The Batman Parte II comenzará a rodarse antes de lo esperado y regresa a su Gotham favorita

the batman

Matt Reeves vuelve a confiar en Glasgow para dar vida a su Ciudad Gótica… y el rodaje arranca antes de lo previsto

Los fans del Caballero Oscuro pueden dejar de morderse las uñas: The Batman Part II arrancará su producción en enero de 2026, antes de lo que muchos pensaban. Aunque la secuela todavía está programada para estrenarse en octubre de 2026, este adelanto en el calendario es una buena noticia para los seguidores del universo de Matt Reeves y del Bruce Wayne de Robert Pattinson, que llevan años esperando más bat-calles y bat-problemas.

La información llega desde Glasgow World, confirmando que la ciudad escocesa volverá a ser el escenario clave para la Gotham de Reeves. Porque sí, aunque la mayoría del rodaje se llevará a cabo en los estudios Leavesden de Warner Bros., las escenas exteriores más góticas y decadentes volverán a filmarse en Glasgow y Liverpool, reforzando esa estética noir que convirtió a The Batman en un fenómeno visual.

La Gotham que no existe, pero debería

Matt Reeves ya había dejado claro por qué se enamoró de Glasgow. En una entrevista para BBC Scotland’s The Edit, el director comentó:
“Quería que se sintiera como una ciudad americana gótica, pero que al mismo tiempo fuera un lugar donde nunca hubieras estado. Por eso elegimos una arquitectura gótica espectacular y fuimos a Glasgow. Fue tan hermoso que ojalá hubiéramos podido grabar más allí”, dijo con nostalgia. Vamos, que si Reeves pudiera, haría la trilogía entera entre neblina, lluvia y callejones escoceses.

The Batman Parte II comenzará a rodarse antes de lo esperado y regresa a su Gotham favorita

Este toque visual fue uno de los puntos más alabados de la primera película. Gotham no parecía Nueva York ni Chicago, sino una urbe oscura y misteriosa con entidad propia, más cercana al estilo del cómic Batman: Año Uno o incluso al videojuego Arkham City. Repetir localización no es solo un capricho estético: es un elemento narrativo que potencia la atmósfera y ayuda a sumergir al espectador en la historia.

Fechas cruzadas y humo de despiste

En agosto de este año, la web Productionlist.com ya había apuntado al 1 de enero de 2026 como fecha de inicio del rodaje. Pero fue el propio CEO de Warner Bros. Discovery, David Zaslav, quien contradijo esa información en una carta a accionistas asegurando que el rodaje comenzaría en primavera. Ahora, con el respaldo de un medio local que conoce bien los movimientos en su ciudad, parece que la fecha de enero va ganando peso.

the batman

¿Y esto qué implica para el estreno? En principio, nada preocupante. La película mantiene su fecha oficial para el 1 de octubre de 2026, así que este adelanto servirá para trabajar con más calma —o simplemente para asegurar el calendario frente a posibles huelgas, tormentas o villanos que se cuelen en el set.

El legado de Reeves y el nuevo capítulo del murciélago

Con The Batman, Reeves logró algo que parecía imposible: darle un nuevo enfoque al personaje sin traicionar sus raíces. La versión de Pattinson, más detectivesca y vulnerable, convenció a crítica y público, y sentó las bases para una trilogía que promete seguir alejándose del típico blockbuster de superhéroes.

El regreso de personajes como el Pingüino (que también tendrá su propia serie en HBO Max), o la introducción de nuevos villanos como Hush o el Tribunal de los Búhos, podrían estar en la hoja de ruta de esta secuela. Aunque por ahora, lo único seguro es que Gotham volverá a brillar con su oscuridad habitual y que la producción está a punto de ponerse en marcha.

The Batman Parte II comenzará a rodarse antes de lo esperado y regresa a su Gotham favorita

Una Gotham con acento escocés

A medida que se acerca el inicio de la producción, queda claro que Matt Reeves quiere mantener la coherencia visual y narrativa de su universo. Apostar de nuevo por Glasgow no es solo una decisión logística, sino una declaración de intenciones: su Batman vive en un mundo sucio, lluvioso y auténtico. Uno en el que cada ladrillo gótico cuenta una historia… normalmente trágica.

Y con un rodaje que se adelanta a lo previsto, los fans solo tienen que hacer una cosa: prepararse para volver a la cueva. La noche cae, Gotham llama, y el murciélago se acerca con paso firme.

Lady Deathstrike entra en acción en Ultimate Lobezno #14 y no viene sola para dar el cierre al universo Ultimate de Marvel

Daredevil y Lobezno

Una nueva versión de la letal villana se suma al caos justo antes del final del universo Ultimate

Con el universo Ultimate de Marvel acercándose a su apoteósico final, la llegada de Lady Deathstrike a este universo alternativo no puede ser una simple coincidencia. Y es que Ultimate Lobezno #14 no solo marca el debut de esta temible enemiga en su versión Ultimate, sino que también promete encender la mecha de lo que será el último gran combate de Logan en esta línea editorial.

La historia, escrita por Chris Condon y con arte de Alessandro Cappuccio, nos lanza de lleno a una misión con tintes de desesperación: Wolverine y Jean Grey están buscando a mutantes desaparecidos, pero lo que encuentran es algo mucho peor. Los secuestrados podrían estar atrapados en el reino infernal de Magik, Limbo, y para rescatarlos, deberán enfrentarse a las fuerzas de la República Euroasiática… y a una nueva versión de Lady Deathstrike que, según promete la editorial, será demoledora.

Lady Deathstrike entra en acción en Ultimate Lobezno #14 y no viene sola para dar el cierre al universo Ultimate de Marvel

El regreso (rediseñado) de una enemiga icónica

Para quienes no estén muy puestos, Yuriko Oyama, más conocida como Lady Deathstrike, es una asesina cibernética con un pasado tan trágico como violento. Hija del villano Lord Dark Wind, su historia está marcada por abusos, traiciones y una obsesión con el adamantium. Desde su primera aparición en Daredevil #197 (1983), ha sido una de las amenazas más físicas y personales de Lobezno, especialmente por su capacidad para igualar —e incluso superar— su brutalidad.

Ahora, Marvel la reimagina en el contexto del universo Ultimate, y no parece que venga con ganas de charlar. El diseño, a cargo de Cappuccio y con variantes firmadas por Netho Diaz, promete una versión más salvaje, militarizada y letal que nunca. Perfecta para este nuevo campo de batalla en el que los héroes están más desesperados y el mundo al borde del colapso.

El principio del fin

Pero el anuncio no solo entusiasma por la llegada de Lady Deathstrike. Ultimate Lobezno #14 es también una pieza clave en el desenlace de toda la línea Ultimate actual. Tal y como se reveló en la pasada New York Comic Con, la serie cerrará en su número #16, con la historia concluyendo definitivamente en The Ultimates #24, previsto para abril de 2026.

Lady Deathstrike entra en acción en Ultimate Lobezno #14 y no viene sola para dar el cierre al universo Ultimate de Marvel

Según Deniz Camp, guionista de The Ultimates y uno de los cerebros tras esta etapa, el final será “definitivo, emotivo, con muertes y muy salvaje”. Vamos, que si alguien pensaba que esto iba a acabar con abrazos y fuegos artificiales, se equivoca. El objetivo es que esta saga pueda “ser leída de principio a fin durante años”, en palabras de Dan Buckley, jefe de Marvel Comics.

Lobezno y los últimos días de la resistencia

En este contexto apocalíptico, la figura de Logan emerge como símbolo de resistencia y tragedia. Si en la línea clásica siempre ha sido el tipo que lo pierde todo pero sigue adelante, aquí lo vemos en su recta final. Malherido, emocionalmente desgastado, rodeado de enemigos por todos lados… y aún así dispuesto a enfrentarse a una versión mejorada de uno de sus peores enemigos.

Lady Deathstrike entra en acción en Ultimate Lobezno #14 y no viene sola para dar el cierre al universo Ultimate de Marvel

Todo apunta a que esta pelea contra Lady Deathstrike será mucho más que un combate físico. Es el reflejo del ciclo que se cierra: el mutante que siempre ha luchado por controlar su bestia interior, enfrentándose a alguien que abrazó la suya sin remordimientos. Y si eso no promete fuegos artificiales (y cuchillas por doquier), no sabemos qué lo hará.

El fin del universo Ultimate se acerca… ¿con sangre?

Marvel ha confirmado que Ultimate Lobezno #14 saldrá a la venta el 4 de febrero de 2026, calentando motores para un final que muchos fans ya califican de “épico”. La pregunta ahora es: ¿Cuántos personajes quedarán en pie cuando la última página se cierre?

Zootrópolis 2 arrasa en taquilla y crítica y los creadores han compartido los referentes para la secuela

Disney lo ha vuelto a hacer, Judy y Nick regresan por todo lo alto en una aventura que mezcla acción, humor y nostalgia

El regreso de Zootrópolis ha sido todo menos discreto. Nueve años después del éxito original, la ciudad de los mamíferos vuelve a la gran pantalla con Zootrópolis 2, una secuela que no solo ha logrado mantener la esencia de la primera, sino que además ha sabido reinventarse con guiños a clásicos del cine y una historia que pisa fuerte en lo emocional y lo espectacular.

En sus primeras 24 horas, la película ya había recaudado más de 44 millones de dólares, dejando claro que el público estaba hambriento de más Judy Hopps y Nick Wilde. Pero no solo ha sido un éxito en taquilla: la crítica la ha recibido con los brazos abiertos. Actualmente, cuenta con un 94% de puntuación en Rotten Tomatoes y un 95% de valoración positiva entre los fans en el famoso “Popcornmeter”.

Una secuela con referentes de culto

Lejos de tirar de piloto automático, los directores Byron Howard y Jared Bush han hecho los deberes. En entrevistas recientes, confesaron que han bebido de películas como Lethal Weapon 2, Toy Story 2 y Out of Sight para dar forma a esta continuación. La idea no era hacerla “más grande”, sino profundizar en los personajes, algo que se nota especialmente en la evolución emocional de Judy y Nick.

Crítica de Zootrópolis

Además, el equipo creativo no ha escondido su amor por ciertos clásicos. La animación se inspira en parte en Robin Hood (sí, la de los animalitos con sombrero y flechas), y el tono detectivesco toma ideas prestadas de The Fugitive y True Lies. Vamos, que si vas al cine con ganas de acción, persecuciones y un poco de comedia romántica, esto te va a encantar.

la clave: el mundo interconectado de zootopia

Uno de los pilares de la película, como han señalado los creadores, es la idea de la interconexión. La ciudad de Zootrópolis no es solo un escenario visualmente impresionante, sino un lugar donde todo está diseñado para que diferentes especies vivan juntas… aunque no siempre en armonía.

Crítica de Zootrópolis

Ese concepto se traslada a la historia de Zootrópolis 2, en la que una nueva amenaza pone en jaque la estabilidad de la metrópolis animal. Sin destripar nada, podemos decir que la trama lleva a nuestros protagonistas por zonas que no habíamos explorado en la primera entrega, y que lo que está en juego va más allá de resolver un simple caso: toca temas de confianza, lealtad y el peso de las decisiones pasadas.

El reparto vuelve con fuerza

Por supuesto, el corazón de la película sigue siendo la química entre Judy Hopps y Nick Wilde, con las voces de Ginnifer Goodwin y Jason Bateman. Su relación evoluciona, se tensiona y se refuerza a medida que avanza la historia, y es ese vínculo emocional el que hace que la secuela no sea solo un espectáculo visual, sino una experiencia que conecta.

Además, se incorporan nuevos personajes que aportan tanto humor como drama, y aunque no todos tengan el mismo carisma que los protagonistas, el guion sabe darles su momento de gloria sin sobrecargar la historia.

trailer Zootropolis

¿Merece la pena verla?

Rotundamente sí. Zootrópolis 2 no solo está a la altura de su predecesora, sino que en muchos aspectos la supera. Es más madura, más elaborada y con un ritmo narrativo que engancha desde el minuto uno. Y aunque no reinventa la rueda, sabe exactamente cómo hacerla rodar con estilo.

Los fans del cine de animación (y del buen cine en general) van a salir del cine con una sonrisa. Y si Disney mantiene este nivel para futuras entregas o spin-offs, no sería de extrañar que Zootrópolis se convierta en una de sus franquicias estrella para la próxima década.

Batman se enfrenta a su límite en Absolute Batman #14, el final más brutal y esperanzador hasta ahora

El Caballero Oscuro se niega a convertirse en monstruo para vencer a otro monstruo, aunque eso le cueste todo en Absolute Batman

La batalla final entre Batman y Bane en Absolute Batman #14 no es solo un despliegue de violencia desatada y músculo hipertrofiado. Es un recordatorio brutal de quién es Bruce Wayne… y de quién rehúsa convertirse. El número, escrito por Scott Snyder con arte salvaje de Nick Dragotta, no se anda con rodeos: esta no es otra pelea más. Es la pelea. Y no se gana con fuerza bruta, se gana con principios.

En esta entrega definitiva, Batman se enfrenta a un Bane que ha llevado el Veneno a un nuevo nivel grotesco y monstruoso. Pero lo que realmente golpea más fuerte que cualquier puñetazo es la forma en que Snyder y Dragotta nos muestran el alma del murciélago a través de los ojos de alguien que lo conoce como nadie: Alfred Pennyworth.

La fuerza de una historia contada desde la duda

Lo más rompedor de esta serie no es su violencia, ni su estética explosiva, sino su narrador. Y no hablamos de un narrador omnisciente de manual, sino de un narrador poco fiable. Alfred, el eterno mayordomo, actúa aquí como voz interna, pero sus suposiciones se tambalean cada vez que Batman hace lo inesperado. Cree que sabe lo que Bruce planea, pero está equivocado. Bruce juega otra partida, una que ni siquiera Alfred alcanza a ver del todo. Una que no se gana solo por ganar, sino ganando bien.

batman bane

“Hay cosas que Batman no hace”, dice Alfred, y esta serie lo subraya con fuerza. Disparar un arma. Convertirse en una bestia como Bane. Abandonar a alguien por el camino. Y sin embargo, en flashbacks salpicados a lo largo del cómic, vemos a un Bruce Wayne que ha estado a punto de ceder, que ha dudado, que ha apostado todo por la esperanza, incluso cuando el sistema estaba amañado en su contra.

Bane, el reflejo distorsionado de Batman

La doble página central, una barbaridad visual que merece enmarcarse, muestra hasta dónde ha llegado Bane: una masa desfigurada de músculos, tubos y veneno. Es el “qué pasaría si” más oscuro imaginable: qué sería Batman si cruzara la línea, si dejara que la rabia lo consumiera.

Y eso es lo que hace que este número sea tan potente. Porque Batman podría vencer fácilmente si se permitiera ser como su enemigo. Pero elegir no hacerlo lo convierte en algo más que un vigilante: lo convierte en un símbolo.

Batman se enfrenta a su límite en Absolute Batman #14, el final más brutal y esperanzador hasta ahora

Una Gotham sin fe… y un murciélago que resiste

Aunque Gotham vio con sus propios ojos lo que ocurrió, sus líderes prefieren seguir mintiendo. Pretenden taparlo, manipular el relato. Pero Batman no lucha solo contra los puños de Bane; lucha contra un sistema que ha perdido la vergüenza.

Y es ahí donde entra el mensaje más humano del cómic. Snyder —como ha confesado en entrevistas— escribe desde la preocupación de un padre. ¿Y si las nuevas generaciones se rinden? ¿Si pierden la fe en cambiar un mundo cada vez más polarizado, más violento, más indiferente?

Por eso este Batman no es solo un tipo con capa que pega fuerte. Es una idea. Es lo que queda cuando todo lo demás falla. Es la voluntad de seguir luchando aunque todo esté en contra.

Batman se enfrenta a su límite en Absolute Batman #14, el final más brutal y esperanzador hasta ahora

El corazón de Gotham late con la esperanza del murciélago

En tiempos de apatía, Absolute Batman #14 lanza una pregunta al aire: ¿te rindes o te levantas? Bruce Wayne no tiene poderes, ni magia, ni una nave alienígena. Tiene dolor, traumas y cicatrices. Pero también tiene una brújula moral que no se dobla, incluso cuando se rompe.

Este número no solo cierra un arco. Redefine al personaje. Con un final que es puro Snyder: intenso, poético y cargado de carga simbólica, Absolute Batman #14 nos recuerda por qué seguimos leyendo sus historias después de tantas décadas. Porque cuando todo se hunde, aún hay un hombre que no se doblega.

Batman se enfrenta a su límite en Absolute Batman #14, el final más brutal y esperanzador hasta ahora

Avatar: Fire and Ash apunta a un estreno millonario pasando acercándose a las anteriores entregas

El tercer viaje a Pandora se prepara para arrasar con las taquillas de todo el mundo en diciembre de 2025

Las primeras proyecciones ya están aquí, y sí: todo apunta a que James Cameron lo va a volver a hacer. Avatar: Fire and Ash, la tercera entrega de la saga de ciencia ficción más taquillera de la historia, llega a los cines el 19 de diciembre y los expertos del box office ya han sacado la bola de cristal: se estima que podría debutar con unos 110 millones de dólares solo en Estados Unidos.

Lo más curioso es que este tipo de cifras no se alcanza si solo va el típico público cinéfilo. Esto significa que Cameron ha vuelto a enganchar a todos los perfiles: hombres, mujeres, jóvenes y veteranos, todos parecen listos para regresar a Pandora. Aunque el porcentaje de hombres es mayor en las encuestas de “primera opción”, la presencia femenina también es sólida. Y eso, amigos, es señal de taquillazo en todos los cines posibles.

avatar

Avatar: Fire and Ash, ¿otra bomba de largo recorrido?

Vale, no supera los números iniciales de Avatar: El sentido del agua, que en 2022 arrancó con 134 millones. Pero hay que recordar algo: las pelis de Avatar no funcionan como Marvel, no necesitan cameos sorpresa ni el hype del “día uno”. Aquí se trata de un evento cinematográfico, de esos que la gente planifica con semanas de antelación, reservando en salas IMAX o 3D para vivirlo como debe ser.

En su día, El sentido del agua venía precedida de estimaciones desorbitadas que la comparaban con Spider-Man: No Way Home. Al final se quedó por debajo, pero no por eso fue un fracaso. De hecho, terminó recaudando 2.340 millones en todo el mundo, convirtiéndose en la tercera película más taquillera de la historia.

¿La clave? Su resistencia en cartelera. Mientras otras producciones se desinflan tras el primer fin de semana, Avatar tiene lo que en la industria llaman “legs”: se mantiene, suma y termina duplicando o incluso quintuplicando su estreno. El sentido del agua multiplicó por cinco su cifra inicial en EE.UU., alcanzando los 688 millones solo en ese mercado.

avatar

Cameron no da puntada sin hilo

Lo que está en juego no es poca cosa. James Cameron ha dejado claro que no va a lanzarse con la cuarta parte de la saga hasta ver cómo funciona esta tercera. Aunque ya tiene metraje grabado, quiere comprobar si sigue habiendo tirón. Y viendo el presupuesto titánico que maneja cada una de estas películas, la rentabilidad tiene que estar garantizada.

Según el propio Cameron, El sentido del agua fue la película más rentable de 2022, con más de 500 millones de dólares de beneficio puro. Y no lo dice cualquiera: estamos hablando del único director que tiene tres películas entre las cuatro más taquilleras de la historia: Avatar (2.920 millones), El sentido del agua (2.340 millones) y Titanic (2.260 millones).

avatar

Vamos, que si Fire and Ash logra mantenerse en la línea de sus predecesoras, volveremos a ver a Cameron en lo más alto del podio global. Y no hay nadie que le tosa en el top 10 histórico de la taquilla.

Un final de año en llamas

Con diciembre acercándose y sin ningún otro blockbuster de peso en el calendario, Avatar: Fire and Ash tiene el camino despejado para cerrar 2025 por todo lo alto. La expectación no deja de crecer, y si las previsiones se cumplen, no solo se garantizará el futuro de la saga, sino que volverá a demostrar que, cuando se trata de eventos cinematográficos globales, James Cameron sigue siendo el rey del espectáculo.

Will Byers desata sus poderes y el caos en la temporada final de Stranger Things

Stranger Things

El chico que desapareció regresa para enfrentarse al mal de tú a tú… y quizá no todos sobrevivan para contarlo

Después de años de estar en segundo plano, Will Byers vuelve a ser el centro del tablero en la temporada 5 de Stranger Things, y lo hace con una revelación que cambia por completo el rumbo de la serie. El chico silencioso, tímido y siempre a la sombra de los demás, es ahora el foco de una transformación inesperada: tiene poderes. Pero no unos cualquiera… sino los que le conectan directamente con el mismísimo Vecna y el Mundo del Revés.

Will Byers y su conexión con el mal

Desde su desaparición en la primera temporada, Will nunca volvió del todo. Aunque fue rescatado físicamente, su vínculo con el Upside Down siguió latente. En esta temporada, ese lazo se intensifica y empieza a manifestarse de maneras cada vez más perturbadoras: visiones, dolores compartidos con los demogorgones, incluso la capacidad de ver a través de sus ojos… y los de Vecna. Vamos, que lo que antes era un “sentido arácnido del terror”, ahora es un canal abierto entre ambos mundos.

stranger things will byers

Robin lo define como una especie de antena psíquica, capaz de detectar los movimientos del villano. Pero esto no es solo una herramienta de localización: Will empieza a influir sobre el Mundo del Revés, sintiendo el dolor de sus criaturas y, más tarde, desatando poderes telequinéticos y telepáticos que le salvan la vida a Mike, Lucas y Robin. Sí, el niño que fue poseído ahora es una bomba de relojería emocional y sobrenatural.

Lo sobrenatural y lo personal se cruzan

Lo que hace que esta evolución sea aún más potente es que el viaje de Will no es solo mágico, también es profundamente emocional. Su conexión con el Upside Down es una metáfora directa de su lucha interna con su identidad. Desde que Mike soltó aquel “no es culpa mía que no te gusten las chicas”, los fans intuían lo que Will callaba. Esta temporada lo deja más claro que nunca: Will está enamorado de Mike, y lo sabe. Pero también entiende que ese amor no será correspondido.

stranger things

Inspirado por el valor de Robin, que vive su orientación sin esconderse, Will empieza a aceptarse a sí mismo. Es esta aceptación la que le permite desatar todo su potencial y usarlo no como una maldición, sino como una fuerza salvadora. Pero claro, esto tiene pinta de que no acabará bien.

¿Héroe… o mártir?

Con tanto poder desatado y un vínculo tan estrecho con Vecna, la serie empieza a sembrar pistas de un final agridulce. Hay teorías que apuntan a que, como en Harry Potter, Will y Vecna podrían estar conectados a nivel de alma. Si eso es así, destruir a Vecna podría suponer el sacrificio de Will. Y, sinceramente, Stranger Things no ha dudado en romper corazones antes.

Si se cumple este destino trágico, Will se convertiría en el héroe que siempre quiso ser, dejando atrás el rol de víctima para salvar al mundo con total conciencia de sus actos. Su muerte sería devastadora, sí, pero también liberadora. Para Joyce y Jonathan, supondría dejar atrás años de sobreprotección. Para Mike, Dustin y Lucas, marcaría el final definitivo de la infancia.

Will Byers desata sus poderes y el caos en la temporada final de Stranger Things

Y para Will… sería su redención total. Pasaría de ser “el niño que desapareció” a ser el chico que lo salvó todo.

La tragedia que forja leyenda

Más allá de los poderes y las batallas, el viaje de Will en esta última temporada es el corazón emocional de Stranger Things. Su lucha interna, su amor no correspondido, y su deseo de encontrar su lugar entre sus amigos convierten su posible sacrificio en algo devastador pero poéticamente justo. Si su destino es caer, lo hará como el chico que lo dio todo por los que amaba, no como una simple víctima del destino.

Este desenlace podría convertir a Will en la figura más trágica y poderosa de toda la serie, sellando su legado con lágrimas… y gloria.

Pennywise se supera a sí mismo en el episodio 5 de Welcome to Derry

hbo max
PMBG55 BILL SKARSGARD as Pennywise in New Line Cinema's horror thriller IT, a Warner Bros. Pictures release. (2017)

El regreso de Matty esconde un giro escalofriante que cambia para siempre lo que sabíamos sobre los poderes del payaso de Derry

Lo que parecía una buena noticia para los protagonistas de It: Welcome to Derry ha resultado ser una de las jugadas más sádicas y terroríficas del Pennywise. En el episodio 5, titulado 29 Neibolt Street, la serie nos lanza de cabeza a una revelación que no solo redefine las habilidades de Pennywise, sino que confirma que esta versión del monstruo es más poderosa, manipuladora y cruel que la de las películas anteriores.

Pennywise se disfraza de Matty… durante días

Todo comienza con el supuesto regreso de Matty, uno de los niños desaparecidos en el primer episodio, que aparece repentinamente en el escondite secreto del grupo. Cansado, sucio, pero vivo, asegura haber sobrevivido en las alcantarillas y les promete llevarlos con los demás desaparecidos… siempre y cuando no se lo digan a la policía.

Un detalle que podría parecer menor —una advertencia casi comprensible en un chaval traumatizado— se convierte en la primera pista de que algo no cuadra. Pero claro, los chicos están tan aliviados de ver a su amigo con vida que no se detienen a cuestionarlo.

Error fatal.

it welcome to derry pennywise

Porque cuando Matty los conduce por los túneles hasta la maldita casa de Neibolt Street, se transforma ante sus ojos en Pennywise, en una de las escenas más escalofriantes de toda la serie. Ya habíamos visto al payaso en formas grotescas y absurdas (incluyendo unos inquietantes pepinillos parlantes), pero esto es otro nivel.

El Pennywise más aterrador hasta la fecha

El gran acierto del episodio es convertir al monstruo en algo más que una criatura sobrenatural: lo convierte en un manipulador emocional. No solo puede transformarse en objetos o seres monstruosos… ahora también puede imitar personas reales durante días, manteniendo una fachada perfecta incluso en plena luz del día.

Lo que hace con Matty no es solo una treta física, es una puñalada emocional. Engaña a sus amigos, les da esperanza, y luego les la arranca de cuajo en el momento más vulnerable. El daño psicológico es igual o peor que el físico.

Además, el episodio revela que Pennywise puede adoptar múltiples formas simultáneamente, apareciendo como Matty, como el Tío Sam y hasta como una guardia de prisión en escenas paralelas. Ya no hablamos de un monstruo con habilidades limitadas por el espacio o el tiempo. Este Pennywise juega con las reglas del universo como le da la gana.

Pennywise se supera a sí mismo en el episodio 5 de Welcome to Derry

El verdadero poder del miedo

Hay otro detalle maquiavélico en la estrategia del payaso: usa el miedo como combustible. Cuando está disfrazado de Matty, describe con pelos y señales cómo murieron los otros niños. No son confesiones sin más: son formas de nutrirse del terror de sus oyentes, de debilitarlos antes de atacar.

Incluso su insistencia en evitar a la policía tiene sentido narrativo: los adultos, menos sugestionables, podrían haberlo desenmascarado. Pero los niños aún conservan la capacidad de creer en lo imposible… y ese es el punto débil que Pennywise explota.

Welcome to Derry reescribe las reglas de IT

Con este giro, It: Welcome to Derry no solo añade nuevas capas al mito de Pennywise, sino que lo convierte en una entidad casi invencible, capaz de aparecer donde quiera, cuando quiera, y en quien quiera. Ya no se trata solo de evitar un payaso asesino: ahora hay que desconfiar de todos.

it welcome to derry

El episodio 5 marca un antes y un después en la serie. Lo que parecía una precuela centrada en el origen del mal de Derry, ahora se convierte en una pesadilla aún más retorcida, donde el terror no solo vive en las alcantarillas… también puede llevar el rostro de tu mejor amigo.

It: Welcome to Derry cambia las reglas del juego para Pennywise

Conforme se acerca el final de temporada, todo apunta a que Pennywise seguirá subiendo la apuesta. ¿Será capaz el grupo de niños de enfrentarse a un enemigo que conoce sus miedos, sus recuerdos y su inocencia? Si algo ha demostrado este episodio es que el payaso ya no necesita aparecer como payaso para aterrar.

Y, sinceramente, eso lo hace muchísimo peor.

¿Una pista oculta? La publicación de Downey desata teorías sobre Iron Man y Doctor Doom para Vengadores: Doomsday

Downey Jr.

Una imagen compartida por Robert Downey Jr. en Acción de Gracias ha encendido nuevas teorías entre los fans, justo mientras el actor se prepara para regresar al UCM como Doctor Doom en Vengadores: Doomsday

Robert Downey Jr. volverá al Universo Cinematográfico de Marvel en diciembre de 2026 para dar vida a Doctor Doom en Vengadores: Doomsday. Sin embargo, una reciente publicación de Acción de Gracias en su Instagram —en la que Iron Man y Doom comparten un hueso de la suerte— ha encendido las especulaciones sobre un posible regreso del actor como Tony Stark.

Marvel confirmó en la Comic-Con de San Diego 2024 que Downey interpretará a Doom tanto en Doomsday como en Secret Wars. Serán siete años desde su despedida como Iron Man, un personaje que marcó su carrera y que todavía proyecta una larga sombra sobre cualquier nueva interpretación que asuma dentro del UCM.

Aunque el sacrificio de Stark sigue siendo uno de los momentos definitivos de la saga, el Multiverso deja la puerta entreabierta a que Downey retome alguna variante del héroe acorazado.

El propio actor ha reflexionado recientemente sobre su vínculo con el personaje, reconociendo el impacto que Tony Stark tuvo en su vida y en su visión de la tecnología como motor de cambio positivo. Por su parte, Anthony Russo adelantó que Downey está profundamente involucrado en la construcción de su versión de Doom, desde la historia de fondo hasta ideas de vestuario, buscando un personaje tridimensional y diferente a Stark.

  • ¿Una pista oculta? La publicación de Downey desata teorías sobre Iron Man y Doctor Doom para Vengadores: Doomsday
  • ¿Una pista oculta? La publicación de Downey desata teorías sobre Iron Man y Doctor Doom para Vengadores: Doomsday
  • avengers doomsday avengers secret wars
  • Russo avengers doomsday avengers secret wars
  • Avengers: Doomsday marvel studios
  • vengadores 5

Vengadores: Doomsday contará con un reparto extenso que incluye a Chris Hemsworth, Anthony Mackie, Tom Hiddleston, Paul Rudd y Letitia Wright, además del debut de varios actores en la franquicia. La película unirá además a intérpretes de Los Cuatro Fantásticos y X-Men, junto con varias apariciones inesperadas según informes.

Los hermanos Russo dirigirán esta ambiciosa producción escrita por Stephen McFeely, con apoyo de Michael Waldron. Vengadores: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, mientras que Vengadores: Secret Wars lo hará el 17 de diciembre de 2027.

Hijos de ogros al estrellato: nuevas voces se suman a Shrek 5

El reino de Muy Muy Lejano recibe dos incorporaciones inesperadas para Shrek 5

La próxima entrega de Shrek sigue tomando forma y suma talento fresco a su elenco. Skyler Gisondo, conocido por su papel como Jimmy Olsen en Superman, y Marcello Hernández, figura destacada de Saturday Night Live, prestarán sus voces a Fergus y Farkle, los hijos de Shrek y Fiona.

Ambos se unirán a Zendaya, previamente confirmada como la voz de Felicia, la hija mayor de la pareja ogra. Con esta nueva alineación, Shrek 5 apuesta por una mezcla de comedia, carisma juvenil y rostros muy presentes en la cultura pop actual.

Hernández llega al proyecto tras su trabajo en SNL y en la comedia 72 Hours, mientras que Gisondo suma esta cinta a su creciente presencia en el DCU y a títulos como Licorice Pizza y Booksmart.

  • Hijos de ogros al estrellato: nuevas voces se suman a Shrek 5
  • Hijos de ogros al estrellato: nuevas voces se suman a Shrek 5
  • Hijos de ogros al estrellato: nuevas voces se suman a Shrek 5
  • shrek 5

El trío protagonista original—Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz—regresa una vez más como Shrek, Asno y Fiona. La dirección recaerá en Conrad Vernon y Walt Dohrn, veteranos de la franquicia, con Brad Ableson como codirector. En la producción destacan Gina Shay y Chris Meledandri, mente detrás de Gru, mi villano favorito, Minions y Super Mario Bros: La película.

Aunque la trama se mantiene bajo llave, los rumores apuntan a un posible viaje de Shrek y Asno al mundo real y a un papel más central para Felicia. Eddie Murphy, entusiasmado por volver como Asno, adelantó que incluso se planea un spin-off dedicado a su personaje.

Shrek 5 llegará a los cines el 30 de junio de 2027.

Reseña de Archivos DC – Camelot 3000

La línea Archivos DC de Panini Comics presenta una revisión de los mitos artúricos realizada por Mike W. Barr y Brian Bolland en Camelot 3000

Los mitos artúricos nunca pasan de moda, y así se demuestra con cada nueva ficción que surge cada cierto tiempo para recordarnos la leyenda de Excalibur y de los Caballeros de la Mesa Redonda. Un buen ejemplo es la obra de Mike W. Barr y Brian Bolland en la que viajamos a un lejano futuro para reencontrarnos con estos personajes de la forma más inesperada posible, la cual ahora es publicada en un tomo por Panini Comics bajo el título de Archivos DC – Camelot 3000.

camelot 3000

El Rey Arturo en el futuro

Camelot 3000 fusiona lo legendario con lo futurista de forma audaz. Hay que imaginar al Rey Arturo y a sus caballeros reencarnados en el año 3000 para enfrentar una amenaza alienígena en una historia en la que vemos cómo el pasado mítico y la ciencia ficción se encuentran de manera inesperada. La Tierra se halla amenazada por una raza extraterrestre hostil y un joven descubre la cripta de Arturo. A partir de ahí vemos cómo el rey medieval despierta, junto con Merlín y los caballeros, para formar un nuevo Camelot en un mundo saturado de tecnología y caos.

Aunque una premisa con cierto parecido hemos podido ver recientemente en Once & Future, lo que aquí se nos propone no es simplemente traer a Arturo de vuelta, sino que Barr construye una recreación profunda del mito artúrico. No sólo están los elementos clásicos sino que todos esos mitos se reinterpretan bajo la luz de un escenario futurista. Por ejemplo, los caballeros reencarnados no regresan en un reino bucólico, sino en una Tierra superpoblada, con corporaciones, escasez de recursos y un sistema político complejo. Morgana Le Fay, la enemiga eterna, reaparece como líder alienígena, tejiendo intrigas mágicas y tecnológicas para derrocar el orden y reconfigurar el poder. Esa contraparte entre el mito medieval y un escenario distópico del futuro es lo que da al cómic su fuerza narrativa.

La reencarnación de los caballeros no es gratuita, y Barr juega con la idea de que estos guerreros legendarios tienen tribulaciones y lealtades que trascienden el tiempo. Arturo debe liderar no sólo como monarca, sino como figura simbólica que inspira esperanza en una época desesperada. Merlín, por su parte, actúa como guía místico, un puente entre la magia arcaica y la tecnología avanzada, casi como un científico-brujo. Los caballeros deben reconciliar su existencia pasada con su nueva identidad en un mundo que no comprende del todo la nobleza de Camelot.

En el trasfondo de todo esto hay preguntas profundas sobre la inmortalidad, el destino y la identidad. ¿Qué significa ser rey cuando se vive fuera de tu tiempo? ¿Qué obligación tienen los nobles caballeros cuando la humanidad ha cambiado tanto? El cómic reflexiona también sobre la guerra: la invasión alienígena no es una mera conquista, sino una prueba de unidad para una élite resucitada que debe demostrar que su código de honor tiene sentido incluso en este distante futuro. Esa mezcla de épica, ciencia ficción y mito es lo que convierte a Camelot 3000 en un cómic tan ambicioso y evocador.

Reseña de Archivos DC - Camelot 3000

Brian Bolland, inolvidable

Detrás de esta epopeya futurista se encuentra Mike W. Barr, guionista que con su pasión por los mitos artúricos creó una historia que desde sus inicios fue tan personal como épica. Según él mismo cuenta, Barr imaginó esta narración desde su adolescencia y su visión se cristalizó en una obra que rompió moldes en su época. No hay sólo batallas espaciales, hay una narración sólida de personajes, lealtades, traiciones y redención. Barr logra equilibrar el drama mitológico con las exigencias de la ciencia ficción y su guion es capaz tanto de generar acción como de explorar la psicología de sus personajes más icónicos.

El arte corre a cargo de un descomunal Brian Bolland, que da vida a Camelot con un trazo elegante y detallado. Bolland es conocido por su perfección técnica, su pulcritud en las líneas y su meticulosidad en el diseño de vestimentas, armaduras y paisajes. En este cómic, su estilo brilla especialmente porque fusiona con éxito lo medieval y lo futurista. Sus caballeros parecen esculturas renacentistas con armas de alta tecnología, sus castillos míticos se mezclan con ciudades del futuro, y sus escenas de batalla tienen la majestuosidad de la fantasía clásica junto con la crudeza de una guerra interplanetaria. El resultado visual es hipnótico y atemporal. Sin duda, estamos ante el que posiblemente sea su mejor trabajo junto a la celebérrima La broma asesina.

Es importante también destacar la valentía editorial. En su momento esta obra fue la primera maxi-serie de DC Comics, algo poco habitual para los ochenta. Se publicó en papel de alta calidad, lo que permitió a Bolland desplegar su mejor arte. Esto da al tomo recopilado un peso simbólico, ya que no es solo una historia de caballeros futuristas, sino un pedazo de historia del cómic, una obra que marcó una nueva etapa en el formato y en las aspiraciones narrativas de los cómics mainstream.

Reseña de Archivos DC - Camelot 3000

Una huella imborrable en el noveno arte

Uno de los grandes puntos fuertes de Camelot 3000 es, sin duda, su ambición temática. No es simplemente una historia de reencarnaciones, es una meditación sobre el poder, la inmortalidad, el honor y la responsabilidad. Revivir a Arturo y sus caballeros en un futuro apocalíptico no es capricho, sino una forma de explorar cómo los mitos sobreviven y se adaptan. Esa idea resuena con fuerza, ya que los antiguos héroes renacen, sí, pero no para gobernar una Edad Dorada, sino para enfrentarse a una crisis existencial. La trama se sostiene porque no es tramposa. Barr no usa el mito solo como accesorio, sino como motor central de la narrativa.

Otro acierto (pasando por alto el increíble trabajo de Bolland) es la combinación de géneros. Camelot 3000 no es sólo fantasía ni solo ciencia ficción, es ambos, y lo hace con equilibrio. Esa mixtura abre posibilidades narrativas: hay magia, pero también tecnología; hay espadas antiguas, pero también naves espaciales; hay misticismo pero también política. Esa fusión es exactamente lo que hace que este cómic sea especial. Es una epopeya que trasciende los géneros que abarca.

Sin embargo, para lectores modernos acostumbrados a cómics más ágiles, la estructura de Camelot 3000 puede sentirse algo lenta y el ritmo demasiado pausado. Eso puede hacer que los primeros capítulos parezcan un poco densos. Por eso este es un cómic que se debe leer sabiendo el contexto y la época en la que fue concebido. En cualquier caso, estos aspectos son insignificantes en comparación con los grandes aciertos de una obra que sigue siendo un éxito tantos años después de su primera publicación.

El tomo publicado por Panini Comics en tapa blanda contiene 320 páginas a color con un tamaño de 17 x 26 cm. e incluye la traducción de la edición americana de los doce números de la serie limitada Camelot 3000 y material extra, además de una introducción escrita por el mismo Mike W. Barr. El precio de venta recomendado es de 35€ y se puso a la venta en octubre de 2025.


Reseña de Archivos DC - Camelot 3000

Archivos DC – Camelot 3000

Una historia mítica de honor y valentía que demuestra que algunos héroes son eternos, con Mike W. Barr y Brian Bolland en la cúspide de sus carreras. En el año 3000, un ejército de alienígenas hostiles desata un ataque total sobre la Tierra y se dispone a conquistar el planeta. Pero cuando un joven se topa con la cripta del Rey Arturo, el legendario monarca y los Caballeros de la Mesa Redonda se reencarnan mágicamente. Juntos una vez más, se enfrentan a los extraterrestres invasores y a Morgana Le Fay, su perversa líder.

Autores: Mike W. Barr y Brian Bolland