Capitana Marvel volvería con fuerza en Vengadores: Secret Wars

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Un nuevo rumor de Vengadores: Secret Wars asegura que Carol Danvers tendría un rol clave en el cierre de la Saga del Multiverso

Marvel Studios sigue guardando muchos secretos sobre las próximas películas de los Vengadores, pero un reciente rumor señala que la Capitana Marvel de Brie Larson podría convertirse en una pieza importante de Vengadores: Secret Wars. La información fue compartida por el insider @MyTimeToShineH.

Aunque Carol Danvers no aparece entre los nombres confirmados para Vengadores: Doomsday, las filtraciones apuntan a que sí tendría un papel destacado en Secret Wars, posiblemente dentro del llamado Battleworld creado por Doctor Doom.

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La ausencia de Brie Larson en los anuncios oficiales había generado dudas sobre el futuro del personaje, especialmente después del flojo rendimiento en taquilla de The Marvels. Sin embargo, Marvel todavía tendría planes para la heroína, que ya fue clave en la batalla contra Thanos en Vengadores: Endgame.

Además, el final de The Marvels dejó abierta la puerta al multiverso con Monica Rambeau atrapada en una realidad donde aparecen los X-Men, algo que podría conectar directamente con los eventos de las próximas películas.

Por ahora, Marvel Studios no ha confirmado esta información, por lo que todo debe tomarse como un rumor hasta nuevo aviso. Doomsday llegará a los cines en diciembre y Secret Wars se estrenará en 2027.

Reseña de Dune: La Casa Harkonnen

El legado envenenado de Arrakis llega en un solo volumen de la mano de Norma Editorial con Dune: La Casa Harkonnen

Hay sagas que llevan tanto tiempo siendo adaptadas que el lector casi da por sentado que ya sabe lo que va a encontrar. Dune: La Casa Harkonnen podría haber caído en esa trampa, y no lo hace. Publicado por Norma Editorial en un único tomo cartoné, este volumen completa la adaptación de la segunda novela que Brian Herbert y Kevin J. Anderson escribieron juntos, la precuela que ahonda en los años oscuros que precedieron al clásico de Frank Herbert.

Dune la casa harkonnen

Tras La Casa Atreides

La historia arranca donde Dune: La Casa Atreides dejó las cosas: un universo en tensión, facciones en movimiento subterráneo y personajes cuyo destino ya conocemos pero cuyo pasado todavía reserva sorpresas. El mérito de Herbert y Anderson como guionistas es haber sabido trasladar la estructura coral de su propia novela al lenguaje del cómic sin que la narración se desmorone bajo su propio peso. Porque aquí conviven, en paralelo y sin tregua, las maquinaciones del Barón Harkonnen contra la Casa Atreides, el adiestramiento de Duncan Idaho en las escuelas de combate de Ginaz, los orígenes de Gurney Halleck en los planetas mineros bajo el yugo Harkonnen, los primeros pasos de Lady Jessica dentro de las Bene Gesserit y la lenta construcción de la identidad de Liet Kynes como puente entre el Imperio y los Fremen de Arrakis. Son muchos frentes, y el tomo los gestiona con una eficacia que no siempre se da por garantizada en adaptaciones de esta escala.

Reseña de Dune: La Casa Harkonnen

Una precuela construida en capas

Lo que funciona especialmente bien es el ritmo de revelación. La novela original tiene fama de ser la más densa de la trilogía de precuelas, y esa densidad se nota en cómo el cómic dosifica la información. No hay escenas de relleno, cada secuencia existe para empujar algo, ya sea un personaje, una relación de poder o un giro que el lector de la novela original ya sabe que llega pero que aquí se construye con la paciencia de quien sabe que el destino no hace falta que se apresure. El Barón Harkonnen como antagonista gana especialmente en este formato visual. Sus apariciones tienen un peso escénico que la prosa puede sugerir pero que la viñeta explicita, y el trabajo de los guionistas al trasladar su crueldad política (nunca gratuita, siempre instrumental) convierte cada escena con él en un ejercicio de incomodidad calculada.

El reparto secundario, sin embargo, es donde la adaptación muestra alguna grieta. Con doce números para cubrir una novela de casi mil páginas, ciertos arcos quedan comprimidos hasta el punto de perder matices. El exilio de Rhombur Vernius y las intrigas en Ix, por ejemplo, se resuelven con una velocidad que en la novela tenían mucho más espacio para respirar. No es un fallo fatal, es la consecuencia inevitable de cualquier adaptación de esta escala, pero el lector que llegue al cómic sin haber leído la novela puede encontrar que algunos personajes pasan de un punto a otro sin que el camino quede del todo claro.

Reseña de Dune: La Casa Harkonnen

El dibujo como universo

El grueso del trabajo gráfico recae sobre Fran Galán, artista sevillano que llevaba años trabajando en ilustración y que aquí confirma que el lenguaje del cómic le sienta con una naturalidad que no todos los ilustradores consiguen. Su aproximación al universo Dune es funcional y atmosférica al mismo tiempo. Los mundos se diferencian con claridad (la aridez calculada de Arrakis frente a la frialdad industrial de Giedi Prime o la exuberancia de Caladan), y los diseños de naves, vestimentas y arquitectura mantienen una coherencia visual que en sagas de este tipo resulta imprescindible. Patricio Delpeche como colorista completa el trabajo con una paleta que sabe cuándo apagar los tonos y cuándo dejarlos arder. Las escenas en el desierto tienen una calidez casi fotográfica, mientras que los interiores de los Harkonnen se hunden en azules y grises que no necesitan más explicación.

Donde el apartado gráfico cede algo de terreno es en la expresividad facial durante los momentos más íntimos. Las escenas de acción y los planos generales están resueltos con solvencia, pero algunos primeros planos de diálogo pierden la carga emocional que los guionistas habían depositado en el texto. No es un problema constante, pero aparece con suficiente frecuencia como para que el lector lo note, especialmente en los tramos centrados en Lady Jessica y en las Bene Gesserit, donde la sutileza gestual lo es todo.

En conjunto, Dune: La Casa Harkonnen funciona muy bien como puente entre la novela y el espectador que llega al universo de Herbert desde las adaptaciones cinematográficas recientes. No reemplaza a la novela ni lo pretende, pero sí ofrece algo que la novela no puede dar: la posibilidad de ver ese universo moverse, respirar y ocupar el espacio de la página con una cadencia que los fans del medio agradecerán.

Esta edición de Norma Editorial viene en formato cartoné con unas dimensiones de 16,5 x 24,9 cm y recoge los doce números originales de Boom! Studios publicados en 2023 en 328 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 39,50 € y se puso a la venta en abril de 2026.


Reseña de Dune: La Casa Harkonnen

Dune: La Casa Harkonnen

¡Sé testigo del cruel poder de la Casa Harkonnen!

Brian Herbert y Kevin J. Anderson adaptan al cómic la segunda novela que escribieron juntos para relatarnos los sucesos anteriores a Dune, el clásico de la ciencia ficción escrito por Frank Herbert.

Descubre los orígenes de Gurney Halleck, Lady Jessica y Liet Kynes, y cómo sus vidas se vieron afectadas por las intrigas de la Casa Harkonnen. Vive las consecuencias de los planes de las Bene Gesserit, las decisiones del Duque Leto Atreides y el exilio de Rhombur Vernius. Sufre los actos de la Bestia Rabban, el entrenamiento de Duncan Idaho en Ginaz y la vida bajo el yugo tleilaxu en Ix.

Autores: Brian Herbert, Kevin J. Anderson, Michael Shelfer, Fran Galán y Patricio Delpeche

Reseña de Ulises y Cyrano

Ulises y Cyrano es una novela gráfica sobre vocación y aprendizaje de la mano de Norma Editorial

Hay obras que llegan con la ropa de cómic costumbrista y acaban siendo algo más, como una declaración sobre para qué sirve vivir. Ulises y Gyrano, publicado por Norma Editorial, es exactamente esa clase de álbum. Es una historia de las que no levantan la voz y por eso mismo resuenan durante días.

Reseña de Ulises y Cyrano

Los fogones como destino

Todo empieza con una derrota. Cyrano, chef temperamental y hosco hasta el tuétano, pierde el premio al mejor cocinero de Francia frente a su rival Gédéon Lecoq. La reacción es lo que define al personaje desde el primer momento, ya que vuelve a su restaurante, echa a todos los comensales y le prende fuego al local. En ese prólogo silencioso y brutal, Stéphane Servain ya lo dice todo sobre este hombre sin necesidad de más palabras que las que caben en la expresión de un rostro.

Después la historia da un salto. Estamos en el París de 1952, en plena posguerra, y aparece Ulises Ducerf, un joven destinado por su padre a dirigir la empresa cementera familiar. Un traslado repentino a la localidad de Les Maranges, en la Borgoña, cambia el curso de su vida. Allí coincide con Cyrano, y lo que empieza como una relación de desconfianza mutua se convierte en un aprendizaje sobre la cocina, pero sobre todo sobre la honestidad con uno mismo.

El guion lo firman a cuatro manos Xavier Dorison y Antoine Cristau. Dorison es un veterano del cómic francobelga con una capacidad probada para moverse entre géneros sin perder el norte narrativo, de los westerns de Undertaker a la fábula política de El castillo de los animales. Aquí, sin embargo, el motor no es el género sino la emoción más directa, la de un hombre joven descubriendo que la vida que le han diseñado no es la suya. Cristau aporta al proyecto un conocimiento profundo de la gastronomía y su historia, lo que da al álbum una densidad culinaria que va más allá del atrezzo, los platos y las técnicas existen como lenguaje, como metáfora de todo lo que los personajes no saben decirse de otra manera.

Reseña de Ulises y Cyrano

El dibujante que cocina viñetas

Pero si hay un nombre que convierte este cómic en un objeto difícil de soltar, ese es Stéphane Servain. El historietista francés, nacido en 1970, lleva décadas construyendo un estilo que mezcla el detalle descriptivo con una fluidez narrativa poco común. Sus viñetas no decoran, conducen. Hay momentos en los que el relato avanza con silencios, solo a través de gestos, de la postura de un cuerpo frente a un fogón, de la luz que entra por una ventana rural. Esa habilidad para el silencio elocuente es quizá su mayor virtud y en este álbum la despliega con una naturalidad que parece fácil y no lo es.

La paleta de color es cálida, casi pictórica, y encaja a la perfección con la atmósfera de la posguerra rural francesa. Servain recrea la vida en el campo borgoñón con una atención a los detalles que va desde la piedra de los edificios hasta las texturas de la comida, que en sus manos resulta casi apetecible. No es casual que el álbum haya obtenido el premio BD Gest a la mejor portada en 2024, reconocimiento que da fe de que el trabajo gráfico trasciende la mera ilustración.

Reseña de Ulises y Cyrano

Una historia que acaba siendo universal

Lo más notable de esta obra es que, siendo una historia muy específica, de lugar y época bien definidos, resulta completamente universal en su fondo. El conflicto entre la vida diseñada por otros y la vocación propia es tan viejo como el mundo, y Dorison y Cristau no intentan modernizarlo ni complicarlo artificialmente. Lo cuentan con honestidad y ritmo pausado, confiando en que los personajes sean lo suficientemente vivos como para que el lector quiera estar con ellos.

Gyrano, con toda su brusquedad, es uno de esos personajes que no se olvidan. No es un maestro amable ni un sabio que dispensa lecciones. Es un hombre roto que aún cree en algo, en la cocina como forma de verdad, y esa fe en lo propio, tan difícil de mantener después de una derrota, es lo que transmite sin proponérselo a Ulises. La relación entre ambos se construye con una lentitud deliberada que funciona porque el álbum tiene páginas suficientes para respirar.

La obra fue publicada originalmente en Francia en junio de 2024 bajo el sello Casterman con el título Ulysse & Cyrano, acumulando desde entonces un reconocimiento considerable: el Premio RTL Comics del mes de junio de 2024, el Premio de los vendedores de cómics de Canal BD y la Selección Premio France Inter de Fnac, entre otros.

Esta edición de Norma Editorial llega en cartoné, con un tamaño de 24,4 x 33,2 cm y 172 páginas a color, a un precio de 38€, disponible desde abril de 2026.


Ulises y Cyrano

Ulises y Cyrano

UN CÓMIC COCINADO A FUEGO LENTO Y CON EL SABOR DE LAS HISTORIAS QUE DEJAN HUELLA

Ulises Ducerf está destinado desde la cuna a dirigir la empresa cementera de su padre. Pero un traslado repentino a la localidad de Les Maranges cambiará su destino. Allí entrará en contacto con Cyrano, un chef temperamental que le enseñará a amar los fogones y a descubrir su verdadera vocación. Los guionistas Xavier Dorison (Undertaker, El castillo de los animales) y Antoine Cristau unen sus fuerzas con el espléndido dibujante Stéphane Servain para servirnos un guiso de imágenes reconfortantes repleto de amor, aprendizaje y honestidad con los propios sentimientos.

Autores: Xavier DorisonAntoine Cristau y Stéphane Servain

Eric Kripke responde a las críticas sobre el supuesto relleno en el final de The Boys

El creador de la serie, Eric Kripke, deja claro que quien espere explosiones constantes quizá no ha entendido qué tipo de historia está viendo en The Boys

Las quejas ya han empezado a multiplicarse entre parte del fandom de The Boys. Mientras algunos espectadores están disfrutando del tramo final de la irreverente serie de Prime Video, otros consideran que varios episodios de esta última temporada están funcionando como simple relleno, retrasando el gran desenlace que muchos esperan.

Eric Kripke, creador de la ficción, no ha tardado en responder a esas críticas. Y lo ha hecho sin demasiados rodeos. Para él, quienes reducen estos capítulos a contenido prescindible están ignorando uno de los pilares fundamentales de la serie: sus personajes.

La llegada del fin de The Boys

Durante una entrevista con TV Guide, Kripke defendió con firmeza la estructura narrativa de esta despedida. Según explicó, lo que ocurre en los episodios previos al desenlace solo cobra sentido si antes se construyen adecuadamente las motivaciones, conflictos y evolución emocional de quienes protagonizan esta historia.

Nada de lo que ocurre en los últimos episodios importará si no desarrollas a los personajes”, explicó el showrunner, reconociendo además que ha visto bastante descontento en redes sociales.

the boys eric kripke

La reflexión fue todavía más directa cuando lanzó una pregunta a los críticos: “¿Qué esperáis? ¿Una gran batalla en cada episodio?”.

No todo en The Boys son explosiones y vísceras

Aunque The Boys se ha ganado su fama gracias a su violencia extrema, su humor negro y sus escenas absolutamente desquiciadas, Kripke recuerda que la esencia de la serie nunca ha sido únicamente el espectáculo visual.

Con una plantilla coral tan amplia, el equipo creativo considera imprescindible dedicar tiempo a desarrollar cada arco narrativo. No hablamos precisamente de dos o tres protagonistas. La serie maneja una cantidad enorme de personajes cuyas decisiones afectan directamente al desenlace.

Nunca escribimos pensando que estábamos haciendo episodios de relleno”, aseguró Kripke. “Tenemos 14 o 15 personajes, y la televisión trata precisamente de personajes. Mi responsabilidad es humanizarlos y desarrollar sus historias”.

Eric Kripke responde a las críticas sobre el supuesto relleno en el final de The Boys

Ese enfoque explica por qué algunos episodios han apostado más por conversaciones tensas, conflictos internos y giros emocionales que por secuencias de acción constantes.

Una crítica que divide al fandom

Aquí está realmente el debate. Parte del público interpreta que si no hay grandes avances visibles en la trama principal, entonces no está ocurriendo nada relevante. Pero Kripke rechaza completamente esa lectura.

Aparentemente, como no es puro avance argumental, algunos piensan que no pasa nada. ¿Cómo que no pasa nada? Han ocurrido los movimientos más locos e importantes. Solo que no era alguien disparando y haciendo pew pew pew”.

No es precisamente una respuesta diplomática, pero encaja perfectamente con el tono que siempre ha tenido The Boys: provocador, incómodo y sin interés por contentar a todo el mundo.

Jeffrey Dean Morgan - The Boys - Amazon Prime video

Y siendo sinceros, tiene parte de razón. Muchas de las mejores historias televisivas no funcionan únicamente a golpe de explosiones. Series como Breaking Bad, Succession o incluso Juego de tronos construyeron algunos de sus momentos más potentes precisamente durante episodios más pausados.

El final quiere convertirse en un evento

Eso sí, quienes buscan espectáculo tampoco parecen quedarse completamente huérfanos. El episodio final apunta a ser uno de los mayores eventos de toda la serie. La despedida no solo llegará a Prime Video. También contará con exhibiciones especiales en salas con tecnología 4DX, buscando convertir el cierre en una experiencia mucho más inmersiva para los fans.

Es un movimiento poco habitual para una producción nacida en streaming, y deja claro hasta qué punto Amazon quiere convertir el desenlace en un acontecimiento. Al final, la gran pregunta no es si hay relleno o no. La cuestión real es qué espera cada espectador de The Boys.

Porque si alguien ha seguido esta serie pensando que solo iba de superhéroes destrozándose mutuamente, probablemente lleva varias temporadas viendo una historia muy distinta a la que Eric Kripke siempre quiso contar.

Superman recibe el golpe que redefine el poder de Black Adam en el universo Absolute

Superman

El nuevo cómic de DC convierte a King Shazam en una amenaza capaz de hacer algo casi impensable contra Superman

Superman recibe el golpe que redefine el poder de Black Adam en el universo Absolute

Con 88 años de historia editorial a sus espaldas, Superman ha sobrevivido a enemigos imposibles, crisis cósmicas y golpes capaces de derribar planetas. Pero incluso con semejante currículum superheroico, lo ocurrido en Absolute Superman #19 podría entrar directamente en la lista de los momentos más salvajes que ha vivido el kryptoniano. Y no solo por el impacto visual del golpe, sino por lo que implica sobre el nuevo nivel de poder de este villano reinventado. El universo Absolute de DC sigue apostando por reinterpretaciones radicales de personajes clásicos, y Jason Aaron junto a Rafa Sandoval han encontrado una forma particularmente brutal de demostrarlo.

Superman recibe el golpe que redefine el poder de Black Adam en el universo Absolute

Un golpe que cambia las reglas

Cuando arranca este número, la historia retoma exactamente donde terminó Absolute Superman #18, con la liberación accidental de Teth-Adam tras permanecer encerrado durante milenios. Superman intenta hacer lo que mejor sabe hacer: dialogar, comprender y evitar una pelea innecesaria. Pero el antiguo gobernante no tiene ningún interés en hablar; solo quiere combatir.

La escena adquiere aún más fuerza porque está narrada desde el punto de vista de Steel, lo que permite entender mejor la magnitud del enfrentamiento. Según su narración, la mente y los músculos de Superman operan a velocidades más allá de lo que se consideraba posible, y aun así, ni siquiera vio venir el puñetazo.

Ni Superman pudo reaccionar

Eso cambia completamente el contexto. No hablamos de un ataque sorpresa ni de una distracción. Superman estaba mirando directamente a su rival cuando recibió el golpe. Si alguien capaz de seguir el ritmo de Flash no puede reaccionar, eso coloca automáticamente a King Shazam en una categoría completamente distinta.

Y luego llega el dato más demoledor: segundos después del impacto, Superman aparece a 1.100 millas de distancia. No es solo velocidad. No es solo fuerza. Es una combinación absurda de ambas.

Superman recibe el golpe que redefine el poder de Black Adam en el universo Absolute

Black Adam entra en el olimpo de DC

Steel describe el combate con cifras casi imposibles de procesar: golpes lanzados cada milisegundo, puños liberando miles de millones de julios de energía y una temperatura ambiental superior a la superficie del Sol. DC no está siendo sutil aquí. Quiere que entendamos que esta versión de Teth-Adam no es simplemente poderosa; es monstruosamente devastadora.

Este replanteamiento del personaje también cambia la conversación sobre Black Adam frente a otros pesos pesados de DC. Tradicionalmente, el personaje ha sido presentado como uno de los pocos capaces de desafiar a Shazam o incluso a Superman, pero rara vez con semejante superioridad física inmediata. Aquí no parece un rival equiparable: parece una fuerza de destrucción ancestral.

Una amenaza que supera a Doomsday

Además, esta reinterpretación encaja perfectamente con la filosofía del universo Absolute, que busca versiones más extremas, intensas y peligrosas de héroes y villanos clásicos. No se trata solo de rediseñar trajes o alterar orígenes. La idea es reconstruir por completo la escala de amenaza de estos personajes.

Superman ya ha recibido golpes memorables de Doomsday, Darkseid o Mongul, pero lo ocurrido aquí tiene un matiz especial porque transmite impotencia. No es que resista heroicamente; es que directamente queda superado.

Superman recibe el golpe que redefine el poder de Black Adam en el universo Absolute

El futuro del universo Absolute se vuelve más peligroso

Eso hace que este enfrentamiento sea especialmente impactante para los fans veteranos. Porque sí, Superman suele caer. Pero muy pocos personajes consiguen hacer que parezca vulnerable de verdad.

King Shazam acaba de conseguirlo, y eso convierte a Absolute Superman #19 en uno de esos números que probablemente seguirán comentándose durante mucho tiempo entre lectores de DC. Si esta es la nueva escala de poder del universo Absolute, el Hombre de Acero va a necesitar mucho más que invulnerabilidad para sobrevivir.

Reseña de Lem y Grandullón (2026)

Lem y Grandullón Miguel A Giner Bour GP Ediciones

Lem y Grandullón de Miguel A. Giner Bou publicada por GP Ediciones, muestra la historia entre un humano y un robot tan dispares entre sí, como unidos en una amistad, pero la vida en la fábrica les dará nuevos motivos para afianzarla

Lem y Grandullón publicado por GP Ediciones es entrar en una historia que, desde fuera, puede parecer sencilla o incluso infantil, pero que en realidad esconde mucha más profundidad de la que aparenta. Miguel Ángel Giner Bou vuelve a demostrar aquí su capacidad para hablar de los temas importantes con una gran sensibilidad y sin caer en lo obvio.

Miguel Ángel Giner Bou ha trabajado tanto en el cómic como en la animación, alcanzando gran notoriedad con El día 3, obra con la que ganó el Premio Nacional del Cómic en 2019 junto a la dibujante Cristina Durán.

Miguel A. Giner Bou se caracteriza por abordar temas sociales y humanos con cercanía, buscando siempre la empatía del lector, por lo que Lem y Grandullón es un cómic que habla de la diferencia, de la identidad y de cómo nos relacionamos con los demás cuando no encajamos del todo.

La trama

La historia sigue a Lem, un humano que no termina de encajar en su entorno, y a Grandullón, un robot peculiar presente desde hace años en su vida. Entre los dos se establece una relación especial, casi mágica, que sirve como refugio frente a un mundo que a veces resulta difícil de entender.

A medida que avanza el relato, una vez llegan a la fábrica que les ha contratado se va descubriendo que no todo es tan simple como parece. Lo que empieza como una historia amable va dejando entrever capas más complejas, relacionadas con la soledad, el miedo o la necesidad de ser aceptado.

Reseña de Lem y Grandullón (2026)

No es una trama llena de giros espectaculares, pero sí de pequeños momentos que van construyendo algo emocionalmente muy potente, donde incluso las frías máquinas se humanizan.

El guion

El guion de Lem y Grandullón destaca por su aparente sencillez, pero que en realidad está muy trabajado. Giner Bou construye la historia desde el punto de vista de los protagonistas, con un lenguaje accesible, pero sin simplificar los temas que trata.

Hay una clara intención de hablar de lo diferente sin convertirlo en algo extraño o negativo. Al contrario, la historia invita a aceptar y entender, cómo los personajes quieren ser más humanos y ser aceptados por sus pares. Además, el ritmo está bien medido, poque combina los momentos más ligeros con otros más emocionales, dejando espacio para que el lector respire y asimile lo que está ocurriendo.

Lem y Grandullón es un cómic que funciona en varios niveles. Puede leerse como una historia entrañable, casi como un cuento, pero también como una reflexión sobre lo que significa ser diferente y encontrar tu lugar.

Es una obra sensible, honesta y fácil de leer, pero que deja poso. No busca impactar con grandes artificios, sino conectar poco a poco con el lector y cuando lo hace, lo hace bien, desde la emoción y la empatía.

Reseña de Lem y Grandullón (2026)

El dibujo y el color

En el apartado gráfico Giner Bou, utiliza un estilo expresivo y cercano, con personajes muy bien definidos emocionalmente gracias a los trazos que aporta el autor. En el dibujo, las formas son suaves, casi redondeadas, lo que ayuda a generar una sensación de calidez y cercanía, incluso cuando la historia toca temas más delicados.

El color juega un papel importante, ya que el autor utiliza una paleta que acompaña el tono del relato, alternando momentos más luminosos con otros más contenidos, reforzando así las emociones de cada escena.

La edición

Lem y grandullón de Miguel A. Giner Bou ha sido publicada GP Ediciones en rústica con solapas, con unas medidas de 19×26 cm, a color y con una extensión de 136 páginas.

Lem y Grandullón Miguel A Giner Bou GP Ediciones

Lem, un humano un poco cínico, y Grandullón, un viejo robot que es bastante corto, en parte por el desgaste de los años, en parte porque fue un robot de asalto y no necesitaba un sistema operativo excesivamente complejo, buscan trabajo en un planeta arrasado, sin vegetación ni prácticamente vida.

Cuando encuentran empleo en una vieja fábrica, todo parece indicar que el trabajo que realizan no es otro que el de mover chatarra y residuos de un lado a otro, sin parar.

Es como si hubiera quedado una inercia extraña en los programas originales y los androides siguen trabajando sin cuestionarse nunca nada, al fin y al cabo no están programados para otra cosa. Pero, ¿qué pasa con los humanos, ellos sí que tienen sentido crítico y libre albedrío? Si es así, ¿por qué siguen la inercia y las rutinas?

Dario Scardapane explica por qué Muse tendrá una nueva etapa en la temporada 3 de Daredevil: Born Again

El oscuro futuro de Heather sacude el universo de Daredevil

La primera temporada de Daredevil: Born Again dejó muchas dudas sobre Muse, el asesino en serie que terminó muriendo a manos de Heather Glenn tras atacar a la terapeuta. Sin embargo, el showrunner Dario Scardapane reconoció que la historia del villano no alcanzó el nivel que esperaba el equipo creativo.

En una entrevista con Entertainment Weekly, Scardapane explicó que las limitaciones de tiempo y producción impidieron desarrollar mejor al personaje durante la primera temporada. Por ello, la serie apostará ahora por una nueva dirección centrada en Heather, quien comenzará a transformarse psicológicamente tras su traumático encuentro con Muse.

Las imágenes del rodaje de la tercera temporada ya mostraron a Heather usando la máscara del asesino, un cambio importante respecto a la Heather de los cómics. Según el productor, esta evolución permitirá explorar una faceta más oscura y casi sobrenatural del personaje.

  • Dario Scardapane explica por qué Muse tendrá una nueva etapa en la temporada 3 de Daredevil: Born Again
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Aunque todavía no está claro si Muse será la principal amenaza de la próxima entrega, todo apunta a que la transformación de Heather tendrá un papel clave mientras Matt Murdock enfrenta nuevos problemas en prisión.

Daredevil: Born Again ya puede verse en Disney+.

Alien cambia una regla clave de los xenomorfos y abre una puerta inesperada para la humanidad

Alien

Un nuevo cómic de Alien introduce un cambio que podría alterar para siempre el equilibrio de poder en la saga de ciencia ficción

Alien cambia una regla clave de los xenomorfos y abre una puerta inesperada para la humanidad

Durante décadas, los xenomorfos han sido una pesadilla casi perfecta. No solo por su diseño biomecánico, su brutalidad o su ciclo reproductivo digno de trauma colectivo, sino por un detalle que siempre convertía cualquier enfrentamiento directo en una sentencia de muerte: su sangre ácida. Dispararles, apuñalarlos o siquiera acercarse demasiado significaba arriesgarse a acabar derretido en segundos. En Alien: King Killer #2, el nuevo cómic de Marvel ambientado en uno de los periodos más oscuros de la franquicia, aparece un elemento que reconfigura parte del lore clásico: un arma capaz de resistir la sangre de los xenomorfos.

Alien cambia una regla clave de los xenomorfos y abre una puerta inesperada para la humanidad

Alien king killer

El protagonista, Idris, revela durante el segundo número que su espada está fabricada con un metal raro resistente a la sangre xeno, permitiéndole atravesar y matar a una de estas criaturas sin que el arma se destruya o el usuario termine convertido en sopa química. Es un momento pequeño dentro del cómic, pero con implicaciones enormes para el universo Alien.

Porque hasta ahora, una de las mayores ventajas evolutivas del xenomorfo era precisamente esa capacidad defensiva automática. Incluso cuando alguien lograba abatir a uno, el coste solía ser altísimo. Matar al monstruo casi siempre implicaba autolesionarse o destruir el entorno.

Con esta revelación, Marvel introduce una pregunta muy jugosa: ¿ha existido siempre este material y simplemente no lo conocíamos, o estamos ante un descubrimiento completamente nuevo dentro de la cronología?

Una humanidad derrotada que empieza a contraatacar

La premisa de Alien: King Killer no es precisamente optimista. La historia nos lleva a un escenario en el que la humanidad ya ha perdido la guerra contra los xenomorfos. El planeta donde transcurre la acción está completamente tomado por estas criaturas y los pocos supervivientes humanos viven bajo la protección de unos misteriosos personajes conocidos como los Tres Reyes.

Marvel describe esta etapa como una de las eras más épicas y oscuras del universo Alien, y por ahora no parece exagerado.

La llegada de Idris complica todavía más el tablero. El personaje no es un simple superviviente: se le describe como un humano aumentado, y además mantiene vínculos ambiguos con quienes supuestamente protegen a los restos de la humanidad. Es decir, no estamos ante el clásico héroe limpio y transparente.

Alien cambia una regla clave de los xenomorfos y abre una puerta inesperada para la humanidad

Un cambio de lore con matices

Eso sí, conviene no asumir demasiado rápido que ahora cualquiera podrá ir de caza de xenomorfos con una espada.

El propio diálogo del cómic deja claro que hablamos de un metal raro, no de tecnología estándar al alcance de colonias humanas o corporaciones como Weyland-Yutani. Eso limita bastante el impacto inmediato del hallazgo, pero no le resta importancia narrativa.

De hecho, lo realmente interesante no es el arma en sí, sino lo que representa: por primera vez en mucho tiempo, el universo Alien sugiere una herramienta viable para combatir cuerpo a cuerpo a estas criaturas.

Y eso cambia la percepción del miedo.

Parte del terror de Alien siempre ha nacido de la impotencia. Ripley no vencía porque tuviera mejores armas; sobrevivía porque era más lista, más resistente o simplemente más afortunada. Si introduces elementos que reducen esa sensación de indefensión, modificas el ADN emocional de la saga.

Qué puede significar para el futuro de la franquicia

El tercer número llegará el 10 de junio y Marvel mantiene bastante secretismo, aunque el adelanto apunta a que Idris intentará escapar del cautiverio impuesto por el Green King.

La cuestión clave es evidente: ¿qué pasará si esa espada sale de ese entorno?

Si el material puede replicarse, estudiarse o convertirse en armamento más avanzado, podríamos estar ante una evolución enorme dentro del canon expandido. Si es algo único e irrepetible, entonces funcionará más como recurso dramático puntual.

También cabe preguntarse si esto acabará influyendo en otros proyectos de la franquicia, especialmente con Alien: Earth en el horizonte. Aunque cómics y producciones audiovisuales no siempre comparten continuidad estricta, Disney y Marvel suelen sembrar ideas que luego pueden reciclarse.

Alien cambia una regla clave de los xenomorfos y abre una puerta inesperada para la humanidad

El verdadero terror sigue intacto

Aun así, conviene relativizar.

Un arma resistente a la sangre ácida no elimina el resto de horrores asociados a un xenomorfo: su velocidad, fuerza, inteligencia depredadora, sigilo y capacidad reproductiva siguen siendo igual de aterradores.

Así que no, esto no convierte de repente a los humanos en dominadores de la situación.

Pero sí introduce algo que Alien rara vez concede: esperanza real.

Y en una franquicia construida sobre la desesperación, eso quizá sea el cambio más inquietante de todos.

La escena más brutal de The Testaments que nunca llegaste a ver y por qué fue eliminada

Una decisión que cambió por completo uno de los episodios más duros de The Testaments

Hay escenas que nunca llegan a emitirse, pero cuya mera existencia cambia por completo la forma en la que entendemos una serie. Eso acaba de ocurrir con The Testaments, la continuación del universo distópico creado por Margaret Atwood, después de que una de sus directoras revelase que el episodio 6 estuvo a punto de ser todavía más devastador de lo que finalmente vimos en pantalla.

Y eso ya es mucho decir. Porque si has seguido esta producción ambientada en Gilead, sabes perfectamente que no se caracteriza precisamente por la sutileza cuando toca mostrar la brutalidad de un sistema construido sobre la opresión femenina. Pero incluso dentro de ese contexto, hubo una secuencia que el equipo decidió dejar fuera por su dureza extrema.

El terror de Gilead continua

La responsable de esta revelación ha sido Jet Wilkinson, directora del episodio Stadium, uno de los más impactantes hasta ahora. En una entrevista, explicó que originalmente se rodó una escena inspirada directamente en la novela de Margaret Atwood en la que mujeres eran obligadas a ejecutar a otras mujeres bajo amenaza armada.

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La secuencia transcurría en el estadio donde varias mujeres eran retenidas tras el ascenso de los Hijos de Jacob, en los primeros compases del nacimiento de Gilead. Según explicó Wilkinson, los soldados entregaban armas a algunas prisioneras mientras apuntaban a sus cabezas, forzándolas a participar en ejecuciones para sobrevivir.

La directora describió aquella escena como especialmente confrontativa. No cuesta imaginar por qué. La idea de convertir a víctimas en verdugos encapsula a la perfección la lógica enfermiza del régimen: destruir cualquier posibilidad de solidaridad entre mujeres usando el miedo como herramienta de control absoluto.

La violencia no desapareció, simplemente cambió de forma

Aunque esa secuencia fue eliminada del montaje final, el mensaje permaneció. Y probablemente esa fue precisamente la razón. En el episodio emitido ya vemos un paralelismo bastante demoledor cuando Huldah participa en el castigo físico contra Shunammite, sujetándola mientras recibe latigazos. La idea es exactamente la misma: un sistema que no solo castiga desde arriba, sino que obliga a las propias víctimas a reproducir la violencia para mantenerse con vida.

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Ese es uno de los aspectos más incómodos de The Testaments: entender que el horror no siempre funciona únicamente mediante la imposición directa del poder masculino, sino también mediante la complicidad forzada de quienes intentan sobrevivir dentro del sistema.

Wilkinson lo explicaba con crudeza al señalar que en un mundo diseñado para someter a las mujeres, muchas veces no queda otra opción que actuar con la misma brutalidad que quienes sostienen ese orden.

Aunt Lydia muestra por fin cómo sobrevivió al origen del horror

Uno de los grandes atractivos del episodio 6 es precisamente que permite ver cómo Aunt Lydia logró sobrevivir al colapso inicial. Interpretada de nuevo por Ann Dowd, el personaje aparece enfrentándose al caos fundacional de Gilead utilizando inteligencia, cálculo y una capacidad de adaptación aterradora. No es una heroína, ni mucho menos, pero tampoco una simple villana unidimensional.

Eso hace que su traición a Vidala resulte todavía más incómoda de ver. Porque no se plantea como una decisión puramente ideológica, sino como una maniobra desesperada de supervivencia.

the testaments

La serie juega constantemente con esa ambigüedad moral, obligando al espectador a enfrentarse a decisiones imposibles en contextos insoportables.

Las jóvenes actrices se llevan gran parte del mérito

Más allá del impacto narrativo, Wilkinson quiso destacar especialmente el trabajo del reparto joven. Y no es para menos. Escenas como las del castigo físico exigen una carga emocional enorme incluso para intérpretes veteranos. En el caso de actrices jóvenes como Isolde Ardies o Rowan Blanchard, el reto era todavía mayor.

La directora describió aquellas jornadas como especialmente intensas, con múltiples capas emocionales, violencia coreografiada y relaciones dramáticas cruzándose en cada plano. Pero subrayó que el reparto respondió con una madurez impresionante.

Ese equilibrio entre miedo, resentimiento, culpa y supervivencia es precisamente lo que hace que las escenas funcionen y resulten tan incómodamente creíbles.

La escena más brutal de The Testaments que nunca llegaste a ver y por qué fue eliminada

Por qué The Testaments sigue siendo tan perturbadora

Si El Cuento de la Criada ya era incómoda, The Testaments parece decidida a no suavizar absolutamente nada. Lo inquietante no es solo su violencia explícita, sino su cercanía conceptual con dinámicas reales de poder, control y sometimiento que siguen existiendo, aunque adopten otras formas.

Por eso escenas como la eliminada generan tanto interés incluso sin haberse emitido. Porque ayudan a entender hasta qué punto la ficción estaba dispuesta a empujar los límites.

Y porque, siendo sinceros, también recuerdan algo importante sobre este universo: si lo que llegó a pantalla ya parecía insoportable, probablemente lo que se quedó en la sala de montaje era todavía peor.

Los 3 intentos fallidos de George Pérez de adaptar al cómic a Julio César

Julio César

George Pérez nunca logró adaptar al cómic a Julio César.

Julio César era conocido por ser un político y militar romano del siglo I a. C. Además, fue miembro de los patricios, logró alcanzar altas cotas en las magistraturas estatales y dominó la política republicana, aunque fuera de dichos ámbitos también ejerció como orador, historiador y escritor. Sin embargo, no es ninguna de esas facetas lo que nos interesa en este artículo sino sus adaptaciones al mundo del cómic, al igual que ha pasado con otros personajes famosos, que también han visto plasmados diferentes aspectos de sus vidas en las viñetas.

Sin lugar a dudas, las adaptaciones más famosas de Julio César son las que tienen lugar en las aventuras de Astérix y Obélix, creados por los franceses René Goscinny y Albert Uderzo, ya que el protagonista de este artículo aparece en la mayoría de sus álbumes, desde que lo hizo en Astérix, the Gaul (1961), la primera historia de estos carismáticos personajes como uno de los enemigos principales de la pareja de galos.

Sin embargo, en este artículo nos interesa hablar del sector americano de la industria del cómic, ya que el escritor y dibujante estadounidense George Pérez, del que ya comentamos en su momento cuáles eran sus trabajos menos preferidos, también debía sentir cierta atracción por Julio César, puesto que trató de sacar a la luz historias de este personaje histórico desde su particular punto de vista, hasta en un total de tres ocasiones, aunque sin lograr que ninguna de ellas saliera adelante, tal y como se puede comprobar si se continúa con la lectura de este artículo hasta el final.

Primer intento

Los 3 intentos fallidos de George Pérez de adaptar al cómic a Julio César

En la década de los ochenta, la ya desaparecida editorial First Comics estaba consolidada como uno de los mejores sellos independientes, el cual, además de destacar por la publicación de cabeceras de personajes tan prestigiosos como Jon Sable, Nexus, Badger o Dreastar, en su última etapa decidió ampliar sus horizontes al adquirir los derechos de una línea denominada Classics Ilustrated, gracias a la alianza que tenía la compañía con el grupo conocido como Berkley Publishing. Debido a ello, se pudieron llevar a cabo nuevas adaptaciones literarias, con la ayuda de creadores de la talla de Mike Ploog, P. Craig Russell, Bill Sienkiewicz o Kyle Baker.

No obstante, con el cese de actividades de First Comics, que tuvo lugar en 1991, todas estas iniciativas, entre las que se incluye el especial sobre el Julio César de William Shakespeare que George Pérez iba a encargarse de realizar, se fueron al traste, de modo que nunca sabremos si hubiese resultado un éxito de ventas o no.

Segundo intento

Los 3 intentos fallidos de George Pérez de adaptar al cómic a Julio César

Sin embargo, que la primera vez no funcionara no quería decir que George Pérez no lo volviera a intentar, ya que, gracias a una compañía que se dio a conocer como Classics International Entertainment (CIE), se trató de reflotar la línea que ya hemos mencionado en el apartado anterior, con lo que cabía la posibilidad de rescatar la historia de Julio César que se había quedado en el tintero. Al frente de la citada empresa se encontraba el veterano Mike Gold, que había trabajado tanto para DC como para First Comics.

Con los datos proporcionados en el párrafo anterior era evidente pensar que todo sería tan prometedor como parecía, ya que, aparte de contar con George Pérez, también se esperaba que autores de la talla de Curt Swan, Dan Splege o Gray Morrow se sumaran a la iniciativa. Sin embargo, mientras se perfilaban los nuevos títulos de la línea, todo acabó por malograrse y cada uno de los proyectos planeados, incluido el de Julio César, tuvieron que ser cancelados.

Tercer intento

Los 3 intentos fallidos de George Pérez de adaptar al cómic a Julio César

No se puede decir que George Pérez fuese alguien que abandona cuando se presentan dificultades, ya que aún intentó adaptar a Julio César una última vez, aunque en esta ocasión decidió dejar de lado la visión de William Shakespeare y tirar por el terreno de la ciencia ficción, lo que convertía al emperador romano en una especie de viajero del espacio que, a lo largo de sus travesías, interactuaba con todo tipo de alienígenas, los cuales, cabe suponer que no tendrían las mejores intenciones.

Por muy curiosa que pueda resultar la premisa, a la par que arriesgada, lo cierto es que George Pérez tenía una agenda muy apretada, por lo que el proyecto fue quedando aparcado hasta el punto de que llegó a perder interés en él, aunque se sabe que, al menos, llegó a acabar dos láminas, por lo que parece que esta fue la vez que llegó más lejos. La conclusión que puede sacarse de esto es que parece que el estadounidense nunca estuvo destinado a adaptar a Julio César al cómic, por lo que habrá que conformarse con otras versiones como las de Astérix y Obélix que mencionábamos al principio del artículo.