La serie llega de la mano de Chris Mundy, Tom King y Damon Lindelof, con Mundy como showrunner al mando del anillo. El plan es simple: 2026 será el año en que Lanterns aterrice en HBO y HBO Max para abrir de par en par las puertas del nuevo Green Lantern Corps en el DCU. Ahí es nada.
Por lo que sabemos, la trama arranca con Hal como un veterano curtido obligado a ejercer de mentor improvisado para un John Stewart recién reclutado, que llega con la actitud justa para cuestionarlo absolutamente todo. El primer caso que ambos deberán investigar es un misterioso asesinato en el Midwest, que por supuesto no será tan sencillo como parece. Cuando en DC aparece un cadáver, suelen aparecer muchos más problemas detrás.
La plantilla se completa con Ulrich Thomsen como Sinestro —ojito con este, que siempre roba escenas—, Garret Dillahunt como el cowboy moderno William Macon, Poorna Jagannathan en la piel de la enigmática Zoe, y Paul Ben-Victor como el alienígena Antaan. A esto se suman Jason Ritter como Bily y los padres de John, interpretados por Nicole Ari Parker y Sherman Augustus.
Saltos temporales y un John Stewart más complejo que nunca
El propio Chris Mundy dio pistas bastante jugosas sobre cómo está construida la serie. Según explicó, la historia se mueve entre dos periodos temporales, obligando a que los personajes mantengan coherencia pese a mostrar versiones diferentes de sí mismos. Vamos, que aquí no vale con poner canas en un flashback y listo.
Vamos, que pinta a ser uno de esos personajes que se quedan en la cabeza del espectador bastante después de que termine el episodio… exactamente lo que DC necesita si quiere que su universo vuelva a volar alto.
Ahora solo falta ver si el teaser cae online para que el resto del mundo pueda opinar. Porque si realmente han conseguido mezclar misterio, buddy cop, sci-fi y Green Lanterns… cuidado, que igual estamos ante la sorpresa del año.
La llegada de Eva Green no solo despeja teorías de los fans (sí, puedes ir soltando la idea de que Lady Gaga estaba detrás del personaje), sino que marca el primer gran movimiento de la tercera temporada, que fue renovada incluso antes del estreno de la segunda. Un movimiento ambicioso… y con pinta de que traerá más problemas que visitas familiares en Navidad.
Según lo visto en el final de la anterior temporada, Ophelia había llevado sus poderes psíquicos al límite, tanto que su propia madre, Hester Frump, decidió ingresarla en el Willow Hill Psychiatric Hospital. Por supuesto, en la tradición más clásica del clan, Ophelia no tardó en escapar, dejando tras de sí un rastro que se creía perdido.
Secretos, visiones y sangre en la pared
El puzzle empieza a encajar cuando Miércoles recibe el diario de su tía, un gesto de confianza (o advertencia velada) por parte de Morticia. Al leerlo, la joven Addams sufre una visión: una mujer rubia, etérea, coronada de flores, un espectro inquietante que no encaja con la estética oscura del linaje… y precisamente por eso da más mal rollo.
Paralelamente, vemos a Hester descendiendo al sótano de su mansión. Y allí está ella: Ophelia, vista solo de espaldas, con un vestido rojo que parece gritarnos “peligro” incluso antes de que empiece a escribir en la pared con su propia sangre.
Por supuesto, regresan los pesos pesados: Catherine Zeta-Jones como Morticia, Luis Guzmán como Gómez, Joanna Lumley como Hester y Fred Armisen como Fétido. El reparto, igual que la familia, sigue creciendo como si fuera una planta carnívora bien alimentada.
Su presencia en Miércoles añade un matiz perfecto: una villana familiar, cercana, con un trasfondo emocionalmente retorcido y una estética que encaja como un guante en el universo Addams. Y siendo sinceros, ¿quién no quiere ver a Eva Green enfrentándose verbal (o psíquicamente) a Jenna Ortega?
La 3ª temporada apunta a ser la más oscura… y la más personal
Netflix aún no ha revelado fecha de estreno, pero si mantienen el ritmo de producción y el nivel de hype que manejan, la espera será un festival de teorías, filtraciones dudosas y fans revisando fotograma a fotograma en busca de pistas.
Como en los cómics, el bueno de Elias es un granjero que acaba asesinado por Krem of the Yellow Hills, lo que convierte a su hija en una buscadora de justicia… o de lo que se pueda conseguir cuando te alías con una kryptoniana de resaca emocional. Esa es la chispa que enciende Supergirl: Woman of Tomorrow, la obra de Tom King y Bilquis Evely que sirve como base para la película.
Señales en redes y un estreno de CCXP que lo puede cambiar todo
Al margen del fichaje, el fandom ha entrado en alerta máxima porque ha aparecido —sin hacer ruido, sin bombo, sin confeti— una cuenta oficial de la película en X. Cuando en Warner/DC hacen estas cosas, no es por casualidad: suele ser el gesto previo a un anuncio, un tráiler o un primer vistazo serio.
Ojo, que algunos ilusionados ya fantasean con un teaser emparejado con Avatar: Fire and Ash en diciembre, pero las señales reales apuntan más a un póster. Los teasers son otro cantar… y suelen caer cuando DC quiere dominar la conversación durante semanas, no días.
Mientras tanto, seguimos con un único teaser póster oficial desde que Milly Alcock salió un segundo en Superman el pasado julio. Todo lo que ha circulado desde entonces, incluido ese póster hiperrealista que se ha hecho viral, es puro invento de IA. Lo cual, dicho sea de paso, debería ser ya una categoría propia de entretenimiento.
Su brújula creativa cambió al leer Supergirl: Woman of Tomorrow: un cómic más áspero, más afilado y con bastante humor negro, donde Kara es una joven marcada por la pérdida que intenta sobrevivir a un universo que no le da tregua. “Cuando lo leí pensé: ahí está ella”, confesó. Y si DC Studios busca distinguir la película del tono luminoso habitual de Superman, este es el camino perfecto.
Lo más llamativo es cómo Nogueira ha descrito la película: una odisea espacial para celebrar el 21 cumpleaños de Kara junto a Krypto el Superperro. Pero el viajecito se tuerce cuando aparece Ruthye, arrastrando una tragedia que las lanza a un viaje lleno de violencia, rabia contenida y decisiones que marcarán para siempre a la kryptoniana.
Un reparto que empieza a tomar forma y a enseñar músculo
El elenco, además, ya no es una incógnita. Milly Alcock será la protagonista, acompañada de Eve Ridley como Ruthye, Matthias Schoenaerts como Krem, Jason Momoa como Lobo (sí, Momoa sigue en el DCU… pero como el mayor broncas del espacio), David Krumholtz como Zor-El y Emily Beecham como Alura.
Con el estreno fijado para 26 de junio de 2026, la maquinaria empieza a acelerarse. Y si el tráiler realmente está cerca, los próximos días pueden ser clave.
Un vistazo a la relevancia de Ruthye Marye Knoll
Ruthye no es un personaje secundario decorativo: es el eje moral de esta historia. Su sed de justicia obliga a Kara a mirarse en un espejo incómodo. La dinámica entre ambas, si sigue la línea del cómic, será una mezcla de humor ácido, heridas abiertas y una especie de amistad forjada en el trauma. Y ese contraste —una humana frágil y una kryptoniana rota— puede ser lo que convierta a la película en algo más que un simple blockbuster.
El número arranca metiéndonos hasta el cuello en el desastre: Bane convertido en un monstruo inflado de Veneno, rugiendo como si quisiera partir la ciudad por la mitad, y un Batman que mira la situación con la misma ilusión que alguien que ha perdido las llaves de casa dentro del coche. Las posibilidades de victoria son nulas, pero a Bruce eso nunca le ha frenado. Y sí, cuando uno piensa que esto no puede ir a peor, el Caballero Oscuro saca el Batmóvil y decide usarlo como lanza. Normalidad en Gotham.
Lo más llamativo de todo no es la violencia desatada —ya hemos visto a Batman romper cosas antes—, sino la manera en que cada golpe exprime los límites de lo absurdo. Cuando el héroe le arranca un ojo a Bane y éste apenas se inmuta, sabes que estamos en territorio Snyder: cuanto más extremo, mejor.
El momento crítico llega cuando Batman se plantea algo que siempre ha rechazado: inyectarse Veneno para poder igualar a Bane. La idea le tienta, y Dragotta dibuja ese instante con un tono casi trágico, como si Bruce cargara siglos de historia sobre los hombros. Pero, al más puro estilo batmaniano, se niega a cruzar la línea.
La solución más sucia y efectiva posible
Como no quiere volverse un monstruo verde fluorescente, Bruce decide algo más ingenioso: que sea Selina Kyle quien le dispare Veneno a Bane directamente hasta provocarle una sobredosis. Nada como combatir química con más química. El resultado es tan grotesco como efectivo: el villano termina reducido a un amasijo de carne irreconocible, derritiéndose como si estuviera pasando por el peor spa del mundo.
Pero ojo, aquí nadie está realmente muerto en el universo DC. Y la prueba llega en la coda final: Bane sobrevive convertido en un cerebro, unos ojos y una columna vertebral metidos en un frasco, propiedad exclusiva del Joker. Sí, has leído bien. Solo al Príncipe Payaso se le ocurriría pasearse por Gotham con su propio Bane minimalista.
Las declaraciones del guionista dejan clara su intención: llevar el cómic mensual al límite, apostar por historias gigantes, por cliffhangers que den de hablar y por números que se sientan como un golpe en el pecho. Snyder lo resume con bastante precisión: si los cómics no vuelven a ser un acontecimiento mensual, lo tienen crudo en un mercado que ya no perdona.
Un clímax que redefine la rivalidad entre Batman y Bane
Esta entrega se convierte así en un recordatorio de lo que puede lograr un cómic cuando decide ser grande sin complejos: violencia salvaje, decisiones morales tensas, aliados inesperados y un villano que nunca termina de morir.
Si algo tienen los fans de Snyder es perseverancia… y un poquito de adicción a sufrir. La foto se llenó de mensajes donde reinaba la idea de siempre: “Zack, vuelve, por favor”. Uno de los comentarios más sonados era casi un pitch completo: “La película de Batman de Ben Affleck iba a ambientarse en Arkham Asylum, con Deathstroke, Joker y media fauna de Gotham. NECESITAMOS ESTO.” Lo que viene siendo sutileza cero.
Otro directamente suplicaba: “Solo anúncialo ya, estoy cansado de esperar.” El nivel de ansiedad colectiva es el de alguien que lleva tres horas esperando en la cola de la ITV.
Zack Snyder y su afición reciente a soltar miguitas
¿Está troleando? ¿Está calentando motores? ¿Es simplemente Snyder siendo Snyder? Nadie sabe nada, pero todos están enganchados a cada publicación.
La mítica armadura y lo que representó
Más allá del romanticismo fan, el traje blindado de Batman tiene su propio peso en la mitología moderna del personaje. Inspirado directamente en The Dark Knight Returns, fue la primera vez que vimos a un Batman en pantalla grande listo para partirse la cara con un kryptoniano sin complejos. El diseño, más rígido que un coche de choque y más intimidante que una auditoría, marcó uno de los momentos más icónicos de la etapa de Affleck, incluso entre quienes no comulgan con el Snyderverse.
Y ahí reside parte de la obsesión: ese Batman era duro, cansado, sarcástico, lleno de traumas y con un punto de psicopatía funcional que lo hacía irresistible. Un Batman muy de cómic, pero también muy humano.
Vale, no hay anuncio, ni pistas reales, ni movimientos oficiales. Pero todos sabemos cómo funciona internet: basta una simple foto para que vuelva la fiebre. Y eso es exactamente lo que ha pasado. El Snyderverse está más muerto que los padres de Bruce Wayne… pero Snyder sigue lanzando flores a la tumba. Y claro, cuando haces eso cada semana, la gente empieza a pensar que quizá estás preparando un regreso.
La fotografía como excusa
Snyder lleva tiempo jugueteando con cámaras vintage y lentes de ensueño. La Leica Monochrom y su famoso 50mm Dream Lens se han vuelto habituales en su feed, casi como si estuviera reinventándose como fotógrafo artístico mientras juega a marear al fandom. Es un estilo muy suyo: dramático, contrastado y cargado de intención.
Pese a su corta vida, el Batman de Ben Affleck dejó una marca evidente. Su físico imponente, su combate brutal y su aura de antihéroe curtido conectaron con una generación que buscaba un murciélago más agresivo. Aunque ahora el DCEU sea un recuerdo confuso, Snyder ha conseguido que cada publicación suya funcione como un disparo directo a la nostalgia.
La realidad es que todo apunta a que esta nueva fotografía no es un teaser encubierto. Es Snyder recordando lo que hizo, disfrutando de sus juguetes nuevos y retroalimentando a una comunidad que vive al borde del hype perpetuo. Aun así, cada imagen reafirma una idea imposible de ignorar: su Batman sigue siendo uno de los más potentes que hemos visto en cine. Y si algún día vuelve —aunque sea para un cameo— medio planeta entraría en shock colectivo.
El aviso llegó justo antes del estreno de Volume I, ese bloque inicial de cuatro episodios que se lanza el 26 de noviembre de 2025 y que promete dejar a más de uno revisando ciertas escenas antiguas. Fue Matt quien zanjó el tema sin rodeos: “No creo. Lo hablamos, pero esta temporada va de volver a las anteriores y no queríamos saturarla con criaturas nuevas.” Una frase demoledora para quien esperaba algo tipo lagarto-babosa-mutante del Upside Down 3.0.
Ross, por su parte, tiró de referencia clásica y comparó la idea general con el salto entre Alien y Aliens: mismo monstruo, mayor escala. Vamos, que la cosa no va de inventarse nuevas pesadillas, sino de amplificar las ya conocidas. Si el Demogorgon daba miedo antes, ahora prepárate para verlo en modo “¿por qué sigo viendo esto a las dos de la mañana?”.
Pero lo que más ha llamado la atención es la lista de episodios que recomiendan revisar antes del estreno. Nada de maratones imposibles: los hermanos eligieron momentos concretos de las temporadas 2 y 4, esos que explican de forma clara la mitología, el origen del caos dimensional y las claves de Henry. Vamos, que si alguien no quiere plantarse un reseteo completo de la serie, los Duffer han hecho los deberes.
Además, si la comparación con Aliens va en serio, podemos esperar versiones más violentas, rápidas o masivas de criaturas que ya nos causaron pesadillas. Y, sinceramente, si aplican ese enfoque al Mind Flayer… nadie está preparado.
¿Qué hace tan icónicas a las criaturas de Stranger Things?
Cada criatura ha evolucionado con los protagonistas, y el final necesitaba ese choque directo entre pasado y presente. Cualquier monstruo nuevo habría llegado sin esa conexión emocional, y en un cierre así, eso se nota.
Pero vamos por partes. Porque este RPG no solo está haciendo ruido: está directamente arrasando. Y conviene entender por qué medio mundo está perdiendo horas dentro de él como si no hubiera mañana.
Un Wuxia gigantesco que aterriza en Playstation y sin pasar por caja
La primera sorpresa llega cuando descubres que Where Winds Meet es de descarga gratuita. Nada de precios simbólicos, ni microtransacciones obligatorias para avanzar: puedes lanzarte al mundo abierto y empezar a repartir saltos imposibles sin pagar un céntimo. Esto, en plena era de “los juegos cada vez cuestan más”, suena casi a broma.
La segunda sorpresa es su escala. El título recrea la China del siglo X con un nivel de detalle enfermizo, ofreciéndote un mapa que supera los 20 km², algo que no se ve todos los días en un juego free-to-play. Y sí, hay planes para ampliarlo. Porque, claro, ya que se han puesto, que sea a lo grande.
En sus primeras 24 horas, más de 2 millones de jugadores se lanzaron a explorar este mundo. Solo en Steam subió como la espuma hasta colocarse entre los títulos más jugados. Y en PlayStation, aunque la cifra no es tan clara, lo cierto es que está entrando con una fuerza que muchos lanzamientos “de pago” ya quisieran.
El boca a boca está funcionando mejor que cualquier campaña de marketing: la gente lo juega, lo comenta, lo comparte y, claro, empieza el efecto bola de nieve. La combinación de acción fluida, mundo enorme, narrativa atractiva y coste cero es demasiado tentadora como para ignorarla.
Dentro del mapa encontrarás dos zonas principales de entrada: Qinghe al norte y Kaifeng, con su gigantesca ciudad, al sur. Ambas son tan diferentes en identidad y ritmo que te dan la sensación de estar moviéndote entre dos mundos que se expanden ante tus ojos.
Tienes misiones, eventos, puntos de interés, coleccionables y un sinfín de actividades que no solo sirven para rellenar tiempo, sino que aportan variedad real. La sensación de descubrir algo nuevo cada pocos minutos es constante y mantiene tu atención enganchada.
Y sí, es de esos juegos en los que dices “solo un rato” y de repente han pasado tres horas. El equivalente jugable a abrir TikTok, pero con espadas, tejados, conspiraciones y paisajes de postal.
Para fans del mundo abierto y para quienes buscan algo diferente
Pero su gran fortaleza es que se siente auténtico, con una identidad visual y cultural marcada, fruto de un estudio que claramente quería construir algo enorme. Y, sorprendentemente, te lo ofrecen sin pedirte dinero por adelantado.
Pues mira, si te gustan los RPGs, los mundos abiertos, los juegos de acción o simplemente probar cosas nuevas sin hipotecarte emocionalmente, sí. Literalmente no pierdes nada por descargarlo. Y si te engancha —que es lo más probable— tendrás entretenimiento para semanas.
Según el reputado insider MTTSH, el nuevo film de Spidey no solo dejará de lado las amenazas cósmicas y los multiversos enloquecidos, sino que se zambullirá de lleno en la acción callejera, con un enfoque mucho más crudo y físico. El rumor estrella: una pelea a tres bandas en la que Tom Holland se medirá con el Punisher de Jon Bernthal y el Hulk de Mark Ruffalo en una secuencia descrita como “insana”.
Bernthal habría rodado solo unas pocas escenas en persona, dejando el grueso del trabajo físico a su doble. Pero su presencia, aunque breve, bastaría para encender la chispa del caos. Por su parte, Ruffalo también estaría presente, y aunque todavía no sabemos qué papel jugará exactamente el Goliat Verde, el escenario está servido para un auténtico desmadre superheroico.
Spider-Man deja el multiverso para otros
Kevin Feige, jefazo de Marvel Studios, quiso dejar claro que esta nueva entregano será una historia multiversal. Nada de variantes, portales o cameos interdimensionales esta vez. “La promesa al final de No Way Home era ver al Spider-Man de Tom como un verdadero héroe urbano, solo, lidiando con el crimen callejero”, dijo recientemente. Y eso incluye a personajes como Punisher o Scorpion, que encajan como un guante en ese tono.
Feige también soltó una perlita para los fans más comiqueros: “Me encanta que Punisher naciera en un cómic de Spider-Man. Esa portada es icónica…”. Según él, el director Destin Daniel Cretton (responsable de Shang-Chi) ya tiene colgados en la pared del departamento de arte entre ocho y nueve portadas clásicas de cómics que se están trayendo a la vida en esta película.
El reparto se llena de caras conocidas (y peligrosas)
Además del trío de titanes, Brand New Daycontará con el regreso de Michael Mando como Escorpión y Marvin Jones III como Tombstone, dos villanos perfectos para ese tono más crudo. También se espera un cameo de Yelena Belova (Florence Pugh), y volveremos a ver a Zendaya como MJ y a Jacob Batalon como Ned.
Tom Holland ha compartido sus sensaciones tras volver al set: “Es mi cuarto primer día en una película de Spider-Man. Esta vez ponerse el traje se siente diferente”, confesó en un vídeo entre bastidores. Y no es para menos. Por primera vez, había fans presentes desde el primer día de rodaje, creando un ambiente especial desde el arranque.
Por su parte, Cretton declaró durante la CinemaCon que están centrados en “crear una historia emocional y un viaje que no hayamos visto antes”. No es poco ambicioso, sabiendo que se trata del personaje más querido del UCM.
Un combate épico que podría marcar un antes y un después
Aunque Marvel ya nos ha ilusionado en el pasado con enfrentamientos que nunca llegaron (hola, rematch Hulk vs Thanos), esta vez parece que el enfrentamiento será real. Y no solo eso, sino que pondrá a prueba a Peter Parker como nunca antes: sin aliados místicos ni trajes tecnológicos, solo él, sus reflejos, y un par de bestias sedientas de pelea.
Marvel ha pospuesto el estreno de Spider-Man: Brand New Day una semana, fijándolo ahora para el 31 de julio de 2026. Toca tener paciencia… y cruzar los dedos para que ese combate no se quede solo en rumores.
Spider-Man y Punisher, un viejo encuentro reimaginado
Punisher debutó en los cómics como enemigo de Spidey en The Amazing Spider-Man #129 (1974), y desde entonces su relación ha sido tan tensa como fascinante. El justiciero letal y el héroe de barrio representan dos extremos éticos dentro del mundo superheroico. Reunirlos ahora en pantalla es una jugada arriesgada, pero si Marvel acierta con el tono, puede dar lugar a una de las interacciones más intensas del UCM.
Sí, has leído bien: el tipo que nos rompió por dentro con la escena de las medusas en Nemo ahora se mete en una cabina X-Wing. Y no, no va a reciclar los temas de John Williams, aunque le rinda homenaje.
una nueva era musical para star wars
En una entrevista reciente, Levy fue directo: “Quería una banda sonora con corazón, con múltiples temas que acompañen la narrativa como hacía Williams, pero desde una mirada distinta. Y para eso, Tom era la única opción lógica”. ¿Su carta de presentación? Camino a la perdición, Skyfall o WALL·E. Palabras mayores.
Newman no se subió a la nave a ciegas. Según ha revelado el director, el compositor pidió leer el guion y conocer las ideas clave antes de aceptar. “Le mostré los momentos importantes, el tono emocional, las set pieces… y al poco me dijo que sí. Fue surrealista”, confesó Levy.
Así, lo que suena es una Star Wars que se reinventa desde la música, sin necesidad de violines nostálgicos ni trompetas imperiales. ¿Y lo mejor? La idea parte de cero: nuevos personajes, nueva línea temporal, y total libertad creativa, según el propio director. “La única directriz de Lucasfilm fue: haz algo nuevo”.
El proyecto, coescrito junto aJonathan Tropper, parece estar apostando por una voz propia dentro del universo galáctico, y no por una mera fotocopia de lo ya conocido. Y en esa búsqueda de frescura, la música juega un papel clave. Newman, que siempre ha sabido traducir emociones complejas en partituras memorables, tiene la oportunidad de hacer historia dentro de una saga que vive (y sobrevive) gracias a la emoción.
¿el próximo gran salto de star wars?
Star Wars: Starfighter tiene ya marcada en rojo la fecha de su estreno: 28 de mayo de 2027. Aunque aún no se ha desvelado el reparto, la elección de Newman como compositor es un claro aviso de lo que podemos esperar: una película más cercana a la emoción que al estruendo, con un tono quizás más introspectivo, como los trabajos anteriores de Levy (The Adam Project, Stranger Things).
Además, el fichaje de alguien ajeno a la órbita habitual de Lucasfilm o Disney da pistas sobre una apuesta por romper esquemas. Recordemos que Thomas Newman es uno de los pocos compositores de renombre que nunca ha trabajado en una película de Star Wars, Marvel o DC. Y eso, en estos tiempos, es casi un milagro.
Todo apunta a que Starfighter será una carta de amor a los fans… pero no de la forma en que están acostumbrados. Nada de cameos forzados ni remakes camuflados: aquí hay intención real de contar una historia nueva desde el primer acorde.
una oportunidad para redefinir el legado musical de la saga
El fichaje de Thomas Newman no solo aporta prestigio, sino una identidad sonora completamente distinta. Su estilo, más lírico e introspectivo que el de otros compositores de acción, podría abrir una nueva etapa en la franquicia. Si funciona, podríamos estar ante una ruptura definitiva con la dependencia del legado de John Williams.
Además, la jugada tiene algo de declaración de intenciones por parte de Lucasfilm: quieren que Starfighter no sea “una más”, sino un punto de inflexión. Y si alguien puede ayudar a lograrlo desde la música, ese es Newman. Que la Fuerza le acompañe… y también su orquesta.
Hathaway Noa, hijo del legendario Bright Noa, se mueve en las sombras como líder de Mafty, un grupo que lucha contra la ahora corrupta Federación Terrestre. Mientras algunos los ven como héroes, otros los tachan de terroristas. La cosa se complica con la reaparición de Gigi Andalusia, una mujer tan enigmática como carismática, que sacude los cimientos emocionales del protagonista y pone en duda su misión. ¿El objetivo de Mafty? Ejecutar una purga selectiva entre los altos cargos del poder, mientras las líneas entre justicia y violencia se diluyen peligrosamente.
Dónde encaja Gundam Hathaway 2 dentro del universo Gundam
Para los más despistados: Gundam Hathaway 2 sigue dentro del Universal Century (UC), la cronología fundacional de la franquicia. Concretamente, se sitúa 12 años después de los acontecimientos de Char’s Counterattack, esa joya cinematográfica que cerró las tramas deMobile Suit Gundam, Zeta Gundam y Gundam ZZ. Sí, esa misma trilogía que cimentó todo lo que vino después.
Por si fuera poco, hay que tener en cuenta que otras historias como Mobile Suit Gundam Unicorn (ambientada tres años después de Char’s Counterattack), Gundam F91 y Victory Gundam también juegan en la misma línea temporal. Pero Hathaway se siente más como un relevo emocional de Char’s Counterattack que como una simple secuela.
Además, no debemos olvidar el pequeño Frankenstein de la franquicia: G-Saviour, ese experimento live-action ambientado más de un siglo después de Hathaway. Afortunadamente, la nueva trilogía mantiene los pies firmemente plantados en la continuidad clásica, lo que ha entusiasmado a los fans más veteranos.
¿Son canon las novelas originales de Hathaway’s Flash?
Aquí llega el drama: las películas no siguen al pie de la letra los libros de Tomino. Sí, ambas versiones parten del mismo punto y comparten personajes clave, pero los acontecimientos no son idénticos. Las novelas se basan en una versión alternativa de Char’s Counterattack (conocida como Beltorchika’s Children), que presentaba giros significativos —como una implicación más directa de Hathaway en la muerte de Quess— y un enfoque más sombrío.
Por tanto, las películas crean su propio camino, adaptando libremente elementos de Hathaway’s Flash pero bajo el canon cinematográfico de la UC. Este movimiento permite jugar con las expectativas incluso para quienes ya conocen el material original, manteniendo el suspense y sorprendiendo incluso a los más frikis de la sala.
La primera película de Hathaway, estrenada en 2021, funcionaba bastante bien como historia independiente. De hecho, incluso espectadores nuevos podían seguirla sin atascarse en 40 años de continuidad. Todo apunta a que The Sorcery of Nymph Circe seguirá esa línea, siendo accesible para nuevos fans pero llena de guiños para los que llevan décadas en el fandom.
Un reparto estelar y una animación de altura
El doblaje japonés vuelve a estar liderado por Kensho Ono como Hathaway, Reina Ueda como Gigi y Junichi Suwabe como Kenneth Sleg. A ellos se suman nuevos personajes como Brinks Wedge, Julia Suga o Rod Hein, todos provenientes de las novelas, lo que demuestra el compromiso de Sunrise por ampliar el lore sin perder la esencia original.
La dirección artística y la animación siguen siendo una maravilla. Con la participación de veteranos como Shuko Murase, la producción mantiene un tono maduro y político, lejos de los mechas adolescentes de otras subfranquicias. Porque sí, esto es Gundam en estado puro: batallas espectaculares, dilemas morales y un protagonista que no encaja del todo ni con los buenos ni con los malos.
Gundam Hathaway 2, un puente entre generaciones
Con su estreno programado para el 30 de enero de 2026 en Japón —y en más países poco después—, Gundam Hathaway 2 tiene el reto de equilibrar continuidad, innovación y emoción. No es solo una película más, sino una pieza clave dentro del puzle de la UC. Una producción que no teme separarse del material original cuando hace falta, y que demuestra que, incluso tras cuatro décadas, el legado de Gundam sigue tan vivo como su fuego cruzado.
