Kripke también reveló que el guiño a Supernatural con la mención del “Impala” fue añadido durante la postproducción como homenaje final al actor y a la serie en la que trabajaron juntos.
Por otro lado, el showrunner dejó escapar un detalle importante sobre el futuro de Homelander. Durante una charla en YouTube, insinuó que el personaje moriría en el desenlace de la quinta temporada, algo que rápidamente generó debate entre los seguidores.
Aunque el universo de The Boys seguirá expandiéndose con producciones como Vought Rising y The Boys: Mexico, muchos fans esperan que la serie principal consiga cerrar su historia con un final a la altura.
La quinta temporada se emite actualmente en Prime Video.
La saga de ‘Halloween’ a lo largo de la historia ha generado críticas mixtas, pero aún con sus altibajos siempre ha atraído al espectador.
La saga de ‘Halloween’ lleva a sus espaldas nada más y nada menos que 13 películas, contando con secuelas, reboots y líneas temporales alternativas. Desde que se estrenó la película original en 1978 la saga ha pasado por altibajos, incongruencias narrativas, epicidad, aciertos y mucho más.
Es por ello que a continuación vamos a ordenar todas las películas de la saga de ‘Halloween’ de peor a mejor, para analizar en que ha fallado y en qué ocasiones fue un acierto tomar ciertas decisiones; ¡Vamos alla!
Halloween III: la noche de las Brujas (1983)
Resulta curioso que una película titulada Halloween III sea tan radical en todos sus aspectos. Desde el guión hasta la atmósfera se sienten totalmente independientes de la saga de Michael Myers, tanto es así que hasta el mismo Michael no aparece en ningún momento de la cinta.
La película cuaja como película de terror, pero al ser un ranking en el que se está valorando la saga original en la que el significado del Halloween es el propio Michael Myers, no puedo puntuarla por encima de ninguna otra.
Halloween Ends (2022):
Cuando la saga estaba en un punto delicado tras la crítica profesional de Halloween: Kills, muchos pensaban que la última entrega en la que se enfrentarían Lauire Strode y su archienemigo Michael Myers sería épica, y aunque la batalla final tenga cierta epicidad, no deja de ser un producto mal vendido, mal contado y sin ningún ápice de querer resultar coherente con los fans.
Halloween 6: la maldición de Michael Myers (1995)
Una de las entregas más disparatadas y deshonestas dentro del cánon Myers, ya que en ella se había perdido por completo el sentido común dentro de la saga. Ya nada era interesante, no hubo ningún atisbo de querer hacer un producto coherente, y ni si quiera la mejora en el diseño de la máscara de Michael Myers con respecto al despropósito de la de la anterior hizo que destacara absolutamente en nada.
Halloween II (2009):
La secuela de la bestial Halloween: el origen de Rob Zombie no pintaba del todo mal, ya que se seguía manteniendo firme en su atmósfera opresiva y sucia, pero no convenció a prácticamente nadie. No obstante, estamos ante una secuela entretenida y con una buena dosis de violencia.
Halloween: resurrection (2002)
Es imposible no pensar que esta película fue la única responsable de arruinar el final perfecto que nos dejó Halloween: H20. Por lo demás, una secuela poco convincente pero efectiva, y aunque la más “secuelitis” de todas al no aportar absolutamente nada, es entretenidísima y tiene buenas muertes. Eso sí, no le perdonamos al guionista lo que hizo introduciendo a Busta Rhymes en la ecuación.
Halloween 5: la venganza de Michael Myers (1989)
Con un inicio propio de una película de Scary Movie, Michael Myers aún sin poder ver su rostro, se notaba cansado, e incluso triste (lo sabrá quién haya visto la película), ya no era el de antes. Su argumento es tan mediocre que podríamos decir que estamos ante el peor guión escrito de toda la saga, y aunque el diseño de la máscara de Michael se corona como el peor de todos, lo cierto es que resulta más entretenida que Halloween: resurrection.
Halloween: el origen (2007)
A partir de este puesto, se encuentra el ranking con las mejores películas de Halloween, las que considero más astutas y mejor realizadas.
Halloween el origen, dirigida por Rob Zombie, y estrenada en el año 2007, trajo de vuelta a Michael Myers por todo lo alto en un reboot que dejaba claro que nuestro antagonista era aún más maligno de lo que creíamos, ya que esta entrega nos muestra a un Michael más descabellado, más cruel y despiadado, con un origen perverso más que acertado, que hace que lleguemos a entender el por qué la locura de este mal personificado.
Halloween 4: el regreso de Michael Myers (1988)
Tras el fracaso que supuso Halloween III en 1983, alguien tenía que tomar la batuta para incitar a Michael Myers a que saliera de su escondite e iniciara una nueva oleada de muertes entre los jóvenes de Haddonfield. De la mano de Dwight H.Little (director de la posterior Anaconda 2), Halloween 4 supuso el regreso de Michael Myers después de los sucesos de Halloween II:sanguinario (1981), y ¡Qué regreso!, ya que esta secuela mantenía muy bien el nivel con respecto a las dos primeras, y conectó muy bien los hechos de todo lo visto anteriormente. Creo que sin este regreso, Michael habría tardado mucho más en “levantarse de la tumba”, o quien sabe si quizás no existirían tantas secuelas después de esta.
Halloween II: sanguinario (1981)
La continuación de la original Halloween expandía muy bien lo ocurrido en aquella noche de 1978, conectando los hechos en la misma noche que en aquella primera película de John Carpenter. Esta primera secuela de 1981 obtuvo el hándicap que cualquier fan de la saga esperaría, y es que su mayor defecto es ser hija de la obra que lo inició todo.
Por lo demás, la secuela más eficiente y lógica de toda la saga.
Halloween kills (2021):
La secuela de Halloween de 2018 es por mucho la más entretenida de todas, ya que ofrece justo lo que vende, una noche de Halloween en la que todo el peso de la trama recae en Michael Myers, mostrándonos mucha más sangre que en cualquier película de la saga (inclusive Halloween: el origen), y continuando la que fue una de las mejores de la franquicia, Halloween 2018. Laurie Strode no ofrece mucho de su personaje, pero tampoco importa, en esta entrega solo queríamos gozar de “la forma” dando cuchilladas a diestro y siniestro. Una buena secuela.
Halloween H20 (1998):
Halloween: veinte año después es la secuela perfecta para la línea temporal original de Halloween, y que conecta de maravilla con Halloween II (1981). La ambientación es sublime, muy en la línea póstuma a Scream (1996) y Scream 2 (1997), la historia y el guión son simples pero muy efectivos,Jamie Lee Curtis lo hace de maravilla retomando su papel de Laurie Strode, y lo hace resurgiendo de sus cenizas y sentando cátedra una vez más de lo que es ser una final girl de manual, todo ello orquestado, y valga la redundancia, por una banda sonora que le suma epicidad a la banda sonora original de John Carpenter.
Después de una nefasta y caprichosa Halloween 6, que Steve Miner (director de H20) trajera de vuelta a Michael Myers de esta manera tan magistral, simplemente me parece CINE.
El final? Uno de los mejores finales que una película de terror puede tener; concluso, sencillo e inteligentemente épico.
La noche de Halloween (1978):
Era evidente que la original “La noche de Halloween” (1978) de John Carpenter era la número 1 en este ranking.
El clásico que inventó el slasher y que sentó unas bases potentes para que títulos como “Viernes 13” o más tarde “Scream” fueran lo que son a día de hoy.
Halloween fue, es y será siempre una obra maestra, una película inteligente, ágil y poderosa en todos sus apartados.
Las luces y las sombras juegan un punto a favor, se nota que Carpenter era un genio, y que supo en todo momento donde posicionar a Myers para dar esa sensacion amenazante tan enigmática y tan poco encriptada.
Así que tocaba improvisar. O, mejor dicho, hacer una auténtica locura científica.
Con el consentimiento de Kimiko, Frenchie y Butcher deciden exponerla al mismo tipo de radiación que convirtió a Soldier Boy en lo que es. La teoría era sencilla sobre el papel: darle a Kimiko la capacidad de neutralizar poderes y convertir a Homelander en un simple humano vulnerable. Fácil, ¿verdad? Pues no.
El proceso resulta salvaje. Kimiko sufre de forma atroz y durante buena parte del experimento parece que todo ha sido un fracaso monumental. Es entonces cuando entra en juego Sister Sage, completamente hundida tras no haber previsto los últimos acontecimientos. Frenchie logra convencerla para un último intento.
Y justo cuando parece que las cosas no pueden ponerse peor… aparece Homelander.
Frenchie se sacrifica exponiéndose junto a Homelander a una dosis brutal de radiación. El villano consigue escapar con quemaduras visibles en el rostro, pero Frenchie no corre la misma suerte.
Cuando Kimiko llega hasta él, ya completamente regenerada y aparentemente transformada por el experimento, es demasiado tarde. Frenchie muere en sus brazos en una de las escenas más dolorosas de toda la serie.
Y aunque el episodio no confirma de forma explícita que el plan haya funcionado… todo apunta a que sí.
Porque si alguien consigue anular los poderes de Homelander, el supuesto dios de The Boys pasaría a ser simplemente un hombre. Y ahí, con Butcher, Kimiko y el resto encima, la historia sería muy distinta.
Por si eso fuera poco, el episodio suma otra pieza clave al tablero: la aparición de Marie Moreau y Jordan Li, personajes de Gen V. La conexión entre ambas series ya no es un guiño, sino una pieza central del desenlace.
Con ese refuerzo, el combate final promete ser una auténtica barbaridad.
Y sinceramente, después de este episodio, cuesta imaginar un cierre que no termine con media pantalla cubierta de sangre, traiciones y algún trauma emocional nuevo para los fans.
Como todo fan de La Casa de las Ideas debería saber y ya hemos comentado en su momento, Gwen Stacy vio la luz por primera vez en la aventura que lleva por título If This Be My Destiny…!, cuya publicación tuvo lugar en el cómic The Amazing Spider-Man nº 31 (1965), con guion de Stan Lee y dibujos de Steve Ditko. A partir de ese momento, el personaje comenzó a evolucionar hasta llegar a ser una pieza clave de la cabecera, sobre todo cuando se convirtió en la novia de Peter Parker.
Sin embargo, todo terminó en tragedia cuando la joven encontró la muerte en la aventura que no podía titularse de otra manera que The Night Gwen Stacy Died, que vio la luz en el interior del ejemplar The Amazing Spider-Man nº 121, en mitad de una pelea entre el hombre araña y el Duende Verde.
No obstante, entre clones y versiones alternativas, en algunas de las cuales ha llegado a desempeñar el papel de heroína, Gwen Stacy ha llegado a evolucionar aún más de lo que podría parecer en un principio. De hecho, por descabellado que pueda parecer en un personaje que resultaba tan dulce, hemos llegado a verla hasta ejerciendo el papel de la villana de la historia en más de una ocasión, tal y como se puede comprobar si se continúa leyendo este artículo hasta el final.
Mysterio
La primera Gwen Stacy malvada en la que debemos detener nuestra atención la encontramos en la aventura April, que vio la luz en el cómic Ultimate Spider-Man nº 4 (2024), con guion de Jonathan Hickman y dibujos de David Messina, aunque, en un principio, solo la pudimos ver como la esposa de Harry Osborn, ya que no es hasta la historieta del mismo título que la que hemos mencionado al principio del párrafo, que vio la luz en el ejemplar 16 de la cabecera (publicado en el año 2025), con el mismo guionista, pero con Marco Chechetto como dibujante sustituto, que descubrimos que se trata de una de las personas que se encuentra bajo la identidad de Mysterio.
La declaración hecha al final de párrafo anterior podría sonar extraña, sino fuera porque, tal y como dijimos en su momento, en la última versión del Universo Ultimate, este clásico villano de Spiderman no tiene una sola identidad, sino que son varias las personas que se pueden encontrar bajo su máscara, todos ellos pertenecientes a la conocida como Orden de Mysterio. Sin embargo, lo que menos nos podíamos imaginar era que Gwen Stacy iba a estar metida en el ajo, pese a que, desde un primer momento, pudiéramos notar que no tenía tanta dulzura como su contrapartida clásica.
No obstante, ser una de las identidades de este villano le pasó factura, ya que Mister Negativo y James Wesley atentaron contra la Orden de Mysterio al lanzar una bomba de C4 contra ellos. Sin embargo, en lugar de matar a los miembros del grupo, la explosión los fusionó en un solo cuerpo, debido a un proceso místico llevada a cabo por un amuleto compartido por los integrantes de este culto. Con la apariencia de Gwen Stacy, esta entidad múltiple acabó presentándose ante Harry Osborn para aclararle que, en dichas circunstancias, no podían seguir juntos.
Duende Verde
La otra versión malvada de Gwen Stacy hizo su debutó en Spider-Society, que es el título de la novena aventura publicada en el cómic Web of Spider-Man One Shot (2024), por obra de Alex Segura y Salvador Larroca, donde se descubrió su identidad y su pertenencia a un grupo, que un tiempo más tarde nos informan que respondía por el nombre de Escuadrón Supremo, aunque no nos dejan claro cómo llegó a convertirse en una Duende Verde hasta la aventura titulada Jailbreak, que vio la luz en el ejemplar Spider-Society nº 3 (en el mismo año), a cargo del mismo guionista, pero con Ruairi Coleman en el apartado gráfico.
Todo empezó cuando la versión de Madame Web perteneciente a la realidad de esta Gwen Stacy, que en este universo tenía el rostro de la tía May, le contó a la protagonista de este artículo cuál era el final que el destino le tenía preparado. En lugar de resignarse a su suerte, ella prefirió apostar por la vida, tomar el suero de Norman Osborn y convertirse en una Duende Verde. Y como sabemos la inestabilidad mental que acompaña a esa decisión, el resultado fue el que cabía esperar.
No obstante, parece que algo de cordura debía quedar en la mente de Gwen Stacy, ya que, al darse cuenta de que había sido una marioneta manejada por la Madame Web de su realidad, decidió rebelarse contra ella, de modo que la empujó en un intento de sabotear su maquinaria de soporte vital, cuya explosión alcanzó a las dos. De modo que, pese a haber tomado malas decisiones, al final Gwen Stacy acabó muriendo como una heroína que no pudo escapar de su triste destino.
La nueva serie de DC, Lanterns, combinará ciencia ficción y misterio con Hal Jordan y John Stewart como protagonistas
La próxima serie de DC Studios, Lanterns, buscará alejarse del estilo tradicional de superhéroes para ofrecer una historia más cercana al thriller detectivesco. La producción de HBO, protagonizada por Aaron Pierre y Kyle Chandler, desarrollará su trama en dos líneas temporales conectadas por distintos misterios.
Según explicó el productor Chris Mundy a Entertainment Weekly, la serie toma inspiración de la primera temporada de True Detective. La historia comenzará en 2016, cuando Hal Jordan investiga un tiroteo relacionado con actividad extraterrestre en Nebraska. Allí se une John Stewart, todavía novato dentro de los Green Lantern Corps.
Diez años después, la trama mostrará las consecuencias de aquel caso y abrirá un segundo misterio que conectará ambos períodos temporales. Mundy aseguró que la serie se centrará más en descubrir “qué ocurrió y por qué”, dejando en segundo plano el clásico “quién lo hizo”.
El responsable también defendió el tono sobrio de la producción tras las críticas de algunos fans que esperaban una estética más colorida y espacial. Aun así, afirmó que el equipo mantiene un gran respeto por el material original de DC.
Lanterns llegará a HBO y HBO Max el próximo 16 de agosto con una propuesta que mezcla ciencia ficción, drama policial y la relación entre Hal Jordan y John Stewart.
La serie reimagina la película japonesa The Human Vapor con un tono mucho más oscuro y realista. La historia sigue a un misterioso asesino capaz de convertir su cuerpo en gas para atravesar cualquier barrera y cometer crímenes imposibles frente a las autoridades.
New images from Shinzo Katayamaʼs ‘HUMAN VAPOR’ have been released.
El reparto está encabezado por UTA como el Hombre Vapor, acompañado por Shun Oguri en el papel del detective Kenji Okamoto y Yu Aoi como la reportera Kyoko Kono. También participan Suzu Hirose, Yutaka Takenouchi y Kento Hayashi.
La dirección está a cargo de Shinzo Katayama, conocido por trabajos como Gannibal. Según informó ComingSoon.net, el proyecto surge de una colaboración entre Netflix, Toho y WOWPOINT.
El detonante de toda esta teoría está en Star Wars: Secrets of the Jedi: The Chronicles of Luke Skywalker, un nuevo libro de referencia del canon que actualiza el material publicado en años anteriores incorporando personajes, eventos y relatos recientes de la franquicia. Lo llamativo aquí es que el texto deja claro que Luke Skywalker conoce la existencia de Cal Kestis como superviviente de la Orden 66.
Si hacemos números, la posibilidad empieza a parecer bastante lógica. Star Wars Jedi: Survivor transcurre en el año 9 ABY, bastante antes de que Luke reconstruya la Orden Jedi tras la caída del Imperio. Eso deja un margen enorme para que Cal siga vivo durante la era de la Nueva República.
Además, no sería precisamente raro ver a otro Jedi veterano coexistiendo con Luke. Ahí está Ahsoka Tano como ejemplo clarísimo. Si ella ha logrado abrirse camino entre animación y acción real sin que el canon se rompa por el camino, Cal podría seguir exactamente la misma senda. Y sinceramente, cuesta imaginar un personaje más preparado para hacerlo.
Con Ahsoka, vimos cómo las Hermanas de la Noche y el legado de Dathomir siguen siendo piezas fundamentales en el futuro de la galaxia. Eso significa que Merrin podría convertirse en el enlace perfecto entre el universo de Cal Kestis y las series actuales de Disney+. Si Thrawn continúa moviendo fichas en ese tablero, no costaría demasiado justificar una aparición del personaje.
De hecho, sería una integración mucho más natural que otros cameos recientes construidos casi a golpe de nostalgia. Aquí sí existiría coherencia narrativa, relaciones orgánicas y un personaje con peso real dentro del canon.
Y Cal encaja perfectamente ahí. Es un Jedi experimentado, tiene un historial brutal contra el Imperio y su presencia aportaría una energía distinta a la habitual mezcla de cazarrecompensas y soldados imperiales reciclados. Además, BD-1 en live action sería una pequeña maravilla para cualquier fan con corazón.
No olvidemos tampoco que durante años hubo teorías apuntando a que Cal sería quien rescatara a Grogu antes de que apareciera Luke. No ocurrió, claro, pero demuestra hasta qué punto el personaje ya estaba instalado en el imaginario colectivo de la comunidad.
Porque claro, también existe la posibilidad de que Lucasfilm prefiera cerrar primero su arco narrativo en videojuegos antes de moverlo a otro formato. Tiene sentido. Pero incluso en ese escenario, el hecho de que Luke conozca oficialmente su existencia ya no parece casualidad.
A veces Star Wars deja migas de pan durante años antes de revelar el plato principal. Y otras veces simplemente nos hace sufrir porque sí, que también es muy suyo.
La noticia llega después de que el sello Absolute se consolidara como uno de los movimientos más agresivos y exitosos de DC Comics en tiempos recientes. Y claro, cuando algo funciona tan bien, lo lógico es empujar aún más el límite.
La idea gira en torno al Joker y su peculiar obsesión con crear instalaciones repartidas por todo el mundo. Según explicó Snyder, Ark-M no sería una anomalía aislada, sino la última de una cadena de complejos similares creados por el villano.
El Joker quiere convertir el mundo en su propio Arkham
Esto cambia bastante las reglas del juego. Si en Ark-M ya vimos una reinterpretación enfermiza del clásico psiquiátrico de Gotham, ahora la propuesta apunta a algo mucho más grande: una red global de laboratorios de pesadilla donde podrían haberse originado nuevos villanos.
Y sí, eso incluye conexiones con personajes conocidos. Snyder insinuó que Bane habría surgido en una instalación llamada Ark-A ubicada en Santa Prisca, reforzando la idea de que esta continuidad no solo reinventa personajes, sino que reescribe por completo sus orígenes.
Este Bruce Wayne no depende de la fortuna obscena que tradicionalmente define al héroe, ni necesita replicar todos los elementos clásicos para funcionar.
Por qué Absolute Batman está funcionando tan bien
Esa libertad creativa es precisamente lo que ha convertido la serie en una de las propuestas más comentadas de DC Comics. Mientras otras reinterpretaciones juegan sobre seguro, aquí Scott Snyder y su equipo han apostado por desmontar la iconografía habitual para reconstruirla desde otro ángulo.
Sin la comodidad de la Batcueva tradicional, sin algunos apoyos icónicos y con un enfoque mucho más crudo, este Batman conecta con una sensibilidad más contemporánea. Hay menos glamour y más conflicto social. Menos mito intocable y más figura combativa.
Eso explica por qué el sello Absolute ha conectado con tantos lectores en tan poco tiempo. DC no solo ha lanzado una línea alternativa; ha conseguido que personajes ultra conocidos vuelvan a sentirse impredecibles.
Si algo ha demostrado Absolute Batman, es que todavía hay margen para sorprender con un personaje que parecía haber sido explorado desde todos los ángulos posibles. Y eso, tratándose del Caballero Oscuro, ya es decir mucho.
Cuando Murakami se convierte en viñeta: El séptimo hombre y otros cuentos, obra publicada por Planeta Cómic
Hay nombres que, cuando aparecen en la cubierta de un cómic, generan de entrada más preguntas que certezas. Haruki Murakami es uno de ellos. El autor de Tokio Blues o 1Q84, uno de los escritores japoneses más leídos y traducidos del mundo, no es precisamente alguien a quien se imagine uno cediendo su obra a la maquinaria de la viñeta. Y sin embargo, convencido por el entusiasmo y el trabajo de los autores franceses JC Deveney y PMGL (firma artística de Pierre-Marie Grille-Liou), eso es exactamente lo que ocurrió. El resultado llega ahora al mercado español de la mano de Planeta Cómic bajo el título Murakami. El séptimo hombre y otros cuentos.
Una literatura hecha para ser dibujada
La pregunta que sobrevuela toda adaptación literaria al cómic es siempre la misma: ¿qué gana esta historia al convertirse en imagen? Con la prosa de Murakami, la respuesta resulta más evidente que con otros autores. Su escritura ha sido siempre profundamente visual: barras de bar en penumbra, habitaciones en silencio, animales improbables que irrumpen en la cotidianidad, grietas por las que se cuela lo fantástico en mitad de lo mundano. Sus cuentos funcionan muchas veces como cuadros estáticos en los que la atmósfera lo es todo, y la atmósfera es exactamente lo que un buen dibujante puede construir donde las palabras se detienen.
PMGL lo entiende así. Su trazo se mueve entre una cierta contención expresiva y destellos de extrañeza visual que encajan de manera natural con el tono de los relatos. No intenta competir con la escritura de Murakami ni ilustrarla de manera literal, sino abrir un espacio paralelo donde las historias respiran de otro modo. JC Deveney, por su parte, lleva décadas trabajando en el cómic francobelga y demuestra una sensibilidad especial para conservar la estructura emocional de los cuentos sin traicionar su ritmo. La adaptación no fuerza los relatos hacia una lógica narrativa de cómic de acción, sino que los deja habitar su propio tempo, que es lento, contemplativo y con mucho silencio entre viñeta y viñeta.
El volumen reúne nueve relatos extraídos de distintas colecciones de cuentos de Murakami, entre los que se encuentran piezas tan características de su universo como Rana salva Tokio, donde un enorme sapo recluta a un triste oficinista para evitar un terremoto que destruiría la ciudad, o Samsa enamorado, todo un derroche de imaginación y originalidad. La selección es heterogénea y deliberada, ya que abarca tanto el realismo social más contenido como el realismo fantástico más desbocado, mostrando los distintos registros de un escritor que nunca ha querido pertenecer a un solo género.
El problema del original en el horizonte
La principal tensión de este libro es también su rasgo más honesto. Los cuentos de Murakami son tan reconocibles, tan marcados por una voz narrativa específica, que cualquier lector familiarizado con su obra va a leer las viñetas con el texto original como referencia implícita. Esa sombra puede ser un obstáculo o un aliciente, dependiendo de la disposición de cada uno. Para quien llega sin haber leído a Murakami, el cómic funciona como una puerta de entrada sólida y sugerente a un mundo literario con mucha personalidad. Para el lector habitual de sus libros, la experiencia es más compleja, puesto que hay momentos en los que la adaptación captura algo que el texto solo insinuaba, y otros en los que la fijación de la imagen cierra interpretaciones que la prosa dejaba deliberadamente abiertas.
Esa apertura es, precisamente, uno de los grandes valores de la escritura de Murakami. Sus mejores cuentos no explican, sugieren. Y el cómic, por su naturaleza, tiene que tomar decisiones visuales que la literatura puede eludir. PMGL las toma con criterio y con inteligencia, pero la pérdida existe y es inherente al formato. No es una crítica al trabajo de los autores, sino una observación sobre los límites de cualquier trasvase entre artes.
Lo que el volumen logra de manera indiscutible es sostener durante toda su extensión una coherencia tonal que no era nada fácil de mantener. Nueve relatos con nueve atmósferas distintas, y sin embargo el libro se lee como un todo. El diseño de la edición contribuye a ello. La presencia de Murakami en cubierta no es solo un reclamo comercial sino una promesa que el interior cumple.
Murakami. El séptimo hombre y otros cuentos llega a España como adaptación del original francés publicado en 2021 por Éditions Delcourt bajo el título Murakami — Le Septième homme et autres récits. Planeta Cómic lo presenta en tapa dura sin sobrecubierta, con 432 páginas en color en un formato de 18,3 × 25,5 cm. La traducción corre a cargo de Albert Agut Iglesias. El precio de venta recomendado es de 45 € y se puso a la venta en marzo de 2026.
Murakami. El séptimo hombre y otros cuentos
¡Una selección de cuentos de Murakami ahora en formato novela gráfica!
Seducido por el entusiasmo y el talento de JC Deveney y PMGL, Haruki Murakami se ha dejado convencer para adaptar gráficamente nueve de sus cuentos. ¡Una delicia para sus fans!
Un sapo gigante decide salvar Tokio de un terremoto con la ayuda de un oficinista cualquiera, una joven camarera de veinte años tiene la oportunidad de que se cumpla su mayor deseo… Las historias de Murakami, que se mueven entre el realismo social y el romanticismo fantástico en los intersticios del Japón contemporáneo, tienen un sabor único, que millones de lectores en todo el mundo reconocen al instante.
Autores: Haruki Murakami, Pierre Marie Grille Liou y Jc Deveney
Netflix convierte en serie uno de los cómics más gamberros de los últimos años y la premisa es tan loca como suena con el guionista de X-Men: Primera Generación
Ahora Netflix ha decidido cambiar de estrategia y apostar por una serie live-action basada en el cómic de Vault Comics, recuperando una historia que mezcla fantasía salvaje, humor negro y violencia desatada. Básicamente, como si Juego de tronos se hubiera tomado unas copas con Deadpool.
Una nueva adaptación para Netflix
El proyecto contará con Sheldon Turner, guionista de X-Men: Primera generación, como principal responsable creativo, acompañado por Robert Rovner, conocido por su trabajo en Supergirl. La apuesta no es pequeña, especialmente porque Barbaric tiene un material de base muy peculiar.
El cómic creado por Michael Moreci y Nathan C. Gooden sigue a Owen, un bárbaro brutal cuya vida cambia tras recibir una maldición bastante incómoda: solo puede usar su violencia para hacer el bien. El problema es que Owen no es precisamente un héroe noble ni un caballero con principios.
Y ahí entra uno de los elementos más delirantes de la historia: su inseparable compañera es un hacha parlante con problemas serios con el alcohol. Porque si vas a construir una fantasía salvaje, mejor hacerlo sin medias tintas.
El cambio de formato
Netflix ya había desarrollado esta propiedad como película, con un reparto llamativo detrás. Sam Claflin estaba vinculado como protagonista, Patrick Stewart iba a poner voz al arma más problemática del streaming y Michael Bay figuraba como director. Pero esa versión nunca llegó a despegar.
Ahora Claflin sigue ligado al proyecto, aunque de otra manera: ejercerá como productor ejecutivo, lo que deja en el aire si todavía podría aparecer delante de las cámaras.
La elección del formato serie no parece casual. Barbaric tiene un universo que encaja mejor en capítulos que en dos horas de montaje acelerado. Hay monstruos, hechicería, humor absurdo y una dinámica protagonista que pide tiempo para desarrollarse sin que todo parezca un tráiler extendido.
En cuanto a Sam Claflin, el actor sigue teniendo agenda llena. Tras participar en producciones como Vanished, Lazarus o All the Devils Are Here, también aparecerá próximamente en Ebenezer: A Christmas Carol, junto a Johnny Depp y Rupert Grint, además del thriller F.A.S.T.
La nueva fantasía de Netflix
Lo realmente interesante aquí es el tono. Porque Barbaric no quiere ser la típica fantasía solemne llena de profecías interminables y personajes que hablan como si estuvieran redactando un testamento medieval. Quiere sangre, sarcasmo y caos.
Eso puede jugar a favor o en contra. Adaptar cómics con humor extremo y violencia estilizada nunca es sencillo, especialmente cuando el equilibrio entre gamberrismo y narrativa puede romperse rápido.
De momento, Netflix no ha confirmado fecha de estreno ni reparto oficial para esta nueva encarnación del proyecto. Pero solo la idea de ver a un bárbaro moralmente obligado a hacer el bien mientras discute con su hacha borracha ya merece al menos nuestra curiosidad. Porque siendo sinceros: entre tanta fantasía clónica, esto al menos tiene personalidad.
Un antihéroe con más problemas que músculos
Owen no encaja en el molde del héroe clásico de fantasía, y probablemente ahí está gran parte del encanto del material original. Si Conan era la encarnación del guerrero imparable y Geralt el profesional cansado pero eficiente, el protagonista de esta historia juega en otra liga: es un bruto impulsivo obligado a actuar con moralidad por imposición mágica, no por convicción. Ese contraste convierte cada conflicto en una bomba de relojería con potencial cómico.
El cómic de Vault encontró rápidamente su hueco entre los fans gracias a una mezcla poco habitual de fantasía oscura, humor irreverente y violencia exagerada, alejándose del tono solemne que domina muchas adaptaciones del género. Precisamente por eso, el gran reto audiovisual será conservar esa personalidad sin diluirla para gustar a todo el mundo. Porque cuando una propuesta rara intenta parecer convencional, suele perder justo aquello que la hacía interesante.
