Un rumor reciente de MTTSH asegura que la esposa y el hijo de Victor von Doom murieron en un accidente causado por un viaje temporal de Steve Rogers, dejando al villano herido física y emocionalmente. Sin embargo, otros filtradores como Josh de Den of Nerds afirman que Doom manipulará esa historia y ocultará la verdad a los héroes para ganarse su confianza. Su supuesto interés en frenar las incursiones del multiverso sería, en realidad, una tapadera para ejecutar su vendetta contra Rogers.
A esto se suma la descripción de supuestos artes de varios héroes y, sorprendentemente, de cuatro variantes no anunciadas de Doom —entre ellas, al menos dos femeninas— lo que alimenta la teoría de que parte del reparto sorpresa serán versiones alternativas del famoso antagonista. Ahora bien, también podría ser que esas supuestas variantes sean realmente seguidores de Doom y no necesariamente versiones alternativas de él.
El primer tráiler de Vengadores: Doomsday se espera junto al estreno de Avatar: Fire and Ash el próximo mes, por lo que pronto podría confirmarse si estos rumores tienen fundamento.
Tras los recientes retrasos, Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, seguida de Secret Wars el 17 de diciembre de 2027, ambas dirigidas por los hermanos Russo, quienes regresan al UCM con la promesa de llevar la narrativa del multiverso a nuevos niveles.
Nintendo reveló las primeras imágenes oficiales de la esperada adaptación en acción real de The Legend of Zelda, mostrando a Benjamin Evan Ainsworth como Link y a Bo Bragason como la Princesa Zelda
La filmación de la película live-action de The Legend of Zelda avanza en Nueva Zelanda y, tras varias filtraciones desde el set, Nintendo publicó las primeras fotografías oficiales de los protagonistas. En ellas aparecen Bo Bragason y Benjamin Evan Ainsworth caracterizados como Zelda y Link, posando juntos en un campo. La princesa viste una túnica azul con carcaj de flechas, mientras que el héroe luce su atuendo verde, aunque sin su icónico gorro ni la Espada Maestra a la vista.
This is Miyamoto. Filming is underway for the live-action film of The Legend of Zelda in a lush, natural setting, with Bo Bragason-san who will play Zelda and Benjamin Evan Ainsworth-san who will play Link (1/2). pic.twitter.com/fbadNgaDqY
Bragason es conocida por proyectos como La infamia, Renegade Nell y Los Radley, mientras que Ainsworth destacó como la voz de Pinocho en la versión de acción real de Zemeckis y por su papel en La maldición de Bly Manor. En otras imágenes filtradas se vio a una actriz similar a Dichen Lachman (Severance), lo que desató rumores sobre su posible papel como Impa.
Shigeru Miyamoto confirmó que desde 2023 Nintendo lleva desarrollando esta adaptación de The Legend of Zelda junto al productor Avi Arad. La película está dirigida por Wes Ball (El corredor del laberinto, El reino del planeta de los simios) con guion de Derek Connolly (Jurassic World).
Since I could never even hope to have the chance to direct it… the next big mo-cap Avatar-like movie should be… THE LEGEND OF ZELDA.
La historia volverá a centrarse en la tierra de Hyrule, donde el joven hyliano Link enfrenta al malvado Ganon para rescatar a la Princesa Zelda. La franquicia, una de las más queridas del mundo del videojuego, ya ha inspirado cómics, juguetes y hasta una breve serie animada. Intentos previos de adaptarla —incluida una serie de Netflix impulsada por Adi Shankar— nunca llegaron a concretarse, pero esta vez el proyecto avanza con fuerza.
Para Snyder, este universo no se trata solo de reinterpretar clásicos, sino de renovar mitos. “Estos personajes están hechos para ser destruidos y reconstruidos. Batman usa su trauma como arma para mejorar el mundo; esa es su victoria”, comentó el autor.
Esta idea de renacimiento y reinvención se ha convertido en el eje de Absolute Batman, donde cada entrega explora versiones distorsionadas o radicalizadas de los villanos más icónicos. Y Poison Ivy no será una excepción.
De villana ecológica a fuerza elemental
La nueva Pamela Isleyde este universo podría ser mucho más que la ecoactivista de siempre. En los cómics originales, debutó en Batman #181 (1966), como una joven botánica manipulada por Jason Woodrue, el Hombre Florónico. Su transformación en Poison Ivy la convirtió en símbolo de venganza verde y deseo naturalista.
Con su llegada al universo Absolute, es de esperar que Snyder lleve su concepto aún más lejos, explorando la conexión entre la naturaleza y la corrupción humana, un tema que el guionista ya ha tocado en obras anteriores como Swamp Thing.
Más villanos, más locura
Pero Ivy no será la única en entrar en escena. Antes de su debut, los lectores recibirán Absolute Batman #15, donde el Joker regresará en una forma monstruosa que, según las pistas, promete pesadillas. En una de las imágenes promocionales más inquietantes, el Joker aparece con líneas rojas sobre los ojos que, en realidad, son su boca repleta de dientes. Sí, Snyder y Dragotta han decidido que el terror psicológico se vuelva también físico.
Un número antes, en Absolute Batman #14, llegará la versión más salvaje y peligrosa de Harley Quinn, presentada por el artista Derrick Chew en una portada espectacular. Lejos de ser la eterna compañera del Joker, esta Harley se presenta como líder de la Red Hood Gang, un grupo que quiere destruir el imperio del payaso del crimen. Su actitud feroz y su independencia marcan un cambio radical respecto a las encarnaciones clásicas del personaje.
Una Gotham más oscura que nunca
El Absolute Universe está configurando un panorama donde Gotham no es solo una ciudad corrupta: es un organismo enfermo que se alimenta de sus héroes y villanos. Cada nuevo número amplía el mapa de esta locura urbana, mezclando horror, tragedia y épica gótica.
La idea de Snyder parece clara: desarmar todo lo que creíamos saber sobre el mito de Batman y sus antagonistas para reconstruirlo en una escala más brutal, más emocional y más simbólica.
¿Quién será el siguiente?
Con Harley Quinn, Joker y Poison Ivyya confirmados, los fans especulan con próximas versiones de personajes como Two-Face, Scarecrow o incluso Catwoman, todos con potencial para ser rediseñados bajo la óptica del terror psicológico y la decadencia moral que define esta línea.
DC ha encontrado en Absolute Batman una vía para experimentar sin perder identidad, un laboratorio creativo que reinterpreta los cimientos del mito del Caballero Oscuro con una libertad pocas veces vista.
Y si algo ha dejado claro Snyder, es que esto no ha hecho más que empezar.
Earth revolucionó el canon de la saga al trasladar la acción por primera vez a nuestro planeta y presentar cuatro nuevas especies alienígenas además de los clásicos Xenomorfos. Todas hostiles, todas letales. Hasta ahora, las películas solo habían mostrado a los Xenomorfos como la gran pesadilla del espacio, pero esta serie ha cambiado las reglas del juego.
El proyecto, ambientado dos años antes de la Alien original, amplía el universo con criaturas inéditas y confirma que hay mucho más que temer ahí fuera. En el proceso, ha dejado atrás el antiguo canon de Alien vs. Predator, pero también ha abierto una puerta para que ese enfrentamiento vuelva con más fuerza y coherencia narrativa.
El éxito brutal de Alien y Predator bajo Disney
Desde que Disney adquirió los derechos de 20th Century Fox, ambas franquicias están en racha. Alien: Romulus superó a Covenant en taquilla y críticas, mientras que Prey devolvió al Depredador su ferocidad perdida. Y por si fuera poco, Predator: Badlands ha arrasado con más de 50 millones de dólares en su primer fin de semana, convirtiéndose en el mejor estreno de la saga.
Este doble éxito demuestra que Alien y Predator están más vivos que nunca, y el público pide más. El hambre por historias de terror espacial y cazadores intergalácticos es real. Por eso, un nuevo Alien vs. Predator no sería solo nostalgia: sería una jugada comercialmente perfecta.
Weyland-Yutani vuelve a conectar ambos universos
El detalle que hizo saltar las alarmas llegó en Predator: Badlands. El personaje de Thia (Elle Fanning) se reveló como una androide de Weyland-Yutani, la corporación que ha sido la gran villana del universo Alien. Con un simple nombre, Disney fusionó oficialmente ambos mundos.
Esto implica que los Xenomorfos existen dentro del canon de Predator. A partir de ahora, ver a un Yautja cazando un Xenomorfo —o algo peor— ya no es una locura, sino una posibilidad lógica. Un pequeño paso para la narrativa… y un salto gigante hacia el crossover definitivo.
Alien vs. Predator, versión 2.0
El primer Alien vs. Predator (2004) fue un festival de gore divertido, pero su intento de contar el “origen” de la guerra entre especies acabó complicando el canon. Hoy, Disney tiene la oportunidad de rebootear la saga sin lastres. No necesita explicar nada: solo dejar que las criaturas hagan lo que mejor saben hacer… matarse entre ellas (y a nosotros de paso).
Un reinicio moderno podría situarse en un hueco temporal entre Prometheus y Alien: Earth, sin alterar las líneas actuales. Incluso podría explorar la historia desde el punto de vista de un Yautja, o atreverse con un formato animado como Predator: Killer of Killers, que demostró que la animación puede ser tan brutal como la acción real.
Un universo en plena expansión
El momento no puede ser mejor. Alien: Earth ya ha mostrado que hay espacio para más especies, mientras que Badlandsconfirma que la compañía de Ripley y los Depredadores comparten el mismo universo. Todo apunta a que Disney está construyendo lentamente el terreno para una nueva guerra intergaláctica, una que recupere el espíritu salvaje del original, pero con una narrativa moderna y visualmente espectacular.
Un crossover así no solo tendría garantía de taquilla, también consolidaría la unión de dos de las franquicias más icónicas del cine de ciencia ficción. Si alguna vez hubo un momento ideal para hacerlo, es ahora. Las piezas encajan, los fans lo piden y Disney lo sabe.
Desde la escena poscréditos de Super Mario Bros: La película, todos sabíamos que Yoshi estaba destinado a unirse al equipo de Mario. Sin embargo, el primer tráiler del nuevo filme ni lo menciona, dejando como única pista una imagen filtrada en una caja de galletas (sí, una caja de galletas). Un movimiento tan peculiar que ha hecho saltar todas las alarmas sobre su verdadero papel en esta secuela.
La gran incógnita es si Yoshi hablará por primera vez con frases completas o si mantendrá sus clásicos sonidos como “Yoshi”, “Wah!” o “Whoa!”. Nintendo, por ahora, ha optado por guardar silencio absoluto sobre su actor de voz, lo que podría significar algo muy concreto: que el personaje no dirá más de lo necesario.
Yoshi y el misterio del doblaje
El anuncio del reparto vino acompañado de dos fichajes potentes: Brie Larson como Rosalina y Benny Safdie como Bowser Jr. Ambos nombres fueron confirmados oficialmente tras meses de rumores, lo que hace aún más sospechoso el silencio sobre Yoshi.
Si el dinosaurio tuviera un papel con diálogos reales, Nintendo ya tendría al actor elegido y seguramente lo habría anunciado junto a las otras incorporaciones. De hecho, Larson reveló que se unió al proyecto en mayo, medio año antes de que su nombre se hiciera público. Entonces, ¿por qué no decir nada sobre Yoshi?
La teoría más extendida entre los fans es simple: Yoshi no hablará en absoluto, y su participación se limitará a los mismos sonidos que hace en los videojuegos. Una decisión que muchos consideran inteligente, ya que mantiene la esencia original del personaje y evita el riesgo de desatar un nuevo debate tipo “Chris Pratt como Mario”.
La jugada estratégica de Nintendo
Hay quien apunta a que Nintendo está evitando revelar a Yoshi porque ni aparece ni se le oye en el tráiler, lo que haría innecesario un anuncio anticipado. Pero también hay otra posibilidad: el estudio quiere esquivar una posible polémica. Recordemos lo que pasó cuando los fans descubrieron que Mario no tendría la voz de Charles Martinet en la primera película: las redes ardieron. Darle ahora voz a Yoshi podría ser una jugada igual de peligrosa para la reputación del estudio.
Por eso, Nintendo podría estar esperando el momento perfecto para mostrar al personaje sin alterar el hype general que rodea a esta esperada secuela. Después de todo, Super Mario Galaxy: La película se estrenará el 3 de abril de 2026, y queda tiempo más que suficiente para jugar con el misterio.
Un guiño al Yoshi clásico
Otra teoría interesante es que Illumination y Nintendo han optado por la fidelidad absoluta al videojuego, manteniendo las características originales de Yoshi y, posiblemente, recuperando a su actor de voz de siempre, Kazumi Totaka. Su trabajo ha dado vida al personaje durante décadas, y sería una forma perfecta de rendir homenaje a su legado sin recurrir a un nombre de Hollywood.
Además, dejarlo sin frases largas evitaría desentonar con el tono de la película, centrado en la aventura y el humor slapstick más que en los diálogos complejos. Y seamos sinceros: ¿quién necesita frases elaboradas cuando basta con un “Yoshi!” para conquistar a toda una generación de fans?
El futuro del universo cinematográfico de Mario
Con Super Mario Galaxy: La película, Nintendo e Illumination parecen decididos a expandir su universo animado con más personajes, mundos y, probablemente, nuevas películas derivadas. Rosalina y su conexión con los Lumas abren la puerta a historias más espaciales, mientras Bowser Jr. promete más caos familiar para el villano más carismático de la saga.
Pero el gran interrogante sigue en pie: ¿veremos por fin a Yoshi correr junto a Mario por las galaxias o será solo un cameo breve? Lo único claro es que, con o sin voz, el dinosaurio verde tiene todas las papeletas para robarse el show… otra vez.
A simple vista, puede parecer una jugada arriesgada, incluso innecesaria, pero en realidad es una señal clara de algo mucho más ambicioso: la plataforma no tiene intención de dejar morir el universo de Stranger Things después de su quinta temporada.
Stranger Things: Tales from ’85
Ambientada en pleno 1985 —el año dorado del pop, los recreativos y los peinados imposibles—, la serie promete un tono nostálgico y aventurero, muy al estilo de los dibujos animados clásicos de la época. En esta versión animada, el grupo de Hawkins se enfrentará a nuevos monstruos del Mundo del Revés, mientras sigue lidiando con la adolescencia, las bicicletas y los secretos del gobierno.
Brooklyn Davey Norstedt pondrá voz a Eleven, mientras que Jolie Hoang-Rappaport será Max, Luca Diaz interpretará a Mike y Elisha Williams a Lucas. La serie, desarrollada por los hermanos Duffer junto a Eric Robles, se estrenará en 2026 y tendrá clasificación TV-14, con acción, aventura y ciencia ficción en dosis generosas.
Además, el proyecto sirve de puente ideal para mantener viva la conversación sobre Hawkins más allá de la quinta y última temporada. Los Duffer ya han dejado claro que quieren expandir este universo, y Tales from ’85 podría ser la puerta de entrada a más spin-offs, videojuegos o incluso nuevas películas ambientadas en los años posteriores al final de la serie principal.
¿Por qué tiene sentido el recast?
Aunque a muchos fans les cueste imaginar a Eleven o Dustin con nuevas voces, hay una razón sencilla detrás: el paso del tiempo. Han pasado casi ocho años desde la segunda temporada, y los actores originales —Finn Wolfhard, Millie Bobby Brown, Gaten Matarazzo, Caleb McLaughlin y Noah Schnapp— ya no encajan en las edades de sus personajes.
Además, el formato animado abre la puerta a una estética totalmente distinta, con un diseño visual ochentero lleno de colores saturados, sintetizadores y referencias culturales de la época. Si la serie acierta en tono y ritmo, podría convertirse en una auténtica joya retro dentro del catálogo de Netflix.
El futuro del Upside Down
Con Tales from ’85, Netflix demuestra queel fenómeno Stranger Things va mucho más allá de Hawkins y sus protagonistas originales. El streaming está aprendiendo la lección: cuando un universo funciona, lo inteligente no es cerrarlo, sino reinventarlo.
Los Duffer han construido un mundo donde la nostalgia, el terror y la amistad se mezclan con una eficacia envidiable, y este nuevo proyecto es la prueba de que el estudio quiere seguir explorando esas grietas entre lo cotidiano y lo sobrenatural.
Si el experimento funciona, no sería raro que viéramos nuevas historias animadas ambientadas en distintas épocas, o incluso una precuela sobre el programa que originó a Eleven.
En definitiva, Stranger Things: Tales from ’85 no es solo un spin-off: es el testamento animado de una generación que creció entre Demogorgons, walkmans y luces de Navidad parpadeantes. Y parece que la plataforma de streaming no está lista para apagar esas luces todavía.
Desde su llegada a Desembarco del Rey, Otto demostró ser más que un servidor fiel. Bajo su fachada de cortesía, ocultaba la determinación de convertir el trono en herencia familiar. Mano de tres reyes, supo aprovechar la debilidad de Viserys I Targaryen, un monarca más amante de la paz que del gobierno.
Daemon Targaryen, hermano del rey, fue su primera víctima. Otto lo presentó como una amenaza, un traidor en potencia, empujando a Viserys a desterrarlo. En realidad, Daemon solo quería proteger a su hermano, pero Otto convirtió su lealtad en delito. Así, eliminó a su mayor obstáculo y consolidó su dominio sobre la corte.
Otto Hightower, el padre más cruel de Poniente
Si algo distingue a Otto de otros villanos de Juego de Tronos, es que su maldad no nace del odio, sino del cálculo frío. Donde Joffrey era sadismo puro y Cersei una madre corrompida por el amor, Otto fue sencillamente práctico. Para él, las personas eran monedas, y la más valiosa fue su hija.
Alicent Hightower tenía apenas quince años cuando su padre la envió a “consolar” al rey Viserys tras la muerte de la reina Aemma. Vestida con los recuerdos de su madre, la joven se convirtió en la pieza central del plan más repugnante de su padre: convertirla en reina para fortalecer la casa Hightower. Otto no dudó. Su hija no era una niña; era una inversión. Y la rentabilidad fue inmediata: matrimonio, hijos y la promesa de que uno de ellos heredaría el trono. Pero la factura fue devastadora.
Alicent perdió su inocencia, su libertad y su amistad con Rhaenyra Targaryen. El precio del poder fue el alma de su hija.Lo que Otto no previó fue que su manipulación acabaría sembrando la semilla del odio entre dos mujeres que alguna vez fueron como hermanas.
La caída de la Casa Hightower
Otto creía ser un nuevo Tywin Lannister, pero le faltaba una cualidad esencial: amor por su familia. Tywin buscaba poder para proteger a los suyos; Otto lo hizo para destruirlos. Su obsesión por dominar el trono de hierro desató la Danza de los Dragones, la guerra civil más sangrienta de la historia de Poniente. Bajo su dirección, el reino se dividió entre verdes y negros, y la familia Targaryen se autodestruyó.
El resultado fue el desastre: muertes, traiciones y una casa Hightower condenada al olvido. Su linaje sobrevivió, sí, pero como sombras al servicio de otros. De señores de Antigua pasaron a simples aliados de los Tyrell, sin gloria ni legado.
El arquitecto de su propio infierno
Lo irónico es que Otto logró exactamente lo contrario de lo que buscaba. Su hija acabó loca de dolor y prisionera, viendo morir a sus hijos uno por uno. Él mismo murió en el campo de batalla, víctima de la misma guerra que había orquestado.
En el universo de La Casa del Dragón, Otto no necesita ser un villano caricaturesco. No tortura, no asesina con sus manos, pero destruye vidas con la misma eficacia. Su crimen no fue la traición, sino el amor ausente. Y en un mundo donde los dragones pueden incendiar ciudades, tal vez el fuego más devastador fue el de su ambición.
Al final, cuando se apagan los rugidos de los dragones y se enfrían los cadáveres de reyes y reinas, queda el eco de un hombre que creyó dominar el juego y terminó siendo una de sus piezas. En Poniente, los monstruos pueden morir… pero las consecuencias de sus actos arden para siempre.
La decisión pilló por sorpresa a los fans y dejó a muchos preguntándose cómo podía morir tan rápido un proyecto con tanto potencial. Aunque se llegó a anunciar una segunda temporada, los efectos colaterales de las huelgas de guionistas y actores de 2023 acabaron siendo el golpe final. The Peripheral se convirtió en una de esas series que se apagan justo cuando empezaban a brillar.
La clave ciberpunk de William Gibson
La cancelación dolió especialmente porque Gibson no es un autor cualquiera. Su nombre está grabado en la historia del género con obras como Neuromante, Conde Cero o Mona Lisa Acelerada. Su visión de un futuro dominado por corporaciones, hackers y realidades virtuales influyó en películas como The Matrix o Ghost in the Shell. The Peripheral fue su primera gran adaptación televisiva y, aunque no revolucionó la ciencia ficción, sí consiguió trasladar la esencia de sus ideas: el miedo al control tecnológico y la pérdida de humanidad frente al progreso.
Visualmente, la serie era impecable: diseños futuristas sobrios, tecnología creíble y un tono oscuro que conectaba con los clásicos del género. Pero su problema fue el mismo que condena a muchas ficciones inteligentes: no logró enganchar al gran público. En un mercado dominado por los “binge-watchers”, The Peripheral pedía algo más que atención: pedía reflexión.
Apple TV+ toma el relevo con Neuromancer
Y justo cuando parecía que Gibson quedaría de nuevo en el limbo de las adaptaciones imposibles, Apple TV+ ha decidido apostar fuerte. Su nueva serie será nada menos que una versión de Neuromancer, la obra maestra de 1984 que definió el ciberpunk.
El proyecto está en manos de Graham Roland (Jack Ryan) y J.D. Dillard (Sleight), con un reparto que incluye a Callum Turner, Briana Middleton, Joseph Lee, Mark Strong y Clémence Poésy. Además, el propio William Gibson participa como productor ejecutivo, lo que ya da cierta garantía de fidelidad al material original.
La historia sigue a Case, un hacker arruinado que se ve envuelto en una conspiración global que mezcla inteligencia artificial, espionaje corporativo y viajes digitales por el ciberespacio. En otras palabras: el ADN puro del ciberpunk.
Un nuevo hogar para los fans de la ciencia ficción
Apple TV+ parece ser el refugio ideal para este tipo de historias. La plataforma ya ha demostrado su ambición con series como Fundación, Silo o Invasion, donde el enfoque es más pausado, visualmente detallado y con espacio para el desarrollo filosófico. A diferencia de Prime Video, Apple suele mantener sus series más tiempo, apostando por la consistencia más que por la viralidad inmediata.
Si todo sale bien, Neuromancer podría ser el relevo espiritual que los fans de The Peripheral estaban esperando. No solo recuperaría la obra más influyente de Gibson, sino que también reavivaría el interés por la ciencia ficción cerebral, esa que plantea preguntas incómodas sobre el poder, la identidad y la tecnología.
El legado de Gibson sigue vivo
El destino de The Peripheral fue injusto, pero no inútil. Su breve existencia sirvió para demostrar que el público sigue teniendo hambre de ciencia ficción con cerebro, no solo con efectos especiales. Ahora, Neuromancer tiene la oportunidad de recoger ese testigo y llevarlo más lejos.
Una ventana de estreno que se repite y deja pistas muy claras
Los fans ya están especulando con fechas, teorías y plataformas, pero lo cierto es que Paramount mantiene el misterio. Aun así, hay pistas más que suficientes para sacar una conclusión bastante sólida sobre cuándo podremos verla desde el sofá, manta y cena en mano.
Basándonos en ese precedente, la opción más probable es que la película llegue a mitad de enero de 2026. No hay confirmación oficial —Paramount es muy dada a guardar el anuncio para crear ruido mediático—, pero todos los números apuntan a ese escenario. Es decir: justo después de los Reyes, cuando media España está intentando recuperarse de las comidas familiares, podría ser el momento perfecto para una historia distópica que no da tregua.
Esa necesidad de libertad creativa parece haber jugado totalmente a su favor con The Running Man, donde Wright se ha permitido un tono mucho más sucio, urgente y crítico. Aquí no hay multiversos ni guiños cada tres minutos: hay un país roto, un sistema que devora a los más vulnerables y un protagonista que intenta sobrevivir en un show sanguinario convertido en entretenimiento nacional.
Una trama que suena demasiado contemporánea
La película cuenta la historia de Ben Richards, un trabajador que apenas puede llegar a fin de mes mientras intenta conseguir dinero para tratar a su hija enferma. Desesperado, acepta participar en un concurso televisivo que convierte a sus participantes en presa humana para los llamados Hunters, cazadores convertidos en estrellas mediáticas. Sí, una especie de reality show extremo donde, en lugar de expulsiones, hay muertes retransmitidas en directo.
La química entre ellos —sobre todo en los segmentos del concurso televisivo— da ese toque ácido y casi satírico que la historia pedía desde hace décadas. Si la versión del 87 apostaba más por la testosterona de Schwarzenegger, esta nueva adaptación opta por un enfoque más inquietante, más pegado al presente y, por qué no decirlo, más próximo a lo que King imaginó originalmente.
Lo más probable es que Paramount empiece a soltar clips, entrevistas ampliadas y algún “making of” corto durante diciembre. Después llegará el anuncio oficial, probablemente en redes y con fecha definitiva para Paramount+. Lo dicho: mitad de enero es la apuesta más segura.
Lo más llamativo es que Trachtenberg confirma que la historia se ambienta incluso después de Alien Resurrection, que transcurre en el año 2381. Traducido a algo entendible: Badlands está rondando, o superando, la frontera del año 2400. Un salto temporal enorme que tiene consecuencias interesantes. Por ejemplo, en Resurrection nos enteramos de que Weyland-Yutani ya había sido comprada por Walmart, detalle revelado entre bromas a Ripley 8. Sin embargo, en Badlands, la corporación vuelve a estar presente… lo que sugiere que o la marca ha resurgido o nunca se extingue del todo. Las megacorporaciones son como las cucarachas: sobreviven a todo.
Además, esta ubicación temporal confirma otro detalle: la humanidad sigue viviendo en la Tierra. Parece que, contra todo pronóstico, no la hemos reventado del todo en cuatro siglos. Ya es un logro.
Trachtenberg parece apostar por algo más íntimo, casi contracultural dentro del blockbuster moderno: una peli que es lo que es, sin grandilocuencia, sin prometer un universo entero detrás. Badlands se disfruta como un coming-of-age con esteroides, con acción salvaje, criaturas brutales y ese encanto de ciencia ficción sucia que tanto caracteriza al universo de Alien y Predator.
Y sinceramente, quizá sea lo mejor. A veces lo más refrescante no es saber dónde encaja una historia… sino que no necesite encajar en ninguna parte.
