La teoría, supuestamente originada en Reddit, sostiene que cuando Iron Man muere en Endgame, y He Who Remains cae en el final de la primera temporada de Loki, las barreras que mantenían su plan se desmoronan. Resultado: todas las versiones de Doom vuelven a existir, incluida una que recuerda perfectamente quién es en realidad. El Doom que veremos en Avengers: Doomsday sería, por tanto, uno consciente de que su identidad fue manipulada para convertirse en “Tony Stark”. Una especie de yo sé lo que hiciste el año pasado multiversal, pero a lo grande.
Lo mejor del asunto es que, según varios scoopers —sí, incluyendo al misterioso Majestic, que igual acierta como igual te vende un NFT—, Doom también accedería a la llamada “Biblioteca de los Mundos”, un archivo prohibido del Multiverso repleto de conocimientos que ni las variantes más desequilibradas de Loki se han atrevido a abrir. Suena a aquel cajón desastre donde guardas cosas que no deberías tocar, pero elevado a nivel cósmico.
Un rumor que parece demasiado enrevesado pero que encaja demasiado bien
Por supuesto, lo de que Marvel vaya a meter todo esto en una película ya cargada de personajes, cameos y planetas en crisis es otra cosa. La teoría es tan divertida como improbable, pero no sería la primera vez que la saga se saca un truco extraño de la manga para cuadrar casting, lore y continuidad.
El reparto, por si alguien llevaba semanas sin asimilarlo, es una barbaridad: Ant-Man, Shang-Chi, Loki, Sentry, Yelena, Falcon, Magneto, Bucky, M’Baku, Thor, Beast, Cyclops, Gambit, U.S. Agent, Sue Storm, Mystique, Professor X, Nightcrawler, Black Panther, Namor, Reed Richards, Ghost, Johnny Storm, Red Guardian, The Thing, Captain America, y sí, Robert Downey Jr. como Doom. Que alguien se acuerde de preparar un plano de asientos grande para la rueda de prensa, por favor.
Lo que viene podría cambiar las reglas del juego marvelita
Y aunque la idea suene al tipo de cosas que un fan escribe a las tres de la mañana después de demasiados Red Bulls, también encaja sospechosamente bien con la obsesión actual del MCU por líneas temporales, variantes y universos enteros a punto de romperse. Vamos, que si un día Marvel decide justificar el regreso de RDJ con una movida meta-multiversal, esto sería exactamente lo que harían.
El sexto tomo de la línea Marvel Héroes de Hulk con la etapa de Peter David contiene entre otras la mítica historia en la que el Goliat Esmeralda afronta su separación física de Bruce Banner en una magnífica edición publicada por Panini Comics
Este sexto volumen de la edición que recopila la etapa de Peter David al frente de El Increíble Hulk continua con el propósito de reunir uno de los ciclos más longevos, influyentes y reverenciados del Gigante de Jade. Panini Comics lo publica bajo el título de Marvel Héroes. El Increíble Hulk de Peter David 6 – Fantasmas del futuro.
En los tormentosos años noventa…
Los hechos relatados en este tomo son la antesala de un cambio profundo en el statu quo de Marvel Comics. Ocurren durante los grandes eventos de mitad de los años noventa (especialmente Onslaught), cuando el Universo Marvel sufre alteraciones masivas, y Hulk no es una excepción. Este volumen abarca el momento en que el Goliat Esmeralda sufre una separación física de Bruce Banner, una idea arriesgada que altera para siempre la dualidad del personaje. Además, esta etapa marca un punto de inflexión en el que nuestro protagonista deja de ser un monstruo errático, a menudo antagonista, para consolidarse como un personaje complejo, con crisis existenciales y conflictos internos.
El reciente fallecimiento del señor Peter David no hace más que darle a este tomo un valor adicional como homenaje y conservación de su legado, pues su etapa en esta serie es considerada por muchos como la definitiva del personaje, por encima incluso de los grandes eventos como Planet Hulk o World War Hulk, o de etapas más recientes como la del señor Al Ewing.
Hulk vs Bruce Banner
En los primeros números contenidos en este tomo se va a relatar la crisis de Hulk tras los eventos de Onslaught, con su separación de Banner. Esa ruptura física tiene consecuencias: Hulk ya no es sólo una manifestación de ira de Banner, sino un ente con identidad propia. Es un giro narrativo drástico en el que Hulk debe redefinirse, donde ya no es simplemente el monstruo y el humano en guerra interna, sino dos entidades distintas, y con ello surgen nuevos dilemas.
Más allá de la inclusión de Cable en estos números, el mencionado Onslaught es el gran invitado de este tomo. Su trascendencia en todas las series de La Casa de las Ideas en aquellos años fue brutal, ya que se trataba de una amenaza psíquico-cósmica que involucró a mutantes y héroes por igual, y en su batalla final lógicamente participó Hulk, lo que derivó en la ya relatada separación entre Banner y el monstruo.
Como es habitual en las historias de David, aquí es frecuente que la acción deje paso a momentos de introspección donde nuestro protagonista se hace preguntas con las que cualquier persona se podría identificar. Y quizás esa sea la mayor virtud de Peter David, el haber sabido acercar a todos esos personajes tan irreales como el que nos ocupa a un lugar en el que cualquier lector se puede llegar a identificar con ellos…
David y amigos
El trabajo del guionista en esta serie es legendario porque supo dar profundidad psicológica, humor, tragedia, humanidad y monstruosidad en dosis equilibradas. David convirtió a este personaje en algo más que músculo y destrucción. Lo dotó de alma, de conflicto y de esperanza, pero no hacía los cómics él solo…
En el apartado artístico, este tomo es notable por reunir a varios dibujantes de estilos variados, desde trazos clásicos hasta visiones más oscuras, pasando por estilos más grotescos o más crudos según lo exige la historia. Tenemos a dibujantes tan reconocidos y variados como Pasqual Ferry, Tim Sale, Adam Kubert, Dave Gibbons, Mike Deodato Jr., Sam Kieth, Humberto Ramos, Liam Sharp y Ángel Medina, prueba de la mezcolanza de estilos a la que vamos a asistir en este volumen. Esa diversidad le da al tomo una riqueza visual especial que rompe totalmente con la uniformidad, lo cual tiene sus riesgos pero también su encanto.
Pero más allá de todos los méritos de este volumen propiciados por los autores involucrados, también habría que destacar que este no sería un cómic mainstream de los años noventa si no sufriera de los problemas de aquella época: crossovers sin mucho sentido, excesos narrativos en el campo de la acción y a veces una estética muy propia del momento (en el peor de los sentidos). En definitiva, este tomo es una compra casi obligatoria para quien disfruta del Goliat Esmeralda clásico, las historias complicadas y con alma, y del cómic mainstream de los 90 con todas sus ambiciones (y sus excesos). Pero si se busca es una historia ligera, quizá este volumen no sea ideal…
El tomo publicado por Panini Comics en tapa dura contiene 736 páginas a color con un tamaño de 17 x 26 cm. e incluye la traducción de la edición americana de los números The Incredible Hulk 427-448, The Savage Hulk, Cutting Edge: The Hulk, Cable 34 y Onslaught: Marvel Universe, además de una extensa sección de extras. El precio de venta recomendado es de 62 € y se puso a la venta en noviembre de 2025.
Marvel Héroes. El Increíble Hulk de Peter David 6 – Fantasmas del futuro
El momento más devastador ha llegado. Alejado de los que fueron sus amigos y más perseguido que nunca, Hulk afronta su separación física de Bruce Banner, a manos de la amenaza conocida como Onslaught. ¿Acaso las profecías que señalaban que perdería todo lo que tenía para convertirse en el temible Líder están a punto de convertirse en realidad? El penúltimo tomo de la legendaria etapa de Peter David incluye la presencia de nuevos y rompedores artistas, como Liam Sharp y Angel Medina. ¡Dibujantes de lo grotesco para la fase de Hulk que rompió con todo!
Autores: Pasqual Ferry, Scott Lobdell, Tim Sale, Dane McCart, Justiniano, Adam Kubert, Dave Gibbons, Mike McKone, Ian Churchill, Chris Renaud, Mike Deodato Jr., Humberto Ramos, William Messner-Loebs, Sam Kieth, Paul Pelletier, Patrick McEown, Matt Wagner, Peter David y Liam Sharp
La mitología de los Aliens continua expandiéndose en un tercer enorme tomo Marvel Omnibus publicado por Panini Comics
Los amantes de los xenomorfos están de enhorabuena, y es que Panini Comics ha tenido a bien publicar una tercera entrega de su colección monstruosa de Aliens, esa que reúne cómics de la etapa original en volúmenes gigantescos que pondrán a prueba las estanterías más resistentes…
Universo alienígena
Desde su debut en 1979 con Alien de Ridley Scott, esta franquicia cinematográfica ha sido un referente del terror espacial y la ciencia ficción oscura. Pero la gran pantalla no siempre ofrecía todas las historias que el público deseaba. ¿Qué pasa entre secuelas? ¿Qué otras colonias han sobrevivido (o no) al xenomorfo? ¿Qué variedades de horror espacial puede imaginar la ciencia ficción más allá de LV-426? La editorial Dark Horse Comics, desde finales de los 80 y a lo largo de los 90, tomó ese pulso y convirtió ese universo en uno mucho más extenso a través del cómic, con relatos de marines espaciales, científicos desafortunados, cazadores de monstruos, colonias olvidadas, especies híbridas, conspiraciones corporativas… historias que expanden la mitología de H. R. Giger hasta límites mucho más ambiciosos que los de la saga cinematográfica.
Con la adquisición de los derechos por parte de otras editoriales estas historias originales habían quedado dispersas y parcialmente fuera de circulación. Por eso esta recopilación a cargo de Panini Comics tiene un valor enorme. No es solo nostalgia, sino restauración del legado, preservación del horror original y una oportunidad para nuevos lectores de recorrer los cimientos de lo que es el universo Alien expandido.
En el espacio nadie puede oír tus gritos
La variedad de tonos y escenarios recogidos en este volumen es asombrosa. Hay relatos de horror puro en estaciones espaciales abandonadas, laboratorios corruptos o colonias condenadas. Por un lado nos encontramos con un equipo de soldados que recibe la orden de recuperar una estación invadida, solo para descubrir que ya no quedan humanos. Otra historia traslada a los xenomorfos a un asentamiento religioso con oscuros secretos, y el choque entre fe y superstición añade una dimensión casi ritual al horror.
Hay historias de supervivencia desesperada, con colonias bloqueadas, rescates imposibles y gente atrapada en naves. En otras, se investiga el terror científico, con huevos contaminados que propagan enfermedades, experimentos genéticos que mezclan ADN humano y alienígena y mutaciones que cuestionan lo que significa ser humano. Algunos relatos apelan al terror psicológico, allá donde la línea que separa la cordura de la locura se difumina cuando se está encerrado sabiendo que una criatura perfecta acecha en la oscuridad.
También hay cazadores de monstruos (ojo al personaje de Herk Mondo), tipos acostumbrados a lidiar con el horror, preparados para cazar lo impensable. Su presencia aporta un aire de western espacial y refuerza la idea de que los xenomorfos no son solo armas biológicas, sino bestias antiguas depredadoras y peligrosas. No hay un único tono, sino múltiples voces y visiones. Pero juntos construyen un universo coherente: el horror de este universo es variado, muta, se adapta y evoluciona…como los xenomorfos mismos.
Grandes nombres del cómic
Dado el volumen de historias y el periodo abarcado, obviamente muchos autores y artistas colaboran en este tomo. Tenemos a auténticas leyendas como Moebius, Richard Corben, Bernie Wrightson, Arthur Adams, Gene Colan o Geof Darrow entre otros. Pero quizás sea con otros nombres menos aplastantes con quienes más se puede disfrutar de esta lectura.
Es muy agradable ver, por ejemplo, a un joven Eduardo Risso con un estilo muy reconocible dibujando la adaptación al cómic de la controvertida cuarta entrega de la saga cinematográfica, Alien Resurrection. Quizás la trama no sea para fliparlo mucho, pero con un maestro como Risso a los lápices, aunque se trata de un Risso primigenio, este arco gana muchísimo. Y lo mismo se podría decir de un montón de otras historias aquí incluidas con artistas cuyos nombres siempre son de agradecer.
Esa diversidad es parte de su gran fortaleza. Dependiendo de la historia y de los autores involucrados, el arte cambia. Puede ser oscuro y realista, con sombras pesadas y trazos detallados, o exprimir un horror más simbólico, o apostar por la crudeza y por lo explícito. Esa mezcla de estilos no rompe la coherencia general del tomo. Al contrario, refuerza la idea de que el universo de los xenomorfos no es monolítico. Precisamente uno de los grandes aciertos del tomo es su ambición temática y narrativa. Es, en esencia, un archivo del horror espacial, una enciclopedia viva de los xenomorfos en viñetas. Para quien ame el universo de Alien, este es un volumen imprescindible, al igual que sus dos predecesores.
Una edición a la altura del contenido
En cuanto a la magnífica edición, el tomo de lujo de la línea Marvel Omnibus – Aliens: La etapa original 3 publicado por Panini Comics en tapa dura con sobrecubiertas contiene 1008páginas con un tamaño de 18.3 x 27,7 cm. a color. Incluye la traducción de la edición americana de los números Aliens: Berserker 1-4, Aliens: Mondo Heat, Aliens: Lovesick, Aliens: Pig, Aliens Special, Aliens: Havoc 1-2, Aliens: Purge, Aliens: Alchemy 1-3, Alien Resurrection 1-2, Aliens: Kidnapped 1-3, Aliens: Survival 1-3, Aliens: Glass Corridor, Aliens: Stalker, Aliens: Wraith, Aliens: Apocalypse – The Destroying Angels 1-4, Aliens: Xenogenesis 1-4 y Aliens 1-4, con material de Dark Horse Comics 22-24, Dark Horse Presents 101-102, 117, 121, 140 y Annual 1997, A Decade of Dark Horse 3 y Free Comic Book Day 2009: Aliens. También incluye una sección final cargada de material extra, además de las portadas de todos los números incluidos. El precio de venta recomendado de este tomo es de 85€ y se puso a la venta en noviembre de 2025.
Marvel Omnibus – Aliens: La etapa original 3
¡Más historias de terror alienígena! ¡Un equipo de soldados debe recuperar una estación espacial invadida! El regreso de Herk Mondo, el extraordinario cazador de criaturas extraterrestres. Un xenomorfo acecha un asentamiento religioso con un oscuro secreto. Un huevo contaminado propaga enfermedades y muerte. Un topógrafo debe determinar si un ataque alien es real o solo está en su cabeza. Un especialista en rescates investiga el pasado de los xenomorfos. ¿Una nueva fuerza de ataque dará a la humanidad una oportunidad de luchar? ¿Y qué se esconde en una enorme y antigua necrópolis? Además: una historia especial con más de cuarenta artistas increíbles.
Autores: Gene Ga, Jerry Bingham, Moebius, Richard Corben, Igor Kordey, Mark A. Nelson, Paul Mendoza, Francisco Solano López, James Vance, Nancy Collins, Thierry Gagnon, Richard Forgues, Leif Jones, Brian Horton, Kellie Strom, Joel Naprstek, Aidan Potts, John Pound, Geof Darrow, Jay Stephens,Bernie Wrightson, Gene Colan, Arthur Adams, Eduardo Risso y Ronnie Del Carmen
Esta secuencia se rodó con solo tres días de margen para postproducción, lo que obligó a maximizar el uso de elementos físicos: “Usamos un fondo realista, un cielo de Nueva York detrás de la ventana, y una pantalla con el monitor que mostraba la nave de los 4 Fantásticos aproximándose”, detalló. El resultado dejó descolocados incluso a los actores, que según Bocquet comentaron: “Es la primera vez que estamos en un set de Marvel donde todo es real”.
Cine artesanal en el universo más digital
Lo más llamativo es que esta no será una excepción, sino la norma a seguir durante todo Avengers: Doomsday. El propio Bocquet explicó que el 80% de los sets interiores se construyeron con fondos físicos o pintados, alejándose del típico mar de pantallas verdes que suele envolver las producciones del estudio. Esta decisión no solo afecta al apartado visual, sino también al trabajo de los actores, que ahora pueden interactuar con escenarios tangibles en lugar de imaginar que todo lo que los rodea será añadido por ordenador meses después.
Esta dirección ha sido respaldada completamente por los hermanos Russo, directores del proyecto y veteranos del UCM tras títulos como Infinity War y Endgame. “Joe y Anthony están muy a favor”, comentó Bocquet. Eso sí, reconoce que en ciertas secuencias, por pura escala o complejidad, seguirán utilizando efectos digitales cuando sea inevitable.
Homenaje al cine clásico con una visión moderna
Gavin Bocquet no es ajeno a este tipo de enfoque. Su experiencia previa en The Young Indiana Jones Chronicles —una serie que también apostaba por efectos prácticos— le ha servido como inspiración. “El cine es un arte de ilusión, y si podemos hacer la ilusión físicamente… deberíamos”, sentenció. Una declaración que suena casi como un grito de guerra contra la saturación de CGI que ha invadido gran parte del cine comercial actual.
Con Avengers: Doomsday, Marvel parece decidido a recuperar la magia del cine tangible, apostando por un equilibrio entre espectáculo visual y autenticidad escénica. Este cambio no solo podría refrescar una fórmula que muchos fans consideran agotada, sino también elevar la experiencia cinematográfica a un nuevo nivel, más visceral y envolvente.
La clave está en el escenario real
Esta nueva filosofía de rodaje no solo embellece lo visual, sino que también cambia el juego interpretativo. Cuando los actores pueden tocar, sentir y moverse en escenarios reales, sus reacciones se vuelven más naturales y creíbles. En un universo como el de Marvel, repleto de dioses, alienígenas y dimensiones paralelas, esta dosis de realidad puede ser justo lo que necesita para volver a conectar emocionalmente con su público.
Además, este enfoque tiene otra ventaja: evita la fatiga del espectador ante el abuso del CGI. Al igual que Mad Max: Fury Road o The Dark Knight,Avengers: Doomsday busca demostrar que se puede ofrecer acción a gran escala sin depender de un ordenador para cada plano. ¿Será este el primer paso de una nueva era en Marvel? Si es así, no será solo un cambio visual, sino toda una revolución creativa.
El episodio 6 conecta al famoso payaso con un personaje clave de la serie y lo cambia todo
El terror en Derry no solo se arrastra por las alcantarillas: esta vez ha llegado directo al árbol genealógico. El sexto episodio de It: Welcome to Derry, titulado In the Name of the Father, ha soltado una bomba narrativa que promete redefinir todo lo que creíamos saber sobre Pennywise. Y sí, incluye niñas desaparecidas, maquillaje siniestro y un legado familiar de pesadilla.
En este capítulo, Ingrid —aparentemente una simple empleada del asilo Juniper Hill— se convierte en la pieza central de una revelación que conecta directamente con el mismísimo Pennywise. Resulta que su padre fue un artista de circo que se hacía llamar “Pennywise el Payaso Bailarín”, y sí, el parecido con la criatura es escalofriante. Lo peor de todo: Ingrid está convencida de que el monstruo que habita las cloacas es, de alguna forma, su padre transformado.
La conexión entre Ingrid y Pennywise lo cambia todo
Desde entonces, Ingrid ha caído bajo el influjo del ente, creyendo que es su progenitor atrapado en una forma monstruosa, y ha empezado a actuar en consecuencia. Confiesa haber sido ella quien se disfrazó de Pennywise en el cementerio, usando el viejo traje de su padre. No solo eso: ha estado atrayendo a más niños al payaso, convencida de que así lo traerá de vuelta.
Mientras tanto, Lilly escapa despavorida, y una turba influenciada por la oscuridad de Pennywise se dirige al bar donde se esconde Hank, el padre de Ronnie. ¿Estamos ante una revuelta humana impulsada por un ente cósmico? Exacto. El horror va más allá del maquillaje.
El episodio cierra con Ingrid completamente transformada en Pennywise, vestida como su padre, abrazando el legado oscuro con una mezcla perturbadora de devoción y locura. El nivel de mal rollo ya se ha disparado, pero lo mejor —o lo peor— está por venir.
¿Por qué Pennywise eligió esa forma? ¿Fue una casualidad o parte de un plan más siniestro para atraer a los más pequeños? La serie juega con esa ambigüedad maldita que tanto nos gusta, y apunta a que las respuestas podrían llegar en los últimos dos episodios que se emiten cada semana en HBO Max hasta el final de temporada, previsto para el 14 de diciembre.
Un monstruo con historia
La idea de que Pennywise tomara la forma de un payaso ya nos inquietaba en la novela de Stephen King, pero ahora, con esta serie, la criatura adquiere una dimensión aún más personal y retorcida. No es solo un disfraz para cazar niños: ahora tiene rostro, pasado y herederos. La tragedia de Ingrid mezcla ternura, horror y locura, llevándonos a un terreno que ninguna de las películas había pisado.
It: Welcome to Derry está expandiendo el universo con valentía, llenando los huecos entre los flashbacks de los filmes de Andy Muschietti y el material literario original. Y con figuras como Taylour Paige, Jovan Adepo o Madeleine Stowe en el reparto, la serie está demostrando que puede jugar en primera división del terror televisivo.
La danza final se acerca… y será sangrienta
Con solo dos capítulos por delante, todo apunta a un clímax brutal donde se decidirá si Ingrid logra su enfermizo reencuentro con su padre-clown o si Lilly y el resto consiguen detener el ciclo de horror que consume a Derry cada generación. La batalla contra Pennywise se vuelve más íntima y emocional, y eso la hace todavía más aterradora.
La ambientación recuerda poderosamente a Breath of the Wild, y no solo por el paisaje abierto y naturalista que se deja entrever. El traje azul de Zelda, la postura con arco y el propio estilo visual apuntan claramente hacia el videojuego de 2017 que revolucionó la franquicia. Un título que no solo redefinió el gameplay de la saga, sino también el papel de la princesa Zelda, que por fin dejaba de ser la damisela en apuros para tener un peso narrativo real.
Una aventura a lo Breath of the Wild
Los fans están conectando las pistas como si de un puzzle sheikah se tratara. En las imágenes reveladas, vemos a Link y Zelda juntos, en lo que parece un momento de exploración o vigía, con el fondo robando protagonismo. Y es que Breath of the Wild no se entiende sin su mundo abierto, donde el jugador se pierde —literalmente— en los vastos parajes de Hyrule. El hecho de que la película se esté rodando en Nueva Zelanda, tierra de El Señor de los Anillos, no hace sino alimentar esta idea de que el entorno será tan protagonista como sus personajes.
Ahora bien, adaptar literalmente Breath of the Wildsería un error. El formato cinematográfico pide una narrativa más acotada que el “haz lo que quieras” del videojuego. Pero sí sería inteligente heredar el espíritu del juego: su tono melancólico, la sensación de libertad, la relación entre Zelda y Link, y el trasfondo emocional que ambos arrastran.
La clave está en equilibrar elementos clásicos (mazmorras, Epona, objetos icónicos) con lo aprendido en los últimos juegos. No se trata solo de una aventura con espadas y monstruos, sino de una historia de sacrificios, legado y reconstrucción. Y eso, llevado al cine con mimo, puede funcionar maravillosamente.
Zelda, por fin en el centro de la historia
Una de las grandes bazas de Breath of the Wild y Tears of the Kingdomfue mostrar a una Zelda más proactiva, con agencia y una historia propia. Si las imágenes filtradas nos dicen algo, es que la película podría estar apostando fuerte por esta versión del personaje. En la foto conjunta, ella lleva el arco, está al frente. Él, detrás. Una inversión simbólica de los roles tradicionales que los fans de siempre sabrán apreciar.
El título de la franquicia ha confundido a más de uno durante décadas —sí, Zelda es ella, no él— y quizás este sea el momento perfecto para corregir esa percepción y darle a la princesa el lugar que merece en la gran pantalla. Por lo pronto, su presencia ya parece equipararse a la de Link, algo impensable en adaptaciones más antiguas.
Nintendo ya ha jugado a mezclar elementos antes
Quien espere una adaptación 1:1 de un juego de Zelda va a salir decepcionado. Nintendo no funciona así.Lo vimos con Super Mario Bros. La Película, donde se mezclaban mundos y referencias de múltiples juegos sin seguir una historia concreta. Lo importante era la esencia, y parece que en The Legend of Zelda harán lo mismo.
Por tanto, es probable que la película tome como base Breath of the Wild, pero no se limite a él. Habrá referencias a otras entregas, como las clásicas mazmorras, la Trifuerza, los objetos mágicos o enemigos míticos como Ganon. Y si de verdad quieren ganarse a los fans de toda la vida, más vale que suene alguna versión del tema principal.
Una oportunidad única para una saga legendaria
The Legend of Zelda tiene todos los ingredientes para convertirse en un hito cinematográfico del cine de fantasía: un universo rico, personajes carismáticos, historia épica, acción y nostalgia a raudales. Lo difícil será contentar a todos los fans sin caer en la sobrecarga de guiños o en tramas demasiado simples.
Lo que ya sabemos —o mejor dicho, intuimos— es que habrá aventura, habrá exploración, y que por primera vez, Link y Zelda pelearán juntos desde el primer fotograma. Si la película logra capturar el alma de Hyrule como lo hizo el juego, tenemos una joya en camino.
@ParkerPeterPete ha compartido en X (sí, Twitter, el de toda la vida) un traje absolutamente espectacular, que reproduce con fidelidad enfermiza el atuendo del Batman de Frank Miller. Desde los tonos grises y negros hasta esa icónica capucha con los ojos completamente blancos —sí, blancos, como los de Deadpool o Spider-Man—, cada detalle está cuidado al milímetro. ¿El resultado? Un cosplay que parece más una prueba de vestuario para el cine que una creación amateur.
Un Batman de cómic que sí se ve bien en la vida real
Durante años se ha debatido si un traje completamente fiel a los cómics funcionaría en una película. La excusa habitual: “queda ridículo”, “no se ve realista”, “necesita ser más táctico”. Por eso, en casi todas las películas de Batman se ha optado por versiones militarizadas, llenas de placas, correas y materiales duros. Salvo excepciones como la serie de los 60 o el Batman v Superman de Zack Snyder, que se atrevió a adaptar el traje de El regreso del Caballero Oscuro, pocos se han acercado a lo que vemos en las viñetas.
Pero este cosplay demuestra que una visión fiel puede tener presencia, dramatismo y fuerza, y sin necesidad de armaduras dignas de Iron Man. Obviamente, no es lo mismo un disfraz que un traje cinematográfico, pero el impacto visual que tiene este diseño es innegable.
Eso sí, no se trata de decir que este debería ser el traje del Batman de James Gunn, ni mucho menos. La clave está en que el diseño puede servir de inspiración. Con los ajustes necesarios para integrarlo en el universo cinematográfico —como ya hizo Snyder con el de Affleck—, es perfectamente viable un Batman que luzca más comiquero y menos robótico.
El camino a seguir en el cine de DC
A la espera de que The Brave and the Bold nos presente a un nuevo Caballero Oscuro dentro del DCU de Gunn y Safran, el regreso más cercano del personaje será en The Batman Part II, que tiene previsto su estreno para el 1 de octubre de 2027. Matt Reeves ya apostó en su primera entrega por un enfoque más detectivesco y crudo, con un traje funcional pero estilizado. ¿Dará un paso más hacia lo visualmente icónico?
Por ahora, este cosplay ha dejado el listón altísimo. Y también ha lanzado un mensaje claro a los diseñadores de vestuario de Hollywood: no subestiméis la fuerza de los cómics.
¿Y si el futuro de Batman ya está entre nosotros?
Este tipo de creaciones no solo alimentan el entusiasmo de los fans, sino que también ponen contra las cuerdas a los diseñadores de las grandes producciones. Si un aficionado puede lograr este nivel de fidelidad, ¿por qué no arriesgar un poco más en el cine? La clave está en encontrar el equilibrio entre lo funcional y lo simbólico, y este traje demuestra que no es un imposible.
El Batman del futuro podría aprender mucho del pasado… y de sus propios fans. Porque al final, lo que mueve a este personaje no es solo su entrenamiento o su tecnología, sino la iconografía que lo hace eterno. Y esa capa, esa silueta y esos ojos blancos siguen siendo tan intimidantes como hace más de 80 años.
Desde el inicio, el guion de Trevorrow planta cara con una galaxia oscurecida bajo el dominio férreo de la Primera Orden, sin espacio para la esperanza… a menos que el plan secreto de la Resistencia, liderado por Leia, funcione. En lugar de resucitar villanos, el guion construye sobre lo ya establecido, profundizando en las consecuencias de Los últimos Jedi y explorando con seriedad la redención, el legado y el conflicto interior.
Kylo Renno es un alma en pena en busca de redención automática. Es un líder consumido por el poder, aislado en Mustafar, obsesionado con superar a su abuelo. En su viaje encuentra un Holocrón Sith que lo guía hacia Tor Valum, un antiguo maestro del Lado Oscuro que ofrece un entrenamiento brutal. Mientras tanto, Rey sigue luchando con su identidad, empuñando un sable doble (sí, como Darth Maul), estudiando antiguos textos Jedi y creyendo, contra toda lógica, que aún hay bondad en Kylo.
La historia alterna acción, viajes, traiciones y momentos de introspección con un ritmo sólido. Rose Tico tiene por fin un papel importante (algo que El ascenso de Skywalker le negó sin piedad), Finn lidera una rebelión de stormtroopers liberados, y Poe y Chewbacca ayudan a Rey en su búsqueda. Todo desemboca en Mortis, un planeta mitológico cargado de simbolismo dentro del universo Star Wars, donde se librará la batalla final.
En lugar de resurrecciones sin explicación,la Fuerza se manifiesta a través de la dualidad: luz y oscuridad, pasión y control, tradición y cambio. Cuando Kylo, deformado física y espiritualmente, ciega a Rey en combate, no es una visión Disney-friendly de redención lo que lo detiene. Es el recuerdo de su madre, Leia, quien consigue que Ben Solo resurja brevemente para devolver la vida a Rey… a costa de la suya.
El final no es perfecto, pero sí coherente, simbólico y emocionalmente satisfactorio: Rey sobrevive, revela su verdadero nombre (Rey Solana) y, junto a Finn y Rose, entrena a una nueva generación de Jedi. La Resistencia ha ganado, pero no por milagros divinos, sino por unidad, sacrificio y esperanza real.
El Kylo Ren que pudo haber sido
Este guion ofrece un Kylo Ren más complejo, más temible y trágico. Sin necesidad de Palpatine como marioneta, su caída es más personal y desgarradora. Su viaje hasta Tor Valum y su enfrentamiento ilusorio con Darth Vader muestran la lucha entre el legado y la identidad, un tema que Abrams apenas arañó. El sacrificio final de Ben Solo, más que una redención apresurada, se convierte en una elección cargada de consecuencias y humanidad.
¿Por qué se descartó este guion?
Disney no lo ha explicado oficialmente, pero los rumores apuntan a diferencias creativas y al miedo de alejarse demasiado de lo comercialmente seguro. Trevorrow fue reemplazado por J.J. Abrams, quien optó por una versión más conservadora y apresurada. Sin embargo, muchos fans siguen creyendo que Duel of the Fates hubiera sido una conclusión más arriesgada y fiel al espíritu original de la saga.
En un universo donde todo puede reescribirse o reinterpretarse, este episodio perdido se mantiene como una de las grandes oportunidades desaprovechadas de Star Wars. Tal vez no hubiera sido perfecto, pero al menos habría sido valiente. Y eso, en una galaxia lejana, muy lejana, es lo mínimo que merecíamos.
Según fuentes como Nexus Point News y GameFragger,la serie se ambientará en el periodo del emperador Nerón, entre los años 54 y 68 d.C. ¿Te suena? Fue uno de los líderes más polémicos del Imperio romano, y sí, estará acompañado de figuras históricas como Séneca el Joven, su tutor. Así que prepárate para una trama que mezcle política, traiciones y la eterna lucha entre Assassins y Templarios.
Toby Wallace, actor de Euphoria, ha sido confirmado como uno de los protagonistas, aunque los detalles de su personaje están aún bajo llave. Lo que sí sabemos es que será parte de un reparto coral, compuesto en su mayoría por personajes jóvenes, lo que apunta a una narrativa con múltiples perspectivas y conflictos internos.
Robert Patino (DMZ) y David Wiener (Halo) se encargan de liderar el proyecto como showrunners y productores ejecutivos. Les acompañan nombres clave de Ubisoft, como Gerard Guillemot y Margaret Boykin, garantizando que el ADN del videojuego no se pierda en la transición a televisión.
El primer adelanto oficial ya nos da una pista clara de lo que podemos esperar: “Un thriller trepidante centrado en la guerra secreta entre dos facciones que luchan por el futuro de la humanidad: una busca el control total, la otra defiende el libre albedrío.”
Los pilares de la serie
Los creadores han querido dejar claro que esto no es solo una historia de parkour con túnicas. “Estamos hablando de propósito, identidad, fe, poder, violencia, sexo, codicia y venganza,” declaran Patino y Wiener. En resumen: lo tiene todo para enganchar a los fans de la saga y a los que simplemente buscan un buen drama histórico con toques de ciencia ficción.
El enfoque promete ser más profundo que en otras adaptaciones del videojuego. Aquí no solo se trata de asesinar objetivos con estilo, sino de explorar las conexiones humanas a través del tiempo y la cultura, algo que siempre ha estado presente en la franquicia, pero que ahora cobrará mayor protagonismo narrativo.
Un paso arriesgado, pero necesario
Lanzarse a contar una historia en la Roma de Nerón es una jugada ambiciosa, pero también lógica. La ambientación ofrece un contexto rico en conflicto, decadencia y figuras históricas magnéticas, ideales para los giros argumentales que definen a Assassin’s Creed. Además, el hecho de que los juegos no hayan explorado aún esta época da a los guionistas espacio para innovar sin traicionar el canon.
Por ahora, no hay fecha de estreno confirmada, pero con Netflix acelerando la producción y apostando fuerte por la franquicia, es probable que tengamos novedades a lo largo de 2026. ¿Será este el salto que los fans llevaban años esperando? Si todo sale bien, podríamos estar ante el verdadero inicio de un universo compartido digno de Assassin’s Creed en televisión.
Además, este nuevo enfoque televisivo podría marcar un antes y un después para Ubisoft, que lleva años intentando expandir su universo más allá del videojuego. Si la serie triunfa, no sería extraño ver spin-offs, precuelas o incluso conexiones directas con próximas entregas de la saga. En otras palabras, Netflix podría convertirse en el Animus definitivo, llevando a los fans a épocas aún inexploradas… y sembrando el terreno para futuras temporadas cargadas de ambición.
Aunque Marvel sigue con su tradicional hermetismo, el artículo de Forbes —centrado inicialmente en el presupuesto desorbitado de Deadpool y Lobezno— suelta una frase que ha incendiado las redes: “Deadpool y Lobezno también están previstos para protagonizar las dos próximas películas de los Vengadores aptas para todos los públicos del UCM”. Una línea que, para muchos, equivale a una confirmación en toda regla.
Deadpool y Lobezno en Avengers
La comunidad marvelita ya fantaseaba con esta posibilidad desde hace tiempo. Los rumores llevaban meses dando vueltas por medios especializados y foros. Pero lo llamativo aquí es que Forbes no lo presenta como una teoría, sino como una afirmación, basada, eso sí, en información cruzada con otros medios como That Park Place y The Standard. Aun así, esta mención concreta solo aparece en Forbes, lo que le da ese sabor a filtración accidental.
Ahora bien, también existe la posibilidad de que no sea más que una repetición disfrazada de las especulaciones que todos conocemos, y que Forbes haya metido la pata al presentar como hecho lo que aún está en el aire.
A nivel narrativo, tendría todo el sentido del mundo.Deadpool y Lobezno ha sido, hasta la fecha, la película más centrada en el multiverso de todo el UCM, incluso por encima de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura. El viaje entre dimensiones y el cruce de personajes de diferentes franquicias es su esencia, y resulta difícil imaginar un desenlace multiversal sin sus protagonistas dando guerra.
El regreso de Jackman también ha dejado pistas. En The Graham Norton Show, cuando le preguntaron si volvería como Lobezno, soltó un “Quizá. Ya no digo ‘nunca jamás’. He hecho diez películas, creo que tienen material de sobra para una versión mía con IA”. Una frase entre bromas, pero que no cierra la puerta a nada.
Por su parte, Ryan Reynolds también jugó al despiste. En una entrevista con Entertainment Weekly, cuando le preguntaron si metería referencias a John Candy en Avengers: Doomsday, respondió: “Tengo cuatro. Claro, las he escrito en casa en pijama y nadie las ha visto, ni he pisado el set. Pero eso es todo lo que diré”. Vamos, que lo niega con una sonrisa y la puerta abierta.
De ser cierta la implicación de ambos, estaríamos ante un movimiento estratégico para asegurar el hype de las próximas fases del UCM, que últimamente ha tenido más tropiezos que aplausos. Marvel necesita figuras fuertes, carismáticas y queridas por el público. Y Reynolds con Jackman son el dúo perfecto para prender fuego a la taquilla… y al multiverso.
Fechas para el calendario:
Deadpool y Lobezno ya está disponible en Disney+.
Avengers: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026.
Avengers: Secret Wars aterrizará justo un año después, el 17 de diciembre de 2027.
Un multiverso con olor a redención
El regreso de Lobezno y Deadpool no solo representa un guiño a los fans veteranos, sino también una oportunidad para revitalizar la narrativa multiversal del UCM, que muchos sienten que ha perdido fuelle. Después de una Fase 4 irregular y una Fase 5 con altibajos, Marvel necesita reencontrarse con lo que mejor sabe hacer: juntar héroes con química explosiva y darles espacio para brillar. Si estos dos se suman al final de fiesta, el espectáculo está garantizado.
