jueves, febrero 12, 2026

Grant Gustin ha recordado en redes su desaparición como Flash en el Arrowverse

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Grant Gustin ha querido homenajear la desaparición de Flash en una crisis, un día marcado por el fandom entre recuerdos y nuevas revelaciones

El eco de los pasos de un superhéroe resuena en el tiempo, y hoy, Grant Gustin y los fans de The Flash conmemoran un instante crucial: el día en que el héroe escarlata desapareció en una crisis. Esta fecha no es solo un hito dentro del universo de The Flash, sino un símbolo de la duradera conexión entre una serie y su audiencia.

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El legado de un ícono televisivo

Desde aquel lejano 2014, cuando se emitía la primera temporada, hasta este vibrante 2024, los seguidores de la serie han mantenido la llama del entusiasmo sin vacilar. El 7 de octubre de 2014 marcó el inicio de una era; una que nadie anticipó sería tan impactante y duradera. Los actores, encabezados por Grant Gustin, se convirtieron en íconos de una generación pegada a la pantalla del “televisor de siempre”, demostrando que el poder de los relatos de superhéroes trasciende el formato en el que se presentan.

La serie pudo haber concluido, pero la nostalgia y el cariño que los fans sienten por estos personajes perdura. Solo la semana pasada, Gustin compartió en una entrevista con The Wrap que ha estado en conversaciones con James Gunn acerca del universo cinematográfico de DC, aunque curiosamente, no sobre Flash, sino sobre Superman. “Siempre he sido un fan de Superman, desde que era niño”, confesó Gustin, dejando entrever su entusiasmo por los nuevos proyectos y la dirección que Gunn podría tomar con el Hombre de Acero.

Una fecha que se siente a la vez nueva y nostálgica

Para muchos como Jack, un devoto seguidor de la serie, llegar al 25 de abril de 2024 es un momento surrealista. “Parecía un año de ciencia ficción y aquí estamos, me siento tan viejo”, tuiteó, reflejando un sentimiento generalizado entre la comunidad. Esta fecha, que parecía distante e improbable, se ha convertido en un punto de encuentro entre la ficción y la realidad, una fusión que solo el verdadero arte de contar historias puede lograr.

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El sentimiento es palpable también en las redes sociales, donde fans como Matthew W. expresan su cariño: “Hoy es el día en que Flash desaparece, se pierde en la Crisis. Decir esto después de una década es realmente satisfactorio”. Y no menos emocional se muestra Samapanha Cheab, quien compartió: “Nunca pensé que este día llegaría en un abrir y cerrar de ojos. Un poco emocional ahora que la serie ha terminado”.

Un héroe entre dimensiones

Grant Gustin, más que un actor, se ha convertido en el rostro de una era. Interpretando a Barry Allen, el héroe que se mueve más rápido que la luz, ha llevado el legado de The Flash a cada rincón del planeta. No solo en la televisión, sino en la cultura popular, sus hazañas y desafíos resonaron con una audiencia global que encontró en su velocidad, un escape a la rutina diaria.

Comparado con otros personajes icónicos como Superman o Batman, Flash ofrece una dinámica única: su poder, intrínsecamente ligado a la ciencia y la posibilidad de alterar el tiempo, plantea dilemas morales y aventuras que superan las típicas luchas físicas de sus contemporáneos. Este enfoque ha permitido explorar temas complejos como la responsabilidad, el sacrificio y la repercusión de nuestras acciones en el tiempo, elevando a The Flash a un pedestal propio en el universo de DC.

Mirando hacia el futuro con un pie en el pasado

Mientras tanto, Mercury rememora: “Aún es una de mis escenas finales favoritas en el Arrowverse. La primera temporada de The Flash fue una de las mejores temporadas de DCTV que hemos tenido y lo mantengo”.

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Este 25 de abril no es solo un recordatorio de los ciclos que se cierran y los que comienzan; es un testimonio del impacto duradero de The Flash y de cómo, a través de sus altibajos, esta serie ha dejado una huella imborrable en el corazón de sus fans. La magia de estos momentos televisivos sigue viva, vibrante en cada tuit, en cada recuerdo compartido, en cada diálogo sobre lo que fue y lo que vendrá. Grant Gustin, al mirar atrás y hacia adelante, simboliza no solo a un héroe en pantalla, sino a un faro de inspiración para los fans que, después de todo este tiempo, aún celebran su carrera y su impacto.

La 2ª temporada de Severance por fin ha terminado su producción

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Echamos un vistazo al caótico rodaje de la 2ª temporada de Severance y lo que nos espera

La cinta ha caído, la sala queda en silencio y, contra todo pronóstico, ‘Severance’ temporada 2 ha finalizado su rodaje. Tras un viaje lleno de contratiempos, desde disputas creativas hasta huelgas que paralizaron la industria, este esperado regreso promete sumergirnos aún más en su desconcertante mundo distópico.

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¿Qué nos depara la Temporada 2?

Desde su estreno en Apple TV+ en febrero de 2022, ‘Severance’ se ganó el aplauso de la crítica, alcanzando un impresionante 97% en Rotten Tomatoes. La serie, que explora las vidas divididas de los empleados de Lumon Industries, capturó la atención con una premisa que parece sacada de un sueño febril: la separación quirúrgica de memorias personales y laborales. Con 14 nominaciones en los premios Emmy de 2022, incluyendo Mejor Serie de Drama, y aclamaciones por las actuaciones de un elenco estelar encabezado por Adam Scott, la serie no solo fascinó, sino que también dejó a los fans ansiosos por más.

El conflicto surgió pronto en el horizonte. Los co-showrunners, Dan Erickson y Mark Friedman, se enfrentaron a desacuerdos fundamentales ya en la primera temporada, complicando el avance de la serie. La situación se tornó tan tensa que Ben Stiller, director principal y productor ejecutivo, tuvo que intervenir para mediar en la disputa y asegurar el retorno de Friedman para la segunda temporada. Sin embargo, los problemas no terminaron ahí. El desarrollo del guion y la gestión del presupuesto se vieron afectados, llevando a la incorporación de Beau Willimon, creador de ‘House of Cards’, para tratar de suavizar las asperezas.

Huelgas y parones

El parón en la producción debido a las huelgas del WGA y SAG-AFTRA añadió más leña al fuego, extendiendo los tiempos y aumentando la incertidumbre sobre el futuro de la serie. No obstante, y a pesar de los reveses, el equipo logró retomar el rodaje a fines de enero de 2024 y llevarlo a buen puerto sin más contratiempos significativos.

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La foto del clapperboard compartida por la diseñadora de vestuario Carol Deelay en Instagram, con el mensaje “Se terminó la temporada 2”, no es solo un anuncio, sino la promesa de que, pese a todo, el espectáculo debe continuar. La temporada 2 se adentra más en los misterios que rodean a Lumon, explorando qué ocurrió con la esposa de Mark, Gemma, que aparece en el lugar de trabajo como la señora Casey, y los planes más amplios de la compañía para los chips de Severance.

Nuevos horizontes en la trama y personajes

La figura central de ‘Severance’, Mark, interpretado magistralmente por Adam Scott, se encuentra en una encrucijada emocional y ética que resuena profundamente con la audiencia. La habilidad de Scott para navegar entre los recuerdos fragmentados de Mark proporciona una ventana al alma dividida de todos los que están sometidos al programa Severance. Su lucha por reconciliar su vida dentro y fuera de Lumon promete ser aún más intensa en esta nueva temporada.

Por otro lado, la serie también se ha comparado favorablemente con otros thrillers de ciencia ficción, como ‘Black Mirror’ y ‘The Twilight Zone’, por su capacidad para explorar temas distópicos a través de una lente íntima y personal. Sin embargo, ‘Severance’ se distingue por su enfoque único en la dualidad de la memoria y la identidad, estableciendo un nuevo estándar en el género y dejando a los fans y críticos por igual, ansiosos por descubrir los secretos que la segunda temporada tiene reservados.

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Un cast impecable

Además de los actores principales que regresan, la temporada también da la bienvenida a nuevos miembros en el elenco, incluyendo a Gwendoline Christie y Alia Shawkat. A medida que la historia continúa justo después del dramático final de la primera temporada, ‘Severance’ promete desvelar más sobre la lucha interna de los personajes y la respuesta de Lumon a la rebelión del departamento de Refinamiento de Datos Macro.

En definitiva, está 2ª temporada parece estar configurada para ser otro éxito rotundo para Apple TV+, uniendo a viejos y nuevos personajes en una narrativa que desafía las expectativas y explora los límites de la memoria y la identidad. Mientras esperamos la confirmación de la fecha de estreno, una cosa es segura: el mundo de ‘Severance’ sigue siendo tan fascinante como siempre.

X-Men 97: todo lo que debes saber sobre el nuevo villano de los mutantes

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El séptimo capítulo de X-Men 97 ha dejado ver que quien está detrás de todas las desgracias que le han ido sucediendo a la Patrulla X es el temible Bastion

Cuando pensábamos que lo habíamos visto todo en ‘X-Men ’97’, el último episodio, “Bright Eyes”, ha revelado que Bastion, y no Cassandra Nova, ha estado moviendo los hilos de los recientes ataques que han sacudido a la comunidad mutante. Esta alianza con Mister Sinister señala uno de los mayores desafíos para los X-Men, introduciendo un villano que, aunque poco conocido fuera de los círculos de aficionados acérrimos a los cómics, promete dejar una marca indeleble en esta serie revitalizada.

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El origen de un villano

Nacido de la fusión del Molde maestro con Nimrod, Bastion emergió sin recuerdos de su pasado tras atravesar el portal místico conocido como el Siege Perilous. Adoptado por una mujer humana y bajo el nombre de “Sebastion Gilberti”, descubre su propósito al enfrentarse al problema mutante en América, cargando con el legado de odio hacia los mutantes de sus predecesores.

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El episodio de hoy no solo nos trajo a Bastion, sino también a soldados luciendo uniformes de la “OZT”. Esta fuerza de ataque internacional, creada por Bastion, se centra en el uso de tecnología avanzada y nanotecnología para transformar humanos en “Centinelas Prime”, una táctica que refleja la evolución del villano más allá de los Centinelas tradicionales.

La amenaza de Bastion interpretada por Theo James

La incorporación de Theo James, conocido por ‘The Gentlemen’, como la voz detrás de Bastion, subraya la seriedad con la que Marvel Studios está tomando a este personaje. Su versión de Bastion está planificando un ataque a gran escala en América, utilizando a un Magneto lavado de cerebro para forzar al gobierno a apoyar su programa OZT y desencadenar una guerra total contra los mutantes.

Los aficionados de Rondador nocturno en ‘X-Men ’97’ deberían mantenerse alerta. Inspirado en eventos de los cómics donde Bastion fue responsable de la muerte de Nightcrawler durante el crossover ‘Segunda llegada’, esta nueva serie no teme en traer momentos dramáticos y consecuencias trágicas a sus personajes.

Conexiones con Nimrod y el futuro

Aunque el pasado del centinela definitivo es intrincado, su conexión con Nimrod y su posible implicación en eventos futuros, incluyendo viajes en el tiempo, sugieren que podría ser el gran villano detrás de todo, preparando el escenario para revelaciones impactantes en próximos episodios.

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Con estos giros narrativos, la serie no solo está estableciendo nuevos estándares para las series de Marvel Studios, sino también reinventando lo que esperamos de las historias de superhéroes. Mantente atento, porque algo nos dice que Bastion tiene aún más sorpresas bajo la manga.

Implicaciones más amplias para el universo X-Men

Bastion no es solo un villano que aparece para llenar un episodio; su presencia tiene ramificaciones profundas para todo el universo X-Men. Al reinterpretar este personaje complejo y multifacético para ‘X-Men ’97’, los guionistas tienen la oportunidad de explorar temas de tecnología, xenofobia y la lucha constante entre la evolución y la extinción que siempre han sido centrales en la serie X-Men. Esta versión de Bastion está estratégicamente diseñada para resonar con un público moderno, al tiempo que se mantiene fiel a las raíces de los cómics.

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Más allá de su significado narrativo, la introducción del villano podría ser una preparación para futuras historias cruzadas dentro del extenso catálogo de Marvel. Comparándolo con otros villanos como Ultron o Thanos, Bastion presenta una amenaza única que no solo es físicamente formidable sino también tácticamente astuta. Esta dualidad asegura que ‘X-Men ’97’ mantenga a los fans enganchados y expectantes, ansiosos por ver cómo sus héroes favoritos enfrentarán este nuevo desafío.

El casi romance de Batman y Wonder Woman, la lucha entre la amistad y el amor

Descubre cómo se desarrolló el vínculo casi romántico entre Batman y Wonder Woman en las páginas de JLA

Cuando los héroes se enamoran, las páginas de los cómics se iluminan con una chispa especial. Sin embargo, no todos los romances potenciales llegan a buen puerto. Tal es el caso de Batman y Wonder Woman, cuya aventura amorosa casi se materializa en las intrigantes páginas de Justice League of America (JLA).

Un acercamiento inesperado

Todo comenzó con gestos sutiles y miradas cómplices que sugirieron más que una simple camaradería. Durante el arco narrativo de “The Obsidian Age” en JLA, vimos cómo Wonder Woman cuidó a un enfermo Batman, atendiendo no solo a sus heridas físicas sino, tal vez, preparando el terreno para sanar heridas del corazón. Fue un momento íntimo, donde él, en su delirio, no pudo evitar elogiar la belleza de la amazona, un cumplido que, bajo circunstancias normales, el reservado Caballero Oscuro nunca se habría atrevido a expresar.

  • batman y wonder woman
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Más adelante, en JLA #74, los preparativos para un sacrificio fatal que les permitiría salvar el mundo a ambos les llevó a compartir un beso; uno que podría haber sido el preludio de un amor épico. Sin embargo, el destino y las responsabilidades heroicas son a menudo enemigos del corazón. A pesar de su cercanía emocional, ambos líderes tenían claro que sus vidas estaban dedicadas a mayores causas.

Una cita interrumpida

La tensión romántica alcanzó su clímax en una cita en Wayne Manor, meticulosamente planeada pero constantemente interrumpida por emergencias. Batman, siempre el estratega, parecía buscar cualquier excusa para evitar enfrentarse a la posibilidad de un compromiso emocional pleno. Este acto de autoboicot culminó con una disculpa torpe por arruinar la velada, dejando un sabor agridulce y muchas preguntas sin responder.

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Finalmente, en un intento de clarificar sus sentimientos, Wonder Woman utilizó un dispositivo proporcionado por Martian Manhunter para vislumbrar posibles futuros con Batman. Desde envejecer juntos hasta enfrentar tragedias inimaginables, cada visión presentaba desafíos y alegrías potenciales. No obstante, lo que quedó claro fue que la intensidad de sus vidas como héroes podría, al final, más dañar que beneficiar una relación amorosa.

La decisión final

Ante la incertidumbre de estos futuros posibles, ambos decidieron que lo más sabio era preservar su amistad, un lazo ya de por sí fuerte y valioso. La decisión de permanecer amigos, tomada en JLA #90, resaltó la madurez y el respeto mutuo que define su relación, demostrando que no todo amor necesita culminar en romance para ser significativo.

La historia de Batman y Wonder Woman es un testimonio de que incluso en un mundo de dioses y monstruos, las decisiones humanas sobre el amor y la amistad son complicadas y, a menudo, más heroicas que cualquier batalla contra el mal. Mientras seguimos explorando las complejidades del corazón humano, incluso en seres casi divinos, las páginas de JLA nos recuerdan que cada elección de corazón lleva en sí misma una historia épica de valor y vulnerabilidad.

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Los romances entre héroes siempre han capturado la imaginación de los fans, y la relación entre Batman y Wonder Woman no es la excepción. A lo largo de los años, diversas narrativas han explorado la dinámica entre estos dos icónicos personajes, desde una complicidad en el campo de batalla hasta momentos de vulnerabilidad compartida. En la serie animada Justice League, por ejemplo, se insinuó un fuerte vínculo emocional, proporcionando a los espectadores momentos de tensión romántica que resonaron profundamente entre la audiencia.

Estos episodios no solo enriquecen las personalidades de cada héroe, sino que también ofrecen un contexto más humano a sus interacciones, revelando capas de complejidad y atracción mutua que a menudo quedan ocultas detrás de sus capas y misiones heroicas. Estos relatos de amor y amistad subrayan la profundidad emocional que puede existir incluso entre los seres más poderosos.

Star Wars Tales of the Empire nos presenta uno de los enfrentamientos más épicos de las precuelas

El nuevo clip de Star Wars Tales of the Empire revela a General Grievous devastando a las Nightsisters bajo la mirada de Morgan Elsbeth

En un rincón oscuro de la galaxia, la tragedia y la devastación se despliegan en Dathomir, hogar de las enigmáticas Nightsisters. La saga de Star Wars vuelve a captar la atención de fans y no tan fans con un adelanto espectacular de Star Wars Tales of the Empire. La serie promete revivir las emociones a flor de piel y aventuras que solo esta franquicia puede ofrecer.

Enfrentamiento en Dathomir

El clip nos sumerge de lleno en la acción: General Grievous, junto a su ejército de droides, arrasa sin piedad a las Nightsisters, mientras una joven Morgan Elsbeth observa desde la distancia, marcando un antes y un después en su vida y en la historia del planeta. El destino de Dathomir pende de un hilo mientras se transforma en un páramo desolado, testigo del poder destructivo del General Grievous.

Star Wars Tales of the Empire

Este episodio no solo muestra la destreza en combate de Grievous sino también destapa detalles cruciales sobre los personajes que serán claves en la serie. La animación, descrita como impresionante, pone de manifiesto el cuidado y detalle que el equipo de Dave Filoni ha invertido en esta producción.

La trama se expande

Más allá del caos en Dathomir, la serie nos acercará a los entresijos del Imperio Galáctico a través de dos figuras complejas y fascinantes: Morgan Elsbeth y Barriss Offee. Elsbeth, cuyo pasado se revelará a lo largo de la serie, mostrará cómo su camino se cruzó con el del Gran Almirante Thrawn, desembocando en la colisión con Ahsoka Tano en El Mandaloriano.

Barriss Offee, por su parte, enfrentará su propio descenso a la oscuridad al unirse a los temidos Inquisidores Sith. La serie promete explorar sus motivaciones y los retos a los que se enfrenta en un universo en constante cambio.

Star Wars Tales of the Empire

Un elenco estelar y una producción de alto calibre

El elenco de voces, liderado por Diana Lee Inosanto y Meredith Salenger, aporta profundidad y emoción a estos personajes tan ricos en matices. Con figuras como Jason Isaacs y Lars Mikkelsen, la serie garantiza interpretaciones que resonarán con el público y enriquecerán el canon de Star Wars.

Dave Filoni, una figura central en el universo de Star Wars desde The Clone Wars, supervisa y dirige esta serie, asegurando que cada episodio esté imbuido con la esencia y calidad que los fans esperan.

Un futuro lleno de posibilidades

Mientras esperamos el estreno de todos los episodios el próximo 4 de mayo en Disney+, las especulaciones y teorías ya circulan entre los fans. ¿Qué secretos revelará Morgan sobre su lealtad a Thrawn? ¿Cómo influirá el pasado de Barriss en su futuro en la oscuridad?

Star Wars Tales of the Empire

Tales of the Empire no solo promete ser un viaje emocionante a través de los ojos de dos guerreras cuyas decisiones definirán sus destinos, sino que también es una exploración de cómo las cicatrices del pasado pueden moldear nuestro futuro en maneras inesperadas. La serie, sin duda, se posiciona como un esencial próximo capítulo en la extensa narrativa de Star Wars, prometiendo emociones, aventuras y revelaciones en cada episodio.

En Star Wars: Tales of the Empire, la oportunidad de explorar a otros personajes de The Clone Wars es vasta. Hondo Ohnaka, el carismático pirata, podría tener un papel destacado, ofreciendo un vistazo a su supervivencia y astucia en un imperio en expansión. Otro personaje fascinante es Asajj Ventress, cuyo complejo camino desde Sith hasta cazarrecompensas podría explorarse más a fondo, mostrando su lucha por redención. Además, la serie podría profundizar en la vida de Cad Bane, el temido cazarrecompensas, revelando más sobre sus aventuras y encuentros post-guerra. Estos personajes añadirían riqueza y profundidad al narrativo de la serie.

Crítica de Abigail

Abigail, el remake de La hija de Drácula aterriza en nuestra cartelera.

La película original

En 1936, bajo la dirección de Lambert Hillyer, se estrenó en la gran pantalla la película La hija de Drácula, con Gloria Holden en el papel principal, cuyo cartel puede verse bajo este párrafo, que se trata de una secuela del famoso largometraje protagonizado por Béla Lugosi y titulado simplemente Drácula (1931). Ha querido el destino que, este mismo año, haya llegado a nuestras pantallas una libre adaptación de dicho filme, titulada simplemente Abigail, que se encuentra actualmente en cartelera, que es el objeto de análisis de este artículo, tal y como se puede comprobar en los siguientes párrafos.

Abigail, Alisa Wheir, Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

El remake

Con Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett sentados en las silla de los directores, esta película, que cuenta con 109 minutos de duración, está protagonizada por Melissa Barrera (como Joey), Dan Stevens (en el papel de Frank), Alisa Wheir (que interpreta a Abigail), Kathryn Newton (que encarna a Sammy), William Catlett (que hace de Rickles), Kevin Durand (que se mete en la piel de Peter), Angus Cloud (que se convierte en Dean), Giancarlo Esposito (que se transforma en Lambert) y Matthew Goode (como Kristof Lazar). A continuación, puedes ver el tráiler.

En un principio, secuestrar a una bailarina de 12 años y pedir a su rico padre un rescate de 50 millones no parece una tarea excesivamente complicada. El problema surge cuando la niña, que responde por el nombre de Abigail, es más de lo que parece a simple vista, tal y como los secuestradores pueden comprobar cuando descubren que se trata de una vampiresa.

La estrella de la película

Sin lugar a dudas, entre todos los papeles de la película, podemos destacar el de Alisa Wheir como Abigail, ya que brilla con luz propia al demostrar cómo sabe pasar de forma totalmente convincente del rol de niña inocente y asustada al de sanguinaria vampiresa.

Abigail, Alisa Wheir, Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

La controversia sobre Drácula

Ya hemos comentado que se trata de un libre remake de La hija de Drácula, por lo que no debe extrañarnos que el padre de la protagonista responda por el nombre de Kristof Lazar. No obstante, el propio personaje reconoce que, a lo largo de su existencia, se le ha llamado de muchas maneras, por lo que no podemos descartar que se trate del genuino Drácula, sobre todo si tenemos en cuenta que, en un principio, el remake se iba a titular igual que la película original, aunque luego fuera rebautizado como Abigail. Por si esto fuera poco, en los títulos de crédito finales el personaje solo figura como “padre”.

Aceptando que el Kristof Lazar de Matthew Goode sea de verdad Drácula, esta sería la segunda película, en poco tiempo, que explora la vida de personajes del elenco de secundarios del siniestro conde, convirtiéndolo a él en el secundario de la historia, ya que justo hace un año que contamos con el estreno de Renfield, largometraje protagonizado por el siniestro lacayo de Drácula.

Personajes de Abigail

Lo habitual es que las películas cuenten con personajes totalmente puntuales, que no suelen tener mucho más que una frase o dos, cuyas apariciones suelen ser calificadas como cameos, al igual que con la participación de diversos extras, obviamente no acreditados, que van dejándose caer a lo largo de la trama. No obstante, en el caso de Abigail, que es el que nos interesa en este artículo, no existen más personajes que aquellos que han sido mencionados en el segundo párrafo de este análisis, sin que la película se resienta por la falta de intérpretes.

¿Tiene Abigail escenas post-créditos?

Abigail termina con un final cerrado, aunque no se descarta la posibilidad de que pueda ser la primera entrega de una nueva saga de vampiros, siempre y cuando la taquilla resulte favorable. En cualquier caso, el filme no cuenta con ninguna escena post-créditos, por lo que puedes levantarte de la butaca en cuanto enciendan las luces de la sala, algo que agradecerán todos aquellos que no quieran tragarse entera la banda sonora final.

Conclusiones

En definitiva, si perteneces al grupo de personas a las que les gustan las películas de terror en general o del género de vampiros en particular, no cabe la menor dudad de que Abigail, se trate o no de la hija de Drácula, es un filme cuyo visionado no debes pasar por alto, ya que cuenta con todos los ingredientes adecuadamente mezclados para resultar satisfactorio para todos los amantes de este tipo de cine.

Después de que una banda de delincuentes secuestre a una bailarina de 12 años, hija de un poderoso capo del hampa, a los secuestradores solo les queda vigilar a la niña durante una noche para cobrar el rescate de 50 millones de dólares. En una mansión alejada de todo, los raptores empiezan a desaparecer uno a uno y descubren, con creciente horror, que están encerrados con una niña nada normal.

La Sirenita desata el terror con su nueva versión clasificada R por su alta dosis de violencia

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Descubre cómo el clásico infantil de La Sirenita se ha transformado en una verdadera pesadilla con las primera imágenes de su nueva versión

En un giro que nadie esperaba, los cuentos de hadas que marcaron nuestra infancia están tomando un camino más oscuro y siniestro. A la vanguardia de esta tendencia está la nueva adaptación de La Sirenita, que promete dejar a los fans del terror pegados a sus asientos.

La trama se centra en el Dr. Eric Prince, un arqueólogo cuya exploración en una isla del Caribe lo lleva a descubrir restos de una avanzada sociedad antigua. Pero el hallazgo más impactante es Aurora Bey, una enigmática mujer que pronto se convierte en el objeto de su afecto. A medida que la relación se intensifica, la amiga y colega de Eric, la Dr. Ashley, empieza a sospechar que hay algo tenebroso detrás de la belleza de Aurora. Eric se encuentra entonces en una encrucijada: escuchar a su amiga o sucumbir ante los encantos de una sirena malévola.

la sirenita

Dirigida por Leigh Scott, esta versión R-rated de La Sirenita no se contiene en mostrar su crudeza. Con Lydia Helen como Aurora, Mike Markoff y Jeff Denton completan el elenco, enfrentándose a un mar de violencia, lenguaje explícito y escenas subidas de tono. Este no es el cuento de la sirena Ariel que todos recordamos; en cambio, presenta a Aurora cometiendo horrores inimaginables para lograr caminar entre los humanos.

Un nuevo capítulo en el universo de terror infantil

Este fenómeno no es aislado. Con el éxito de películas como Winnie the Pooh: Blood and Honey, ha surgido un movimiento de reinvenciones horripilantes de cuentos clásicos. Próximamente, títulos como Bambi: The Reckoning y Peter Pan’s Neverland Nightmare prometen seguir expandiendo este universo de terror infantil. Fuera de esta serie, proyectos como La Maldición de Cenicienta y Screamboat, inspirado en el corto Steamboat Willie de Mickey Mouse, aseguran que este escalofriante tren no muestra signos de detenerse.

Aunque todavía no se ha anunciado una fecha oficial de lanzamiento para La Sirenita, los aficionados pueden esperar su estreno para finales de este año. Mientras tanto, el tráiler oficial ya está disponible, ofreciendo un vistazo a lo que esta terrorífica reimaginación tiene reservado. Sin duda, este es un viaje a las profundidades del miedo que no querrás perderte.

la sirenita

Conoce el Poohniverse lleno de nuevos cuentos terroríficos

El Poohniverse: Monsters Assemble se perfila como una revolución en el género del cine de terror, redibujando los contornos de las historias infantiles que una vez endulzaron nuestros sueños. Esta iniciativa audaz promete sumergir a personajes tan queridos como Winnie the Pooh, Tigger, Bambi y Tinkerbell en una realidad aterradora, convirtiéndolos en protagonistas de un caos sangriento. Los creadores de este universo cinematográfico no solo buscan reinterpretar a estos íconos en clave de terror, sino también entrelazar sus destinos en un elaborado tapiz de narrativas cruzadas, repletas de referencias y anticipos de futuras tramas.

La premisa de Poohniverse se basa en la reciente liberación de estos personajes al dominio público, lo que ha permitido a los cineastas explorar sin restricciones legales. Dirigida por Rhys Jake-Waterfield, conocido por su trabajo en Blood and Honey, la película promete una mezcla de homenaje y renovación, llevando estos personajes a profundidades inexploradas de oscuridad y complejidad emocional. La trama central gira en torno a grandes enfrentamientos y conflictos internos entre los propios monstruos, proporcionando una plataforma para explorar aspectos oscuros y desconocidos de estos seres que alguna vez simbolizaron la inocencia.

la sirenita

Con un aumento significativo en el presupuesto y un elenco que promete actuaciones sólidas, Poohniverse: Monsters Assemble está destinado a ser un punto de inflexión en cómo percibimos los cuentos de nuestra niñez. Esta transformación no se limita solo a Poohniverse, sino que se extiende a otros proyectos como Bambi: The Reckoning, donde el icónico ciervo enfrentará desafíos de supervivencia y venganza, y Peter Pan’s Neverland Nightmare, que promete convertir el País de Nunca Jamás en un escenario de horrores indescriptibles.

Este audaz cruce de caminos entre la nostalgia y el horror está configurado para redefinir los contornos de lo que una película puede evocar, transformando recuerdos infantiles en experiencias cinematográficas que desafían nuestras expectativas y nos sumergen en un abismo de intrigas y terror. Poohniverse no es solo una serie de películas; es una nueva visión de un mundo donde los cuentos no tienen finales felices, sino giros inesperadamente oscuros que nos mantienen al borde del asiento, ansiosos por descubrir qué sombras se esconden detrás de los rostros familiares de la infancia.

Mel Brooks y la posible secuela de Spaceballs: ¿Regresará al espacio?

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A sus 97 años, Mel Brooks sigue apasionado por Star Wars y la idea de continuar con la parodia espacial

En el reciente Festival de Cine Clásico de TCM en Hollywood, tras la proyección de su icónica película de 1987, Spaceballs, Mel Brooks capturó nuevamente la atención y la imaginación de sus seguidores. Acompañado por Ben Mankiewicz de TCM, Brooks ofreció un viaje entre anécdotas y revelaciones que mantuvo a todos al borde de sus asientos

Encuentros cinematográficos legendarios

Uno de los momentos más destacados fue su relato sobre un encuentro con Alfred Hitchcock, el maestro del suspense, buscando su aprobación para High Anxiety, una parodia del cine de Hitchcock. Según Brooks, Hitchcock no solo dio su bendición, sino que también demostró un apetito voraz, disfrutando de una copiosa comida dos veces seguidas.

mel brooks spaceballs

Durante la charla, Brooks no pudo evitar reflexionar sobre Spaceballs, la parodia que desafió las convenciones de la ciencia ficción. Recordó especialmente cómo George Lucas, el creador de Star Wars, permitió amablemente la parodia, aunque estableció un límite claro: nada de merchandising de Spaceballs. Este detalle sigue siendo una anécdota favorita entre los fans, destacando el respeto y la camaradería entre estos titanes del cine.

Un futuro con más aventuras espaciales

La posibilidad de una secuela, titulada tentativamente Spaceballs: The Search for More Money, sigue flotando en el aire. Brooks, juguetón pero seriamente contemplativo, discutió las posibilidades y desafíos de revivir el universo de Spaceballs para las nuevas generaciones, preguntándose si, esta vez, el merchandising estaría en el horizonte.

Más allá de las bromas y las secuelas, Brooks expresó su profundo aprecio por Star Wars. Describió la película original como una mezcla mágica de sus pasiones infantiles, como Ivanhoe y Robin Hood, resaltando su innovación y su corazón, que lo cautivaron desde el principio.

mel brooks spaceballs

El infatigable Mel Brooks

A sus 97 años, Brooks no muestra signos de desaceleración. Su amor por el cine, su habilidad para entretener y su eterna curiosidad por explorar nuevos proyectos, incluso secuelas esperadas, continúan inspirando a todos en la industria y más allá. Brooks se mantiene como un icono, un creador que ha dejado una huella imborrable en la historia del cine de parodia y comedia.

Con cada palabra, Brooks no solo recuerda el pasado, sino que, potencialmente, moldea el futuro del entretenimiento espacial. ¿Veremos alguna vez Spaceballs 2? Solo el tiempo lo dirá, pero la esperanza y la expectación ciertamente están en el aire, alimentando sueños de más aventuras galácticas que combinan la risa con el legado.

La carrera de Mel Brooks

Mel Brooks, reconocido por su ingenio y su habilidad para transgredir los géneros cinematográficos con humor, ha dejado una marca indeleble en la comedia a través de sus películas. Más allá de Spaceballs, su repertorio incluye joyas como Blazing Saddles y The Producers, que no solo han divertido sino que también han provocado reflexiones sobre temas sociales y culturales.

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Blazing Saddles, una sátira del western estadounidense, destacó por su enfoque audaz sobre el racismo y la inclusión, temas que eran particularmente delicados durante su lanzamiento en 1974. Esta película no solo desafió las normativas de la censura con su humor atrevido y desinhibido, sino que también invitó a la audiencia a reírse de las absurdas facetas del prejuicio y la discriminación.

Por otro lado, The Producers aborda la manipulación en el negocio del teatro, donde dos productores intentan crear el peor espectáculo posible para beneficiarse de su fracaso. Esta obra se convirtió en un clásico culto, celebrada tanto por su ingenioso guion como por sus memorables personajes.

Estas películas, junto con la opera espacial, ilustran cómo Brooks utiliza el humor como herramienta para la crítica social y cultural, un rasgo que define su carrera y enriquece su legado. Mel Brooks no solo ha sido un pionero en el uso de la comedia para explorar y comentar sobre la condición humana, sino que también ha inspirado a generaciones de cineastas y comediantes a emular su estilo único y provocador.

Un vistazo al curioso origen de Zombies Party a partir de la serie de Edgar Wright, Spaced

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Una serie televisiva, un sueño zombie y una cinta que marcó un antes y un después para el surgimiento de Shaun of the Dead (Zombies Party)

En una conversación reciente con IndieWire, Edgar Wright y el reparto de Shaun of the Dead, encabezado por Simon Pegg y Nick Frost, desvelaron cómo una inocente secuencia en la serie Spaced transformó una idea juguetona en una obra de culto que este año celebra su 20º aniversario. ¿Quién diría que un episodio de una serie de televisión sería el germen de una de las comedias de zombis más emblemáticas del cine?

Todo comenzó con una secuencia en Spaced, donde el personaje de Pegg, Tim Bisley, se imagina en un tiroteo zombie inspirado en videojuegos. Pegg recuerda que tras filmar esa escena, tanto él como Wright sintieron el impulso inmediato de explorar más allá. “Al salir de esa experiencia tan divertida y loca, nos dimos cuenta de que teníamos que hacer una película sobre zombis“, compartió Pegg. Wright, igualmente entusiasmado, agregó que esa noche, mientras volvían a casa en taxi, no pudieron evitar planear lo que eventualmente se convertiría en Shaun of the Dead.

Edgar Wright, zombies party

Un enfoque melodramático en un mundo apocalíptico

A diferencia de los filmes zombis que lo inspiraron, Wright concibió Shaun of the Dead como una narrativa que revolviera alrededor de la crisis existencial de Shaun, interpretado por Pegg. En medio de una apocalipsis zombi, Shaun trata de remediar su fallida relación amorosa, a la vez que lidia con las complicaciones de ser un eterno adolescente cuya vida parece desmoronarse. La actriz Kate Ashfield, quien interpretó a Liz, la frustrada novia de Shaun, quedó impresionada por lo meticuloso del guion y la producción: “Todo estaba tan bien preparado; Edgar había hecho referencias a innumerables películas y su hermano se encargó de los storyboards. Sabían exactamente qué querían lograr.”

Shaun of the Dead no solo fue aclamada por la crítica, sino que también recibió elogios de figuras importantes de Hollywood, como George Romero, pionero del género zombi. Su éxito propulsó a Wright, Pegg y Frost a colaborar en dos híbridos de género más, Hot Fuzz y The World’s End, formando lo que ahora se conoce como la trilogía Three Flavours Cornetto, ambos proyectos también aclamados por la crítica. A pesar de su impacto y de rendir homenaje a su obra en un vídeo de PSA durante los primeros días de la pandemia de COVID-19, Pegg fue claro el año pasado sobre su decisión de no continuar la historia de Shaun.

Edgar Wright, zombies party

El presente y futuro de Edgar Wright

En los últimos años, Wright no ha disminuido el ritmo. En 2021 lanzó el documental The Sparks Brothers y el thriller psicológico Last Night in Soho. Además, el año pasado ayudó a producir Scott Pilgrim Takes Off, una re-adaptación animada de los novelas gráficas de Bryan Lee O’Malley, mostrando una vez más su capacidad para reinventar visualmente narrativas existentes.

Shaun of the Dead sigue disponible, atrayendo a nuevos y viejos fans en plataformas como Prime Video, donde se puede alquilar o comprar, demostrando que su legado sigue tan vivo como sus memorables no-muertos.

zombies party shaun of the dead


Edgar Wright ya está sumergido en su próximo gran proyecto, una adaptación moderna de The Running Man, la icónica novela distópica de Stephen King. En esta versión, Wright planea mantenerse fiel al material original, presentando una crítica mordaz a la sociedad obsesionada con los reality shows. Se espera que el enfoque de Wright, conocido por su innovador estilo visual y narrativo, aporte una frescura necesaria a este clásico, potenciando el debate sobre los límites éticos del entretenimiento. Con este proyecto, Wright busca explorar más profundamente las tensiones sociales y la vigilancia mediática.

Quentin Tarantino revela algunos detalles de lo que podría haber sido su última película

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Un vistazo a lo que podría haber sido la última obra del icónico director, Quentin Tarantino, con cameos de leyenda y un guiño al meta-universo

Desde la década de los noventa, Quentin Tarantino ha sido un narrador de historias sin par, fusionando diálogos chispeantes con una estética visual única. Sus películas, desde Pulp Fiction hasta Once Upon a Time in Hollywood, han resonado tanto en crítica como en público, y parecía que su décima película, The Movie Critic, prometía ser el broche de oro de su carrera cinematográfica. Sin embargo, el propio Tarantino ha anunciado que el proyecto ha sido descartado.

El proyecto que nunca será

La película había comenzado a tomar forma alrededor de un personaje principal, que iba a ser interpretado por Brad Pitt, con Tom Cruise también rumoreado para unirse al elenco. Ambientada en California en 1977, la trama giraba en torno a un crítico de cine que, aunque basado en una figura real, nunca alcanzó la fama. La inspiración proviene de una experiencia juvenil de Tarantino, cuando cargaba revistas pornográficas en máquinas expendedoras.

Quentin Tarantino

Según revelaciones recientes en un perfil del The Hollywood Reporter, Tarantino había concebido The Movie Critic como un adiós a su propio universo cinematográfico. La idea era que la película funcionara como un meta-verso, donde personajes de sus obras anteriores podrían aparecer, tanto en “películas dentro de la película” como interpretándose a sí mismos de forma ficticia. Esto habría permitido un reencuentro con algunos de los personajes más icónicos del director.

Inspiración Spielberg y una mirada al joven Tarantino

Otra faceta del guion parecía inspirada por The Fabelmans de Spielberg, con escenas en un cine que permitirían interacciones entre los personajes y un joven Tarantino de 16 años, trabajando como acomodador en un cine porno de Torrance, algo que el director afirmó que hacía posible su altura.

Quentin Tarantino - chris evans

En los últimos meses, el proyecto estuvo rodeado de rumores de casting. Nombres como John Travolta, Jamie Foxx y Margot Robbie se mencionaron como posibles participantes en este adiós cinematográfico. Aunque Cruise era una especulación constante, nunca llegó a concretarse una reunión para el film. Olivia Wilde sí se reunió con Tarantino, y se rumorea que discutieron un personaje basado en la crítica de cine Pauline Kael.

El equipo detrás de cámaras

Tarantino se rodeaba de colaboradores habituales: Stacey Sher, productora de The Hateful Eight y Django Unchained, y Victoria Thomas, directora de casting en varias de sus películas, ya estaban trabajando en el montaje del elenco cuando el proyecto se canceló.

Quentin Tarantino

Es triste pensar en los “qué habría pasado si” de esta película, que podría haber sido un punto de encuentro para los films de Tarantino y un homenaje a sus inicios como cineasta. Aunque The Movie Critic no verá la luz, los fans pueden mantener la esperanza de que Tarantino nos sorprenderá con algo brillante para su última película. ¡Una última obra que, sin duda, será digna de su legado cinematográfico!

Quentin Tarantino es conocido por su estilo distintivo y su habilidad para revitalizar géneros cinematográficos. Desde su debut con Reservoir Dogs en 1992, ha mantenido una narrativa audaz que desafía las convenciones tradicionales. Pulp Fiction, tal vez su obra más emblemática, reinventó el cine de crimen con su estructura no lineal y diálogos memorables. Tarantino ha explorado diversos géneros: el blaxploitation en Jackie Brown, las artes marciales en Kill Bill, el western en Django Unchained y The Hateful Eight, y más recientemente, un recuento alterado de la historia en Inglourious Basterds y Once Upon a Time in Hollywood. Su cine no solo entretiene sino que también invita a reflexionar sobre la violencia y la moralidad en contextos históricos y ficticios.