El Videoclub: El E.T.E. y el Oto

El E.T.E. y el Oto

El E.T.E. y el Oto, la parodia española del extraterrestre más famoso del mundo del séptimo arte.

En 1982, vio la luz la película titulada E.T.. el extraterrestre, con Steven Spielberg como guionista, que resultó un filme que cambió para siempre el cine de ciencia ficción, ya que, hasta entonces, cada vez que se narraba la llegada de una raza alienígena a nuestro planeta, se nos daba a entender que venían con intenciones hostiles, que es algo que nunca se le pasaría por la cabeza al bueno de E.T.

Comentamos en su momento que se especula que este simpático extraterrestre, cuyo éxito cinematográfico no parece haber contribuido lo suficiente como para plantearse el rodaje de una secuela, podría ser un plagio de otro llamado Melvin, lo que nunca se ha podido demostrar, pero de lo que no cabe duda es de que, solo un año después, E.T. sí que fue copiado, ya que se llevó a cabo una parodia del alienígena supuestamente ideado por Spielberg, bajo el nombre de El E.T.E. y el Oto, que es, precisamente, el objeto de análisis de este artículo.

No obstante, antes de comenzar, conviene aclarar que la película española se estrenó antes en nuestro país que la original, aunque la productora de Steven Spielberg quiso ver una copia de El E.T.E. y el Oto por si consideraba oportuna denunciarla como plagio, pero se acabó por desechar la idea después de dicho visionado, lo que no resultará nada extraño después de haber leído este artículo hasta el final.

El reparto de El E.T.E. y el Oto

Bajo la dirección de Manuel Esteba, esta película, de tan solo 70 minutos de duración, está protagonizada por Francisco Calatrava (como E.T.E.), Manuel Calatrava, Curro García, Óscar García, Diana Conca, Manolo Royo, Javier De Campos, Goyito Fernández y Manolito Martín, cuyos nombres en la película son los mismos que en la vida real o no son revelados.

Sinopsis de El E.T.E. y el Oto

Según nos cuenta la trama de El E.T.E. y el Oto, Curro es un niño exagaradamente travieso que vive con su padre, su hermano y su hermana, que suelen ser el blanco de sus trastadas, sobre todo el progenitor. Sin embargo, lo que el pequeño no podía imaginarse es que se iba a topar con un ser venido del espacio exterior que cambiaría su vida y la de sus hermanos para siempre.

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Curiosidades de El E.T.E.y el Oto

Teniendo en cuenta que la película se titula El E.T.E. y el Oto y que su cartel es una clara parodia del filme original, no hay que ser muy inteligente para darse cuenta de que el producto no se toma en serio a sí mismo, como los mismos títulos de crédito dan a entender antes incluso de que empiece la película, resultando, en realidad, la parte más graciosa de la misma.

Uno de los aspectos que más llama la atención de El E.T.E. y el Oto es el hecho de que, pese a estar embutido en un traje de extraterrestre, Francisco Calatrava muestra su cara todo el tiempo, tal y como se muestra en la imagen que acompaña a este párrafo, con lo que, si ya de por sí resulta poco creíble, mostrar su rostro completamente humano no es que ayude mucho al espectador a sentirse atraído por la película.

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La verdad es que, como parodia de E.T., el extarrestre, la película de El E.T.E. y el Oto cumple bastante, ya que no es difícil reconocer las escenas que el filme trata de imitar, aunque los resultados sean lamentables en su mayoría.

No obstante, aunque sea una parodia, El E.T.E. y el Oto no se corta a la hora de reconocer la existencia de la película original, hasta el punto de mostrar un muñeco y una careta del extraterrestre protagonista, además de hacer menciones al largometraje en sí.

Reflexiones finales de El E.T.E. y el Oto

Aunque la verdad es que las parodias de películas famosas no suelen ser obras de arte, hay que reconocer que algunas son más divertidas que otras, aunque en el caso de El E.T.E. y el Oto, da más vergüenza ajena que otra cosa, aunque se trate del tercer largometraje en el que los hermanos Calatrava trabajaron a las órdenes de Manuel Esteba, ya que habían colaborado anteriormente en los filmes que llevaban por título Horror Story (1972) y Los Kalatrava contra el imperio del karate (1974).

No obstante, siendo honestos, hay que destacar la interpretación llevada a cabo por el ya mencionado Curro García, que podría haberse forjado un gran carrera como actor sino hubiese preferido decantarse por el terreno musical.

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Por tanto, ya seas un fan incondicional de E.T., el extraterrestre, de las películas de alienígenas o de las parodias de largometrajes famosos, no es recomedable el visionado de El E.T.E. y el Oto, ya que, a pesar de su escasa duración, al poco de empezar a verla estás deseando que se acabe.

Batman bajo la lupa: David Ayer defiende la polémica escena de Escuadrón Suicida

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El director de Escuadrón Suicida explica su visión sobre uno de los momentos más criticados del filme y reaviva el debate sobre su versión inédita

David Ayer, director de Escuadrón Suicida (2016), volvió a hablar sobre una de las escenas más cuestionadas de la película: el arresto de Deadshot (Will Smith) frente a su hija a manos de Batman.

Ante un fan en redes sociales, Ayer explicó que la secuencia no fue entendida en su totalidad:

“Ojalá pudieras ver la escena tal como fue filmada. Están sucediendo muchas cosas. Es rica y emotiva. Quizás al arrestar a su padre, Batman cree que le evita un trauma peor. O quizás, con su propio pasado traumático, hace lo que mucha gente herida hace: deja un legado sin darse cuenta”.

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El cineasta defendió la complejidad de la motivación del héroe:

“Batman siempre ha operado al límite. ¿Lucha y arresta a los malos para proteger a su niño interior herido? ¿O simplemente recrea el pasado desde una perspectiva insalubre? Me encanta este tipo de debate”.

Aunque Ayer sigue convencido de que su corte original es superior al estrenado en cines, las posibilidades de ver ese “Ayer Cut” parecen lejanas.

La película también abrió paso a historias de padres e hijas que nunca se concretaron. Gavin O’Connor, quien desarrollaba una secuela antes de la llegada de James Gunn, reveló que su guion seguía esa misma línea con Deadshot y su hija, pero fue rechazado cuando el estudio le pidió: “¿Podrías convertirlo en una comedia?”.

Al final, El Escuadrón Suicida (2021) tomó un rumbo diferente con Bloodsport en lugar de Deadshot, cerrando así una etapa que difícilmente continuará en el nuevo universo de DC.

Doctor Doom desata el caos en el multiverso en Avengers: Doomsday

Marvel revela el plan del villano más temido y su espectacular elenco

El regreso de los hermanos Russo al MCU no podía llegar con un rival cualquiera. Marvel ha confirmado que Doctor Doom será el gran villano de Avengers: Doomsday, y lo hará con una ambición desmesurada: provocar una crisis en cascada a través de todo el multiverso.

El anuncio llegó acompañado de un nuevo banner mostrado en la Walt Disney Marketing Expo de Shanghái, donde se reveló también la primera sinopsis oficial. Según este adelanto, Doom usará tanto su magia como su tecnología de vanguardia para llevar a cabo su plan de venganza. Los rumores apuntan a que su motivación estará ligada a la muerte de su esposa e hijo, tragedia que lo empujará a cazar a los responsables de las incursiones multiversales.

Doctor Doom en el MCU

El fichaje que ha sacudido las redes es el de Robert Downey Jr. en la piel de Victor Von Doom. Tras marcar época como Tony Stark, el actor vuelve al universo marvelita con un giro radical, interpretando al villano más icónico de la editorial. Una elección arriesgada pero que ya despierta expectación entre los fans.

Los Russo, encargados de títulos como Avengers: Infinity War y Endgame, han asegurado que regresar a Marvel “es como volver a casa” y que su objetivo es llevar a los espectadores a “lugares nuevos y sorprendentes”.

Un reparto de ensueño

Más allá de Doom, la lista de héroes y mutantes que aparecerán en la cinta es apabullante. Chris Hemsworth volverá como Thor, Anthony Mackie como Capitán América, y Paul Rudd como Ant-Man. Pero lo más impactante es la inclusión de los X-Men en todo su esplendor: Patrick Stewart como Profesor X, Ian McKellen como Magneto, James Marsden como Cíclope, Kelsey Grammer como Bestia, Rebecca Romijn como Mística y Alan Cumming como Rondador Nocturno.

Por si fuera poco, Pedro Pascal se suma como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Joseph Quinn como la Antorcha Humana y Ebon Moss-Bachrach como La Cosa, consolidando así la llegada oficial de los Cuatro Fantásticos al MCU.

Doctor Doom

La gran antesala de Secret Wars

Con estreno fijado para el 18 de diciembre de 2026, Avengers: Doomsday servirá como el primer capítulo de una saga que culminará en Secret Wars (diciembre de 2027). Marvel apuesta a lo grande, reuniendo a los Vengadores, a los mutantes y a los 4F en un enfrentamiento que promete redefinir el futuro del multiverso cinematográfico.

El propio eslogan de la campaña, “United We Fall”, ya anticipa que la unión de héroes no será suficiente para frenar a Doom. Su combinación de ciencia prohibida y artes arcanas lo colocará como una amenaza incluso mayor que Thanos.

lo que esperan los fans

El hype es real. Las redes hierven con especulaciones sobre cómo encajará Downey Jr. en este nuevo rol, si veremos versiones alternativas de héroes caídos y cómo se conectará todo con las incursiones vistas en Doctor Strange in the Multiverse of Madness y Loki. La idea de un Doom marcado por la tragedia personal añade una capa de complejidad que muchos consideran necesaria para no repetir la fórmula del “villano todopoderoso sin matices”.

Doctor Doom desata el caos en el multiverso en Avengers: Doomsday

Si algo ha dejado claro Marvel con este anuncio es que la época de los crossovers colosales no ha terminado, solo se está preparando para su capítulo más ambicioso.

doctor doom en avengers: doomsday

Con esta sinopsis y el casting revelado, Avengers: Doomsday se perfila como una auténtica fiesta para los fans de Marvel. No solo será la oportunidad de ver juntos a Vengadores, X-Men y Cuatro Fantásticos, sino también de presenciar cómo uno de los villanos más legendarios de los cómics toma el centro del escenario.

La cuenta atrás hacia 2026 ha comenzado, y todo apunta a que el MCU está listo para entrar en su etapa más oscura y espectacular.

El Batsuit que nunca vimos, así iba a lucir el Batman veterano en la secuela cancelada de Arkham Knight

Un proyecto perdido mostraba a un Batman envejecido guiando a Damian

A veces los proyectos más interesantes son los que nunca llegan a ver la luz. Y en el caso de la saga Batman: Arkham, los fans acaban de descubrir un pedazo de historia alternativa que podría haber cambiado por completo la forma en la que recordamos al Caballero Oscuro. Un nuevo arte conceptual filtrado revela el traje que Bruce Wayne, ya mayor y curtido por los años, iba a vestir en la secuela cancelada de Arkham Knight.

La idea era arriesgada pero tremendamente atractiva: un Batman cansado, roto por dentro y por fuera, pero aún dispuesto a pelear, esta vez no como protagonista absoluto, sino como mentor de su propio hijo, Damian Wayne. Un giro que mezclaba la crudeza de Arkham con la esencia futurista de Batman Beyond.

Batman Arkham, un legado que parecía cerrado

Batman: Arkham Knight (2015) cerró la trilogía de Rocksteady con un final contundente: la aparente muerte de Bruce Wayne. Desde entonces, los rumores sobre un regreso nunca cesaron. Warner Bros. Games Montreal, responsables de Arkham Origins, fueron los encargados de explorar ese camino, pero el proyecto acabó cancelado para dar prioridad a Gotham Knights, que no consiguió enamorar ni a la crítica ni al público.

La secuela hubiera supuesto algo radical: Damian como nuevo protagonista y un Bruce en segundo plano, envejecido, llevando sobre sus hombros no solo el peso de Gotham, sino de su propio legado. El traje conceptual diseñado por Jerad S. Marantz, artista con experiencia en proyectos como Spider-Man: Far From Home y Predator: Killer of Killers, refleja precisamente esa idea: un héroe sostenido casi a la fuerza por su armadura.

El Batsuit que sostenía a un hombre roto

En palabras del propio Marantz: “Era un Batman mucho más mayor, y el traje mantenía unido a este héroe golpeado y roto. Batman sigue siendo mi superhéroe favorito. Podría trabajar en él para siempre”.

La armadura mostraba líneas duras, refuerzos que parecían prótesis, un aire mecánico que recordaba a la fragilidad escondida bajo el mito. Ya no era el traje de un guerrero en su mejor momento, sino de un veterano que necesitaba de cada pieza tecnológica para seguir de pie.

El propio artista confesó sentirse emocionado de poder crear un nuevo diseño para el universo Arkham, aunque finalmente el juego nunca pasó de la fase de concepto.

Batman

Un proyecto con sabor a Batman Beyond

Lo más llamativo es que este proyecto parecía beber directamente de la esencia de Batman Beyond, la famosa serie animada que mostraba a un Bruce Wayne anciano entrenando a Terry McGinnis. Aquí la diferencia era clara: el heredero iba a ser su propio hijo biológico, Damian Wayne, lo que habría abierto un abanico de tensiones dramáticas y emocionales nuevas.

El peso de la relación padre-hijo, en un mundo como Gotham, prometía una historia mucho más personal que la habitual lucha contra el crimen. Damian no es precisamente el más dócil de los Robins, y ver cómo un Bruce cansado intentaba guiarle habría sido oro puro para los fans.

Un hueco que intentó llenar Suicide Squad

En cierto modo, Warner trató de tapar ese vacío con Suicide Squad: Kill the Justice League, que forzó el regreso de Batman solo para acabar con él de forma polémica a manos de Harley Quinn. El resultado fue un aluvión de críticas que dejó claro que los seguidores esperaban otra cosa. Y viendo ahora este arte conceptual, la sensación de oportunidad perdida es aún mayor.

Batman

La huella imborrable de Arkham

Pese a los altibajos posteriores, es innegable que la saga Arkham marcó un antes y un después en los videojuegos de superhéroes. Arkham Asylum (2009) sorprendió por su atmósfera claustrofóbica y la maestría con la que trasladó a Batman al medio. Arkham City expandió esa experiencia con un mundo abierto plagado de villanos clásicos como Hugo Strange, el Pingüino o Dos Caras. Finalmente, Arkham Knight puso el broche con un Gotham gigantesco y la introducción del misterioso Arkham Knight, que terminó siendo Jason Todd.

Que existiera un plan para continuar esa historia con Damian al frente confirma que Warner veía aún potencial en la franquicia. Pero el cambio de rumbo hacia proyectos como Gotham Knights nos dejó sin esa visión de un Bruce veterano, derrotado pero aún indestructible en espíritu.

El What If definitivo para los fans

Hoy solo nos queda mirar esas ilustraciones y preguntarnos qué habría pasado si Warner hubiera seguido adelante. Un juego donde Damian Wayne recogía el manto y Bruce, convertido en mentor herido, ofrecía la última lección de su vida, habría sido un cierre perfecto y a la vez un nuevo comienzo.

No veremos ese futuro, pero al menos podemos imaginarlo gracias a este arte conceptual. Y quizá, algún día, Warner decida rescatar la idea y darle a los jugadores la oportunidad de vivir la historia que Gotham merece.

Batman arrasa con su nuevo número 1 y se agota en tiempo récord

Batman

Batman inicia una nueva etapa que ya es todo un fenómeno

Batman arrasa con su nuevo número 1 y se agota en tiempo récord

El regreso de Batman con un nuevo número 1 no solo ha generado expectación, sino que ha convertido a este cómic en un auténtico fenómeno editorial. Apenas unos días después de su lanzamiento, Batman #1 ya se ha agotado en tiendas, confirmando que el murciélago sigue siendo el rey indiscutible de las viñetas. La noticia, compartida por el dibujante Jorge Jiménez, confirma que DC Comics ha tenido que preparar una segunda edición con portada alternativa de Dan Mora.

El poder de un número 1 que conecta con nuevos y viejos lectores

Para entender la magnitud del éxito, hay que recordar que esta es solo la cuarta vez en más de 80 años que la colección principal del Caballero Oscuro se reinicia desde cero. Desde su debut en 1940, las renumeraciones de Batman son hechos históricos dentro del cómic, y que esta etapa haya desatado semejante furor es una clara señal de confianza hacia el equipo creativo encabezado por Matt Fraction y Jorge Jiménez.

El resultado no solo ha sido un éxito de ventas, sino una demostración de lo que significa la accesibilidad en el cómic moderno. En un mercado saturado de continuidades infinitas, los lectores buscan un punto de entrada claro, y Batman #1 lo ha dado con todas las garantías.

El portal Bleeding Cool estima que el debut del cómic triplicó las ventas del segundo título más vendido de la semana, Amazing Spider-Man #11. No es raro que un nuevo número 1 de un héroe icónico despierte interés, pero lo que sorprende aquí es la escala: Batman #1 no solo ha vendido, ha arrasado.

Este fenómeno recuerda al reciente impacto de líneas como Ultimate Universe de Marvel o Absolute Universe de DC, proyectos que han apostado por reinicios totales para enganchar a nuevos fans sin necesidad de saberse décadas de historias previas. El Caballero Oscuro parece haber aprendido la lección: ofrecer un cómic atractivo, pero sin perder la esencia que lo ha convertido en mito.

Batman arrasa con su nuevo número 1 y se agota en tiempo récord

Un traje azul y un Robin de vuelta que lo cambian todo

No todo se explica con el marketing de un nuevo inicio. Hay elementos que han tocado la fibra de los lectores veteranos. El regreso del traje azul clásico de Batman, muy ligado a la imagen detectivesca del héroe en los años 40 y 70, aporta un aire nostálgico y a la vez fresco. Para muchos, ese uniforme evoca una etapa más humana y menos sombría del personaje.

A ello se suma la vuelta de Tim Drake como Robin, considerado por buena parte del fandom como la mejor versión del joven compañero del murciélago. Estas elecciones han sido interpretadas como una declaración de intenciones: sí, estamos ante un nuevo comienzo, pero no se trata de reinventar la rueda, sino de volver a lo que siempre funcionó.

La dupla que inspira confianza

En un sector donde los nombres pesan tanto como los personajes, contar con Matt Fraction en el guion y Jorge Jiménez en el arte es casi garantía de éxito. Fraction ya demostró en series como Hawkeye su capacidad para redefinir héroes sin perder su esencia, mientras que Jiménez se ha convertido en uno de los dibujantes más reconocibles y aclamados de la última década en DC.

Este tándem no solo ofrece calidad, también genera seguridad. El lector sabe que, aunque se trate de un relanzamiento, el cómic estará en buenas manos. Y ese factor, unido al poder simbólico de Batman, ha hecho que incluso los más reacios se animen a subirse al tren desde el principio.

Lo que significa este éxito para el futuro de DC

El impacto de Batman #1 va más allá de las cifras de ventas. Para DC Comics, representa un mensaje claro: la accesibilidad vende, pero sin olvidar la tradición. Si Marvel y DC buscan expandir su público, está claro que necesitan ofrecer más puertas de entrada como esta, sin renunciar a lo que hace especial a cada personaje.

Batman arrasa con su nuevo número 1 y se agota en tiempo récord

El agotamiento del cómic en su primera tirada asegura que veremos a Fraction y Jiménez liderando esta etapa durante un buen tiempo, con libertad creativa para explorar al héroe. Y para los coleccionistas, la segunda impresión con portada de Dan Mora será una joya más que añadir a la estantería.

Los que se quedaron sin su ejemplar inicial aún tienen una oportunidad de sumarse al inicio de una nueva era del Caballero Oscuro, que ya ha demostrado estar a la altura de su legado.

El final de La larga marcha cambia respecto al libro de Stephen King y el director explica por qué

La larga marcha

Mark Hamill también habla sobre lo que pensó el propio King sobre esta arriesgada decisión en el final de La larga marcha

El final de La larga marcha cambia respecto al libro de Stephen King y el director explica por qué

Pocas adaptaciones de Stephen King llegan a cines sin generar debate, y La larga marcha no iba a ser la excepción. La película, dirigida por Francis Lawrence (Los juegos del hambre) y escrita por J.T. Mollner, ya ha conquistado tanto a la crítica como a los fans, pero lo que más ha dado que hablar es su final, muy distinto al de la novela original.

Un viaje marcado por la venganza

Con un reparto encabezado por Cooper Hoffman, David Jonsson, Charlie Plummer, Judy Greer y Mark Hamill, la cinta se sumerge en una distopía donde un concurso mortal convierte a adolescentes en piezas de un cruel espectáculo nacional. Entre pasos, alianzas y traiciones, el largometraje se atreve a modificar giros clave, incluida la conclusión, lo que ha provocado que incluso los lectores más veteranos se sorprendan.

En la novela de King, Ray Garraty es un joven que entra en la caminata con un trasfondo más psicológico que personal. Sin embargo, Lawrence decidió dar un giro: en la película, el Major (interpretado por Hamill) es el asesino del padre de Garraty, lo que coloca al protagonista en una cruzada de venganza además de supervivencia.

El propio director lo explicaba así: “No quieres que gane el chico que está en esto por venganza, porque la historia no va realmente de eso”. De esta manera, el guion se reestructura para que el espectador acompañe a Garraty, pero con la sensación de que su destino no será el esperado.

Quién gana la caminata

El punto más polémico está en el desenlace. En el libro, Garraty es quien se alza como vencedor, aunque el precio es altísimo: termina caminando hacia la oscuridad, aparentemente perdiendo la cordura. La película, en cambio, le da la victoria a su amigo y compañero Peter McVries (Jonsson), un personaje al que Lawrence quiso dotar de un pasado más empático para que el público lo acogiera con cariño.

El giro juega con las expectativas. Todo apunta a que Garraty es el protagonista destinado a triunfar, pero el director se recrea en romper esa certeza: McVries es quien sobrevive, aunque el precio que paga lo destruye igualmente.

El final de La larga marcha cambia respecto al libro de Stephen King y el director explica por qué

Un sacrificio inesperado

Uno de los momentos más emocionantes es cuando McVries, agotado, decide detenerse para dejar ganar a Garraty, repitiendo una escena del libro. La sorpresa llega cuando esta vez Garraty lo levanta y lo obliga a continuar, sacrificándose en su lugar. Con este gesto, el destino de ambos queda sellado.

Al final, McVries reclama su deseo: pide un arma y mata al Major, cumpliendo así el plan de venganza de su amigo caído. Es un cierre que mezcla justicia y tragedia, porque el personaje que siempre defendió que la violencia corrompe acaba transformado en aquello que detestaba.

Hamill, King y la bendición al nuevo final

En medio del debate, la opinión de King era vital. Y aquí llega la sorpresa: según reveló Mark Hamill, el propio escritor adoró el nuevo desenlace. Para él, la esencia de La larga marcha no se pierde, ya que la historia sigue explorando el mismo dilema: un sistema podrido que convierte la vida de los jóvenes en entretenimiento y los empuja a perder su humanidad.

La visión de Lawrence logra reflejar la resonancia temática del original, incluso cambiando la forma. El viaje de Garraty y McVries continúa siendo un espejo de la fragilidad humana y del precio que se paga al desafiar la injusticia.

Una adaptación que no teme arriesgar

Las adaptaciones de King suelen dividir a los espectadores. Algunas son extremadamente fieles y otras se toman licencias radicales. La larga marcha se sitúa en este segundo grupo, pero con un objetivo claro: subvertir lo que los fans creen conocer. La decisión de que McVries gane —y al mismo tiempo pierda su inocencia— conecta con el espíritu oscuro y fatalista que caracteriza al autor.

El final de La larga marcha cambia respecto al libro de Stephen King y el director explica por qué

No es el final que esperaban los lectores, pero sí uno que hace que la película camine sola dentro del extenso universo de adaptaciones de King. El propio Hamill lo resume con ironía: “King lo amó”. Y con eso, la discusión queda sellada… aunque los fans seguirán caminando mentalmente por esa carretera durante mucho tiempo.

El testamento de Doom sacude Marvel en diciembre

Un nuevo villano, una Latveria en guerra y el futuro del universo Marvel en juego

Cuando parecía que la etapa de One World Under Doom iba a cerrar sin demasiados sobresaltos, Marvel ha soltado la bomba: en diciembre llegará The Will of Doom #1, un especial escrito por Chip Zdarsky con dibujos de CAFU que explorará lo que queda tras la caída del monarca de Latveria. Y no es cualquier prólogo: este cómic funcionará como el puente hacia la nueva era del Universo Marvel.

La historia arranca en las ruinas del reinado de Doctor Doom, quien, tras perder el control de su nación, ha dejado un legado de secretos, armas ocultas y enemigos ansiosos por aprovechar el vacío de poder. Entre ellos, dos nombres que ponen los pelos de punta: Red Hulk (Thunderbolt Ross) y el misterioso Salvation, un nuevo villano con lazos directos con el pasado trágico de Latveria.

The Will of Doom

En The Will of Doom #1, veremos a los Cuatro Fantásticos lidiando con las consecuencias de la dictadura de Doom, mientras un nuevo peligro global empieza a asomar. Zdarsky promete que no será un simple epílogo, sino la declaración de intenciones de lo que viene: “Doom siempre tiene un plan”, adelanta el guionista.

A esto se suma la aparición de Red Hulk, todavía resentido por su encarcelamiento durante el mandato de Doom. Su regreso se entrelazará con el destino de Latveria y podría convertirlo en un jugador clave en los próximos conflictos.

Capitán América toma el relevo

La otra gran pieza del puzzle será Captain America #6, con arte de Frank Alpizar y Delio Díaz, donde Steve Rogers se desplegará en una Latveria al borde de la guerra civil. Entre facciones rivales, rumores de arsenales escondidos y agendas ocultas, el Centinela de la Libertad se enfrentará a la pregunta definitiva: ¿es posible traer la paz a Latveria o el caos es inevitable sin Doom en el trono?

Zdarsky lo resume con un dardo envenenado: “Una Latveria con Doom al mando es increíblemente peligrosa. Una Latveria sin Doom al mando es aún peor”.

El legado de Doom sigue vivo

Lo más intrigante de todo esto es que, aunque su reinado haya terminado, el eco de Doom resuena en cada viñeta. Sus planes secretos, sus experimentos y sus alianzas ocultas amenazan con reconfigurar el tablero entero. Es evidente que Marvel está preparando una etapa donde el Doctor Doom seguirá siendo una sombra omnipresente, incluso sin estar físicamente en el poder.

Doom Marvel

La introducción de Salvation como nuevo antagonista refuerza esa idea: un personaje que no surge de la nada, sino que está profundamente conectado con la historia de Latveria. El misterio alrededor de su identidad y sus motivaciones promete dar mucho juego en los próximos meses.

Un vistazo al pasado, One World Under Doom

Para entender el peso de esta transición, hay que mirar atrás. One World Under Doom fue un evento que colocó a Doom como gobernante global, mostrando no solo su poder militar y tecnológico, sino también su visión de orden absoluto. Aunque su caída parecía inevitable, el arco dejó claro que sus decisiones, tanto en Latveria como en el resto del mundo, tendrían consecuencias duraderas.

El desenlace lo mostró desesperado, tratando de sostener un imperio que se desmoronaba. Pero, como buen estratega, Doom dejó piezas colocadas en el tablero, asegurándose de que su influencia no desaparezca de golpe. Y ahí es donde entra este especial de diciembre: no se trata de un cierre, sino del inicio de una nueva partida.

Ecos en el universo Marvel

El interés por The Will of Doom no se limita a los fans de Doom. Su sombra alcanza a personajes como Capitán América, los Cuatro Fantásticos y probablemente a más héroes que descubrirán que la guerra en Latveria puede tener efectos colaterales en todo el planeta.

El testamento de Doom sacude Marvel en diciembre

Además, el regreso de Thunderbolt Ross como Red Hulk no es un simple cameo. Su venganza contra Latveria abre la puerta a conflictos internacionales, choques militares y nuevas tensiones políticas dentro del universo Marvel. Ross, recordemos, no es un villano cualquiera: sus motivaciones personales y su capacidad de manipular instituciones lo convierten en una amenaza de primer nivel.

Variantes y lanzamientos

  • The Will of Doom #1 llegará el 24 de diciembre, con portada de Jonas Scharf y un espectacular wraparound de J. Scott Campbell.
  • Captain America #6 saldrá una semana antes, el 17 de diciembre, con portada principal de Valerio Schiti y variantes de Josemaria Casanovas (presentando a Salvation) y del propio Zdarsky, insinuando más pistas sobre el futuro de Doom.

Un cierre que es un comienzo

En resumen, diciembre no será un simple cierre de año para Marvel, sino el inicio de una nueva fase marcada por la herencia de Doom, con el Capitán América al frente de la resistencia y nuevos villanos dispuestos a reescribir la historia. Zdarsky y su equipo han dejado claro que lo que viene no es solo un cambio de status quo, sino una exploración más profunda de lo que significa vivir en un mundo donde Doom ya no gobierna… pero sigue moviendo los hilos.

A24 convierte Massacre en serie, Leatherface regresa más sangriento que nunca

La productora prepara un reboot televisivo que promete reimaginar el terror clásico

Cuando parecía que Leatherface y su familia estaban destinados a descansar en el cajón de los horrores olvidados, A24 ha dado un golpe sobre la mesa y se ha hecho con los derechos de La matanza de Texas. El anuncio no ha tardado en encender la imaginación de los fans: ¿cómo se traducirá el ambiente enfermizo y opresivo de la película original a un formato televisivo?

El estudio, conocido por títulos que redefinen el género como Hereditary o Midsommar, apuesta por llevar la franquicia al terreno de la narrativa episódica. No hablamos de otro remake más, sino de una serie que buscará sumergirse en la mente retorcida de la familia Sawyer y sus oscuros secretos.

Texas Chainsaw Massacre, la serie

La noticia ha sido confirmada por Deadline: JT Mollner, Roy Lee y Glen Powell estarán detrás del proyecto. Aunque Powell no actuará frente a las cámaras, su implicación en la producción ha levantado expectativas. No es casualidad que A24 haya puesto el ojo en esta saga: su prestigio como productora de terror autoral encaja como un guante con la atmósfera malsana de La matanza de Texas.

La película original de 1974 de Tobe Hooper sigue siendo una joya irrepetible, un grito de pesadilla en 16 mm que todavía incomoda. Sin embargo, la franquicia sufrió altibajos, desde la exitosa versión de 2003 producida por Michael Bay hasta los incontables intentos fallidos que desembocaron en el flojo estreno de Netflix en 2022. Ahora, con A24 al timón, parece que llega la hora de darle a esta historia el respeto que merece.

Un slasher con cerebro

El gran reto será no caer en el cliché. La fuerza de La matanza de Texas nunca estuvo en la sangre gratuita, sino en esa sensación de podredumbre, locura y desamparo que envolvía cada plano. A24 sabe que la clave está en profundizar en la dinámica de la familia Leatherface, en explorar sus rituales y traumas, y no en convertir cada capítulo en un desfile de desmembramientos.

Este enfoque encajaría con la estrategia del estudio, que en paralelo desarrolla Crystal Lake, serie precuela de Viernes 13. Si algo caracteriza a A24 es su habilidad para rescatar iconos del terror y vestirlos con un nuevo lenguaje visual y narrativo.

Massacre

Leatherface, icono eterno del horror

El personaje de Leatherface es más que un asesino con motosierra: es un símbolo del terror rural, de la violencia heredada y deformada por generaciones. A diferencia de otros monstruos del cine, siempre estuvo rodeado por una familia tan perturbadora como él. Una serie ofrece el espacio perfecto para ahondar en sus orígenes, sus miedos y su brutal cotidianeidad.

De hecho, hay mucho terreno por explorar: ¿cómo se convirtió esa familia en un clan de caníbales? ¿Qué significa realmente la máscara de piel que oculta el rostro de Leatherface? Preguntas que nunca obtuvieron respuesta clara en las películas podrían ahora desarrollarse con calma en televisión.

Del culto al mainstream

La saga siempre ha estado atrapada entre el respeto de los cinéfilos y la explotación comercial. El filme original marcó época, pero las secuelas se dispersaron en intentos contradictorios. Con A24, la franquicia podría recuperar su aura de culto sin renunciar al gran público.

Además, el formato de serie permite algo que las películas nunca pudieron: construir un universo narrativo expandido. No se trataría solo de sobrevivir a Leatherface, sino de seguir el día a día de un pueblo marcado por el miedo, de ver cómo la corrupción, la pobreza y la superstición alimentan la pesadilla.

A24 convierte Massacre en serie, Leatherface regresa más sangriento que nunca

Comparativa con otras franquicias

Si miramos al panorama actual, vemos un claro ejemplo en Chucky. La saga del muñeco diabólico encontró en la televisión un espacio donde desarrollar personajes, añadir humor negro y mantener a los fans pegados a la pantalla. Algo similar podría ocurrir con La matanza de Texas, pero desde una óptica mucho más seria y perturbadora.

Por otra parte, Bates Motel demostró que explorar la infancia de un asesino podía dar resultados sólidos, mientras que Ash vs Evil Dead abrazó la comedia. En este caso, A24 seguramente optará por la vía de la intensidad atmosférica y el terror psicológico, alejándose del gore facilón.

Lo que esperan los fans

Los seguidores del género piden a gritos una adaptación que no les trate como consumidores pasivos de sustos baratos. Quieren un terror que incomode, que provoque y que perdure en la memoria. Y si alguien puede ofrecer eso, es A24.

La pregunta es: ¿conseguirá la serie recuperar el espíritu de 1974 o se quedará en otro intento fallido? Con el historial reciente del estudio, hay motivos para el optimismo. Leatherface podría volver a ser la pesadilla que nunca debió diluirse en secuelas olvidables.

Elendil desenvaina Narsil en Los Anillos de Poder temporada 3, así conecta con Aragorn

El regreso de la espada más mítica de la tierra media promete revolucionar la serie

Cuando hablamos de las grandes espadas de la fantasía, pocas alcanzan la mística de Narsil. Su sola mención despierta ecos de batallas legendarias, reyes caídos y futuros héroes. Pues bien, la tercera temporada de Los Anillos de Poder acaba de confirmar que veremos a Elendil empuñar esta reliquia, y con ello se abre un puente directo hacia uno de los personajes más queridos de El Señor de los Anillos: Aragorn.

La producción de Amazon, que tantos debates ha generado entre los fans de Tolkien, ha decidido apostar fuerte. Tras una segunda temporada más sólida y un salto temporal de cinco años, la nueva tanda de episodios pondrá a Elendil en el centro de la acción. Y no es casual: su espada marcará el inicio de la dinastía de Gondor y el origen de una herencia que cambiará el destino de la Tierra Media.

Narsil en Los Anillos de Poder temporada 3

Los seguidores de Tolkien saben que Narsil no es un arma cualquiera. Forjada en la Primera Edad por el enano Telchar de Nogrod, esta espada acompañó a Elendil hasta su duelo mortal contra Sauron. Ahora, la serie nos muestra cómo la recibe de manos de la reina Miriel antes de su exilio. Ese detalle convierte a la tercera temporada en la más ambiciosa hasta la fecha, pues por fin vemos cómo la leyenda comienza a escribirse.

Lo interesante es que la espada no se limita a ser un accesorio épico. Narsil es símbolo de resistencia, herencia y destino. Cuando se rompa en la batalla de la Última Alianza, sus fragmentos viajarán por generaciones hasta llegar a Aragorn, quien los forjará de nuevo como Andúril, la Llama del Oeste. Es decir, lo que veremos en Los Anillos de Poder es el prólogo de un ciclo que culmina en El Retorno del Rey.

El peso histórico de Narsil

Resulta casi poético que la espada que derrotó a Sauron terminase destrozada, esperando siglos para renacer en manos de otro heredero digno. En la obra de Tolkien, las armas suelen ser más que simples herramientas de guerra: son testigos de la historia y prolongaciones de la voluntad de sus portadores. Narsil, convertida en Andúril, acompaña a Aragorn en su coronación, cerrando el círculo iniciado por Elendil.

Las películas de Peter Jackson reforzaron esta conexión visualmente. En ellas vimos los fragmentos de la espada en Rivendel y cómo Elrond la entrega a Aragorn antes de marchar a Minas Tirith. La serie, por su parte, juega con ventaja: puede mostrar cómo la hoja brilló en sus días de gloria, antes de convertirse en leyenda rota.

Los Anillos de Poder

Elendil, por fin protagonista

Otro aspecto que entusiasma a los fans es que Elendil pasará de secundario a figura central. En la primera temporada apenas tuvo desarrollo, pero la segunda ya exploró su fidelidad a Númenor y a los ideales de los Fieles. Ahora, con la guerra abierta contra Sauron y el inicio de la construcción de Gondor en el horizonte, su personaje vivirá su momento de mayor esplendor.

Esto es clave porque Elendil siempre fue descrito por Tolkien como un rey justo, sabio y valiente, pero hasta ahora la serie no lo había mostrado en toda su magnitud. Con Narsil en la mano y el liderazgo de los hombres libres sobre sus hombros, la tercera temporada promete convertirlo en el héroe que todos esperábamos.

Elendil desenvaina Narsil en Los Anillos de Poder temporada 3, así conecta con Aragorn

¿Un puente hacia el retorno del rey?

Con esta jugada, Los Anillos de Poder se asegura de atraer tanto a los curiosos como a los veteranos de la saga. Conectar a Elendil con Aragorn no solo es un golpe de nostalgia, también un recordatorio de que las historias de la Tierra Media siempre se entrelazan. Los sacrificios de unos permiten las victorias de otros, y la luz de una espada puede atravesar siglos hasta volver a encenderse.

Todavía queda por ver cómo representará la serie las futuras batallas, pero una cosa es segura: Narsil ya está entre nosotros y su filo volverá a marcar el destino de la humanidad en la lucha contra la oscuridad.

¿Se une Robert Pattinson al DCU? Una foto en el set de Clayface enciende las teorías

Batman + Matt Reeves

Un simple detalle en el rodaje de Clayface ha desatado la especulación de los fans: ¿veremos al Batman de Robert Pattinson dentro del Universo DC?

La película Clayface, dirigida por James Watkins y con Tom Rhys Harries como el icónico villano, está en plena producción. Una imagen filtrada desde el set mostró una pegatina con el Bat-símbolo en un contenedor, lo que generó un intenso debate en redes sociales.

Aunque no existe confirmación oficial, muchos creen que se trata del emblema usado por el Batman de Pattinson, alimentando rumores sobre la posible unión entre The Batman de Matt Reeves y el nuevo DCU. Sin embargo, podría ser solo un Easter Egg sin mayor relevancia.

El filme, escrito por Mike Flanagan y Hossein Amini, se describe como un oscuro relato de terror corporal en el que un actor desfigurado recurre a la ciencia para cambiar radicalmente su cuerpo. Su estreno en cines está programado para el 11 de septiembre de 2026, mientras que The Batman Parte 2 llegará el 1 de octubre de 2027.

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