jueves, febrero 26, 2026

George RR Martin vetó un título clave en El Caballero de los Siete Reinos y ahora entendemos por qué

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George RR Martin frenó una idea para el título de la serie que sonaba demasiado a comedia

Hubo un momento en el que la nueva serie ambientada en Poniente pudo llamarse de otra forma. Una opción mucho más directa, más cercana al tono desenfadado de las novelas cortas originales, pero que terminó descartada por una razón bastante clara: no encajaba con la imagen que debía proyectar.

El propio George R.R. Martin puso el freno. Y lo hizo sin rodeos. La serie que hoy conocemos como Caballero de los Siete Reinos podría haberse titulado Tales of Dunk and Egg, siguiendo el nombre popular de las novelas. Pero el autor no lo vio nada claro.

George rr martin

La importancia del nombre para Martin

Según explicó el showrunner Ira Parker, Martin fue tajante desde el principio: “No la llaméis Dunk & Egg — suena a Laverne & Shirley. Suena a sitcom”. Traducido al castellano: no quería que la serie pareciera una comedia ligera antes siquiera de empezar.

Y tiene sentido. Aunque las historias de Ser Duncan el Alto y el joven Aegon Targaryen tienen un tono más cercano y humano que Juego de Tronos, siguen siendo fantasía épica ambientada en un mundo marcado por guerras, traiciones y tensiones dinásticas. Un título demasiado coloquial podía enviar el mensaje equivocado.

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Una aventura más íntima en Poniente

Las novelas cortas publicadas por Martin —como The Hedge Knight, The Sworn Sword o The Mystery Knight— siempre han sido conocidas entre los fans como las historias de Dunk y Egg. Y es lógico: la relación entre ambos es el corazón del relato.

Pero el equipo creativo de HBO quería otra cosa. Un título más clásico, más solemne, que respirase fantasía medieval desde el primer segundo. De ahí que se apostara El Caballero de los Siete Reinos, un nombre que encaja perfectamente dentro de la mitología de Poniente.

Lo curioso es que Parker reconoció que, ya en postproducción, dudó brevemente. Sabe que los fans seguirán usando el apodo de siempre. Pero al final decidió mantener el título oficial porque —según explicó— era mejor sorprender al público. Que lleguen esperando solemnidad y encuentren una historia algo más ligera, en lugar de anticipar desde el título el tono exacto.

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Una historia más pequeña pero no menos importante

Uno de los aspectos más interesantes de la serie es su enfoque narrativo. A diferencia de Juego de Tronos o incluso La Casa del Dragón, aquí no estamos ante un tablero político gigantesco con docenas de tramas paralelas.

Parker confirmó que la historia se mantiene casi por completo desde el punto de vista de Dunk. Nada de saltos constantes a intrigas palaciegas ni conspiraciones complejas en Desembarco del Rey. Incluso cuando aparecen figuras Targaryen relevantes, la cámara se queda con el caballero errante.

Eso le da a la serie una identidad propia. Más cercana al relato de aventuras clásico. Más contenida. Más humana.

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La temporada 2 marca el camino hacia Dorne

El final de la primera temporada deja claro que el viaje continúa. El destino apunta hacia Dorne, una de las regiones más fascinantes de Poniente. Parker adelantó que la segunda temporada adaptará en gran medida la segunda novela corta, manteniendo ese tono de aventura autoconclusiva.

Aquí no se trata de cliffhangers gigantes ni de finales explosivos diseñados para incendiar redes sociales. La intención es otra: historias contenidas, con principio y final, centradas en los personajes y sus decisiones.

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Eso no significa que no podamos ver caras conocidas. El showrunner dejó caer que algunos personajes podrían volver a cruzarse con Dunk. Y si algo sabemos del universo Targaryen, es que las conexiones siempre acaban teniendo consecuencias.

El peso del nombre en el universo de Martin

Lo más interesante de todo este asunto es que demuestra hasta qué punto Martin sigue cuidando su mundo. Aunque no esté al frente del día a día de la producción, su voz sigue teniendo peso en decisiones clave, incluso en algo tan aparentemente simple como un título.

Y no es un detalle menor. En franquicias de este tamaño, el nombre lo es todo. Define expectativas, tono y posicionamiento. Un “Dunk & Egg” podría haber sonado simpático, casi entrañable. Pero El Caballero de los Siete Reinos suena a epopeya.

La Expediente X de Ryan Coogler ya tiene a su Scully y se confirma su llegada directa a plataformas de streaming

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Una cara conocida en el cine de Ryan Coogler ha sido la elegida para protagonizar la nueva versión de Expediente X

Durante años, el regreso de Expediente X parecía una de esas teorías conspiranoicas que tanto le gustaban a Mulder. Se hablaba, se rumoreaba, se desmentía… pero nunca terminaba de materializarse. Ahora, por fin, el proyecto avanza de verdad. Y lo hace con un nombre potente detrás de las cámaras y otro muy sólido delante.

El nuevo reboot de Expediente X ya tiene casa en streaming y protagonista confirmada. Y eso cambia el tablero para una de las franquicias más influyentes de la televisión moderna.

La plataforma elegida es Hulu, que ha dado luz verde al episodio piloto del nuevo reboot de Expediente X. El proyecto estará escrito y dirigido por Ryan Coogler, conocido por Black Panther y Creed, lo que ya deja claro que no hablamos de un simple lavado de cara nostálgico.

La gran noticia en el reparto es la incorporación de Danielle Deadwyler como coprotagonista. Será, en esencia, la “nueva Scully”: una agente del FBI condecorada que formará pareja con otro agente muy diferente a ella en carácter y enfoque. Dos polos opuestos obligados a colaborar en una división cerrada desde hace años, especializada en fenómenos inexplicables.

Una división cerrada que vuelve a abrirse

El punto de partida no es casual. La serie girará en torno a una unidad del FBI dedicada a casos paranormales que llevaba tiempo clausurada. Es una forma inteligente de conectar con la mitología clásica sin depender directamente de Fox Mulder y Dana Scully.

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La estructura recuerda inevitablemente a la dinámica original, aquella química irrepetible entre Fox Mulder y Dana Scully. Pero Coogler parece decidido a reinterpretar esa tensión desde una sensibilidad contemporánea, más acorde a la televisión actual y a las inquietudes de una nueva generación de espectadores.

Coogler, un fan con poder creativo

Que Chris Carter, creador de la serie original, no esté directamente al mando podría inquietar a algunos fans. Sin embargo, el propio Carter apoya el proyecto como productor ejecutivo. Junto a él estarán también Sev Ohanian y Zinzi Coogler bajo el sello Proximity Media.

Coogler ha sido transparente en entrevistas recientes: creció viendo Expediente X con su madre y considera la serie un pilar tanto del género fantástico como del procedural policial moderno. No quiere hacer un simple homenaje, sino preservar su legado mientras lo adapta a la televisión de 2026.

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Danielle Deadwyler, una elección con peso dramático

La elección de Danielle Deadwyler no es casual. No hablamos de una actriz emergente sin recorrido. Ha protagonizado la cinta de terror The Woman in the Yard, el thriller Carry-On y tuvo un papel destacado en I Saw the TV Glow. Además, fue nominada al BAFTA por Till, demostrando que maneja registros dramáticos complejos.

Su perfil encaja con lo que fue Scully en los noventa: una presencia sólida, racional y emocionalmente profunda, capaz de sostener el peso narrativo sin depender del espectáculo. También tiene pendiente su participación en la tercera temporada de Euphoria y en la comedia de HBO Rooster junto a Steve Carell, lo que demuestra su versatilidad.

¿Volverán Duchovny y Anderson?

La pregunta que sobrevuela todo esto es inevitable: ¿regresarán David Duchovny y Gillian Anderson?

Ambos han declarado en el pasado que no cierran la puerta a un cameo o aparición puntual, aunque de momento no hay confirmación oficial. Coogler ha reconocido que ha hablado con Anderson, pero sin revelar detalles. La estrategia parece clara: primero consolidar la nueva etapa y, si encaja, tender puentes con el pasado.

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Para los fans veteranos, la posibilidad de un cruce generacional sería oro puro. Pero incluso sin ellos, el proyecto tiene argumentos para sostenerse por sí mismo.

Por qué este reboot puede funcionar ahora

El contexto actual es curioso. Vivimos en una era de conspiraciones virales, desinformación masiva y teorías que circulan a velocidad de vértigo. Expediente X nació en los noventa como un espejo de la paranoia institucional y la fascinación por lo oculto. Hoy, esos temas están más vivos que nunca.

Además, el auge del streaming permite desarrollar tramas más densas, arcos largos y una estética más cinematográfica. Si Coogler aplica la misma ambición visual que mostró en sus películas, podríamos estar ante una versión más oscura y sofisticada de la franquicia.

Eso sí, el reto es enorme: no basta con reciclar extraterrestres y luces en el bosque. El público actual exige capas narrativas, complejidad moral y personajes tridimensionales.

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El expediente sigue abierto

Con el piloto ya aprobado por Hulu y el casting en marcha, todo apunta a que pronto conoceremos al segundo agente protagonista y al resto del reparto. La maquinaria se ha puesto en marcha después de meses de especulación.

El reboot de Expediente X ya no es un rumor: es una realidad en desarrollo. Y aunque todavía quedan incógnitas por resolver —muy en la línea de la propia serie—, lo cierto es que la verdad vuelve a estar ahí fuera.

La diferencia es que ahora, más que nunca, necesitamos mirar con lupa quién la cuenta.

Gore Verbinski hace su mayor locura contra la inteligencia artificial en su nueva película

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El director de Piratas del Caribe, Gore Verbinski, actualizó su reciente comedia de ciencia ficción porque la inteligencia artificial ya no es el futuro

Imagina que estás cenando tranquilo en un local de Los Ángeles y un desconocido te suelta que viene del futuro. No es el arranque de una partida de rol improvisada ni el típico delirio de madrugada. Es el punto de partida de Good Luck, Have Fun, Don’t Die, la nueva película de Gore Verbinski que mezcla acción, comedia y una amenaza de inteligencia artificial que ya no suena tan lejana.

Porque aquí está la clave: cuando se escribió el guion, la IA era una amenaza en el horizonte; ahora forma parte de nuestra rutina diaria. Y eso ha obligado a replantear buena parte de la historia.

Good Luck, Have Fun, Don’t Die

La premisa es sencilla y a la vez deliciosa: un hombre asegura venir del futuro para evitar el colapso del mundo provocado por una inteligencia artificial descontrolada. Para lograrlo, necesita convencer a un grupo de completos desconocidos reunidos en un diner nocturno de Los Ángeles. Si suena a mezcla entre Terminator y comedia indie, no vas desencaminado.

Gore verbinski

Sin embargo, lo interesante no es solo el viaje temporal. La película plantea algo más inquietante: el apocalipsis no empieza con una gran explosión tecnológica, sino con pequeños hábitos cotidianos. Mirar la pantalla en vez de hablar. Delegar decisiones en algoritmos. Normalizar que una máquina piense por nosotros.

Cuando la inteligencia artificial deja de ser especulación

En una entrevista reciente, Verbinski reconocía que el componente de inteligencia artificial tuvo que ser revisado a fondo. “Obviamente, tuvimos que adaptar la parte de la IA y muchas cosas han cambiado. Cuando se concibió por primera vez, era algo que estaba en el horizonte; ahora forma parte de nuestras vidas”, explicaba el director.

Gore verbinski

Esa frase resume perfectamente el contexto actual. Lo que antes parecía Black Mirror ahora es casi una notificación más en el móvil. El equipo trabajó durante unos dos años en ajustar el guion para que el retrato de la tecnología no se quedara obsoleto antes incluso del estreno. No hablamos de retoques superficiales, sino de una revisión estructural tanto del concepto de IA como del propio personaje principal.

Sam Rockwell lidera el fin del mundo

Al frente del reparto encontramos a Sam Rockwell, interpretando al misterioso viajero del tiempo. Si algo sabe hacer Rockwell es combinar carisma, ironía y un punto de inestabilidad encantadora. Y aquí juega precisamente con esa ambigüedad: ¿es un salvador del futuro o simplemente un tipo con una historia demasiado elaborada?

Le acompañan nombres como Haley Lu Richardson, Michael Peña, Zazie Beetz, Asim Chaudhry y Juno Temple, formando un ensemble que promete química y momentos de caos bien medido.

Gore verbinski

La gracia está en que no son héroes entrenados ni científicos brillantes, sino gente corriente atrapada en una situación imposible. Y ahí es donde la película conecta: cualquiera podría estar en esa mesa.

Una comedia sobre el fin del mundo que incomoda

Lo más interesante de Good Luck, Have Fun, Don’t Die es que no apuesta por el espectáculo apocalíptico clásico, sino por la incomodidad reconocible. El desliz hacia un futuro dominado por la IA no ocurre por una supermáquina malvada que despierta de repente, sino por nuestra dependencia progresiva.

Esa lectura encaja especialmente bien en 2026, donde el debate sobre algoritmos, automatización y creatividad artificial está más vivo que nunca. Verbinski no demoniza la tecnología de forma simplista, pero sí lanza una pregunta incómoda: ¿en qué momento dejamos de decidir y empezamos a aceptar lo que la máquina sugiere?

Gore verbinski

Ciencia ficción con aroma a culto

Verbinski, que ya demostró su capacidad para moverse entre lo comercial y lo extraño en títulos como Pirates of the Caribbean o Rango, aquí parece apostar por algo más pequeño pero más afilado. Una historia contenida en un espacio reducido, con diálogos rápidos y giros que prometen volverse cada vez más absurdos (y más inquietantes).

El propio título —Good Luck, Have Fun, Don’t Die— suena a mensaje previo a una partida online. Y no es casualidad. La película juega con esa estética gamer, con esa sensación de que la realidad es casi una partida más… hasta que deja de serlo.

Actualmente en cines de la mano de Briarcliff Entertainment, la cinta llega en un momento perfecto: cuando la inteligencia artificial ya no es una fantasía distópica, sino una herramienta cotidiana. Y quizá por eso funciona mejor que muchas superproducciones más grandilocuentes.

Porque al final, la gran pregunta no es si la IA destruirá el mundo. Es si, cuando llegue el momento, estaremos demasiado ocupados mirando la pantalla para darnos cuenta.

Jay y Bob se cuelan en Marvel y ponen patas arriba el Universo

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Kevin Smith cumple un sueño de 30 años con un cruce que nadie vio venir en el futuro de Jay y Bob

Durante décadas han sido los reyes del humor gamberro y las referencias frikis, cómodamente instalados en su rincón del View Askewniverse. Pero este verano, las cosas se les van de las manos. Muy de las manos. Porque Jay y Silent Bob no solo salen de Nueva Jersey… invaden el Universo Marvel.

Lo que empezó como una broma recurrente en películas de culto ahora se convierte en una realidad editorial que huele a evento inesperado del año. Y sí, Jon, esto tiene toda la pinta de convertirse en uno de esos cómics que vamos a comentar en clase cuando hablemos de cultura transmedia.

Jay & Silent Bob: Jays of Future Past

La bomba se titula Jay & Silent Bob: Jays of Future Past, un one-shot que verá la luz el próximo 10 de junio en librerías especializadas. El guion corre a cargo del propio Kevin Smith y el apartado artístico lo firma Giuseppe Camuncoli, un nombre habitual en grandes cabeceras superheroicas.

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La premisa no puede ser más delirante: Doctor Doom decreta que Jay y Silent Bob “deben morir. Así, sin anestesia. Lo que desata una cadena de acontecimientos que implica a héroes de primer nivel y convierte a los dos iconos del humor stoner en el centro de una tormenta superheroica.

Cuando el slacker humor choca con el mito superheroico

El cómic promete un viaje salvaje por el imaginario Marvel, con encuentros con equipos como los X-Men y los Fantastic Four. No es simplemente un cameo simpático: hablamos de un cruce en toda regla, con amenazas reales y un despliegue coral.

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El conflicto arranca cuando el mismísimo Doctor Doom decide que el universo no puede soportar más la presencia de los dos colegas. ¿El resultado? Una alianza improvisada de héroes que intentarán salvarlos de una especie de “fatiga superheroica letal”. Solo con esa descripción ya sabemos que Smith va a jugar con la metaficción y el cachondeo autorreferencial.

Un sueño plantado en 1995

Para entender lo que significa este cruce, hay que viajar atrás en el tiempo. En 1995, durante el rodaje de Mallrats, Kevin Smith vio cómo Stan Lee grababa su cameo. Allí nació una idea que ha tardado tres décadas en materializarse.

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Smith ha contado que aquel día le propuso directamente a “Stan the Man” que algún día Jay y Silent Bob conocieran a sus héroes Marvel en un cómic. En aquel momento sonaba a fantasía imposible. Hoy, con 55 años, el director y guionista lo ha conseguido.

La primera referencia cinematográfica a Wolverine en Mallrats fue casi una declaración de intenciones. Smith siempre ha sido un fan declarado del cómic mainstream y, especialmente, del universo Marvel. Este proyecto es su carta de amor definitiva.

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Más que un simple cruce nostálgico

Lo interesante aquí no es solo el choque cultural entre el humor soez de Jay y la épica superheroica. Es también el contexto. En un momento en el que los cruces y eventos dominan el mercado, apostar por un one-shot autocontenido con ADN noventero tiene algo de refrescante.

Smith ha descrito el cómic como “una carta de amor a la magia y el caos de Marvel”, pero también como una prueba de que los sueños de infancia pueden cumplirse. Y eso, más allá del marketing, conecta con una generación de fans que crecieron entre Clerks, grapas de los X-Men y cameos imposibles.

No olvidemos que Jay y Silent Bob son, en esencia, personajes que ya nacieron impregnados de cultura pop. Sus diálogos estaban llenos de referencias a superhéroes, convenciones y tiendas de cómics. Llevarlos ahora al centro del escenario Marvel es cerrar el círculo.

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¿Evento puntual o puerta abierta?

La gran pregunta es si esto se quedará en un experimento aislado o si Marvel está tanteando el terreno para más colaboraciones externas con figuras del cine independiente. El hecho de que el proyecto lo escriba el propio Smith le da coherencia autoral y evita que suene a simple maniobra comercial.

Además, contar con Camuncoli garantiza un acabado visual potente, capaz de equilibrar la comedia con la espectacularidad superheroica. No es un cómic paródico sin más; es un cruce oficial dentro del canon editorial.

En un mercado donde la nostalgia manda y los universos compartidos son la norma, Jay & Silent Bob: Jays of Future Past tiene todos los ingredientes para convertirse en pieza de coleccionista. Y, siendo sinceros, ver a Doctor Doom perder la paciencia con dos tipos que solo quieren fumar y filosofar sobre cómics ya vale el precio de la entrada.

Este junio, el Universo Marvel no será el mismo. Y nosotros tampoco queremos que lo sea.

El 30º aniversario de Evangelion sorprende a los fans con un “Asuka x Shinji” que casi nadie podrá ver

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Un corto exclusivo confirma el ship más debatido de Evangelion , pero Studio Khara amenaza con acciones legales

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Hay momentos que parecen diseñados para incendiar foros, reabrir debates de hace veinte años y devolvernos directamente a la adolescencia. El 30 aniversario de Evangelion ha regalado uno de esos instantes: un corto inédito que muestra a Asuka y Shinji casados. Sí, has leído bien. El problema es que, si no estuviste en Yokohama, probablemente jamás lo veas de forma oficial. Porque mientras los fans celebraban (o discutían) el giro romántico, desde la organización del evento dejaban claro que compartir el metraje puede acarrear “acciones legales”. Y la advertencia no suena precisamente simbólica.

Evangelion 30º aniversario

El corto se proyectó durante el evento conmemorativo en Japón, donde el propio Hideaki Anno presentó una pieza centrada en Asuka. No era un simple homenaje nostálgico. Era algo más juguetón… y provocador.

En él, la piloto pelirroja atraviesa diferentes escenarios, futuros alternativos y lo que podrían considerarse “finales felices”. Hay combates con EVA, variaciones surrealistas —incluyendo una en la que Asuka es literalmente un Evangelion— y, entre esas posibilidades, una línea temporal principal donde Asuka y Shinji aparecen como matrimonio.

Un caramelo para los shippers con matices

Que nadie saque el champán todavía. Según asistentes al evento, la escena funciona más como un guiño que como una confirmación absoluta. Asuka rechaza ese futuro, optando por seguir su propio camino. Es decir, el ship existe… pero no necesariamente se consolida como destino definitivo.

Aun así, para quienes llevan décadas defendiendo el Asuka x Shinji, la simple imagen ya es oro puro. Desde el estreno de Neon Genesis Evangelion, la relación entre ambos ha sido uno de los ejes emocionales más intensos y polémicos del anime. Trauma, dependencia, rechazo, deseo, violencia psicológica… pocas dinámicas han sido tan complejas y debatidas.

Verlos casados, aunque sea en un futuro hipotético, supone una pequeña reivindicación emocional para esos fans que siempre imaginaron que, tras tanto dolor, podrían encontrar consuelo mutuo.

Studio Khara corta de raíz la difusión

Si estás pensando en buscar el vídeo en redes sociales, conviene tener cuidado. La organización del evento fue clara: la grabación y difusión del corto están estrictamente prohibidas. El mensaje oficial advierte de posibles medidas legales contra quienes lo compartan.

Detrás de esta firmeza está Studio Khara, el estudio responsable de la franquicia en su etapa más reciente. No es la primera vez que protegen con celo el material exclusivo, pero en este caso la reacción ha sido especialmente contundente.

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Eso ha generado un efecto curioso: cuanto más se intenta ocultar, más interés despierta. Clips borrosos y fragmentos grabados de forma clandestina ya circulan por internet, aunque su calidad deja bastante que desear. Y la amenaza legal añade una capa casi mítica al corto: el Evangelion prohibido.

Fan service, sí pero con intención

Algunos asistentes han descrito el corto como “mayoritariamente fan service”. Pero tratándose de Evangelion, nada suele ser tan simple. Desde Hideaki Anno, cada reinterpretación del universo ha jugado con las expectativas del público.

Ya lo vimos con las películas Rebuild, que reconfiguraron el relato original, alteraron destinos y ofrecieron nuevas lecturas de personajes que creíamos conocer al milímetro. La idea de múltiples futuros encaja perfectamente con esa lógica de reinvención constante.

En ese contexto, mostrar a Asuka y Shinji casados no es tanto una confirmación canónica como una reflexión sobre las posibilidades. Evangelion siempre ha sido una obra sobre elecciones, evasión y responsabilidad emocional. Que Asuka descarte ese “final feliz” refuerza su carácter independiente y subraya que el amor no es necesariamente la solución mágica a los traumas.

El futuro de Evangelion ya está en marcha

Mientras el fandom debate cada fotograma filtrado, la franquicia no se queda quieta. Se ha confirmado que una nueva serie de Evangelion está en desarrollo, con un equipo creativo que ha llamado poderosamente la atención.

El guion corre a cargo de Yoko Taro, mente detrás de historias tan existencialistas como NieR: Automata. La dirección estará en manos de Toru Yatabe y Kazuya Tsurumaki, nombres con experiencia dentro del universo EVA. En la música, el compositor Keiichi Okabe aportará su habitual tono melancólico y épico.

La combinación promete. Si algo caracteriza tanto a Evangelion como a Yoko Taro es su gusto por romper al espectador emocionalmente antes de reconstruirlo. El resultado podría ser una nueva etapa igual de introspectiva, incómoda y fascinante.

Un aniversario que reabre heridas y debates

Treinta años después, Evangelion sigue generando discusiones apasionadas. El simple gesto de mostrar a Asuka y Shinji juntos ha bastado para reactivar teorías, análisis y guerras de ships.

Quizá esa sea la verdadera magia de la obra. Más allá de mechas y ángeles, Evangelion habla de nosotros: de nuestras inseguridades, del miedo al rechazo, de la dificultad de conectar con los demás. Y por eso cada pequeño detalle —un vistazo a un matrimonio alternativo, una decisión que se rechaza— adquiere tanta carga simbólica.

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Al final, el corto del 30 aniversario no solo ha dado un guiño romántico. Ha recordado que Evangelion sigue siendo un campo de batalla emocional donde cada fan proyecta sus propias esperanzas.

Y aunque probablemente nunca veamos esa escena con calidad oficial, la imagen ya está ahí, flotando en la imaginación colectiva. A veces, en Evangelion, eso es más que suficiente.

Daredevil #1 arrasa en pedidos y podría firmar el mayor estreno del héroe en décadas

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El nuevo comienzo de Daredevil supera incluso cifras históricas y agita a las tiendas

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Hay momentos en los que un personaje clásico vuelve a ponerse en el centro del tablero. Y eso es exactamente lo que está pasando con Daredevil #1, el arranque de etapa firmado por Stephanie Phillips y Lee Garbett, que está registrando unas cifras de pedidos que, según varios libreros presentes en ComicsPRO, no tienen precedentes en la historia reciente del personaje. No hablamos de una simple subida puntual. Las tiendas especializadas aseguran que este número uno ha superado en pedidos a cualquier otro cómic de Daredevil en lo que llevamos de siglo. Y eso incluye etapas míticas que muchos fans consideran intocables.

Un lanzamiento que desafía la historia del personaje

Para entender la magnitud del fenómeno hay que mirar atrás. En su día, la etapa de Kevin Smith y Joe Quesada revitalizó al personaje a finales de los 90. Años antes, el legendario trabajo de Frank Miller junto a John Romita Jr. con Man Without Fear dejó huella imborrable. Incluso en la época dorada de los quioscos, el personaje podía moverse entre 150.000 y 200.000 ejemplares vendidos.

Lo que está ocurriendo ahora, según los comentarios recogidos en el evento profesional, supera esas cifras en pedidos iniciales a tienda. Y eso, en un mercado muy diferente al de los 80 o los 90, tiene todavía más mérito.

El factor sorpresa del True Believers Blind Bag

Parte del éxito parece tener nombre propio: True Believers Blind Bag. La promoción consiste en vender el cómic dentro de una bolsa cerrada cuyo contenido exacto es una incógnita. Puede incluir la portada estándar, una variante más rara o incluso alguna sorpresa adicional.

Lo interesante es que Marvel aprendió de errores recientes. Tras los problemas con bolsas promocionales anteriores que llegaron dañadas a tiendas, la editorial realizó pruebas de calidad más exhaustivas, asegurando a los libreros que podían pedir con confianza. Y estos han respondido multiplicando los pedidos.

El resultado es una mezcla explosiva de coleccionismo, especulación y puro hype. En un momento en el que cada número uno compite ferozmente por la atención, esta estrategia ha logrado que Daredevil vuelva a estar en boca de todos.

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El villano que puede cambiarlo todo

Más allá de la jugada comercial, el contenido también está generando conversación. El gran antagonista de esta etapa es Omen, un nuevo villano con capacidad para anticiparse al futuro. Y eso, tratándose de un héroe que vive de la anticipación sensorial, introduce un giro interesante.

La premisa es clara: puedes enterrar los cuerpos, pero no los fantasmas. Hell’s Kitchen está llena de secretos y Matt Murdock vuelve a enfrentarse a una amenaza que ataca tanto al hombre como al símbolo. Si Omen conoce lo que va a ocurrir antes de que suceda, cada decisión se convierte en un riesgo calculado… o en una trampa inevitable.

Un nuevo status quo que sacude a Matt Murdock

El segundo número ya adelanta otro cambio relevante: Matt Murdock deja atrás su faceta tradicional de abogado para convertirse en profesor universitario. Este nuevo rol abre la puerta a conflictos distintos, más personales y quizá más vulnerables.

Cuando tu enemigo puede prever tus movimientos, cada elección es literalmente cuestión de vida o muerte. Ese concepto, bien desarrollado, puede devolver al personaje una tensión casi paranoica que recuerda a sus mejores épocas.

No es casualidad que este relanzamiento llegue en un momento en el que el personaje vuelve a tener fuerte presencia mediática gracias al Universo Marvel en pantalla. Aunque el cómic y el audiovisual no siempre caminan al mismo ritmo, la sinergia es evidente: cuando Daredevil está de moda, las tiendas lo notan.

¿Estamos ante una nueva edad dorada del hombre sin miedo?

Lo realmente llamativo no es solo el número de pedidos, sino lo que simboliza. En un mercado donde la fragmentación de lectores es constante y donde cada mes compiten decenas de lanzamientos, que un personaje clásico rompa récords es una señal poderosa.

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Habrá que esperar a las cifras finales de ventas para confirmar si estamos ante el mayor estreno de Daredevil de todos los tiempos. Pero incluso si se queda “solo” como el más potente del siglo XXI, ya es un hito considerable.

Para los fans veteranos, es una oportunidad de ver cómo un icono vuelve a reinventarse. Para los nuevos lectores, puede ser la puerta de entrada perfecta. Y para las tiendas, un soplo de aire fresco que demuestra que, cuando se combinan buena estrategia editorial y una premisa atractiva, el mercado todavía puede sorprender.

Porque si algo ha demostrado este lanzamiento es que Daredevil, pese a sus décadas de historia, sigue teniendo hambre de riesgo. Y esta vez, parece que el mercado también.

The Punisher se enfrenta a un giro inesperado que abre su nueva serie en Marvel y pone su mundo del revés

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The Punisher se enfrenta a un enemigo al que no puede disparar: su propio cerebro

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Hay algo inquietante en ver a Frank Castle tambalearse en mitad de la calle, sin una horda de mafiosos alrededor, sin explosiones, sin una lluvia de balas. Solo él… y el dolor. Marvel ha decidido que el arranque de la nueva etapa del Castigador no sea una masacre, sino algo mucho más incómodo: la posibilidad real de que esté muriendo.La nueva serie de The Punisher arranca esta semana y, lejos de ofrecernos el típico despliegue de violencia quirúrgica, nos deja con una pregunta que pesa más que cualquier rifle de asalto: ¿qué pasa cuando el Castigador ya no puede confiar en su propio cuerpo?

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La nueva etapa de The Punisher

En el primer número de esta nueva colección de The Punisher, con guion de Benjamin Percy y arte de José Luis Soares Pinto, el avance ya nos deja claro que la amenaza no es un capo criminal ni una conspiración gubernamental. El enemigo está dentro de su cabeza. Literalmente.

Para entender lo que está pasando, hay que mirar atrás. En la reciente miniserie Punisher: Red Band, también escrita por Percy, el siempre manipulador Kingpin implantó un chip en el cerebro de Castle para suprimir su voluntad y sus recuerdos. Una jugada sucia incluso para Wilson Fisk.

Pero Frank no es precisamente conocido por aceptar órdenes. En una de esas escenas que solo el Castigador puede protagonizar, decidió sacarse el dispositivo él mismo, en una autooperación brutal que rozaba la locura. De paso, enfrentó a Kingpin con Tombstone en un festival de fuego cruzado y caos absoluto.

El problema es que quitarse un chip del cerebro con un cuchillo no suele ser buena idea. Y ahora la factura parece estar llegando.

Un castigo que no se cura con balas

En el avance de The Punisher #1, vemos a Castle desplomarse tras ahuyentar a un simple atracador. Se lleva la mano a la cabeza, visiblemente desorientado, consumido por un dolor que no puede disparar ni intimidar. La narración insiste en algo que muchas veces olvidamos: Frank no tiene poderes.

No posee un esqueleto de adamantium como Wolverine.
No recibió el suero del supersoldado como Captain America.
No se regenera como Deadpool.

Es solo un hombre. Uno extremadamente entrenado, armado hasta los dientes y con una determinación casi sobrenatural, pero humano al fin y al cabo.

Y eso cambia las reglas del juego.

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¿Estamos ante el principio del fin?

Marvel parece estar planteando una historia diferente, más introspectiva y peligrosa. No se trata de si el Castigador puede derrotar a sus enemigos, sino de si podrá seguir siendo el Castigador. El daño cerebral no es un villano con el que puedas negociar o al que puedas tender una emboscada.

La idea de que Frank Castle tenga que enfrentarse a su propia fragilidad abre una vía narrativa muy potente. Siempre ha sido un personaje que vive con la muerte como compañera. Nunca ha temido sacrificarse por su misión. Pero una cosa es caer en combate… y otra muy distinta es deteriorarse lentamente, perder facultades, memoria o control.

Eso sí que es territorio inexplorado para él.

El regreso de Jigsaw y un tablero más complejo

Por si fuera poco, el primer número también confirma el regreso de Jigsaw, uno de los enemigos clásicos del personaje. Su presencia sugiere que no todo será introspección y dolor físico. Habrá violencia, ajustes de cuentas y esa atmósfera sucia que define al Castigador.

Pero ahora el contexto es distinto. Si Frank está realmente sufriendo secuelas neurológicas, cada enfrentamiento podría ser más peligroso que nunca. Un segundo de duda, un fallo de cálculo, un lapsus… pueden costarle la vida.

Y eso introduce una tensión brutal en cada escena de acción.

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Una etapa que puede redefinir al personaje

Lo más interesante de este arranque es que no parece un simple truco para generar titulares. Percy ya ha demostrado que quiere llevar a Frank Castle a terrenos incómodos. Si la serie explora de verdad las consecuencias de su autooperación y el desgaste físico acumulado tras años de guerra urbana, podríamos estar ante una de las etapas más humanas y crudas del personaje.

Porque, al final, el Castigador siempre ha sido eso: un hombre que decidió convertirse en arma. Y las armas también se desgastan.

The Punisher #1 se publica el 25 de febrero por parte de Marvel Comics. Y si este primer vistazo sirve de pista, los fans no solo van a ver sangre y pólvora, sino algo mucho más inquietante: la vulnerabilidad de un icono que nunca quiso parecer vulnerable.

El futuro de 28 años después pende de un hilo y Cillian Murphy podría quedarse sin cierre

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Sony frena la tercera parte de 28 años después mientras Netflix tantea el terreno pero Danny Boyle no quiere oír hablar de streaming

28 Years Later, Cillian Murphy, Danny Boyle, tercera parte 28 Years Later, The Bone Temple

Hubo un momento en el que parecía inevitable. Una trilogía cerrada, el regreso de Jim y un Danny Boyle dispuesto a rematar su saga más salvaje. Pero ahora, cuando todo apuntaba a que la historia del Virus de la Ira tendría un final en cines, el panorama es bastante más turbio. Porque sí, 28 Años después funcionó bien en críticas, pero no tanto en taquilla. Y 28 28 años después: El Templo de huesos ha ido todavía peor. Lo que empezó como un regreso ilusionante a uno de los universos más icónicos del terror moderno podría haberse quedado, otra vez, en pausa indefinida.

La vuelta a un mundo apocalíptico

La primera entrega de esta nueva etapa, dirigida por Danny Boyle, recaudó 151,3 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto aproximado de 60 millones. No es un desastre, pero tampoco un bombazo. Un rendimiento correcto, sin más, especialmente para una marca con tanto peso entre los fans del género.

El relevo lo tomó Nia DaCosta en El templo de huesos, una secuela que muchos consideran incluso superior en lo artístico. Más arriesgada, más extraña, menos convencional. Pero el público no respondió igual: 57,6 millones de dólares con un presupuesto estimado de 63 millones. Números que duelen.

La taquilla no perdona, aunque las críticas aplaudan

Aquí está la clave. Sony no es una ONG cinéfila, y cuando una película apenas cubre costes (o ni eso), la confianza se resiente. Desde el principio, Boyle dejó claro que la tercera parte no estaba garantizada. Ahora, con estas cifras sobre la mesa, el estudio no parece tener prisa alguna.

Según World of Reel, Sony habría anunciado la tercera entrega el pasado diciembre, pero internamente no existiría urgencia real por sacarla adelante. Y hay otro elemento interesante: Netflix habría mostrado interés en hacerse con el proyecto.

Sin embargo, Boyle no estaría dispuesto a aceptar. Quiere un estreno en salas para cerrar la trilogía. Nada de lanzamientos discretos en streaming. Para él, el final de esta historia merece pantalla grande.

El regreso de Cillian Murphy

Cillian Murphy volvió como Jim al final de El templo de huesos, preparando el terreno para un capítulo final centrado en su personaje y en Spike, interpretado por Alfie Williams. Para muchos fans, ese cameo fue la promesa de algo grande.

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Pero la realidad es que, aunque Murphy viene de un momento de enorme popularidad tras Oppenheimer, su presencia no garantiza automáticamente un éxito comercial. Y Sony lo sabe. La caída de recaudación entre la primera y la segunda película de esta nueva etapa es evidente.

Además, ambas secuelas se alejaron bastante del tono de 28 Días después. Aquella cinta de 2002 era un thriller de supervivencia relativamente “tradicional” dentro del subgénero zombi. Las nuevas entregas han optado por terrenos mucho más extraños y poco mainstream: ninjas inspirados en Jimmy Savile, giros casi alegóricos y un tono mucho más experimental.

Eso ha encantado a parte del público… pero ha desconcertado a otro.

¿El final ya ha llegado sin que lo supiéramos?

Hay un detalle que no ha pasado desapercibido. Las cuentas oficiales de la película en redes están promocionando El templo de huesos como “el final que llevas 28 años esperando”. ¿Es solo marketing aprovechando el cameo de Murphy? ¿O una forma elegante de asumir que, por ahora, no habrá tercera parte?

Recordemos que ambas películas se rodaron prácticamente de forma consecutiva, lo que aseguraba al menos una secuela. Pero la tercera siempre dependió del rendimiento comercial. Y ahora mismo, la saga vuelve a estar en coma, como si el Virus de la Ira se hubiera contagiado a la propia franquicia.

El interés de Netflix abre una puerta, pero no parece la que Boyle quiere cruzar. Y sin su aprobación, el proyecto difícilmente avanzará. El director británico siempre ha defendido la experiencia cinematográfica en sala, y cerrar su trilogía en streaming no encaja con su visión.

Un legado que merece algo más

Más allá de cifras, estamos hablando de una saga que redefinió el terror del siglo XXI. 28 Días después cambió las reglas del juego con infectados rápidos, tensión cruda y un trasfondo social incómodo. Las nuevas entregas han querido ir más lejos, quizá demasiado para el gran público.

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Lo cierto es que el universo de 28 años después sigue teniendo potencial. El regreso de Jim no es un detalle menor, y el conflicto generacional con Spike prometía un desenlace potente, casi épico. Cerrar esa historia en falso sería una espina clavada para los fans que han seguido esta franquicia durante décadas.

Por ahora, no hay cancelación oficial, pero tampoco luz verde real. Sony observa. Netflix espera. Boyle resiste. Y los fans, una vez más, se quedan mirando el horizonte, preguntándose si volverán a escuchar el eco de aquellos pasos acelerados en una ciudad desierta.

Vengadores: Doomsday: rumores cruzados sobre Loki y el futuro juvenil del UCM

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Un rol reducido para el Dios del Engaño en Vengadores: Doomsday y señales claras hacia los Jóvenes Vengadores

Nuevos rumores sobre Vengadores: Doomsday apuntan a un panorama mixto: mientras el papel de Loki sería menor de lo esperado, la formación de los Jóvenes Vengadores ganaría fuerza dentro del UCM.

Aunque Marvel Studios confirmó que Loki aparecerá en la película durante la presentación oficial del elenco, el insider Daniel Richtman asegura que el personaje interpretado por Tom Hiddleston tendría una participación limitada.

La última vez que vimos a Loki fue al final de la serie Loki, cuando asumió el papel de Dios de las Historias, quedándose en la Ciudadela al Final de los Tiempos para sostener el multiverso. Abandonar ese puesto —incluso brevemente— podría provocar el colapso de las líneas temporales, algo que encajaría con su supuesto rol secundario en la nueva cinta, donde el villano central sería el temido Doctor Doom.

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Curiosamente, Richtman había comentado anteriormente que Loki habría rodado una escena vinculada a Steve Rogers y Peggy Carter, e incluso se habló de momentos importantes entre Loki y el propio Steve. Sin embargo, ahora el foco parece estar cambiando.

En paralelo, el mismo informante sostiene que personajes como Ms. Marvel, Kate Bishop y Cassie Lang compartirían escenas que prepararían oficialmente el terreno para los Jóvenes Vengadores.

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El germen del equipo ya se insinuó al final de The Marvels, cuando Kamala Khan comenzó a reclutar héroes. Además, en Daredevil: Born Again se dejó entrever que la joven heroína continúa reuniendo aliados, posiblemente buscando a Cassie en California para fortalecer su iniciativa.

Por ahora, nada de esto ha sido confirmado oficialmente. Los fans deberán esperar el anuncio definitivo de Marvel para saber cuánto peso tendrá Loki y si los Jóvenes Vengadores darán finalmente el salto en Vengadores: Doomsday, cuyo estreno está previsto para diciembre de 2026.

¿Arranque letal en el multiverso? Las teorías que sacuden Vengadores: Doomsday

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Un rumor explosivo de Vengadores: Doomsday coloca a Spider-Man y Lobezno en el centro de una tragedia inicial

La conversación en torno a Vengadores: Doomsday no deja de crecer. Diversas filtraciones apuntan a que la película podría abrir con un giro devastador para el multiverso: la supuesta muerte del Spider-Man de Tobey Maguire y el Lobezno de Hugh Jackman.

El origen del rumor está en publicaciones del insider @MyTimeToShineHello, que asegura que ambos personajes caerían en los primeros minutos del filme. Según esta versión, Deadpool y Lobezno serían enviados a la Tierra del Spider-Man de Maguire para destruirla, desencadenando una batalla entre el trepamuros y el mutante que terminaría en tragedia. Otras variantes de la filtración hablan incluso de un enfrentamiento entre el Spider-Man de Maguire y los X-Men, con la colisión de sus respectivos mundos como telón de fondo.

Sin embargo, no todas las fuentes coinciden. Desde The Cosmic Circus, Alex Perez ha negado que el Spider-Man de Maguire muera en la película, sembrando aún más dudas sobre la veracidad de estas versiones. Por ahora, Marvel Studios no ha confirmado ningún detalle relacionado con estas supuestas muertes.

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Lo único oficial es que Vengadores: Doomsday estará dirigida por Anthony Russo y Joe Russo, con guion de Michael Waldron y Stephen McFeely, y que llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026 como parte de la Fase Seis del UCM.

Personalmente, sigo sin terminar de creerme esos rumores sobre el comienzo de la película, o al menos no de la manera en que se están contando. Hasta que haya confirmación oficial, todo apunta más a especulación que a un destino sellado para estos icónicos héroes.