1997, Luffy D. Monkey ha sido el alma de One Piece, liderando a los Piratas de Sombrero de Paja en búsqueda del tesoro legendario que da nombre a la serie. A lo largo de las décadas, Luffy se ha destacado no solo por su carisma y determinación, sino también por su peculiar habilidad de estirarse como goma, gracias a haber comido la fruta del diablo Gomu Gomu no Mi. Esta habilidad única le ha permitido enfrentar enemigos de gran poder y salir victorioso de situaciones que parecen completamente adversas.
Comparado con otros personajes icónicos de anime y manga, Luffy se distingue por su optimismo infalible y su lealtad inquebrantable hacia su tripulación. Mientras otros héroes como Naruto Uzumaki o Ichigo Kurosaki han luchado por ideales y la protección de sus seres queridos, Luffy persigue la aventura por la aventura misma, encarnando el espíritu libre y aventurero del género shonen. Esta filosofía central es lo que ha mantenido a One Piece relevante y emocionante a través de los años, prometiendo que bajo la dirección de Nakano, la franquicia continuará explorando nuevos horizontes con el mismo espíritu audaz.
Aunque ahora se prepara para brillar como Lex Luthor en el próximo reboot de Superman, Nicholas Hoult aún recuerda con cierta nostalgia su casi llegada al papel de Bruce Wayne en The Batman. En una entrevista reciente con Josh Horowitz para el podcast Happy Sad Confused, Hoult compartió su experiencia de casi haber interpretado a otro héroe icónico de DC. «Claro que es un golpe emocional porque ¡tu imaginación no entiende! Te das cuenta a nivel práctico, sabías que competías contra Rob, y Rob es fantástico en esa película,» admitió Hoult.
El actor expresó que, aunque en un principio se sintió desilusionado, reconoce que Pattinson fue la elección correcta para el oscuro y complejo mundo de Matt Reeves. «Pienso que fue la decisión correcta, pero también, te emocionas con la perspectiva — Matt es un director fantástico y el guion y todo lo demás, pensé, ‘Va a ser una película genial. Quiero ser parte de ella, y un personaje brillante.'»
De casi Batman a Lex Luthor en Superman
El destino quiso que Hoult no se quedara con las manos vacías. James Gunn, el director de la nueva película de Superman, vio en él al perfecto antagonista para enfrentar a David Corenswet, quien da vida al Hombre de Acero. En esta nueva entrega, que también cuenta con Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nathan Fillion como Guy Gardner/Green Lantern, Hoult ha tenido que someterse a una notable transformación física para interpretar a un Lex Luthor más imponente y cerebral.
Las imágenes del set muestran a un Hoult completamente calvo, adoptando no solo el look sino la esencia de Luthor, enfrentándose a Superman en lo que promete ser una de las historias más emocionantes del DCU. Hoult, conocido también por su papel de Hank McCoy/Bestia en la franquicia de X-Men, recientemente ha compartido pantalla con Clint Eastwood en el thriller legal aclamado, Juror No. 2, y se le verá próximamente en el remake de Nosferatu de Robert Eggers, que se estrena el día de Navidad.
Un nuevo comienzo en el Daily Planet y el enfrentamiento con un pasado kryptoniano
La nueva película de Superman, que se estrenará en cines el 11 de julio de 2025, nos llevará a los primeros días de Clark Kent en el Daily Planet, donde no solo deberá enfrentar a villanos como Luthor, sino también reconciliar su herencia kryptoniana con su vida en la Tierra. Esta historia promete un enfoque fresco y emocionante sobre el icónico superhéroe, mostrando un lado más humano y vulnerable, mientras se levanta para convertirse en el héroe que todos conocemos y amamos.
Hoult nos deja una lección de adaptabilidad y perseverancia en una industria tan cambiante como la del cine, demostrando que incluso los golpes más duros pueden llevarnos por caminos inesperadamente heroicos.
De las sombras de Gotham al brillo de Metrópolis
Nicholas Hoult no es ajeno a los desafíos actorales y su carrera lo demuestra, habiendo saltado de géneros y personajes con una facilidad envidiable. Desde sus días como un joven talento en About a Boy hasta sus roles maduros en la saga de X-Men, Hoult ha mostrado una capacidad única para adaptarse a las exigencias de cada nuevo personaje. Su transición de intentar ser Batman a convertirse en Lex Luthor no solo destaca su versatilidad, sino también su compromiso con el desarrollo de personajes complejos.
En el contexto de los universos superheróicos, donde los personajes a menudo se reinventan para nuevas audiencias, la elección de Hoult como Luthor podría señalar un cambio interesante en la interpretación del villano. Comparando con versiones anteriores por actores como Gene Hackman y Kevin Spacey, Hoult promete aportar una nueva dimensión a Lex Luthor, mezclando carisma con la calculadora maldad que requiere el archienemigo de Superman. Esta nueva versión podría ser crucial para definir el tono de la nueva era del DCU, ofreciendo una frescura necesaria en un mundo ya conocido por sus icónicos duelos entre el bien y el mal.
A pesar de ser una figura divisiva entre los fans, Kaguya Otsutsuki es fundamental en la historia. Su llegada al relato se sintió forzada, pero su influencia es innegable. Actúa como el villano final en Shippuden, conectando eventos clave que impactan incluso en Boruto. Kaguya demuestra ser una prueba de fuego para el equipo 7, lo que permite mostrar su crecimiento a lo largo de la serie. Aunque sus métodos fueron extraños, su legado perdura, destacando su formidable poder que casi somete a todos los shinobi.
Karin, la kunoichi con una conexión especial
Karin se introduce como una kunoichi con un pasado oscuro, habiendo servido a Orochimaru y luego a Taka, el grupo de Sasuke Uchiha. Su habilidad para percibir el chakra de otros le otorga un papel único, brindando perspectivas sobre sus compañeros. Además, su linaje del clan Uzumaki agrega un interés adicional, mostrando un lado del potencial que Naruto pudo haber heredado. Con su gran reserva de chakra y habilidades curativas, Karin es un adversario a tener en cuenta.
Kabuto, el subestimado genio de las sombras
Kabuto Yukichi es un villano que se presenta como un aprendiz inexperto, pero rápidamente revela su verdadera naturaleza como mano derecha de Orochimaru. Su crecimiento y eventual papel en la resurrección de Madara lo convierten en uno de los villanos más complejos de la serie. Con habilidades médicas sobresalientes y un enfoque científico del ninjutsu, su carácter se convierte en un símbolo de traición y ambición. Su desarrollo como villano refleja el conflicto de identidad que vive a lo largo de la historia.
Isshiki Otsutsuki es una de las amenazas más formidables de la serie, capaz de achicar objetos y manipular el espacio a su antojo. Su presentación en Boruto como un monstruo sin remordimientos establece un nuevo estándar para los antagonistas. Con su conexión a Jigen, el líder de Kara, se demuestra que incluso los héroes más poderosos tienen límites cuando se enfrentan a fuerzas como él. Su amenaza es tan inminente que los héroes deben recurrir a tácticas desesperadas para sobrevivir.
Deidara, el artista de la explosión
Deidara, conocido por su obsesión con el arte de la explosión, es un miembro destacado de la Akatsuki. Su personalidad excéntrica y su enfoque en el arte como forma de vida lo convierten en un villano singular. A pesar de su papel relativamente pequeño, su impacto es fuerte y memorable, especialmente en su enfrentamiento con Sasuke. La muerte de Deidara, en un intento por llevarse a sus enemigos con él, resalta su dedicación y locura, un acto de desesperación que lo cementa como un villano carismático.
Kisame Hoshigaki, el monstruo del agua
Kisame, apodado el «Monstruo de la Neblina Oculta», es un guerrero que se distingue por su brutalidad y lealtad a la Akatsuki. Su espada Samehada no solo es un arma formidable, sino que también simboliza su conexión con el agua y su estrategia de combate. A diferencia de otros villanos, Kisame nunca vacila en sus creencias, incluso en los momentos más oscuros. Su sacrificio final, cuando elige morir antes que revelar secretos, muestra la profundidad de su carácter y su compromiso.
Hidan, el imbatible asesino ritual
Hidan destaca entre los miembros de la Akatsuki por su insaciable devoción a Jashin, lo que lo convierte en un villano inquietante. Su capacidad para desafiar la muerte lo hace aún más aterrador. La muerte de Asuma Sarutobi a manos de Hidan resuena profundamente en los fans, estableciendo un tono de desesperanza y tristeza. Sus rituales de asesinato, que se asemejan a cultos antiguos, ofrecen una perspectiva única en la narrativa, diferenciándolo de otros antagonistas.
Zabuza Momochi, el primer gran antagonista
Zabuza Momochi es el primer gran villano que los fans conocen en Naruto. Su trágica historia y su lucha por encontrar un propósito en un mundo que lo usa como herramienta lo convierten en un personaje multifacético. A través de su relación con Haku, se explora la idea del sacrificio y la redención. Su enfrentamiento con Kakashi y el equipo 7 marca un punto de inflexión en la narrativa, poniendo en evidencia las fallas del sistema ninja.
Gaara, de enemigo a aliado
Gaara es otro ejemplo de un villano que se transforma en héroe. Su introducción como un enemigo temible lo estableció como una de las amenazas más significativas de la serie. Sin embargo, su evolución y redención crean una narrativa poderosa sobre el dolor y la búsqueda de identidad. Su conexión con Naruto y su eventual cambio de corazón hacen de Gaara uno de los personajes más complejos y fascinantes de la saga.
Itachi Uchiha es un personaje que encarna la complejidad de la moralidad. Su sacrificio por el bien de Konoha y su papel en la tragedia de su clan lo convierten en uno de los villanos más queridos. A pesar de ser un asesino, sus motivos y su deseo de proteger a su hermano Sasuke resaltan su humanidad. La historia de Itachi es una lección sobre el dolor, la responsabilidad y la redención.
Obito Uchiha, el peón del destino
Obito Uchiha es una figura trágica que pierde su camino debido al dolor y la traición. Bajo la máscara de Madara, manipula eventos que llevan a la guerra, pero su historia es también una de redención. Su sacrificio final para salvar a Naruto y Sasuke es un testimonio de su evolución como personaje. Obito representa la lucha entre la oscuridad y la luz, un tema recurrente en la franquicia.
Orochimaru, el villano eterno
Orochimaru es, sin duda, uno de los villanos más aterradores desde el principio de Naruto. Su sed de poder y su naturaleza manipuladora lo convierten en una amenaza constante. Con un enfoque en la inmortalidad y el control, Orochimaru representa lo peor del deseo humano. Su legado persiste a lo largo de la serie, incluso en Boruto, lo que demuestra que su influencia es inextinguible.
La rica diversidad de villanos en la saga de ninjas no solo sirve como antagonismo, sino también como catalizador para el crecimiento y desarrollo de los personajes. Cada uno de ellos, con su complejidad y motivaciones, aporta a la narrativa un sentido de profundidad que resuena con los espectadores.
La serpiente y el coyote, publicada por cARTEm Cómics, es una espectacular historia de redención, traición y amor, donde no todo es lo que parece, en el que se ven involucrados agentes del FBI, la delincuencia organizada y personajes de lo más variopinto en los EE. UU. de la década de 1970
Con La serpiente y el coyote, el dúo Matz y Xavier amplían su trabajo sobre Tango. Si algunas escenas tienen lugar en la ciudad de Nueva York, con su urbanidad y estilo cosmopolita, el título del tomo pone bajo los focos y da protagonismo a los grandes espacios americanos, desde Nevada hasta todo el medio oeste del país.
Con este escenario, el lector podrá observar la inmensa calidad que atesora la obra de Philippe Xavier a los lápices sobre las vastas extensiones desérticas del oeste americano, sumergiéndolo junto con el guion de Matz en una historia en el umbral del western, una road movie y el thriller.
La historia pivota sobre un hecho real: el programa de protección de testigos creado en 1970 por la Oficina Federal de Investigación (FBI), para poder aprovechar el arrepentimiento de los delincuentes y actuar con mayor precisión contra la criminalidad organizada, pese a los resentimientos y resistencias de varios agentes y la propia institución policial.
El protagonista de La serpiente y el coyote, Joe, está parcialmente inspirado en Joseph Michael Valachi, alias Joe Cago, aunque inicialmente fuese Joe Cargo; nacido en el Harlem neoyorquino hijo de inmigrantes napolitanos. Estando prisionero por delitos graves en la cárcel de Atlanta, decidió ofrecer al FBI su declaración a cambio de protección y en 1963 declaró ante la Comisión McClellan del Senado de los EE. UU. Diez años más tarde, el 3 de abril de 1971, murió de un ataque al corazón en la prisión federal de La Tuna, en Texas.
«es usted lo peor que haya metido en la cárcel»
En Italia se vería también en los setenta, exactamente en 1973, un caso similar cuando Leonardo Vitale acudió al despacho del comisario de la Squadra Mobile de la policía italiana para autoculparse de varios delitos graves, porque estaba atravesando una crisis religiosa y quería tomar una nueva vida. En el juicio se pudo condenar a 27 miembros de la Mafia delle Borgate, dando paso a nuevos arrepentidos. Vitali murió por los disparos de sus antiguos compañeros el 2 de diciembre de 1981.
Los lectores que sean también seguidores de la cultura norteamericana de los años 1960 a 1980, se verán recompensados por la obra de Matz y Xavier, puesto que aprovechan la historia para dar rienda suelta a varios guiños al cine. El Ford Mustang verde botella de Steve McQueen en Bullitt, película con una banda sonora ya mítica y que, además, también trataba de la protección de un testigo, pero en las calles de San Francisco; así como el marco reproducido en ciertas placas de Érase una vez en América o los temas de Goodfellas, aparecen reflejados.
La trama
1970, un hombre acelera por la carretera, en medio del desierto de Arizona en una autocaravana que parece no detenerse nunca… Es en Utah donde el hombre se detiene para coger una mesa, una silla, una cerveza y un rifle. Mientras pausadamente calma su sed, un ruido llama su atención. Sospecha, deja su lata y toma su arma. Avanza con cautela, sólo para descubrir un animal joven en dificultades.
Joe coge en brazos al animal, al que confunde con un perro, y lo lleva a la caravana. Allí quiere cuidar su pata e intentar encontrarle un nombre -algo que tratará de conseguir durante todo el viaje, con los nombres más dispares-. Siente que algo los une, no tienen familia, ni amigos, están solos en el mundo.
Joe, aunque no sea su verdadero nombre, es un hombre entrado en la cincuentena que forma parte de un nuevo programa de protección de testigos en Estados Unidos. Es un antiguo jefe de la mafia, testigo protegido, que puede declarar contra sus antiguos aliados. Entonces, cuando el primer testigo es asesinado, el FBI no tiene otra opción que aferrarse a él como un clavo ardiendo, pero sus antiguos amigos mafiosos, quieren acabar con él.
Los autores
Matz pasó su infancia en Martinica y luego en París, siendo un prolífico autor con cerca de sesenta cómics publicados, como The killer; así como videojuegos de fama mundial como Splinter Cell, Assassin’s Creed, Far Cry, Rainbow Six, Ghost Recon; e incluso una novela bajo su nombre real, Alexis Nolent: La nuit du vigile. Además, junto con Philippe Xavier, publicó en Francia en el año 2017 el primer volumen de Tango (disponible en castellano).
Matz es un buen guionista pero suele pecar de superficialidad en sus personajes y aquí el lector echa de menos esa profundidad en los personajes, quienes se quedan encasillados en arquetipos de las historias americanas. Así tenemos un tipo duro, mayor y apuesto, junto con una sexy y atractiva mujer; mientras que en el lado de la ley están los repelentes agentes del FBI, un dudoso agente tejano, políticos nefastos y mafiosos de libro.
«Así que eres un coyote ¿eh?…guaf»
Esta galería de héroes y villanos que tiene Matz es la habitual en el género, pero no saca partido de ella, sino que simplemente los pone en el tablero de juego, como elementos naturales en esos parajes de EE. UU., creando una buena historia y muy entretenida, pero combinándolos con mayor maestría podría haber elaborado una gran historia, haciendo que La serpiente y el coyote entrase en el reino de los adjetivos superlativos.
La obra es esencialmente un thriller, perfectamente hilvanado, con un reparto coral de personajes que van encontrándose o interactuando en las diferentes escenas, yendo de forma tranquila pero continua hacia el desenlace, que no será inmediato, sino que llegará en el último tramo de las más de cien páginas de la historia. Esta es rica, cautivadora, emocionante, con acción, suspense y disparos.
Philippe Xavier realiza un gran trabajo, que puede apreciarse en las impresionantes páginasdobles en las que el dibujo es lo único que hay, sin diálogos ni cuadros de texto. El dibujante utiliza con atino y precisión el estilo de la escuela clásica, con un tono realista y más cercano al mundo cinematográfico con amplias tomas y zoom hacia los detalles, en un homenaje a las grandes llanuras estadounidenses.
El dibujo está muy bien estructurado, sabiendo jugar con los claroscuros, donde las sombras son tan importantes como la luminosidad de los espacios bañados por el sol. Además, los colores están muy bien escogidos y permite que el lector se sumerja en una atmósfera especialmente cuidada.
La edición
La serpiente y el coyote es un one-shot, dentro de la colección BD de la editorial cARTEm Cómics, a cargo de los autores Matz y Xavier Philippe, traducido al castellano por Inés Sánchez Mesonero, publicado en cartoné, con unas medidas de 24,1 x 31,8 cm y una extensión de 152 páginas, incluyendo varias páginas de contenidos extras con bocetos y explicaciones sobre la historia.
Esta obra es, en definitiva, un thriller tranquilo y dinámico orquestado por Matz, donde el lector disfrutará en cada página con los detallistas dibujos de Xavier que presenta a un hombre maduro, extraño, peligroso, asesino, que sin embargo despliega un discurso muy humanista, cautivador, interesante, donde contrastan la soledad y los encuentros, haciendo que la dicotomía entre el ser y estar discurra tan fluida como la corriente de un río.
Estados Unidos, 1970. Joe viaja en una autocaravana por el Lejano Oeste. Allí se encuentra, para empezar, un pequeño coyote, pero también gente más o menos bien intencionada: matones locales, agentes del FBI, un mariscal estadounidense, viejos amigos más o menos amigables… Pero ¿Quién es realmente Joe? Quienes se cruzan en su camino suelen ver reducida peligrosamente su esperanza de vida…
El misterio de Joe
El verdadero enigma de la historia es el propio Joe. Los encuentros que tiene con los personajes a lo largo de la trama siempre terminan en muerte o desaparición. ¿Quién es este hombre que parece traer la muerte a donde quiera que vaya? Su identidad está envuelta en un velo de secretos que lentamente se van desentrañando, manteniendo al lector en constante suspenso.
Un viaje al corazón del Lejano Oeste
El desierto del Lejano Oeste no es solo el telón de fondo, sino un personaje más de la historia. Los paisajes áridos, los pueblos polvorientos y las carreteras desiertas refuerzan el tono sombrío del relato, donde cada rincón esconde un nuevo peligro. La dureza del ambiente refleja el carácter de Joe y el mundo sin esperanza en el que se mueve.
Violencia y redención
El viaje de Joe por el Oeste se convierte en una búsqueda no solo de supervivencia, sino también de redención. A través de sus encuentros, queda claro que está huyendo de un pasado violento, uno que lo sigue atormentando y que define su presente. El coyote, que lo acompaña durante todo el trayecto, parece ser una representación de su propia alma: salvaje, solitaria y siempre en movimiento.
El arte que cuenta una historia
El estilo visual es sombrío y atmosférico, capturando la vastedad del paisaje y la soledad de Joe. Las expresiones de los personajes, los tonos apagados y la composición de las escenas crean una sensación de desesperanza, perfecta para el tono oscuro de la trama.
Las mentes detrás de John Wick pensaron inicialmente en uno de los mejores actores del cine de acción para protagonizar la franquicia
Uno de los creadores de John Wick, David Leitch, reveló que se llegó a pensar en otra gran estrella del cine de acción para interpretar al popular asesino.
«La primera vez que conocimos el guion fue a través de nuestra representante en ese momento, Kelly McCormick, que ahora es mi esposa y productora. Ella nos había presentado a Basil Iwanyk y Peter Lawson en la compañía de Basil [Thunder Road] para que tal vez trabajaran en la segunda unidad de ese guion. Así que esa fue la primera vez que lo leímos, y creo que Bruce Willis podría haber estado involucrado en ese momento».
Stahelski después explica que el propio Keune Reeves fue quien se acercó al proyecto, y que se involucró bastante. De hecho, el proceso de producción fue largo, pero el actor siempre se mostró fiel a la película, por lo que era evidente que él debía ser John Wick.
En los cómics de Marvel, Kragoff era un científico ruso que tenía como objetivo replicar las condiciones que dieron a los Cuatro Fantásticos sus poderes. Kragoff voló a la luna con tres simios entrenados: Peotor el orangután, Miklho el gorila e Igor el babuino. Durante la misión, los rayos cósmicos le otorgaron a Kragoff y a sus compañeros simios poderes: Peotor ahora tiene control sobre el magnetismo, Miklho es mucho más fuerte e Igor se transformó en un cambiaformas. Con respecto a Kragoff, este se convirtió en un ser con la habilidad de volverse intangible a voluntad, por eso se le conoce como Fantasma Rojo.
Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos llegará a los cines el 25 de julio de 2025.
