Según el cineasta, tanto Doomsday como Secret Wars forman una única historia dividida en dos partes. La intención es que ambas funcionen como una obra completa y cerrada, capaz de poner punto final a la narrativa que actualmente tienen en mente.
Eso no significa que la puerta quede completamente cerrada. Anthony reconoció que una futura colaboración con Marvel siempre es posible, pero insistió en que la visión creativa que tienen ahora mismo concluye con Secret Wars.
Un éxito demasiado grande para decir nunca jamás
Aunque las palabras de los Russo parecen contundentes, resulta difícil imaginar que Marvel no vuelva a llamar a la puerta de una de las parejas de directores más exitosas de la historia del cine comercial.
No hay que olvidar que las películas dirigidas por los hermanos Russo han generado miles de millones de dólares en taquilla, convirtiéndose en algunos de los mayores éxitos de todo el UCM. Avengers: Endgame, por ejemplo, llegó a convertirse durante un tiempo en la película más taquillera de todos los tiempos.
Además, Anthony recordó la excelente relación que mantienen con Marvel Studios. Según explicó, ambas partes valoran enormemente el trabajo realizado durante estos años y consideran que la colaboración ha sido muy beneficiosa para todos los implicados.
Avengers: Doomsday reunirá a varias generaciones de héroes
Mientras tanto, la atención está puesta en Avengers: Doomsday, una película que promete convertirse en uno de los mayores eventos cinematográficos de superhéroes jamás producidos.
La cinta enfrentará a una enorme cantidad de personajes Marvel contra el Doctor Doom interpretado por Robert Downey Jr., una decisión que sigue generando debate entre los seguidores de la franquicia.
Todo apunta a que Marvel quiere convertir estas dos películas en una celebración de su legado cinematográfico antes de cerrar definitivamente la era de las Fases y abrir un nuevo capítulo para el estudio.
¿Realmente será el final?
La experiencia demuestra que en Hollywood las despedidas rara vez son definitivas. Los propios Russo ya regresaron después de considerar que Endgame era su última aportación al UCM.
Durante la presentación también pudo verse a una Lara Croft más ágil, experimentada y espectacular, resolviendo acertijos, utilizando sus emblemáticas pistolas dobles y enfrentándose a amenazas tan inesperadas como dinosaurios. Todo ello en escenarios de gran escala que parecen inspirarse en las entregas más ambiciosas de la saga.
Una filtración reveló los planes antes de tiempo
Curiosamente, la noticia llegó después de una serie de filtraciones que prácticamente habían adelantado todos los detalles. Varias fichas de reserva aparecieron temporalmente en Amazon antes de ser retiradas, aunque numerosos usuarios lograron capturar la información y compartirla en redes sociales.
Aquellas páginas revelaban no solo la fecha prevista de lanzamiento, sino también algunos de los incentivos para quienes reservaran el juego. Entre ellos destacaba un atuendo inspirado en la versión de Lara Croft de 2013, una etapa que redefinió al personaje y sirvió como reinicio moderno de la franquicia.
Otro de los aspectos que más ha llamado la atención es la temática elegida para esta nueva aventura. Todo apunta a que la historia girará alrededor del mítico continente perdido de la Atlántida, uno de los escenarios más solicitados por los fans desde hace años.
Las imágenes filtradas y el material mostrado permiten ver a Lara explorando ruinas ancestrales, enfrentándose a velociraptores e incluso encontrándose con referencias relacionadas con el legendario rey Midas. La mezcla de mitología, arqueología y criaturas imposibles parece recuperar el espíritu más fantástico de los Tomb Raider clásicos.
El retraso supone un pequeño contratiempo para los seguidores, pero también puede interpretarse como una señal positiva. En una industria donde cada vez es más habitual lanzar títulos inacabados para cumplir calendarios, dar más tiempo al desarrollo suele ser una decisión mejor recibida que publicar un producto apresurado.
Por ahora, los fans tendrán que armarse de paciencia. Sin embargo, si las primeras imágenes sirven de referencia, Lara Croft podría regresar con una de las expediciones más espectaculares de toda su historia.
Hay cómics que nacen de la imaginación y cómics que nacen de una herida. El viaje, la nueva novela gráfica de Paco Roca, pertenece claramente a la segunda categoría
El punto de partida de El viaje es un incidente cotidiano —un vuelo cancelado— que se transforma en una reflexión sobre la ruptura, la memoria y la forma en que contamos nuestra propia vida. Pero no os dejéis engañar por la modestia del detonante: lo que Roca construye a partir de ahí es uno de los trabajos más maduros, valientes e incómodos de su carrera.
El guion: sin respuestas, pero con preguntas perfectas
Conoceremos a Fran Gisbert, un escritor que, por circunstancias que se nos explican, está literalmente atrapado en las solitarias tierras de la Patagonia argentina, esperando el deseado vuelo en el que pueda regresar a España. En este lugar, los recuerdos van a comenzar a caer sobre él, ya que tan solo hace unos pocos meses que en su vida se rompió algo. Tras veinte años de vida en común, Susana, su pareja, pronunció esas cuatro palabras que pueden derribar los más altos y gruesos muros: “Ya no te quiero”.
Fran es, con matices ficticios declarados por el propio autor, un alter ego de Roca. El autor mezcla diferentes relaciones que ha tenido a lo largo de la vida, diferentes rupturas y también experiencias de amigos, dejando en manos del lector hasta dónde llega la realidad, en un terreno ambiguo que resulta narrativamente interesante. Este pacto autobiográfico velado es uno de los grandes aciertos estructurales del cómic: la distancia que otorga el personaje de Fran permite a Roca explorar sin autocensura zonas de sombra que una autobiografía directa habría suavizado.
El ritmo de El viaje es deliberadamente pausado, casi contemplativo. En todos sus cómics anteriores, Roca había intentado comprender un tema, encontrar una respuesta, una conclusión. Pero en esta historia se dio cuenta de que no había ningún lugar al que llegar. Es la aceptación de la situación sin más, una situación que es triste. No tiene ninguna gran revelación, más allá de la complejidad que tienen las relaciones de pareja. Esa renuncia a la catarsis fácil es, paradójicamente, lo que hace que el cómic resulte tan verdadero. La vida tampoco tiene acto tercero bien resuelto.
El texto aborda con lucidez los grandes conflictos de las relaciones contemporáneas. La monogamia en sí ya es un reto importante a largo plazo porque entran en conflicto muchas cosas: por un lado, se busca seguridad, pero al mismo tiempo se quiere que todo cambie; no se quiere monotonía, pero sí la seguridad que conlleva esa estabilidad. Roca no señala culpables ni construye villanos. Su mirada es la de alguien que lleva años observando y que ha aprendido, dolorosamente, que la complejidad no admite veredictos simples.
Una de las escenas más arriesgadas es una conversación entre dos personajes compuesta por casi medio centenar de páginas en la que ambos están sentados. Una proeza narrativa que en manos menos expertas podría resultar árida pero que aquí funciona como el corazón emocional del libro.
El apartado gráfico: síntesis al servicio de la emoción
Roca es un dibujante que desconfía de los efectismos. Su línea sintética, sus paletas contenidas y su composición de página meditada siguen siendo su sello, pero en El viaje adquieren una dimensión nueva. El autor alterna situaciones temporales en la misma página y juega con el color para diferenciar el presente del pasado, un recurso que ya había explorado en obras anteriores pero que aquí cobra mayor peso emocional, dado que el pasado es, literalmente, el territorio donde vive el protagonista durante la mayor parte del relato.
Al autor no le gusta utilizar soluciones cinematográficas —plano, contraplano, primer plano— por considerar que son artificios que no le van bien a sus historias. En cambio, trabaja con metáforas visuales propias del medio y con la convicción de que contar poco es más efectivo que contar mucho: cuanto menos cuenta, más espacio tiene el lector para rellenar huecos. El resultado es un cómic que respira, que confía en el lector y que, en sus momentos más abstractos, se atreve a explorar la representación gráfica de las emociones con recursos no figurativos.
La Patagonia, ese paisaje inhóspito y ventoso, funciona como correlato perfecto del estado interior del protagonista: vasto, frío, hermoso en su desolación y absolutamente ajeno a los dramas humanos que se desarrollan en primer plano.
Contexto: el cómic más personal de un autor imprescindible
Tras haber diseccionado la vejez en Arrugas, el duelo filial en La casa y la herida histórica en El abismo del olvido, Paco Roca regresa con su obra más íntima y punzante hasta la fecha. El viajerepresenta una evolución natural en la obra de un autor que siempre ha usado la memoria como materia prima, pero que aquí se atreve a poner bajo el microscopio su propia vida sentimental con una honestidad que puede resultar incómoda incluso para el lector.
La llegada del libro coincide además con el anuncio de su adaptación al cine, lo que da una idea de la proyección que se espera para esta obra.
Valoración personal
El viaje es un cómic que exige paciencia y recompensa la entrega. No hay explosiones, ni giros de guion, ni personajes que salvan el mundo. Hay un hombre solo en un aeropuerto que intenta entender por qué se rompió algo que creía sólido. Y en esa pregunta sin respuesta definitiva reside toda la universalidad del libro.
Para Roca, la memoria no consiste en recuperar hechos objetivos, sino en reinterpretarlos desde el presente: es un relato que nos hacemos continuamente. El protagonista, como cualquiera tras una ruptura, necesita encontrar causas que expliquen lo ocurrido, aunque esa explicación cambie con el tiempo. Esa idea —que la memoria es presente, no pasado— vertebra todo el cómic y le otorga una coherencia filosófica que va mucho más allá de la anécdota personal.
Si hay alguna objeción posible, es precisamente su tono: El viaje es un libro grave, ensimismado, que no concede al lector la distancia del humor ni la catarsis de la resolución. Quienes busquen un final consolador pueden sentirse a la intemperie. Pero eso, en el fondo, es también parte de su honestidad.
Conclusión: ¿A quién va dirigido?
El viaje es lectura obligatoria para cualquier aficionado a la novela gráfica de calidad, y muy especialmente para quienes han seguido la trayectoria de Paco Roca. Pero su alcance va más allá: es una obra de ficción en la que Roca vuelca parte de su experiencia personal, demostrando el poder sanador del arte y la creación, con un fuerte componente humano que probablemente se convierta en un espejo en el que muchos lectores puedan mirarse, ya que comparten una experiencia similar en sus vidas.
Si alguna vez has querido a alguien durante mucho tiempo y luego has tenido que aprender a no hacerlo, este cómic te hablará directamente. Y si no lo has vivido todavía, te preparará para cuando llegue.
Puntuación: 9/10
El viaje | Autor y dibujante: Paco Roca | Editorial: Astiberri | Año: 2026 | 22€
Las dudas sobre una posible renovación han aumentado tras la aparición de un informe de 3DVF que asegura que la producción habría alcanzado un presupuesto cercano a los 400 millones de dólares. Aunque esta cifra no ha sido confirmada oficialmente, el dato ha generado debate entre los seguidores de la serie.
Parte de ese elevado coste podría estar relacionado con importantes cambios realizados después del rodaje. Miembros del equipo explicaron recientemente en Threads que Spider-Noir fue concebida originalmente para estrenarse exclusivamente en blanco y negro, siguiendo la estética clásica del cine noir. Sin embargo, según relataron varios trabajadores de la producción, el estudio decidió posteriormente lanzar también una versión en color para Prime Video.
De acuerdo con estos testimonios, los decorados, la fotografía y numerosos elementos visuales se diseñaron específicamente para una presentación en blanco y negro. La adaptación a color habría obligado a realizar un largo proceso adicional de trabajo y regrabaciones que se prolongó durante aproximadamente un año.
Varios integrantes del equipo sostienen incluso que la experiencia ideal para ver la serie sigue siendo la versión en blanco y negro, ya que refleja la visión artística original del proyecto.
Por ahora, Amazon no ha anunciado una segunda temporada. Teniendo en cuenta el supuesto presupuesto de producción y la falta de datos públicos sobre audiencia, algunos analistas consideran que una renovación podría resultar complicada, aunque no existe ninguna decisión oficial al respecto.
Spider-Noir adapta el personaje de Spider-Man Noir de Marvel y sigue a Ben Reilly, un detective privado del Nueva York de los años treinta que debe enfrentarse a su pasado mientras protege la ciudad. La serie está protagonizada por Nicolas Cage y cuenta con un reparto que incluye a Lamorne Morris, Brendan Gleeson, Jack Huston y Karen Rodriguez.
James Gunn revela nuevos detalles del traje de Nicholas Hoult como Lex Luthor, y hay una sorpresa bastante inesperada
Hay villanos que necesitan un buen discurso, otros un plan imposible y luego está Lex Luthor, que cuando decide complicarle la vida a Superman prefiere hacerlo con una armadura capaz de aguantar algo más que una discusión incómoda. James Gunn ha mostrado el nuevo traje de guerra que llevará Nicholas Hoult en Man of Tomorrow, y el resultado apunta a una versión bastante física, contundente y menos digital de lo que muchos esperaban.
Lo más llamativo es que el director ha confirmado que el traje será 100% práctico, nada de una armadura creada únicamente por ordenador para que luego el actor parezca flotar dentro de un videojuego. Gunn explicó en Threads que Hoult puede moverse sorprendentemente bien con ella, algo clave si el plan es que Lex no solo pose para la foto, sino que se meta de lleno en la acción.
El detalle que más ha llamado la atención de los fans está en la cabeza. En los cómics, Lex Luthor suele llevar su rostro bastante expuesto cuando utiliza su clásica armadura verde y morada. Pero aquí Gunn ha decidido modificar ese elemento añadiendo un material llamado Lexiglas irrompible, una protección para la zona del casco que cambia bastante la silueta del personaje.
Ese emblema podría indicar que Rick Flag Sr., interpretado por Frank Grillo, ha tenido algo que ver en la creación o cesión del traje. La conexión no sale de la nada: Luthor apareció previamente en la temporada 2 de Pacificador, donde Flag Sr. le ofrecía una posible vía de redención. Ya sabemos que en el universo de Gunn nadie parece quedar completamente aparcado.
La historia de Man of Tomorrow colocará a Superman y Lex Luthor en una alianza incómoda contra Brainiac, interpretado por Lars Eidinger. Y claro, si Luthor va a colaborar con el Hombre de Acero, necesita algo más que arrogancia, inteligencia y una mirada de desprecio. Esta armadura le permite acercarse al nivel de combate de seres superpoderosos.
En Superman, Luthor dependía de Ultraman para los enfrentamientos físicos. Ahora parece que el villano quiere ensuciarse las manos personalmente, aunque sea protegido por tecnología de altísimo nivel. Ese cambio puede ser muy interesante, porque convierte a Lex en algo más activo y peligroso, no solo en el cerebro que mueve piezas desde un despacho.
Nuevos cambios en la secuela
También se ha revelado que Luthor empezará la película en prisión, por lo que no llevará únicamente esta armadura durante toda la historia. Habrá otro atuendo ligado a esa etapa inicial, lo que sugiere que su evolución dentro de la película tendrá varias fases. Y con James Gunn al mando, lo raro sería que todo fuera tan sencillo como una fuga y una pelea final.
El reparto también contará con David Corenswet como Superman, Rachel Brosnahan como Lois Lane y Aaron Pierre como John Stewart, ampliando poco a poco el tablero del DCU. Man of Tomorrow llegará a los cines el 9 de julio de 2027, dentro del Capítulo Uno: Dioses y monstruos.
Lo interesante es que Gunn parece decidido a mantener una estética tangible para este universo. Un traje práctico no solo ayuda al actor, también da peso visual a la escena, algo que muchos fans agradecen tras años de armaduras digitales demasiado limpias. Lex Luthor necesita imponer, y esta vez parece que lo hará con metal, cristal imposible y mucho ego acumulado.
La noticia llega con un detalle que ha llamado especialmente la atención. La adaptación animada no solo ha recibido luz verde oficialmente, sino que además estará en manos de dos creativos que ya han trabajado en algunas de las franquicias más importantes del entretenimiento actual. Una combinación que podría convertir este proyecto en mucho más que una simple adaptación infantil.
La compañía Coolabi Group y Tencent Video han confirmado el desarrollo de una serie animada basada en Warrior Cats, la popular colección de novelas creada por Erin Hunter. Se trata de la primera adaptación oficial autorizada de una franquicia que lleva más de dos décadas conquistando lectores en todo el mundo.
La historia adaptará los acontecimientos de The Prophecies Begin, el primer arco argumental de la saga. Publicados originalmente en 2003, estos libros presentan un mundo habitado por clanes de gatos salvajes que compiten por el territorio, el honor y la supervivencia, creando una mitología sorprendentemente compleja para una obra destinada inicialmente al público juvenil.
Dos veteranos de grandes franquicias toman el control
Uno de los nombres más destacados del proyecto es el de A.C. Bradley, conocida por haber sido la creadora y máxima responsable de What If…?, la serie animada de Marvel Studiosque exploró realidades alternativas dentro del Universo Cinematográfico Marvel.
Junto a ella estará Rodrigo Blaas, director con experiencia en animación que ha trabajado en proyectos como Star Wars: Visions. Ambos ya colaboraron anteriormente en Trollhunters: Tales of Arcadia, una producción que recibió una excelente acogida por parte del público.
La elección no parece casual. Los responsables del proyecto cuentan con experiencia desarrollando universos complejos, personajes memorables y narrativas dirigidas a distintas generaciones de espectadores. Exactamente lo que necesita una saga tan extensa como esta.
Un fenómeno que va mucho más allá de los libros
Aunque algunos lectores ocasionales quizá no sean conscientes de su magnitud, Warrior Cats es uno de esos fenómenos silenciosos que llevan años acumulando seguidores. La franquicia ha vendido más de 90 millones de ejemplares y sus libros han sido traducidos a más de 38 idiomas.
Su presencia digital también resulta impresionante. El contenido generado por los usuarios relacionado con la saga acumula decenas de millones de visualizaciones cada mes en YouTube y miles de millones en TikTok. Incluso cuenta con una enorme comunidad dentro de Roblox, donde su videojuego ha registrado cientos de millones de partidas.
Todo ello demuestra que la marca sigue más viva que nunca y que existe una audiencia preparada para recibir una adaptación audiovisual de gran presupuesto.
El sueño que parecía imposible
Lo más curioso es que esta no es la primera vez que Hollywood intenta acercarse a la franquicia. Hace años estuvo en desarrollo una película que combinaría acción real y animación, un proyecto que incluso contó con la participación del productor de Harry Potter, David Heyman.
Sin embargo, aquella propuesta acabó perdiéndose por el camino y nunca llegó a materializarse. Por eso muchos seguidores habían empezado a pensar que la adaptación jamás llegaría a hacerse realidad.
Ahora la situación parece muy distinta. La serie cuenta con respaldo internacional, una estrategia comercial ya en marcha y nuevos productos licenciados que acompañarán su lanzamiento. Todo apunta a que 2026 podría ser el comienzo de una nueva etapa para estos felinos guerreros. Después de más de veinte años esperando, parece que los gatos finalmente han encontrado su camino hacia la pantalla.
Una sinopsis internacional de Spider-Man: Brand New Day revela nuevos detalles sobre los poderes de Peter Parker y menciona la presencia de un enigmático personaje que permanece oculto
Más allá del cartel, lo que más ha llamado la atención es la nueva información argumental asociada a la promoción. Según una sinopsis traducida difundida por distintos medios, Peter Parker sufrirá una alteración genética que modificará sus habilidades habituales. Esta evolución le permitiría generar telarañas orgánicas, aunque también provocaría graves problemas físicos y una pérdida de control sobre su propio cuerpo.
La descripción también menciona que varias amenazas aprovecharán esta situación para actuar en Nueva York, mientras una misteriosa figura observa los acontecimientos desde las sombras. Por ahora, la identidad y las verdaderas intenciones de este personaje no han sido reveladas.
Las nuevas pistas han alimentado teorías entre los fans. Algunos creen que esta transformación podría acercar al personaje a versiones más extremas vistas en los cómics, incluyendo la posibilidad de que aparezcan elementos inspirados en Man-Spider. Sin embargo, se trata únicamente de especulaciones y no existe ninguna confirmación oficial por parte de Marvel Studios o Sony Pictures.
La información procede del material promocional chino de la película y de publicaciones compartidas en las cuentas oficiales relacionadas con Spider-Man: Brand New Day, que recientemente también celebraron el cumpleaños de Tom Holland.
La historia se desarrollará varios años después de los acontecimientos de Spider-Man: No Way Home, mostrando a un Peter Parker que vive completamente solo en una Nueva York que ya no recuerda quién es. Mientras intenta proteger la ciudad como Spider-Man a tiempo completo, una nueva amenaza pondrá a prueba tanto sus poderes como su propia identidad.
El reparto incluye a Tom Holland, Zendaya, Sadie Sink, Jacob Batalon, Jon Bernthal, Michael Mando, Tramell Tillman y Mark Ruffalo. La película está dirigida por Destin Daniel Cretton y llegará a los cines el 31 de julio de 2026.
Según la sinopsis oficial publicada por Marvel, el relato explorará cómo habría sido el mundo si Scott Summers hubiera conseguido salvar el alma de Madelyne, permaneciendo junto a ella para criar a Nathan Summers, el personaje que más tarde se convertiría en Cable. Sin embargo, lejos de presentar un final feliz, la editorial adelanta que esta realidad alternativa podría convertirse en una de las peores catástrofes para los mutantes y para la propia Tierra.
Una figura clave en la historia mutante
Para entender la importancia de esta historia hay que mirar atrás. Madelyne Pryor debutó en 1983 en las páginas de Uncanny X-Men #168, creada por Chris Claremont y Paul Smith. En un principio parecía una mujer normal que guardaba un sorprendente parecido con Jean Grey, aunque más tarde se descubriría una verdad mucho más oscura.
Con el tiempo se reveló que Madelyne era en realidad un clon creado por Mister Sinister, un descubrimiento que transformó por completo su papel dentro del universo Marvel. Sus conflictos con los X-Men, su caída durante la saga Inferno y su transformación en la temible Reina Duende la convirtieron en uno de los personajes más complejos de la franquicia.
El legado de Inferno sigue persiguiendo a los mutantes
Pocas historias han dejado una huella tan profunda en los X-Men como Inferno. Publicada a finales de los años ochenta, aquella saga mezcló drama familiar, conspiraciones genéticas y una invasión demoníaca que llevó a los personajes al límite. La caída de Madelyne Pryor fue uno de los momentos más impactantes de aquella etapa, convirtiéndola en una figura marcada por la tragedia y el resentimiento.
Marvel celebra medio siglo de historias imposibles
Este especial no llega por casualidad. Marvel está utilizando 2026 para conmemorar el 50 aniversario de la línea What If…?, una colección que durante décadas ha permitido imaginar versiones alternativas de los acontecimientos más importantes de su universo.
Para muchos seguidores de los mutantes, este lanzamiento tiene un atractivo especial. La relación entre Cíclope y Madelyne Pryor sigue siendo una de las más controvertidas de toda la historia de los X-Men, y la posibilidad de explorar un camino alternativo ofrece una oportunidad perfecta para revisitar personajes, conflictos y decisiones que todavía generan debate décadas después.
El proyecto fue desarrollado en 2020 por Ciro Nieli, creador de Super Robot Monkey Team Hyperforce Go!, para Disney Television Animation. Aunque nunca recibió luz verde, recientemente ha compartido ilustraciones y detalles de aquella propuesta que muestran una dirección muy ambiciosa para la franquicia.
La trama daría entonces un salto temporal de dos décadas. En una ciudad dominada por el caos y la corrupción, una envejecida Elisa Maza, convertida ahora en comisaria de policía, sería la encargada de despertar nuevamente a los protagonistas para iniciar la reconquista de la ciudad.
Una evolución visual sin traicionar el original
Uno de los aspectos más interesantes de la propuesta era su enfoque artístico. En lugar de rediseñar radicalmente a los personajes para adaptarlos a los tiempos actuales, Nieli apostaba por una actualización moderada que mantuviera intacta la esencia visual de la serie clásica.
Su intención era conservar la animación tradicional en dos dimensiones, algo cada vez menos habitual en grandes producciones televisivas. Para ello, planteó diseños más estilizados y simplificados, pero reconocibles para cualquier fan veterano.
Disney nunca explicó oficialmente por qué rechazó el proyecto. No obstante, el contexto ayuda a entender la situación. La propuesta fue presentada en pleno 2020, cuando la industria audiovisual sufría los efectos de la pandemia y numerosos proyectos acabaron retrasados, modificados o directamente cancelados.
El productor Gary Dauberman, vinculado a la futura adaptación, ya comentó anteriormente que uno de los mayores retos consiste en trasladar a imagen real la atmósfera oscura que hizo especial a la serie original. También reconoció que el material de partida sigue funcionando extraordinariamente bien incluso décadas después de su estreno.
Quizá algunos fans habrían rechazado ciertos cambios, especialmente el aspecto cibernético de Goliath. Otros, sin embargo, probablemente habrían abrazado esta evolución como una forma natural de hacer crecer la historia. Lo que está claro es que esta propuesta demuestra que, incluso décadas después de su final, Gárgolas sigue siendo una franquicia con un enorme potencial narrativo y con suficientes seguidores como para mantener viva la esperanza de un regreso definitivo.
Nicholas Galitzine cuelga la corbata de la oficina, coge la Espada del Poder y vuelve a Eternia. Travis Knight dirige la esperada nueva versión del icono de los ochenta con un elenco de lujo, muchas bromas y 141 minutos que se hacen notar: He-Man y los Masters del Universo.
He-Man y los Masters del Universo han vuelto, pero tal vez lleguen tarde a su propia fiesta
Casi cuarenta años después del monumental fracaso comercial del film de Cannon Films, Mattel Studios y Amazon MGM vuelven a apostar por el príncipe Adam de Eternia y los Masters del Universo con una producción de entre 170 y 200 millones de dólares. La pregunta que sobrevuela toda la película —y que el propio protagonista parece hacerse en voz alta— es si alguien necesitaba realmente un nuevo He-Man en 2026. La respuesta, como el arco dramático del personaje, es complicada.
Travis Knight, el artesano detrás del stop-motion de Laika (Kubo and the Two Strings) y del mejor Transformers que existe (Bumblebee), se pone al frente de esta nueva entrega con un guion firmado por nada menos que cuatro manos: Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee y Dave Callaham. El resultado es una película que no sabe muy bien si quiere ser un homenaje sincero o una parodia encubierta, y esa duda interna acaba pasándole factura.
El príncipe Adam atrapado en Recursos Humanos
La historia arranca en Eternia, donde el joven príncipe Adán (Artie Wilkinson-Hunt de niño, Nicholas Galitzine de adulto) ve cómo Skeletor invade su planeta y sus padres caen prisioneros. Una hechicera (Morena Baccarin) lo manda al exilio en la Tierra junto con la Espada del Poder, que Adán pierde de inmediato en el viaje cósmico. Quince años después lo encontramos en un trabajo de oficina, contándole a sus citas cómo es en realidad un príncipe alienígena. Como se puede imaginar, no le va demasiado bien en Tinder.
La parte terrenal de la película funciona bien. Galitzine, que ya ha demostrado en Bottoms y 100 Nights of Hero que sabe reírse de sí mismo, construye un Adam creíble en su torpeza: el tipo que lleva décadas buscando su espada mágica mientras malvive en recursos humanos y asusta a cualquier posible pareja en la primera cita. Cuando al fin da con la espada —en una tienda de coleccionismo de ciencia ficción, cómo no— y la ya adulta Teela (Camila Mendes) aparece para llevárselo de vuelta a Eternia, la película tiene el ritmo y el tono de una aventura desenfadada con genuinas ganas de divertir.
Una Eternia con diseño de producción impecable y combates repetitivos
Una vez en Eternia, la película despliega su presupuesto con criterio. El diseño de producción de Guy Hendrix Dyas construye un mundo que recuerda, a propósito, que este universo nació del plástico: medieval en su estética, artificial en su esencia, y orgullosamente kitsch en los detalles. La música de Daniel Pemberton recupera el metal-fantasía que definió la franquicia original, con guitarras cortesía de Brian May, y funciona.
Lo que no funciona igual son las secuencias de acción. Cuando Adam accede por fin al poder de Grayskull y se convierte en He-Man, la película pierde chispa. Los combates se encadenan uno tras otro sin demasiada variación ni tensión real. El guion mete en pantalla a casi todo el catálogo de personajes de los Masters —Fisto, Ram-Man, Mekaneck, el tigre Cringer, Roboto— en lo que parece tanto un servicio a los fans como un recordatorio de que hay mucho inventario que llenar en las tiendas de juguetes de cara a Navidad.
El reparto: Galitzine aguanta el tipo, Leto divierte desde las sombras
Nicholas Galitzine es el mejor argumento de la película. Su Adam funciona en la versión torpe y funciona en la versión musculada, aunque el guion no termina de separar bien las dos personalidades: He-Man arrastra los mismos tics inseguros que el príncipe del departamento de RRHH, lo que desinfla un poco la transformación. Aun así, es difícil no quererle cuando intenta convencer a los Masters de Eternia de que sería mejor ‘desescalar la tensión y abrir un diálogo’ con Skeletor.
Jared Leto, completamente digitalizado y con un acento que navega entre lo británico y lo extraplanetario, aporta las mejores dosis de humor involuntario. Su Skeletor parece disfrutar especialmente de los muslos de He-Man, y la película explota ese filo con gracia. Idris Elba como Duncan/Man-At-Arms tiene presencia y carisma, aunque el guion le convierte en alcohólico en su segunda aparición sin demasiada justificación. Camila Mendes es una Teela creíble en lo físico, aunque la química romántica con Galitzine no termina de encenderse (tal vez deliberadamente).
El problema de querer guiñar el ojo sin parar
La mayor debilidad de Masters of the Universe es su incapacidad para decidir qué quiere ser. La película está tan cargada de humor autoconsciented y guiños meta —hay una escena entera en una tienda de cómics solo para recordarnos que esto es material friki— que en ciertos momentos parece estar pidiendo perdón por existir. Ese tono recuerda más a las primeras fases del MCU que a los ochenta que supuestamente evoca.
Cuando la broma funciona, la película despega y entretiene de verdad. Cuando no, los chistes caen tan planos como un escudo de Grayskull. El problema es que con 141 minutos de metraje, hay bastantes momentos para que ocurra lo segundo. Una versión de ciento diez minutos habría ganado en ritmo y en coherencia emocional.
He-Man y los Masters del Universo (2026) es una película que funciona por momentos, sostiene el interés gracias a Galitzine y tiene el buen gusto de no tomarse demasiado en serio un universo que nació para vender muñecos. Pero también se alarga más de lo conveniente, malgasta parte de un reparto magnífico y se pierde entre el homenaje y la parodia sin llegar a dominar ninguno de los dos terrenos.
Los cuarentones que crecieron con He-Man encontrarán suficientes guiños para pasar un buen rato. Los que no tengan ese vínculo afectivo puede que salgan preguntándose en qué momento un chico rubio con taparrabos tuvo tanto poder sobre una generación entera. La respuesta, por supuesto, era siempre el plástico.
P.S. – Por cierto, no os levantéis demasiado rápido… ¡hay tres escena poscréditos!
FICHA TÉCNICA
Título original
He-Man y los Masters del Universo
Año
2026
Dirección
Travis Knight
Guion
Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee, Dave Callaham
Reparto
Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba, Jared Leto, Alison Brie, Kristen Wiig, Morena Baccarin, James Purefoy
