La historia secreta de Pennywise sigue creciendo, Welcome to Derry ya piensa en su temporada 2

Andy Muschietti confirma que el equipo creativo ya trabaja en nuevas historias para expandir el oscuro pasado de Derry y Pennywise

Durante décadas, Pennywise ha sido uno de los monstruos más inquietantes del terror moderno, pero la historia detrás de la criatura todavía guarda muchos secretos. La serie It: Welcome to Derry nació precisamente con esa idea: explorar el pasado del pueblo maldito que Stephen King convirtió en uno de los lugares más aterradores de la ficción. Y si la primera temporada ha abierto la puerta a ese universo, ahora sabemos que el viaje está lejos de terminar.

El entusiasmo alrededor del proyecto sigue creciendo. Andy Muschietti, director de las películas It y productor de la serie, ha dejado claro que el equipo creativo ya piensa en lo que viene después. Según ha explicado recientemente, el desarrollo de nuevas temporadas está muy presente, y el equipo se siente “felizmente comprometido” con seguir expandiendo la historia.

La historia secreta de Pennywise sigue creciendo, Welcome to Derry ya piensa en su temporada 2

El proyecto nació como una precuela ambientada décadas antes de los acontecimientos de las películas, pero pronto demostró que tenía mucho más que ofrecer. La serie no solo explora el pasado del pueblo de Derry, sino también la naturaleza misma del monstruo que lo acecha.

Durante los Saturn Awards de 2026, Muschietti comentó que las expectativas tras la primera temporada son muy altas, algo que el equipo creativo ve como un reto estimulante. Su intención, según explicó, es intentar que la continuación sea incluso más ambiciosa que lo que ya se ha visto.

Pero lo interesante es que la serie todavía tiene mucho margen para crecer. De hecho, desde HBO han dejado claro que estarían encantados de aprobar una segunda temporada en cuanto los creadores tengan una historia que realmente les entusiasme.

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HBO está lista para continuar la historia

La continuidad de la serie depende sobre todo del equipo creativo. Casey Bloys, presidente y CEO de contenidos de HBO y HBO Max, explicó hace unos meses que el proyecto no está en absoluto en pausa, sino que simplemente se encuentra en fase de desarrollo creativo.

“Fue un gran éxito para nosotros”, explicó Bloys. Según el ejecutivo, Andy y Barbara Muschietti están trabajando en ideas para la siguiente temporada, intentando encontrar una historia que realmente merezca la pena contar.

El principal desafío es evidente. A diferencia de las películas originales, la serie no se basa directamente en una novela concreta, lo que obliga a los guionistas a expandir el universo creado por Stephen King con material completamente nuevo.

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El oscuro pasado de Derry todavía tiene mucho que contar

Uno de los aspectos más interesantes de la serie es su enfoque temporal. Desde el principio, los creadores tuvieron claro que querían explorar la historia del pueblo hacia atrás, viajando cada vez más lejos en el pasado. Esto tiene sentido si recordamos un detalle importante del universo de It. Pennywise aparece en ciclos de 27 años, algo que conecta directamente con los eventos narrados en la novela y las películas.

Según Muschietti, el plan original siempre fue desarrollar la historia siguiendo esa lógica. Si la serie continúa, la segunda temporada se situaría 27 años antes de los acontecimientos mostrados en la primera.

Ese salto temporal nos llevaría hasta 1935, en plena Gran Depresión, un periodo que también aparece mencionado en el libro de Stephen King. Uno de los eventos clave que podría explorarse es la masacre de la banda Bradley, un episodio oscuro de la historia de Derry que encaja perfectamente con el tono de la serie.

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Pennywise y su relación con el tiempo

Uno de los conceptos más intrigantes introducidos en la serie es la forma en que Pennywise percibe el tiempo. A diferencia de los humanos, el monstruo no experimenta los acontecimientos de forma lineal.

Esta idea procede directamente de la novela de Stephen King, donde se menciona de forma ambigua que la criatura podría percibir pasado, presente y futuro simultáneamente. Para Muschietti, ese detalle fue clave al desarrollar la serie. Si el público ya sabe que Pennywise acabará derrotado en 2016, era necesario introducir un nuevo elemento de tensión que mantuviera el suspense.

La solución fue explorar la posibilidad de que la criatura pueda moverse a través del tiempo de una forma distinta, algo que abre la puerta a una historia mucho más compleja.

La animación japonesa y su impacto cultural en las nuevas generaciones de espectadores

Durante las últimas décadas, la animación japonesa ha pasado de ser un fenómeno relativamente limitado a convertirse en una de las formas de entretenimiento más influyentes entre jóvenes espectadores de todo el mundo. Lo que comenzó como una industria centrada principalmente en Japón terminó transformándose en una parte fundamental de la cultura audiovisual global. Series, películas y personajes provenientes de este universo narrativo hoy circulan con naturalidad en plataformas de streaming, redes sociales y comunidades de fans.

En ese contexto, el anime se consolidó como una de las expresiones más visibles de la animación contemporánea. Las nuevas generaciones crecieron viendo historias que combinan aventura, drama, ciencia ficción o fantasía con una sensibilidad narrativa diferente a la del entretenimiento occidental. Ese fenómeno explica por qué el anime dejó de ser considerado un producto de nicho para convertirse en una influencia cultural que atraviesa múltiples industrias creativas.

¿Qué es el anime?

Cuando se habla de anime, se hace referencia a la animación producida en Japón, un formato que comenzó a expandirse internacionalmente con fuerza durante los años noventa. Series como Dragon Ball, creada por Akira Toriyama y producida por el estudio Toei Animation, o Sailor Moon, basada en el manga de Naoko Takeuchi, introdujeron a millones de espectadores a un estilo visual y narrativo diferente al de los dibujos animados tradicionales.

Con el paso del tiempo, el anime se convirtió en algo más que entretenimiento infantil. Muchas producciones empezaron a explorar temas complejos como la identidad, la responsabilidad o el sacrificio. Esta profundidad temática permitió que las historias conectaran con públicos de distintas edades y consolidó a la animación japonesa como una forma legítima de narrativa audiovisual.

La animación japonesa y su impacto cultural en las nuevas generaciones de espectadores

Akira

Una de las obras más influyentes en la expansión internacional de la animación japonesa es Akira, la película dirigida por Katsuhiro Otomo y estrenada en 1988. Ambientada en una ciudad futurista llamada Neo-Tokyo, la historia combina ciencia ficción, política y elementos psicológicos para construir un relato intenso sobre el poder y la destrucción.

La importancia de Akira va más allá de su argumento. La película introdujo a muchos espectadores occidentales en un tipo de animación más adulta y sofisticada. Su estilo visual, su violencia explícita y su complejidad temática demostraron que la animación podía abordar historias tan ambiciosas como cualquier producción de acción real. Además, Akira influyó profundamente en el cine y en la cultura pop internacional. Directores de Hollywood, diseñadores de videojuegos y artistas visuales han citado la película como una referencia estética clave.

La animación japonesa y su impacto cultural en las nuevas generaciones de espectadores

Neon Genesis Evangelion

Otra obra fundamental dentro de la historia del anime es Neon Genesis Evangelion, creada por Hideaki Anno y estrenada en 1995. La serie combina combates de robots gigantes con una profunda exploración psicológica de sus personajes.

A primera vista, la historia parece seguir la estructura clásica de muchas series de ciencia ficción: adolescentes que pilotan máquinas gigantes para defender a la humanidad de criaturas misteriosas. Sin embargo, a medida que avanza la narrativa, la serie introduce temas relacionados con la soledad, la ansiedad y la identidad personal.

Esta mezcla de acción y reflexión psicológica convirtió a Neon Genesis Evangelion en una obra influyente dentro del medio. Incluso décadas después de su estreno, la serie continúa generando debates y análisis entre críticos y fans.

La animación japonesa y su impacto cultural en las nuevas generaciones de espectadores

Spirited Away

Dentro del cine de animación, pocas películas han tenido un impacto tan amplio como Spirited Away, dirigida por Hayao Miyazaki y producida por Studio Ghibli en 2001. La historia sigue a una niña llamada Chihiro que queda atrapada en un mundo de espíritus mientras intenta rescatar a sus padres. La película fue aclamada por su riqueza visual y por la sensibilidad de su narrativa. Miyazaki
construyó un universo fantástico lleno de criaturas extrañas, paisajes oníricos y personajes memorables.

El reconocimiento internacional de Spirited Away fue enorme. La película ganó el Oscar a mejor película animada en 2003 y consolidó a Studio Ghibli como uno de los estudios más respetados de la animación mundial.

Attack on Titan

En años más recientes, una de las series que demostró el alcance global del anime fue Attack on Titan, basada en el manga de Hajime Isayama. La adaptación animada comenzó en 2013 y rápidamente se convirtió en un fenómeno internacional.

La historia presenta un mundo donde la humanidad vive protegida por enormes murallas para defenderse de criaturas gigantes llamadas titanes. Más allá de su premisa de acción, la serie explora temas como la guerra, el poder político y las consecuencias de la violencia.

Gracias a su narrativa intensa y a su estilo visual impactante, Attack on Titan logró atraer tanto a espectadores veteranos del anime como a nuevos públicos que se acercaban por primera vez a este tipo de historias.

Naruto

Otro de los títulos que marcó a toda una generación es Naruto, basado en el manga de Masashi Kishimoto y adaptado al anime por el estudio Pierrot en 2002. La serie sigue la historia de Naruto Uzumaki, un joven ninja que sueña con convertirse en el líder de su aldea y ganarse el reconocimiento de quienes lo rodean.

Más allá de sus batallas y aventuras, Naruto destacó por el desarrollo emocional de sus personajes. La historia explora temas como la amistad, la perseverancia y la superación personal, elementos que resonaron con millones de espectadores jóvenes alrededor del mundo.

Durante más de una década, la serie se mantuvo como una de las franquicias más populares del anime, generando películas, videojuegos y una secuela titulada Boruto, centrada en la nueva generación de ninjas.

Death Note

Entre los animes que lograron atraer incluso a espectadores que no solían consumir animación japonesa se encuentra Death Note, basado en el manga de Tsugumi Ohba y Takeshi Obata. La adaptación animada fue producida por Madhouse y se estrenó en 2006.

La historia comienza cuando un estudiante brillante llamado Light Yagami encuentra un cuaderno sobrenatural que le permite matar a cualquier persona cuyo nombre escriba en sus páginas. A partir de ese momento se inicia un enfrentamiento intelectual entre Light y un misterioso detective conocido como L.

El atractivo de Death Note radica en su enfoque psicológico y en su constante juego de estrategias entre los personajes. La serie plantea preguntas éticas sobre el poder, la justicia y la moralidad, lo que la convirtió en una de las producciones más debatidas dentro del anime moderno.

El impacto cultural del anime en las nuevas generaciones

El crecimiento del anime demuestra que la animación japonesa ha logrado trascender fronteras culturales. Lo que comenzó como una industria nacional hoy influye en el cine, la televisión, los videojuegos y el arte digital en todo el mundo.

Para muchos jóvenes espectadores, el anime representa una forma diferente de contar historias. Sus personajes suelen enfrentar dilemas morales complejos y evolucionar a lo largo de narrativas extensas que permiten explorar su desarrollo emocional.

Esa combinación de imaginación visual, profundidad temática y conexión emocional explica por qué el anime continúa expandiendo su influencia cultural. Más que una simple forma de entretenimiento, se ha convertido en una puerta de entrada a nuevas maneras de entender la narrativa audiovisual en el siglo XXI.

Reseña de Spawn: Sam y Twitch Orígenes 1

Planeta Cómic nos trae un tomo con los inicios de Sam y Twitch en una serie que también supuso el estrellato para Brian Michael Bendis

Planeta Cómic ha tenido a bien premiar a los amantes del género detectivesco con una obra inolvidable como es la etapa de Brian Michael Bendis al cargo de un spin-off de Spawn que resultó ser una de las series más refrescantes de aquellos lejanos años noventa. Sam y Twitch están aquí para que te olvides del noir clásico y te sumerjas en la narración descomprimida del guionista de Cleveland más famoso.

Sam y Twitch

El detective más gordo y el más flaco de Nueva York

En 1992 Todd McFarlane creó Spawn y cambió para siempre la industria del cómic independiente americano. Se convirtió en el cómic independiente más exitoso de la historia, publicado en doce idiomas y vendido en treinta y siete países, adaptado a serie animada en HBO ganadora de un Emmy y a (olvidable) película. Spawn es un antiguo agente de operaciones especiales que regresa del infierno convertido en un soldado infernal con poderes sobrenaturales, un antihéroe envuelto en un traje vivo y situado en un universo de pesadilla donde el Cielo y el Infierno libran una guerra permanente sobre suelo humano. Los colores son oscuros, la violencia es explícita, el simbolismo es bíblico y la escala es cósmica.

En ese universo de caos y demonios, aparecieron desde el primer número dos personajes completamente distintos a todo lo demás. Eran el detective Samuel Burke, conocido como Sam, un tipo enorme, malhablado y con poca paciencia, y su compañero Maxwell Williams, apodado Twitch, un hombrecillo de aspecto frágil con gafas, bigote ralo y una puntería sobrehumana. Dos polis de homicidios de Nueva York sin poderes, sin traje mágico, sin conexión con el infierno. Solo una placa, una pistola y demasiadas noches sin dormir. Nunca fueron relegados a simple alivio cómico, pero resultaba un salto considerable sacarlos de un universo de superhéroes y horror sobrenatural para protagonizar su propio cómic de procedimiento policial.

Lo que cimentó la calidad del experimento fue que McFarlane tomó una decisión brillante para poner en pie la serie, y esta fue llamar a un escritor entonces prácticamente desconocido llamado Brian Michael Bendis. Esa fue la clave.

Reseña de Spawn: Sam y Twitch Orígenes 1

El nacimiento de un maestro

Bendis entró en el mundo del cómic en 1995 con la línea Jinx, una serie de cómics de crimen independiente publicada por Image Comics que incluye las novelas gráficas Goldfish, Fire, Jinx y Torso (con Marc Andreyko). Era un escritor de novela negra de culto, con tres sólidas obras criminales en su haber y cero presencia en el mainstream. Esta serie, lanzada en 1999, fue su primer encargo en un cómic de verdadera tirada, el trampolín que lo llevaría directamente a Marvel Comics, donde escribiría Ultimate Spider-Man desde su lanzamiento y acabaría siendo durante más de una década el escritor más vendido de la editorial. Aunque comenzó como escritor e ilustrador de ficción noir independiente, su salto a la fama llegó precisamente como guionista de cómics de superhéroes.

Lo que Bendis hizo con Sam y Twitch fue exactamente lo que sabía hacer mejor: ignorar por completo el entorno sobrenatural del universo Spawn y escribir novela negra pura. El primer y más largo arco de este tomo, Udaku, arranca cuando Sam y Twitch, recién reincorporados al cuerpo de policía de Nueva York, son asignados a un caso perturbador: aparecen varias partes del cuerpo en distintas escenas del crimen de toda la ciudad, y cuando los análisis de ADN revelan que todas pertenecen a la misma persona, la investigación se convierte en algo mucho más siniestro. El gancho es demoledor: cuatro pulgares encontrados en una escena del crimen. Ninguna de las víctimas tiene un pulgar de menos. ¿Cómo no querer seguir leyendo? El siguiente arco aquí incluido, Witchcraft, lleva a los detectives a una investigación sobre asesinatos rituales de brujos en Central Park, donde el universo Spawn filtra su presencia sobrenatural de manera mucho más sutil y atmosférica que en la serie madre.

Lo que distingue este trabajo del resto del universo Spawn es, fundamentalmente, el ritmo. Bendis construye la tensión mediante conversación. Páginas enteras de diálogo entre dos personajes en una sala de interrogatorios. Intercambios cortantes entre Sam y su compañero. Monólogos interiores que revelan el peso de años de ver lo peor de la humanidad. Hay indicios de que este es todavía un Bendis relativamente novato. En ocasiones fuerza partes del argumento sin demasiada convicción, se deja llevar por las conversaciones sin calcular del todo cómo quedarán en la página y la dinámica de los dos inadaptados incomprendidos contra el mundo carece a veces de la solidez que tendría más adelante en su carrera. Lo que compensa con creces todo eso es el fino desarrollo de los personajes protagonistas, una trama de ritmo trepidante, diálogos que chispean y un par de giros muy bien ejecutados.

Reseña de Spawn: Sam y Twitch Orígenes 1

Herederos de McFarlane

El apartado gráfico interior corre a cargo de Angel Medina, que tiene un estilo muy particular que funciona tanto en las pequeñas viñetas de diálogo como en las grandes escenas de acción. La consistencia visual con los personajes tal como los dibujaba McFarlane es uno de sus méritos, aunque su trabajo puede resultar caótico en ocasiones. Medina no es un dibujante de precisión quirúrgica, y en algunos números esa energía descontrolada puede dificultar el seguimiento de la acción. Pero hay algo en la suciedad de su trazo que encaja perfectamente con el tono de las calles de Nueva York que Bendis construye.

Donde el tomo se vuelve visualmente lujoso es en las portadas. Todas ellas están firmadas por Ashley Wood, cuyo trabajo pictórico, gestual y atmosférico contrasta enormemente con el interior y eleva el conjunto a otro nivel estético. Las portadas de Wood son pequeñas obras de arte que casi justifican el volumen por sí solas.

Hay que hacer mención, sin embargo, a un defecto de la edición española (heredado de la edición original, las cosas como son) que no pasa desapercibido. Y es que la rotulación deja bastante que desear. Esos texto sin globos de diálogo a veces resultan demasiado confusos, se mezclan con el color de la viñeta y a pesar de que la intención parece dejar respirar a las viñetas para que no se vean encorsetadas por un millar de bocadillos, el resultado en realidad es que acaban produciendo problemas en la lectura, convirtiendo la experiencia del lector en ocasiones en algo arduo.

Este cómic será una gran adquisición para el lector que quiera ver de dónde viene uno de los escritores más importantes del cómic de los últimos treinta años antes de que se convirtiera en estrella. También para el fan de Spawn que quiera explorar los rincones más oscuros y humanos de ese universo y para quien disfruta del noir urbano y no le importa que el cadáver al que investigan tenga cuatro pulgares de más. Una reliquia histórica y una lectura genuinamente sólida, con una rotulación que ojalá estuviera a la altura del resto.

Este tomo que nos trae Planeta Cómic, de tapa dura y con un tamaño de página de 16.8 x 25.7 cm, está formado por un total de 328 páginas a todo color e incluye los trece primeros números de la serie Sam and Twitch. Se publicó en marzo de 2026 y su precio es de 40€.


Reseña de Spawn: Sam y Twitch Orígenes 1

Spawn: Sam y Twitch Orígenes 1

Un recopilatorio que sin duda gustará tanto a los aficionados al crimen real como a los amantes del cómic.

Desde las oscuras calles y los rincones más sórdidos de la ciudad de Nueva York llegan dos de los detectives más avezados de la policía de Nueva York: Sam y Twitch. Salidos directamente de las páginas de Spawn, el cómic superventas de Todd McFarlane, estos inusitados héroes tienen cierta tendencia a estar en el lugar adecuado en el momento erróneo.

En primer lugar, únete a Sam Burke y a “”Twitch”” Williams cuando les piden que investiguen una serie de misteriosos asesinatos entre mafiosos, con un componente bio-sobrenatural, en el aclamado arco argumental “”Udaku””. A continuación, sigue a los funcionarios públicos de Nueva York mientras resuelven los crímenes de unos asesinatos en Central Park relacionados con “”Brujería””.

Lánzate de cabeza mientras Brian Michael Bendis (Jinx, Ultimate Spider-Man) y los dibujantes Angel Medina (Spawn, The Amazing Spider-Man) y Alberto Ponticelli (Unknown Soldier) crean una nueva y sombría visión de Manhattan. Ashley Wood (Hellspawn, Popbot) también aporta su talento para realzar aún más la atmósfera de la serie con unas memorables ilustraciones de portada.

Sam y Twitch: Orígenes Vol. 1 reúne los trece primeros números de esta innovadora serie. Este recopilatorio, que sin duda gustará tanto a los aficionados al crimen real como a los amantes del cómic, también incluye una galería de ilustraciones y una mirada entre bastidores junto al guionista de la serie.

Autores: Todd McFarlane, Brian Michael Bendis, Angel Medina y Ashley Wood

Punisher vuelve con un especial único en streaming este mayo

El regreso más brutal de Marvel llega a Disney+ con The Punisher: One Last Kill

El icónico antihéroe de Marvel regresa con fuerza. Tras sus recientes apariciones en Daredevil: Born Again y en el avance de Spider-Man: Brand New Day, la versión de Frank Castle interpretada por Jon Bernthal protagonizará un especial en solitario en Disney+.

Bajo el título The Punisher: One Last Kill, este proyecto no será una serie tradicional, sino una “Presentación Especial de Marvel Television”, es decir, una historia autoconclusiva. El personaje, que debutó en la televisión de Marvel a través de Daredevil en Netflix, ya había tenido su propia serie durante dos temporadas en esa misma plataforma.

Creado en 1974 por Gerry Conway, John Romita Sr. y Ross Andru, el personaje se consolidó como uno de los más populares de Marvel, llegando a protagonizar varias colecciones simultáneamente en los años 90. Antes de Bernthal, fue llevado al cine por actores como Dolph Lundgren, Thomas Jane y Ray Stevenson.

El especial se estrenará el 12 de mayo, justo después del final de la nueva temporada de Daredevil: Born Again, prometiendo una dosis intensa de acción para los fans del universo Marvel.

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Netflix apuesta por Powers con una nueva versión animada

Una nueva vida para Powers en animación

Netflix, en colaboración con Dark Horse Entertainment, prepara una adaptación animada para adultos del cómic Powers, creado por Brian Michael Bendis y Michael Avon Oeming. A diferencia de la serie de acción real estrenada en 2016 —que tuvo un buen inicio pero perdió fuerza en su segunda temporada—, este nuevo proyecto busca relanzar la historia con un enfoque renovado. El propio Bendis escribirá el episodio piloto, mientras que Oeming participará en el desarrollo visual.

Publicada por primera vez en 2000 y galardonada con varios premios Eisner, Powers sigue a los detectives Christian Walker y Deena Pilgrim, encargados de investigar crímenes relacionados con personas con superpoderes en una ciudad corrupta.

  • Netflix apuesta por Powers con una nueva versión animada
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La trama arranca con el asesinato de Retro Girl, una icónica superheroína cuya muerte sacude al mundo. La investigación llevará a los protagonistas desde los rincones más oscuros hasta las élites poderosas, destapando secretos inquietantes y obligando a Walker a enfrentarse a su propio pasado.

Powers

La 5ª temporada de The Boys enfría una teoría muy popular sobre la muerte de Homelander

The Boys

Eric Kripke aclara el papel de Gen V y desmonta una de las especulaciones más repetidas entre los fans de The Boys

La 5ª temporada de The Boys enfría una teoría muy popular sobre la muerte de Homelander

Durante meses, muchos fans de The Boys han estado convencidos de que el destino final de Homelander ya estaba escrito. La teoría parecía tener sentido: un personaje introducido en el spin-off Gen V poseía justo el tipo de poder que podría acabar con el villano más temido de la serie. Internet hizo el resto y la idea empezó a circular con fuerza entre la comunidad. Sin embargo, Eric Kripke ha decidido cortar esas expectativas de raíz. El creador del universo televisivo de The Boys ha hablado recientemente sobre cómo encaja Gen V dentro de la quinta temporada, y sus palabras dejan claro que algunas teorías populares probablemente no se harán realidad.

Una temporada 5 que viene muy cargada

La quinta temporada de The Boys llegará a Prime Video el 8 de abril de 2026, y servirá como conclusión definitiva de la historia que la serie ha construido durante años. Con Homelander cada vez más descontrolado y el mundo al borde del caos, todo apunta a que veremos un desenlace tan salvaje como cabría esperar.

Pero antes de que llegue ese final, Kripke ha querido responder a una duda muy concreta que muchos espectadores se hacían: ¿es necesario ver Gen V para entender la temporada final?

Gen V no es obligatorio para entender The Boys

En una entrevista con SFX Magazine, el showrunner fue bastante directo sobre este punto.

Gen V no es visionado obligatorio”, explicó Kripke.

La serie derivada aporta contexto adicional, especialmente para algunos personajes secundarios, pero no es una pieza imprescindible para seguir la trama principal de The Boys.

El propio Kripke puso un ejemplo concreto. En la quinta temporada veremos a Sister Sage emocionalmente afectada por su breve relación con Thomas Godolkin, algo que ocurre en la segunda temporada de Gen V.

Si viste Gen V, entenderás un poco mejor por qué ocurre eso”, señaló el productor.

La historia principal seguirá centrada en The Boys

Aun así, el creador dejó claro que ese tipo de conexiones serán relativamente superficiales. La prioridad sigue siendo cerrar la historia de los personajes que han protagonizado la serie desde el principio.

Kripke explicó que el equipo creativo no quiere que el spin-off eclipse la narrativa principal.

La gente debería estar preparada para que los chicos de Gen V no lleguen a salvar la temporada”.

Con esta frase, el showrunner dejó claro que los personajes jóvenes del spin-off no van a convertirse en los héroes del final.

La 5ª temporada de The Boys enfría una teoría muy popular sobre la muerte de Homelander

Kripke no quiere convertir la saga en un multiverso

El motivo detrás de esta decisión también es bastante revelador. Kripke no quiere que la franquicia acabe pareciéndose a un universo cinematográfico lleno de cruces constantes entre series.

Según explicó, la historia de The Boys lleva desarrollándose cinco años, y ahora toca darle un cierre coherente.

Hemos seguido a The Boys durante cinco años y es hora de llevar esa historia a su conclusión. No estoy aquí para hacer un multiverso loco de Marvel. Quiero terminar esa historia bien”.

La declaración deja bastante claro que la temporada final será un cierre para la trama original, no una excusa para expandir indefinidamente el universo.

La teoría de Marie Moreau contra Homelander pierde fuerza

Las palabras del creador también afectan directamente a una teoría que llevaba tiempo circulando entre los fans.

Desde el estreno de Gen V, muchos espectadores habían especulado con que Marie Moreau, interpretada por Jaz Sinclair, sería la clave para derrotar a Homelander.

El motivo es evidente: Marie puede manipular la sangre, un poder extremadamente peligroso que, en teoría, podría afectar incluso a un superhéroe tan poderoso como el líder de Los Siete.

Un final que pertenece a los protagonistas originales

Durante meses, algunos fans imaginaron un final en el que Marie utilizaría sus habilidades para acabar con el reinado de terror de Homelander. Pero si los personajes de Gen V no van a tener un papel central, esa posibilidad pierde bastante fuerza.

La 5ª temporada de The Boys enfría una teoría muy popular sobre la muerte de Homelander

Eso no significa que los estudiantes de Godolkin University no aparezcan en la temporada final. Lo más probable es que tengan apariciones puntuales o pequeños cruces con la historia principal, ampliando el universo sin cambiar el foco de la narrativa.

En cualquier caso, todo apunta a que el desenlace de la serie seguirá centrado en Butcher, Hughie, Starlight y el resto de personajes que han llevado el peso de la historia desde el principio.

Y con Homelander cada vez más desatado, la gran pregunta sigue en el aire: ¿quién será finalmente capaz de detenerlo?

El misterioso spin-off de Jimmy Olsen en el nuevo DC universe empieza a tomar forma

Jimmy Olsen

La serie derivada de Superman protagonizada por Jimmy Olsen promete algo que rara vez se ha visto en historias de superhéroes

El misterioso spin-off de Jimmy Olsen en el nuevo DC universe empieza a tomar forma

A simple vista, Jimmy Olsen siempre ha sido “el amigo fotógrafo de Superman”, el tipo que aparece en la redacción del Daily Planet con una cámara colgada al cuello y un comentario ingenioso preparado. Pero el nuevo DC Universe de James Gunn parece decidido a darle mucho más protagonismo al personaje… y lo que se está preparando podría sorprender incluso a los fans veteranos de DC. Mientras el futuro cinematográfico del Hombre de Acero ya tiene continuidad asegurada, una nueva serie derivada centrada en Jimmy Olsen está avanzando discretamente entre bastidores.

Un fotógrafo que podría convertirse en protagonista absoluto

El proyecto nace directamente del éxito de Superman, la película estrenada en julio de 2025 en Estados Unidos que inauguró oficialmente el nuevo DCU liderado por James Gunn. Aquella cinta presentó a David Corenswet como Clark Kent, acompañado por Nicholas Hoult como Lex Luthor y Rachel Brosnahan como Lois Lane.

Dentro de ese reparto también destacó Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, una versión del personaje que recuperaba el tono más clásico del periodista curioso y algo imprudente que los fans conocen desde los cómics.

La expansión del nuevo DC universe continúa

Tras ese debut, DC Studios ya tiene en marcha la secuela cinematográfica titulada Man of Tomorrow, prevista para 2027. Sin embargo, el estudio también está apostando por expandir el universo con proyectos televisivos, y uno de los más curiosos será precisamente esta serie centrada en Jimmy.

La idea es explorar una historia paralela dentro del mundo de Superman, mostrando lo que ocurre lejos del foco del héroe mientras periodistas y detectives se enfrentan a misterios que también forman parte de ese universo.

Una serie que mezclará crimen, misterio y comedia

Los responsables creativos del proyecto son Tony Yacenda y Dan Perrault, conocidos por la serie American Vandal, una producción que destacó por su mezcla de humor absurdo y misterio al estilo documental.

En una entrevista con The Direct, Perrault confirmó que el título definitivo aún no se ha anunciado. Durante un tiempo se especuló con que la serie se llamaría DC Crime, aunque el propio James Gunn desmintió esa información.

Un título que todavía sigue siendo secreto

Según el guionista, el equipo creativo todavía está evaluando distintas opciones para el nombre del proyecto.

Es un título diferente que aún no se ha anunciado. La semana pasada estuvimos barajando varios nombres. Nos gustan varios de ellos, pero lo único que puedo decir es que no se llamará Untitled Jimmy Olsen Show.

Más allá del título, lo interesante está en el enfoque creativo. Perrault explicó que la serie se moverá en un terreno que él y Yacenda conocen muy bien: el de la comedia criminal con misterio.

El misterioso spin-off de Jimmy Olsen en el nuevo DC universe empieza a tomar forma

Un enfoque nuevo dentro del género de superhéroes

El guionista dejó claro que la serie pretende utilizar herramientas narrativas que rara vez se han aplicado a historias de superhéroes.

Es un territorio muy cómodo para Tony Yacenda y para mí. Llevamos mucho tiempo trabajando en ese tipo de historias de crimen, misterio y comedia… Hay herramientas de ese estilo que podemos aplicar aquí y que creo que nunca se han visto en el género de superhéroes.

Esto sugiere que la producción podría alejarse del tono épico tradicional del DCU para apostar por una narrativa más detectivesca y satírica, algo que encajaría muy bien con el carácter curioso y algo imprudente de Jimmy Olsen.

Gorilla Grodd podría ser el gran villano de la temporada

Aunque los detalles argumentales siguen siendo un secreto, Deadline reveló un dato bastante llamativo sobre la primera temporada.

Según el medio, la historia estaría centrada en Gorilla Grodd, uno de los villanos más conocidos de The Flash. Este personaje apareció por primera vez en los cómics en 1959 y es un gorila hiperinteligente con poderes psíquicos que suele intentar dominar la mente de la humanidad.

Una amenaza inesperada para el Daily Planet

La presencia de Grodd sugiere que la serie podría combinar periodismo de investigación con elementos más extravagantes del universo DC, algo que encajaría bastante bien con el tono de comedia criminal que los creadores quieren explorar.

También abre la puerta a que el proyecto conecte con otros personajes del DCU, especialmente con los relacionados con Central City o con el propio Flash.

El DC universe sigue ampliando su mundo televisivo

El spin-off de Jimmy Olsen forma parte de la estrategia de James Gunn y Peter Safran para construir un universo interconectado entre cine y televisión. La idea es que cada proyecto tenga su propia identidad, pero que todos compartan continuidad.

En ese sentido, la serie podría explorar el lado más cotidiano del mundo de Superman, mostrando el trabajo periodístico del Daily Planet mientras se cruzan casos extraños, conspiraciones o villanos inesperados.

El misterioso spin-off de Jimmy Olsen en el nuevo DC universe empieza a tomar forma

Un personaje con una historia muy peculiar en los cómics

Además, Jimmy Olsen siempre ha tenido una trayectoria curiosa dentro del universo DC. Durante los años 50 y 60 llegó a protagonizar su propia colección, Superman’s Pal Jimmy Olsen, donde vivía aventuras cada vez más extravagantes.

Si el nuevo DCU recupera parte de ese espíritu, la serie podría convertirse en uno de los proyectos más originales de la franquicia.

Por ahora, la producción desarrollada por Warner Bros. Television todavía no tiene fecha de estreno en HBO Max. Pero con la expansión del DCU en marcha, todo apunta a que pronto conoceremos más detalles… incluido ese título que, de momento, sigue siendo un misterio.

Boom Studios sacude la industria del cómic con despidos y una profunda reorganización interna

BOOM! Studios

Boom Studios entra en una nueva etapa tras su integración en Penguin Random House y ya hay consecuencias dentro de la compañía

Durante años, Boom Studios se ha ganado un lugar importante dentro del cómic estadounidense, combinando series originales, licencias potentes y proyectos de autor que han logrado atraer tanto a lectores veteranos como a nuevos fans. Sin embargo, los cambios dentro de la editorial están siendo inevitables tras su integración en el gigante editorial Penguin Random House.

La compañía ha iniciado una nueva ronda de despidos y movimientos ejecutivos, una señal clara de que la editorial está adaptándose a una estructura corporativa más amplia dentro del grupo Random House Worlds. Este proceso forma parte de la reorganización iniciada después de que Penguin Random House adquiriera Boom Studios en 2024.

Reestructuración en Boom Studios tras su compra

Según los cambios anunciados, Michael Kelly se integrará en el equipo de liderazgo de Random House Worlds mientras continúa al frente de Boom Studios como vicepresidente y editor. En esta nueva estructura, Kelly pasará a reportar directamente a Keith Clayton, responsable del grupo editorial que engloba varios sellos importantes como Random House Worlds, Del Rey, Inklore y la propia Boom Studios.

Power Rangers - BOOM Studios

Por su parte, Julie Leung ampliará sus responsabilidades dentro del grupo, incorporando también la supervisión de Boom Studios. Desde su puesto como vicepresidenta y editora adjunta de Random House Worlds, Leung coordinará áreas clave como publicación, operaciones y planificación empresarial dentro del conjunto de sellos editoriales.

Esta reorganización busca integrar mejor los procesos editoriales y operativos entre los distintos sellos, algo habitual cuando una empresa más pequeña pasa a formar parte de un gran grupo editorial.

Cambios en publicación, ventas y marketing

Los ajustes no se limitan solo a los puestos directivos. Varias áreas estratégicas también han sido reorganizadas para alinearse con la estructura global de Penguin Random House.

En el área editorial, Alex Larned ha sido ascendido a editor asociado para Del Rey y Random House Worlds, mientras que Marcelle Iten Busto ocupará ahora el puesto de asociada editorial. Además, Logan Balestrino, responsable de operaciones editoriales en Inklore, también pasará a reportar a Julie Leung, reforzando la coordinación entre los distintos sellos.

boom studio

En paralelo, el área de negocio directo al consumidor y desarrollo comercial se ampliará para cubrir todos los sellos del grupo Random House Worlds. Bryce Carlson asumirá el puesto de vicepresidente de desarrollo de negocio y proyectos especiales, supervisando iniciativas como campañas en Kickstarter, programas de venta directa y relaciones con licenciatarios.

También se han producido cambios en ventas y distribución. Josh Hayes ha sido nombrado director de ventas de sellos, encargándose de coordinar la distribución de Boom Studios, Inklore y los proyectos directos al consumidor.

Despidos y salidas dentro de la editorial

Más allá de los cambios organizativos, la reestructuración también ha implicado despidos dentro de la compañía. Uno de los casos más visibles es el de Anthony Mauro, hasta ahora gerente asociado de marketing en Boom Studios.

El propio Mauro compartió la noticia en redes sociales, explicando que su salida se produjo tras esta nueva reorganización posterior a la adquisición. Aun así, el profesional se mostró agradecido por su etapa en la editorial.

Boom Studios sacude la industria del cómic con despidos y una profunda reorganización interna

Según explicó: “Mi tiempo en BOOM! Studios ha sido un sueño hecho realidad. He podido trabajar con algunos de los mejores creadores, licencias y equipos de la industria.”

Curiosamente, su último gran proyecto dentro de la editorial fue el anuncio del relanzamiento de los cómics de Mighty Morphin Power Rangers, una de las licencias más exitosas de la compañía en los últimos años.

Otra salida relevante en el sello Archaia

Los cambios también han afectado al sello Archaia, una de las divisiones editoriales de Boom Studios. Kwanza Osajyefo Johnson, cocreador del cómic Black, ha dejado su puesto como editor ejecutivo, cargo que había asumido apenas el pasado mes de junio.

El propio autor explicó la situación con cierta ironía en redes sociales, señalando que la reestructuración del sello provocó la desaparición de su puesto dentro de la editorial.

Boom Studios sacude la industria del cómic con despidos y una profunda reorganización interna

El nuevo futuro de Boom Studios

Fundada en 2005 por Ross Richie y Andrew Cosby, Boom Studios se convirtió con el tiempo en una de las editoriales independientes más influyentes del cómic norteamericano, gracias a series originales, adaptaciones y colaboraciones con grandes franquicias.

Ahora, bajo el paraguas de Penguin Random House, la editorial entra en una nueva etapa marcada por la integración empresarial y los ajustes internos. Como suele ocurrir en este tipo de adquisiciones, el proceso implica tanto oportunidades de crecimiento como cambios profundos en la estructura de la compañía.

Habrá que ver cómo afecta esta reorganización al futuro creativo del sello, especialmente en un momento en el que la industria del cómic sigue atravesando una transformación constante entre grandes conglomerados editoriales, licencias multimillonarias y nuevos modelos de distribución.

La audiencia de One Piece cae y el sueño de 12 temporadas en Netflix empieza a tambalearse

El descenso de espectadores en la temporada 2 de One Piece abre dudas sobre el ambicioso plan a largo plazo de la adaptación

Los fans de One Piece están viviendo una auténtica travesía con la adaptación de Netflix, pero las últimas cifras de audiencia han encendido algunas alarmas dentro de la industria. Aunque la serie sigue siendo uno de los proyectos más ambiciosos del streaming, los datos de su segunda temporada sugieren que el camino hacia ese enorme plan narrativo podría ser más complicado de lo que parecía al principio.

La noticia llega justo cuando la plataforma sigue apostando fuerte por el universo creado por Eiichiro Oda, pero el descenso de espectadores en los primeros días de estreno de la temporada 2 ha generado dudas sobre la viabilidad de llevar la historia hasta el final del manga en formato televisivo.

La audiencia de One Piece en Netflix

Según datos recogidos por Forbes, la segunda temporada consiguió 16,8 millones de visualizaciones en sus primeros cuatro días, una cifra considerable, pero inferior a la que obtuvo la primera entrega en el mismo periodo. En concreto, hablamos de 1,7 millones de reproducciones menos, un descenso que, aunque no es dramático, sí resulta significativo cuando se analiza el contexto.

one piece

La serie había debutado con una enorme expectación, impulsada tanto por los seguidores del manga como por el éxito del boca a boca tras su estreno inicial. Ese impulso inicial convirtió a One Piece en uno de los lanzamientos más comentados de Netflix, algo que elevó las expectativas de cara a su futuro.

Pero las producciones de esta escala viven o mueren según su rendimiento, y en este caso el listón está particularmente alto. Cada episodio de la serie tiene un coste aproximado de 18 millones de dólares, lo que la sitúa entre las producciones televisivas más caras de la plataforma.

Un plan gigantesco para adaptar el manga

El equipo creativo nunca ha ocultado sus ambiciones con la serie, y desde muy pronto comenzaron a hablar de planes a largo plazo. El productor Marty Adelstein explicó recientemente que el material original da para muchísimo contenido.

La audiencia de One Piece cae y el sueño de 12 temporadas en Netflix empieza a tambalearse

Hay muchísimo material”, comentó Adelstein en una entrevista. “Podríamos planificar seis temporadas fácilmente, pero sinceramente pensamos en algo incluso mayor”.

La razón es evidente: el manga de Eiichiro Oda supera ya los 1.080 capítulos, una cifra que hace casi imposible una adaptación completa si el proyecto no se extiende durante muchos años.

Sin embargo, llevar una serie de acción real hasta las 12 temporadas sería algo extremadamente raro incluso para Netflix.

El problema de la longevidad en Netflix

En la historia reciente de la plataforma, muy pocas series han alcanzado una duración tan extensa. De hecho, uno de los ejemplos más longevos es Virgin River, que está a punto de superar las ocho temporadas.

La audiencia de One Piece cae y el sueño de 12 temporadas en Netflix empieza a tambalearse

Otros títulos populares como Orange Is the New Black o Grace and Frankie también lograron mantenerse durante muchos años, pero incluso ellas se quedaron lejos de una cifra tan ambiciosa como doce temporadas.

Por eso el descenso en audiencia de la segunda temporada resulta tan relevante. Aunque las cifras siguen siendo sólidas, cualquier señal de desgaste puede complicar el futuro de una serie tan cara.

El viaje por el Grand Line continúa

A pesar de estas dudas, Netflix ya está trabajando en la tercera temporada, lo que demuestra que el proyecto sigue siendo una prioridad para la plataforma.

La audiencia de One Piece cae y el sueño de 12 temporadas en Netflix empieza a tambalearse

En la segunda entrega, Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy) y la tripulación del Sombrero de Paja continúan su aventura hacia el Grand Line, un territorio lleno de peligros, criaturas extrañas y enemigos cada vez más poderosos.

Durante esta nueva etapa, los protagonistas se enfrentan a los asesinos de Baroque Works y conocen a uno de los personajes más queridos por los fans: Tony Tony Chopper.

La llegada de este peculiar médico reno es uno de los momentos más esperados por quienes conocen el manga y el anime, y representa solo una pequeña muestra de todo lo que queda por explorar en este vasto universo.

El futuro de la serie todavía está lejos de decidirse, pero los próximos meses serán clave para comprobar si la aventura de Luffy en acción real tiene realmente el viento a favor para navegar durante una década… o si el sueño de esas doce temporadas acabará quedándose en el puerto.

Daredevil: Born Again (T2) — El Diablo Rojo no tiene techo (crítica)

Daredevil: Born Again

Ocho episodios que escalan sin freno: Bullseye se desata, Kingpin da el salto definitivo y Matt Murdock empieza a perder la guerra antes de ganarla. La segunda temporada de Daredevil: Born Again es más oscura, más ambiciosa y, por momentos, devastadora.

Sangre en el blanco: Daredevil: Born Again regresa más oscuro que nunca

Que la primera temporada de Daredevil: Born Again recuperara el espíritu de la mítica serie de Netflix no era garantía de nada. Las segundas temporadas son trampas: o se conforman con repetir la fórmula, o arriesgan demasiado y pierden el rumbo. Dario Scardapane y los directores Justin Benson y Aaron Moorhead han apostado por lo segundo, con resultados que en su mejor momento son genuinamente emocionantes y, en su peor, dejan la sensación de que el potencial es tan grande que ni ocho episodios alcanzan para contenerlo.

El punto de partida es el caos: Wilson Fisk ejerce como alcalde de Nueva York con ley marcial implícita, toque de queda para los vigilantes y una Anti-Vigilante Task Force que actúa con violencia tasada. Matt Murdock resiste desde las sombras con un lema de tres palabras —resistir, rebelarse, reconstruir— que suena bien en un cartel y duele mucho en la práctica. La segunda temporada no suaviza esa premisa: la escala de violencia va en aumento capítulo a capítulo, como el lado oscuro de uno de sus protagonistas que avanza con la lógica inexorable de una marea.

Bullseye: el espejo roto

Si hay un elemento que eleva esta temporada por encima de la anterior es la figura de Bullseye. El personaje vuelve aquí dándolo absolutamente todo. La acción que genera no es solo espectacular en términos coreográficos —aunque lo es— sino que tiene una carga dramática propia. La frase que el asesino lanza sin inmutarse, ‘soy de los buenos’, concentra toda la desvergüenza irónica del personaje: alguien capaz de hacer el bien y el mal con idéntica precisión y sin una gota de culpa.

"Bullseye no es un antagonista. Es un espejo roto en el que Daredevil no quiere mirarse."

La serie no tarda en explotar las similitudes entre los dos personajes: la puntería —y la chulería con la que ambos la exhiben—, la forma de pelear, la economía de movimientos, el placer casi maníaco que se asoma cuando están en su elemento. Donde Daredevil canaliza esa ira hacia el bien (entre comillas, como señala el propio equipo creativo), Bullseye la deja fluir sin filtros. El contraste es tan nítido que resulta incómodo, que es exactamente como debe sentirse.

Daredevil: Born Again

Su agenda no se agota en la acción directa. Bullseye también encuentra tiempo para hacerle la puñeta a Vanessa Fisk, la esposa de Kingpin, con una eficacia que plantea la pregunta obvia: ¿tiene más planes? La respuesta que da la temporada es, deliberadamente, ambigua, y es de las pocas promesas que se reservan para la tercera entrega.

Fisk: el blanco que se mancha

El capítulo 7 pide una atención especial desde sus primeros segundos: It Ain’t Easy de David Bowie suena como advertencia antes de que veamos algo significativo. El traje de Fisk como alcalde ha sido siempre blanco inmaculado, símbolo de una pulcritud tan performativa como falsa. En este episodio aparece un detalle que rompe ese blanco: un elemento que señala, sin necesitar de subtítulos, la evolución oscura de su ser interior. Quienes llevan tiempo siguiendo a Kingpin saben que su aparente tranquilidad es la superficie de un volcán. En esta temporada, el volcán empieza a mostrar grietas.

Daredevil: Born Again

La serie saca partido de la tensión entre Fisk y Vanessa con una sutileza que no siempre se le reconoce al MCU. El enfrentamiento entre Heather y Karen añade otra capa al conflicto doméstico de los Fisk, convirtiendo lo que podría ser drama de relleno en un movimiento de tablero perfectamente calculado.

El peso de los flashbacks y los reencuentros

Daredevil: Born Again

A mitad de temporada tenemos un capítulo que es uno de los más generosos en términos de personajes. Aprovechando la convalecencia de uno de los protagonistas, el guion tira del recurso del flashback para traer de vuelta a varias caras que el espectador no esperaba ver, y que en muchos casos llevaba años esperando. Funciona porque no es nostalgia gratuita: los regresos tienen consecuencias narrativas reales. Las subtramas —qué hacer con lo correcto cuando lo correcto no es conveniente, cómo se gestiona un acusado ante la ley cuando la ley misma está comprometida— avanzan en paralelo con la filtración de información desde el ayuntamiento, que hila fino durante varias semanas.

El final de ese quinto episodio es de los que duelen. Trágico, emotivo y necesario para que la historia que viene tenga el peso que merece.

"El capítulo 5 regala varios de los minutos más emotivos que ha dado el MCU en mucho tiempo."

Conexiones y escalada

Uno de los episodios arranca directamente desde la tragedia, y no mira para otro lado. Un nuevo/viejo personaje hace su entrada de manera que conecta con el primer capítulo de la primera temporada —un guiño que los seguidores de la saga apreciarán— y el cuadro blanco, ese elemento omnipresente que la serie ha convertido en símbolo de la ambición sin escrúpulos de Fisk, vuelve a ocupar primer plano. Los desenlaces se acumulan, la violencia crece, y el arco moral de uno de los protagonistas principales dobla un ángulo que se ha ido sembrando con paciencia.

El juicio

No podía faltar, ya que una de las características intrínsecas de nuestro protagonista es la abogacía. La temporada cierra con un juicio a uno de los personajes principales que la serie ha sabido construir durante semanas. La tensión procesual que mejor domina esta serie —heredada directamente de la tradición de la etapa Netflix— se despliega aquí con un testigo sorpresa y una revelación que reorganiza el tablero.

No es un final cerrado. Es, conscientemente, el inicio de algo más grande: varios hilos argumentales quedan preparados para la tercera temporada, cuyo estreno está previsto para marzo de 2027.

Daredevil: Born Again

El desenlace se ha cocinado a fuego lento, como manda el registro de esta serie. No hay atajos. Tampoco hay promesas que no se puedan cumplir.

Balance

Daredevil: Born Again llega a su segunda temporada más segura de sí misma y más oscura que nunca. La incorporación de algunos nuevos personajes —cuya aparición el showrunner Scardapane describió como ‘uno de los elementos más satisfactorios’— amplía el universo urbano de Marvel sin diluirlo. Charlie Cox lleva a Matt Murdock a un territorio donde la ira y la vocación de justicia son casi indistinguibles. Y Vincent D’Onofrio sigue siendo la presencia que sostiene cualquier escena en la que aparece. Tanto que a veces dudo de si la serie debería llamarse Kingpin.

Daredevil: Born Again

Si la primera temporada era un regreso, esta segunda es una declaración de intenciones. El MCU no siempre ha sabido qué hacer con su lado más oscuro. Aquí, ese lado es el protagonista.

Serie: Daredevil: Born Again, temporada 2
Plataforma: Disney+
Estreno: 25 de marzo de 2026 (estreno semanal)
Episodios: 8 capítulos
Reparto principal: Charlie Cox, Vincent D’Onofrio, Deborah Ann Woll, Krysten Ritter, Tony Dalton
Showrunner: Dario Scardapane
Directores: Justin Benson y Aaron Moorhead
Valoración: ★★★★☆