Porque cuando alguien como Russell T Davies se va de una franquicia que ayudó a redefinir, lo normal sería esperar algún tipo de despedida a la altura. Pero lo que hemos tenido es justo lo contrario: una frase seca, casi cortante, y muchas incógnitas flotando en el aire.
La relación de Russell T. Davies con Doctor Who
Lo único que Davies ha querido decir públicamente sobre su marcha es un escueto: “Es hora de seguir adelante, nada más”. Así, sin rodeos. Sin matices. Sin pistas. Y eso, lejos de calmar las aguas, ha provocado todo lo contrario: más especulación.
La situación se vuelve aún más compleja cuando se tiene en cuenta que la BBC ha iniciado un proceso de búsqueda de un nuevo socio de producción para la serie. Un movimiento que sugiere un reinicio estructural importante y que, de paso, deja a Doctor Who en pausa durante varios años.
Planes que nunca llegaron a existir
Lo curioso es que hace no tanto, el propio Davies hablaba con entusiasmo del futuro. No solo había ideas para nuevas temporadas, sino que incluso se insinuaba una hoja de ruta bastante ambiciosa para el llamado “Whoniverse”.
Entre esos planes, destacaba un especial de Navidad previsto para 2026. En su momento, Davies lanzó tres palabras misteriosas —“Bafflers”, “Winternox” y “village”— que hicieron volar la imaginación de los fans. Parecía el inicio de algo grande… pero todo se quedó en humo.
Más tarde, el propio showrunner reconoció que aquel anuncio tenía un objetivo muy concreto: dar la sensación de que la serie seguía adelante sin problemas. En realidad, nunca llegó a escribir el guion, ni hubo casting para un nuevo Doctor, ni nada parecido.
Todo apuntaba a una nueva era dorada. Una especie de segunda revolución tras la de 2005, cuando Davies resucitó la serie para una nueva generación. Pero esa ilusión se ha ido diluyendo poco a poco, hasta desembocar en este final abrupto.
Y lo más llamativo es que, pese a todas esas expectativas, el cierre ha sido cualquier cosa menos épico. Ni grandes despedidas, ni revelaciones impactantes, ni siquiera un último capítulo que sirva de cierre emocional.
Un futuro completamente abierto
Ahora mismo, el futuro de Doctor Who es una incógnita total. No hay nuevo Doctor confirmado, ni socio de producción anunciado, ni fecha aproximada para el regreso de la serie. Lo único claro es que la TARDIS va a quedarse parada durante bastante tiempo, algo que no deja de ser preocupante para una franquicia que siempre ha vivido de su capacidad de reinventarse.
Mientras tanto, Davies parece decidido a pasar página. Su atención está ahora en otros proyectos, como su reciente trabajo Tip Toe, que ha tenido una recepción mucho más positiva. Quizá, en el fondo, esta salida tenga más que ver con eso: cerrar una etapa antes de que el desgaste haga mella definitiva.
Pero para los fans, la sensación es otra.La de un viaje que se ha detenido sin previo aviso, sin ese cierre que una historia tan longeva y querida merecía. Y eso, en una serie donde el tiempo y las despedidas lo son todo… duele un poco más de lo normal.
Porque sí, el resultado ya lo conocemos: críticas tibias, fans divididos y una taquilla lejos de lo esperado. Pero lo realmente jugoso estaba ocurriendo entre bambalinas, donde las tensiones no dejaron de crecer.
Desde el principio, el mayor conflicto estuvo entre James Gunn y Craig Gillespie. Ambos tenían ideas distintas sobre qué debía ser la película, y según varias fuentes, “no estaban alineados creativamente”, una forma elegante de decir que cada uno tiraba en una dirección distinta.
El problema no fue puntual. Tras terminar el rodaje en mayo de 2025, ya había señales de que algo no encajaba. Y cuando llegaron los primeros pases de prueba en diciembre, la cosa se confirmó: puntuaciones en los 60 sobre 100. Nada que invite al optimismo.
Cuando el montaje se convierte en campo de batalla
Con el proyecto tambaleándose, el estudio movió ficha. Se incorporó a Jeremy Slater para reescribir partes del guion, mientras Ana Nogueira seguía implicada. El resultado: nueve días de reshoots intentando arreglar lo que no funcionaba.
Pero el verdadero lío llegó en la sala de edición. Por un lado, Gillespie trabajaba con Tatiana S. Riegel, su colaboradora habitual. Por otro, Gunn apostaba por Fred Raskin, conocido por su trabajo en Peacemaker. Dos equipos, dos visiones… y dos películas distintas en proceso.
La música tampoco ayudó a calmar las aguas. Durante los pases de prueba, una versión de Girls Just Want to Have Fun de Cyndi Lauper sonaba en la batalla final, mientras que otra escena incluía The Middle de Jimmy Eat World. Decisiones impulsadas por Gunn que no terminaron de convencer a los fans.
La del director era 11 minutos más larga y daba más peso al villano Krem, interpretado por Matthias Schoenaerts. Curiosamente, esa versión destacaba en ritmo, música y desarrollo del antagonista.
¿El resultado? Ninguna convenció del todo. Las puntuaciones bajaron… pero la versión del estudio ganó por apenas dos puntos. Una victoria mínima que, aun así, decidió qué montaje llegaría a los cines.
El guion también estaba en el punto de mira
Aunque el montaje fue problemático, el guion tampoco salió indemne. Muchos fans criticaron el enfoque elegido, que transformaba una historia más luminosa en algo mucho más oscuro y cercano a una narrativa de venganza.
De hecho, la propia Nogueira dejó caer que interpretó el final del cómic original de forma distinta, cambiando el mensaje central. Lo que era una historia sobre no buscar venganza acabó convirtiéndose en algo más propio de Mad Max. Y claro, cuando la base ya genera dudas, es complicado que el resto del proceso lo arregle.
Un resultado que deja dudas sobre el futuro
Al final, la versión estrenada fue la que reflejaba la visión del estudio, con Gunn al frente de las decisiones finales. Pero los números hablan por sí solos: 54% en Rotten Tomatoes y una B- en CinemaScore. No es un desastre absoluto, pero tampoco el impacto que DC necesitaba para consolidar su nueva etapa.
Lo más llamativo es que este tipo de enfrentamientos no son tan raros como parece… aunque rara vez salen a la luz con tanto detalle. Aquí, en cambio, queda claro que Supergirl fue el resultado de visiones enfrentadas más que de una idea sólida y unificada. Y eso deja una pregunta flotando en el aire: ¿habría sido mejor la versión de Gillespie… o el problema venía desde el guion?
Mientras tanto, Ana Nogueira sigue vinculada a proyectos importantes como el reboot de Wonder Woman y Teen Titans. Así que, guste más o menos lo ocurrido, DC Studios no parece dispuesto a cambiar de rumbo. Lo único seguro es que esta Supergirl no será recordada solo por lo que vimos en pantalla… sino por todo lo que pasó fuera de ella.
Las críticas, los problemas creativos y el ruido alrededor de la producción han hecho que más de uno mire de reojo hacia arriba, hacia los despachos donde se toman las decisiones importantes. Y sí, eso incluye también a su socio, Peter Safran, con quien comparte el timón del nuevo DCU.
Lo más llamativo no es solo el contexto, sino el calendario.Los contratos de Gunn y Safran podrían expirar entre finales de 2026 y abril de 2027, una fecha que ahora pesa más que nunca. No hablamos de una salida inmediata, ni mucho menos, pero sí de un horizonte donde cada estreno cuenta… y mucho.
Y aquí es donde entra el verdadero problema: no basta con una visión ambiciosa si los resultados no acompañan. Aunque sería precipitado hablar de despidos por un solo tropiezo, lo cierto es que proyectos como Clayface o Man of Tomorrow empiezan a sentirse como auténticos exámenes finales para el futuro del estudio.
Cuando el éxito no suma
Hay una ironía bastante curiosa en todo esto. Mientras el universo principal de DC intenta consolidarse, películas como The Batman Part II apuntan a ser un éxito casi asegurado… pero juegan en otra liga. No forman parte del plan central del DCU de Gunn y Safran, lo que significa que su triunfo no servirá para reforzar su posición.
Aun así, Gunn no ha dudado en vincularse públicamente a ciertos proyectos exitosos dentro del ecosistema DC, como The Penguin o el documental Super/Man. Un movimiento que algunos interpretan como estrategia de imagen, pero que también ha generado cierta controversia dentro de la industria.
Una estrategia clara, apostar por personajes menos conocidos
Si hay algo que define la etapa de Gunn es su obsesión por los personajes secundarios. Lejos de centrarse únicamente en iconos como Superman o Batman, su apuesta pasa por explorar rincones menos transitados del universo DC.
Un ejemplo claro es la serie de DC Crime, centrada en Jimmy Olsen, que ya tiene rodaje previsto para este otoño. Pero lo más interesante llega ahora: una serie de Mister Terrific está en desarrollo, con guion del reputado Allan Heinberg (The Sandman).
La serie, todavía sin anunciar oficialmente en su momento inicial, ya estaría en fase activa de desarrollo, lo que demuestra que DC Studios sigue moviéndose pese al ruido externo. Y no es poca cosa, teniendo en cuenta el clima actual.
El factor empresarial que podría cambiarlo todo
Por si el panorama no fuera suficientemente complejo, hay un elemento externo que podría dinamitar cualquier planificación: la posible adquisición de Warner Bros. Discovery por parte de Paramount.
Aquí entra en escena David Ellison, conocido por no temblarle el pulso a la hora de cancelar proyectos si no encajan en su visión. Ya ha ocurrido con franquicias potentes, y el DCU podría no ser una excepción si no demuestra ser rentable.
Y luego está el elefante en la habitación: el público. La saturación del género empieza a pasar factura, y las nuevas generaciones no parecen tan enganchadas como lo estuvieron los millennials.
De hecho, una voz anónima dentro de la industria lo resumía de forma contundente: “la Generación Z no conecta con el cine de superhéroes”. Una afirmación que, de ser cierta, obliga a replantear toda la estrategia.
Un espectáculo sobre hielo convierte la historia de Sung Jinwoo en algo completamente distinto y sorprendentemente épico adaptando el universo de Solo Leveling
Porque sí, Sung Jinwoo ahora combate… sobre hielo. Y no, no es una metáfora.
El nuevo tráiler ha dejado claro que estamos ante una reinterpretación radical del universo creado por el webtoon. Lejos de limitarse a recrear escenas icónicas, esta versión apuesta por convertir la acción en coreografías sobre patines, con combates que se deslizan entre piruetas y saltos imposibles. Y lo más curioso es que, contra todo pronóstico, funciona.
Solo Leveling en hielo
El proyecto, titulado Solo Leveling on Ice, no es simplemente una curiosidad puntual. Se trata de un musical sobre hielo que ya tuvo una primera puesta en escena en Seúl el pasado diciembre, pero que ahora regresa con una nueva vida… y un reparto completamente renovado.
El gran reclamo es Cha Junhwan, medallista de plata mundial en patinaje artístico, que asume el papel de Jinwoo. No es una elección casual: su capacidad para transmitir emociones a través del movimiento encaja sorprendentemente bien con la evolución del personaje, que pasa de ser el cazador más débil a convertirse en una auténtica amenaza.
A su lado encontramos a Kim Yerim como Cha Hae-in, mientras que Choi Woohyuk se mete en la piel de Yoo Jinho. El reparto se completa con la influencer AMY como Joohee y Lee Si Hyung interpretando a Igris, uno de los personajes más queridos por los fans.
Un regreso con más ambición que nunca
Este nuevo montaje volverá a representarse en el Mokdong Indoor Ice Rink del 7 al 17 de agosto de 2026, el mismo escenario que acogió su estreno original. Sin embargo, esta versión promete ir un paso más allá en todos los aspectos: más espectáculo, más narrativa y una puesta en escena mucho más ambiciosa.
El tráiler, que ya supera las 239.000 visualizaciones en YouTube, deja entrever combates estilizados, iluminación dramática y una reinterpretación visual de las sombras de Jinwoo que parece sacada directamente del anime… pero adaptada al lenguaje del hielo.
Y aquí está la clave: no intenta ser fiel en el sentido literal, sino capturar la esencia emocional del personaje.
Solo Leveling no deja de expandirse
Mientras este experimento artístico sigue generando conversación, la franquicia continúa creciendo en múltiples direcciones. El anime, disponible en Crunchyroll, cerró su segunda temporada en 2025 y ya tiene confirmada una tercera entrega para este mismo año.
Pero eso no es todo. También sigue en desarrollo una adaptación live-action más convencional en Netflix, lo que demuestra que la historia de Jinwoo está lejos de haber alcanzado su techo.
Puede sonar extraño —y lo es—, pero esta versión sobre hielo encaja mejor de lo que parece. En cierto modo, el viaje de Jinwoo siempre ha sido visual, casi coreográfico: movimientos precisos, combates estilizados y una evolución que se siente física.
Transformarlo en un espectáculo de patinaje artístico no es una traición al material original, sino una reinterpretación que apuesta por otro tipo de lenguaje. Uno más sensorial, más directo. Y aunque no sustituirá a la serie ni al futuro live-action, sí deja una idea clara: Solo Leveling es lo suficientemente grande como para reinventarse sin perder su identidad.
El detonante de toda esta expectación ha sido una reciente intervención del productor ejecutivo Masayuki Hirano, quien adelantó que el sistema de personalización del nuevo juego crecerá tanto “horizontal como verticalmente”. Aunque evitó confirmar detalles concretos, sí dejó caer que la incorporación de nuevas razas jugables sigue sobre la mesa, algo que ha disparado las teorías de la comunidad.
Actualmente, la saga Xenoverse permite crear personajes pertenecientes a cinco grandes razas: humanos, saiyans, namekianos, majins y la raza de Freezer. La llegada de nuevas opciones supondría la mayor transformación del sistema desde el lanzamiento del primer juego en 2015.
Las dos candidatas que más fuerza han cobrado entre los fans son los bioandroides y los kaioshin o demonios, dos grupos con una enorme relevancia dentro del universo Dragon Ball pero que nunca han sido plenamente explotados como personajes jugables personalizados.
Los bioandroides podrían abrir una nueva etapa para Dragon Ball
Permitir a los jugadores crear su propio bioandroide supondría introducir mecánicas completamente nuevas, alejadas de la clásica progresión saiyan basada en transformaciones Super Saiyan. Además, abriría la puerta a explorar aspectos poco desarrollados del legado científico del universo Dragon Ball.
La propia filosofía de Xenoverse siempre ha girado alrededor de la alteración temporal y la exploración de líneas alternativas, por lo que la existencia de nuevos bioandroides encajaría perfectamente dentro de su propuesta narrativa.
Los kaioshin y demonios podrían expandir la mitología de la saga
Los kaioshin representan una de las jerarquías divinas más importantes de la franquicia, mientras que los demonios han cobrado una relevancia creciente gracias a distintas producciones recientes y materiales complementarios. Convertirlos en personajes jugables ofrecería habilidades exclusivas, transformaciones inéditas y nuevos enfoques argumentales.
Además, esta decisión podría contribuir a reducir el histórico protagonismo absoluto de los saiyans, ofreciendo experiencias mucho más variadas y enriqueciendo considerablemente el canon expandido.
El futuro de Dragon Ball pasa por reinventarse
La franquicia ha demostrado durante décadas una capacidad extraordinaria para reinventarse sin perder su esencia. Desde la llegada de Dragon Ball Super hasta experimentos narrativos como Xenoverse, la saga ha encontrado formas de mantener vivo el interés de varias generaciones de fans.
Por el momento, Bandai Namco mantiene el silencio y no ha confirmado oficialmente qué nuevas razas estarán disponibles. Sin embargo, la sola posibilidad de controlar bioandroides, kaioshin o incluso demonios ya ha conseguido algo muy difícil: hacer que la espera hasta 2027 resulte todavía más emocionante.
Cuando era niña, Harley sufría un profundo miedo a los fantasmas y a las sombras que acechaban durante la noche. Para ayudarla a enfrentarse a esos temores, su madre le regaló un pequeño mazo de juguete. Según le explica, el personaje del Arlequín, del que deriva el apellido familiar, utilizaba un mazo mágico para derrotar a los villanos.
Ese sencillo regalo infantil acaba convirtiéndose en el símbolo que definirá toda su identidad futura, estableciendo una conexión emocional completamente nueva con el arma más característica del personaje.
El Espantapájaros podría convertirse en su gran enemigo
La historia titulada The Strawman introduce una inquietante figura fantasmal que atormenta a la joven Harley durante su infancia. Por ello, muchos lectores especulan con que el Espantapájaros sea realmente la figura responsable del trauma que moldeará a esta nueva Harley Quinn.
Esta decisión elimina por completo la tradicional relación tóxica y codependiente con el Joker, una dinámica que ha definido al personaje desde su debut en la serie animada de Batman en 1992.
El Universo Absolute culmina la transformación heroica de Harley Quinn
Quizás el cambio más importante no sea su nuevo origen, sino el papel que desempeña actualmente dentro del Universo Absolute. Desde sus primeras apariciones, esta Harley Quinn ha sido presentada como una auténtica aliada de Bruce Wayne y Alfred Pennyworth.
La evolución que en la continuidad principal llevó décadas construir aquí ya existe desde el principio. Harley no necesita liberarse del Joker porque nunca estuvo atada a él. No necesita convertirse en heroína tras una larga etapa criminal porque ya posee una fuerte brújula moral desde el inicio.
El Universo Absolute parece haber decidido acelerar ese proceso hasta su destino final, presentando a una Harley que nunca necesitó caer bajo la influencia del Joker para convertirse en quien está destinada a ser. Si esta reinterpretación consigue conectar con los lectores, DC podría haber encontrado la versión definitiva de un personaje que, treinta y cuatro años después de su debut, continúa demostrando que todavía puede sorprender.
Con motivo del lanzamiento de la nueva colección de Disney Lorcana de Ravensburger, Attack of the Vine!, hemos recibido una caja de sobres, una caja de presentación, la cajita de almacenamiento (es fantástica), varias cartas promocionales y una gran sorpresa. Abierto todo y revisadas las cartas, llega el momento de analizarlas y contar los detalles de una edición muy especial. Llega la tan temida segunda rotación del formato competitivo y por tanto, cambios y novedades muy jugosas.
AQUÍ UN ANÁLISIS DE LA NUEVA EDICIÓN EN PROFUNDIDAD
El universo de Lorcana TCG se enfrenta a su mayor transformación hasta la fecha con el lanzamiento de su decimotercer set: Attack of the Vine! (Invasión Épineuse / Angriff der Ranke). Esta edición no solo cierra un arco narrativo anual donde una masa orgánica y espinosa consume la tinta mágica del Gran Iluminario, sino que sacude los cimientos competitivos del juego al introducir la primera gran rotación de cartas y mecánicas de equipo radicalmente nuevas.
Attack of the Vine! trae la temida rotación pero llega cargada de novedades
El próximo set de Disney Lorcana TCG supone la culminación de una aventura desarrollada a lo largo de todo un año e incorpora glimmers de Up, Monstruos S.A. y Red de Pixar. Attack of the Vine! estará disponible a partir del 17 de julio de 2026 en los eventos de prelanzamiento en tiendas especializadas, y en determinados parques y tiendas Disney. Se lanzará en el resto de establecimientos a partir del 24 de julio.
«La aventura continúa en Lorcana mientras el reino se enfrenta a la implacable amenaza de la Enredadera, que ha crecido completamente fuera de control», compartió Nicole Smith, Senior Narrative Designer en Ravensburger. «Ahora que la Enredadera ha absorbido toda la tinta mágica procedente de la inundación que los Iluminadores experimentaron en sets anteriores, se ha convertido en un adversario extremadamente poderoso que requerirá de un gran nivel de trabajo en equipo para ser derrotado».
Al igual que las historias de aventuras que los fans disfrutan en la gran pantalla, las ilustraciones de Attack of the Vine! están inspiradas en la estética de los grandes éxitos cinematográficos del verano. No hay mejor ejemplo de ello que las cartas Encantadas. Las dos cartas más raras de la colección, las Icónicas, siguen esta misma línea e incorporan tratamientos foil y un estilo artístico inspirado en los carteles de las películas. Attack of the Vine! gira en torno al trabajo en equipo, por lo que las cartas Icónicas del set son: Lilo & Stitch – Fun-Loving Friends y Belle & Beast – Certain as the Sun.
«Los glimmers tendrán que unir sus fuerzas para derrotar a la Enredadera, y queríamos reflejar esa idea también a nivel mecánico con nuevas formas de usar la habilidad Shift mediante la clasificación Team», explicó Steve Warner, cocreador del juego y Game Design Director en Ravensburger.
«La clasificación Team permite que cualquier personaje con el mismo nombre que alguno de los personajes del Team sirva como base para la aplicar la habilidad Shift. Esto abre muchas posibilidades en el formato Infinity, además de ofrecer más opciones como base para aplicar el Shift en Core Constructed».
Con los eventos de prelanzamiento deAttack of the Vine!, en el formato competitivo de Disney Lorcana Challenge y otros eventos oficiales habrá una nueva rotación de cartas, que dejarán de ser legales para que los jugadores las incluyan en sus mazos. A partir del 17 de julio de 2026, únicamente serán legales en el formato Core Constructed las cartas publicadas en Fabled, Whispers in the Well, Winterspell, Wilds Unknown y Attack of the Vine!. Todas las cartas de Disney Lorcana TCG (con una excepción) seguirán siendo válidas en eventos que utilicen el formato Infinity Constructed, incluidos los recientes eventos Disney Lorcana Challenge, celebrados en Dortmund e Indianápolis.
El aspecto más trascendental que acompaña a Attack of the Vine! es la implementación de la rotación de ediciones para el formato oficial competitivo Core Constructed. A partir del lanzamiento de este set, el formato se despide de los bloques más antiguos para dar la bienvenida a un entorno más fresco y saludable, evitando el estancamiento del metajuego.
Solo las expansiones más recientes se mantienen legales para la construcción de mazos. Específicamente, el nuevo ecosistema competitivo queda limitado a:
Fabled
Whispers in the Well
Winterspell
Wilds Unknown
Attack of the Vine!
Esto significa la salida definitiva del formato estándar de joyas históricas de los primeros sets. Estrategias icónicas basadas en cartas de control masivo o motores de robo antiguos se desvanecen, obligando a los Iluminadores a replantear sus estrategias desde cero. El formato Infinity, por supuesto, mantendrá la legalidad de todas las cartas impresas en la historia del juego, pero el juego competitivo principal muta por completo.
Nuevas franquicias como llegan a Disney Lorcana y lo hacen con mucho protagonismo el metajuego
Hemos abierto la caja entera y la caja de presentación. Ha sido una apertura muy satisfactoria, porqué hemos tenido el privilegio de abrir una carta “enchanted”, Alladin & Genie Mischievous, lo cuál ha sido muy emocionante. Aparte, en el pack de presentación nos ha venido el poster de “UP” y lo cierto es que el tratamiento de poster de película es una maravilla.
En cuanto a las cartas legendarias, Pocahontas & Meeko tiene muy buena pinta. Se trata de una princesa héroe, con lo cuál ya tenemos dos arquetipos para empezar a pensar sinergias y decks para jugarlo. Tiene shift 2, con lo cual a puedes jugar por apenas dos tintas en Ambar y/o Amatista sobre un personaje Meeko o Pocahontas. En ambar puede ir genial, ya que no hay muchas cartas de evasión en
Visualmente, el diseño artístico adopta un enfoque inspirado en los pósteres cinematográficos de los grandes éxitos de taquilla veraniegos. Esto se evidencia de forma espectacular en las cartas Enchanted y en una nueva categoría de rareza extrema: las Iconic Cards. Las dos joyas de la corona de este set son Lilo & Stitch – Fun-Loving Friends y Belle & Beast – Certain as the Sun, que presentan tratamientos de brillo foil inéditos y composiciones artísticas monumentales.
En el plano de los personajes, Attack of the Vine! pasará a la historia por integrar de forma masiva franquicias muy esperadas de Pixar:
Monsters, Inc.: Con Sulley, Mike Wazowski y Randall introduciendo mecánicas basadas en el susto y la evasión a través de las puertas.
Up: Con el viejo Carl Fredricksen, Russell y Dug explorando el mapa y recolectando Lore de formas muy dinámicas.
Turning Red: Representando a Mei Lee en su forma de Panda Rojo gigante y a su madre, Ming Lee (Proud Parent), interactuando con mecánicas de furia y transformaciones drásticas.
Sinergias Orgánicas: La Nueva Interacción de Tintas y Mecánicas
El núcleo mecánico de la edición gira en torno a cómo el reino se defiende de la amenaza de la Viña. Al haber absorbido la tinta mágica desatada en sets anteriores, esta planta genera réplicas botánicas corruptas de los personajes conocidas como Vinelings. Para combatir esta invasión, los diseñadores de Ravensburger han introducido conceptos que alteran profundamente la interacción entre las diferentes tintas (Ámbar, Amatista, Esmeralda, Rubí, Zafiro y Acero).
La gran novedad mecánica es la clasificación Team. Esta regla permite una interacción inédita en la mecánica de Shift (Cambio). Hasta ahora, para jugar un personaje con Shift pagando su coste reducido, necesitabas tener en mesa a un personaje exactamente con el mismo nombre de pila.
Con las nuevas cartas de facción Team, cualquier personaje que comparta la clasificación o el nombre del equipo de la carta puede servir como base para el Shift. Esto flexibiliza enormemente las transiciones de poder a mitad de partida, permitiendo que un mazo combine personajes complementarios en curva de forma mucho más orgánica.
La interacción de tintas en Attack of the Vine! se ha vuelto mucho más cooperativa, buscando emular el esfuerzo conjunto de los personajes de las películas para detener la catástrofe vegetal:
Sinergias de Agresión y Soporte (Rubí / Ámbar): Los personajes de Turning Red y Up fomentan un juego donde el daño recibido activa bufos masivos en cadena. Ámbar cura y recupera del cementerio, mientras que Rubí aprovecha esos personajes dañados para infligir daño directo a las defensas de la Viña enemiga.
Control del Tablero y Movimiento (Acero / Zafiro): Con los personajes de Monsters, Inc. a la cabeza, la interacción se centra en mover amenazas rivales hacia localizaciones específicas o “encerrarlas” tras las puertas de la fábrica de sustos, acelerando la generación de tinta limpia en la reserva de Zafiro para jugar los imponentes Glimmers de coste alto.
Evasión y Lore Oculto (Amatista / Esmeralda): Utilizan hechizos y canciones que alteran el estado de los personajes duplicados por la viña (vinelings), permitiendo a tus personajes eludir los desafíos obligatorios y asegurar el Lore necesario para cerrar la partida antes de que el tablero se sature de amenazas orgánicas.
Attack of the Vine! redefine por completo el panorama estratégico de Lorcana. Con la salida de los sets clásicos debido a la rotación, la llegada del carisma cinematográfico de Pixar y la flexibilidad de la mecánica Team, los Iluminadores tienen ante sí un lienzo en blanco para explorar combinaciones de tinta totalmente impredecibles.
Para profundizar en los detalles técnicos expuestos por los creadores del juego durante la presentación del set, el video de Análisis del Lorecast de Attack of the Vine! resulta de gran utilidad para comprender a fondo la rotación competitiva y repasar cada una de las cartas icónicas reveladas de Monsters Inc. y Up.
El futuro más inmediato de Disney Lorcana no hace más ilusionar
Los fans de Disney Lorcana TCG tienen mucho que esperar, con eventos y anuncios previstos en la Gen Con 2026, que se celebrará del 30 de julio al 2 de agosto, y en el D23: The Ultimate Disney Fan Event, que dará comienzo el 14 de agosto de 2026. En cuanto a los próximos sets,Hyperia City invita a los fans a sumergirse en el ritmo y experimentar la música y la magia de una metrópolis llena de vida. Este set también marcará el debut de glimmers procedentes de Coco, de Pixar. Hyperia City estará disponible a partir del 16 de octubre de 2026 en los eventos de prelanzamiento de las tiendas Ravensburger Play Hub, donde los aficionados podrán descubrir toda la línea de productos y disfrutar del regreso de las Prerelease Boxes. Su lanzamiento general tendrá lugar una semana más tarde, el 23 de octubre.
Durante el primer trimestre de 2027, los Iluminadores y sus glimmers se adentrarán en Into the Inkdark, un nuevo set protagonizado por villanos que nunca ponen las cosas fáciles. Posteriormente, en el segundo trimestre de 2027, jugadores y coleccionistas despegarán hacia el cosmos para vivir una aventura galáctica entre las estrellas de cuentos.
Attack of the Vine! estará disponible en todo el mundo a partir del 24 de julio. Las reservas ya están disponibles en tiendas online de todo el mundo.
Todas las actrices que han dado vida a Alura In-Zee, madre de Supergirl y tía de Superman.
Aunque Jor-El, Lara y Kal-El sean los personajes más reconocibles de La Casa de El, hay que reconocer que, dentro de dicha familia, existen otros miembros importantes, como es el caso de Zor-El, del que ya hablamos en su momento, que no solo es el hermano pequeño del padre biológico de Superman sino también progenitor de Kara, más conocida por el nombre de Supergirl, además de, por supuesto, su esposa Alura In-Zee.
El debut de la tía de Kal-El tuvo lugar en la aventura titulada The Supergirl from Krypton!, ubicada como la tercera historieta del ejemplar Action Comics nº 252 (1959), con guion de Otto Binder y dibujos de Al Plastino, gracias a la cual tuvimos la oportunidad de profundizar en los orígenes de la prima de Superman.
Ahora que acaba de estrenarse en cines la película Supergirl, es un buen momento para repasar a todos los actores que se han metido en la piel de su madre Alura In-Zee, tal y como se puede comprobar si se continúa con la lectura de este artículo hasta el final.
Mía Farrow
Esta fue la primera actriz que se encargó de dar vida a Alura In-Zee, tal y como se pudo ver en la película Supergirl (1984), en la que ella y su marido no tienen un papel mucho más importante que el de lamentar lo que puede pasarles por la desaparición de un objeto mágico conocido como el Omegahedron, por lo que su hija decide viajar desde el fragmento desprendido de Krypton, conocido como la Ciudad de Argo, hasta nuestro planeta, con la misión de recuperarlo.
Mía Korf
La siguiente versión audiovisual de Alura In-Zee la podemos encontrarla en los capítulos 7 y 16 de la novena temporada (181 y 189 de la serie completa) de Smallville (2001 – 2011), cuyos títulos son Kandor y Fuga, respectivamente.
Laura Benanti
A la siguiente actriz encargada de dar vida a Alura In-Zee pudimos verla en los episodios 1, 2, 3, 8, 9, 13, 14, 19 y 20 de la primera temporadas de la serie Supergirl (2015 – 2021), titulados, aparte del piloto, Juntos más fuertes; Luchar o volar; OPA hostil; Lazos de sangre; Para la chica que lo tiene todo; Verdad, justicia y el estilo americano; Miriada y Ángeles mejores, respectivamente, y en el 4 de la segunda etapa (24 de la serie completa), llamado Supervivientes.
Erica Durance
Esta actriz, más conocida por haber dado vida a Lois Lane en la ya mencionada serie de Smallville, tuvo que sustituir a Laura Benanti cuando esta lo dejó porque acababa de nacer su hijo. A la nueva intérprete pudimos verla en los capítulos 1, 2, 4, 9, 20, 21, 22 y 23 de la tercera temporada (43, 44, 46, 51, 62, 63, 64 y 65 de la serie completa), titulados La chica de acero; Detonantes; Los creyentes; Reign; La cara oculta de la Luna; No Kansas; Haz que reine y Batallas perdidas y ganadas, respectivamente, y en el 9 de la quinta (96 de todo el show televisivo), llamado Crisis en Tierras Infinitas: Parte 1.
Cabe mencionar que también aparece en el 6 de la tercera (48 de la serie completa), titulado Midvale, aunque, en esa ocasión, no se trata de la auténtica kryptoniana, sino del Detective Marciano adoptando su aspecto.
Emily Beecham
Para dar por terminado nuestro repaso de actrices que han dado vida a Alura In-Zee debemos detenernos en esta intérprete, a la que hemos podido ver en la actual película de Supegirl, que ya hemos citado al principio de este artículo, en los momentos del filme en los que la protagonista recuerda su pasado. Teniendo en cuenta que el resultado en taquilla no ha sido el esperado y que, en la actualidad, el personaje no está vivo, parece poco probable que volvamos a ver a la actriz repitiendo este mismo rol, al menos en el estado actual de la franquicia.
Conclusiones
Llegado el momento de elegir la mejor versión audiovisual de Alura In-Zee, y sin ánimo de desmerecer las actuaciones de Mía Farrow y Mía Korf, hay que reconocer que las adaptaciones que guardan mayor similitud con el personaje homólogo del cómic son las de Laura Benanti y Erica Durance, en la serie de Supergirl, y la de Emily Beecham, en la película homónima que acaba de aterrizar en los cines. Sin embargo, el hecho de que se contara con dos actrices diferentes para el espacio televisivo hace que el premio de la mejor versión recaiga en la última Alura In-Zee cinematográfica.
Esta sección suele terminar con el recordatorio de que siempre puede aparecer una nueva adaptación del personaje que eclipse a todas las anteriores y la verdad es que no se trataría de nada descabellado, ya que las primeras películas del Universo Cinematográfico de DC que reinició James Gunn no están dando el resultado esperado, con lo que podría ser que tomasen la decisión de comenzar otra vez de cero o volver al Snyderverso, en el que no llegamos a ver ninguna versión de Alura In-Zee.
La noticia no llegó con un tráiler épico ni con un teaser misterioso. Fue algo más íntimo: una imagen compartida en Tudum donde vemos a Gordon Cormier, Kiawentiio, Ian Ousley, Dallas Liu, Miya Cech y Maria Zhang juntos en el set. Una foto que, más que promocional, parece una despedida. Porque lo es: marca el final de la producción de la tercera temporada, que será también el cierre de esta etapa.
avatar: la leyenda de aang temporada 3
Lo curioso es que esta adaptación live-action ha ido construyendo su reputación poco a poco. Tras el miedo inicial (nadie ha olvidado el tropiezo de la película de 2010), la serie consiguió convencer a gran parte del público. Sin romper récords históricos, ha logrado algo igual de importante: ganarse la confianza de los fans.
La segunda temporada incluso ha mejorado ligeramente la percepción crítica respecto a la primera, algo que no siempre ocurre en este tipo de producciones. Y eso tiene mérito, porque adaptar una obra tan querida no es precisamente un camino fácil.
En ese contexto, las palabras de la productora ejecutiva Christine Boylan ayudan a entender el tono del proyecto. Tras finalizar el rodaje, dejó claro el enfoque del equipo:
“Cuando empezamos con la temporada 2, reunimos tres fuerzas: integridad, esperanza y alegría… y casi tres años después hemos superado esos ideales”.
Una declaración que suena a cierre de ciclo más que a simple milestone de producción.
Eso sí, no esperes una copia calcada del anime original. Todo apunta a que la serie seguirá la línea argumental clásica, pero ajustando ritmos y adelantando ciertos eventos para darle más cohesión como cierre televisivo. Algo lógico si se quiere condensar una historia tan amplia en tres temporadas.
Aquí es donde entra el debate entre fans: ¿ser fiel al original o reinterpretarlo? De momento, la serie ha optado por un equilibrio que, aunque no perfecto, ha resultado bastante funcional.
El universo avatar no se detiene en Netflix
Que esta etapa termine no significa que el mundo de Avatar vaya a desaparecer. Más bien todo lo contrario: estamos ante una expansión bastante ambiciosa. Por un lado, se viene una película animada centrada en Aang que llegará directamente al streaming. Una decisión que ha generado cierta polémica, porque muchos esperaban verla en cines. Aun así, sigue siendo uno de los proyectos más esperados por los fans de la franquicia.
Y por otro, tenemos una nueva serie en camino: Avatar: Seven Havens, que nos llevará a una nueva era con una protagonista inédita. La historia girará en torno a Pavi, una joven maestra tierra que, lejos de ser vista como salvadora, será considerada una amenaza. Este giro de tono promete algo más oscuro y arriesgado, alejándose del enfoque clásico para explorar un mundo donde el Avatar ya no es sinónimo de esperanza.
Una adaptación que ha sobrevivido a sus propios fantasmas
Lo más interesante de todo este fenómeno es cómo ha evolucionado la percepción del live-action. Al principio, la sombra del fracaso anterior era enorme. Pero con el tiempo, la serie ha conseguido algo complicado: dejar de ser comparada constantemente para empezar a ser valorada por sí misma. No es perfecta, ni pretende serlo. Pero ha sabido capturar parte del espíritu original sin limitarse a copiarlo plano por plano. Y eso, en el terreno de las adaptaciones, ya es medio camino ganado.
Ahora, con la temporada 3 ya rodada, la sensación es clara: estamos ante el final de una etapa, pero no del viaje. Porque si algo ha demostrado esta franquicia es que siempre hay otra historia que contar, otro Avatar que descubrir y otro mundo que explorar.
Y viendo cómo Netflix ha acelerado los tiempos, queda claro que quieren mantener viva la conversación. Aunque, eso sí, el verdadero desafío será cerrar esta historia de forma que los fans no solo queden satisfechos… sino que quieran volver una vez más.
Vendetta reúne al guionista Fabrice Colin y al dibujante Bartolomé Seguí en una adaptación de la novela A Quiet Vendetta de R. J. Ellory
Vendettade Colin y Seguí ha sido publicada en España por Norma Editorial, donde se narra un suspense criminal de largo recorrido que mezcla la mafia radicada en los Estados Unidos con la corrupción política y la memoria histórica entre Cuba y el gigante norteamericano.
Nos encontramos ante una obra de género negro contemporáneo con ecos de un relato del mafioso clásico. Colin y Seguí no buscan reinventar el género, sino depurarlo, para lo que construyen una historia dura, melancólica y violenta donde el peso del pasado condiciona cada decisión.
La obra bebe tanto de la novela negra estadounidense como del polar francés y encuentra su fuerza en la atmósfera y en la humanidad quebrada de sus personajes. La premisa resulta especialmente atractiva porque conecta dos tiempos narrativos como son el presente de una investigación criminal en la que se ven afectadas varias agencias federales, como el FBI, y locales, como las policías de Nueva Orleans y Nueva York, y el largo recorrido vital de un antiguo sicario marcado por décadas de sangre y lealtades rotas.
La trama
La historia de Vendetta arranca en Nueva Orleans, en 2006, con el secuestro de Catherine Ducane, hija del gobernador de Luisiana. El responsable indirecto de la situación, Ernesto Pérez, es un viejo asesino ligado a la mafia, quien exige hablar con el agente Ray Hartmann antes de colaborar con las autoridades.
A partir de ahí se despliega una narración que retrocede durante medio siglo para reconstruir una compleja red de crimen organizado, venganzas personales y relaciones de poder entre Cuba y Estados Unidos. La historia evita en todo momento el efectismo fácil. Es cierto que hay violencia, pero esta nunca es gratuita y cada acto brutal deja una cicatriz moral y narrativa.
El gran acierto de la obra es cómo transforma un suspense criminal en una reflexión sobre el tiempo y la culpa. La vendetta -venganza en italiano- del título no se limita a la revancha física, sino que es también una herencia emocional que atraviesa generaciones. Colin maneja muy bien los saltos temporales, manteniendo el suspense mientras dosifica la información sobre el pasado de Ernesto Pérez.
El guion
El trabajo de Fabrice Colin destaca por su elegancia estructural. La adaptación comprime una novela compleja sin que la lectura resulte atropellada. El ritmo alterna escenas de la investigación con largos pasajes de la memoria criminal, creando una sensación de fatalidad muy propia del género negro clásico.
Los diálogos son secos y precisos, sin excesos literarios. Colin entiende que este género funciona mejor cuando los personajes hablan poco y callan mucho, donde los silencios pesan tanto como las confesiones.
Además, el guion consigue humanizar a estos personajes moralmente ambiguos. Ernesto Pérez no es un simple mafioso envejecido, por el contrario, es un hombre consumido por las decisiones que tomó décadas atrás. El contraste con Ray Hartmann funciona muy bien porque ambos representan dos formas distintas de enfrentarse a la verdad y la justicia.
En algunos momentos, la densidad de los nombres, las alianzas y los episodios históricos puede exigir una atención extra al lector, pero esa complejidad también contribuye a la riqueza del conjunto.
El dibujo y el color
Bartolomé Seguí vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes narradores gráficos españoles contemporáneos. Su estilo combina la claridad narrativa con una gran capacidad atmosférica. No necesita barroquismos visuales para transmitir la tensión, simplemente le basta una mirada, una habitación vacía o un encuadre nocturno.
El dibujo tiene una sobriedad muy cinematográfica. Las escenas de interiores, bares, despachos y calles húmedas de Nueva Orleans respiran autenticidad. Seguí maneja especialmente bien los rostros cansados y los cuerpos envejecidos, reforzando la idea de desgaste moral que atraviesa toda la obra.
El color juega un papel fundamental, en el cual predominan los tonos apagados, junto con ocres y azules fríos que envuelven el relato en una sensación constante de decadencia. Cuando aparecen colores más cálidos, sobre todo en los recuerdos vinculados a Cuba o a épocas pasadas; se percibe inmediatamente el contraste emocional y temporal.
La narrativa visual resulta limpia y muy legible incluso en las escenas más complejas. Seguí prioriza siempre la claridad sobre el lucimiento gráfico y eso beneficia enormemente al tono negro de la obra. Quizá no sea un cómic revolucionario, pero sí uno extraordinariamente bien ejecutado.
En definitiva, Vendetta es un suspense sólido, elegante y adulto. No busca sorprender mediante giros imposibles, sino construir una tragedia criminal marcada por la memoria, la corrupción y el peso del pasado. Fabrice Colin ofrece un guion muy bien medido, mientras que Bartolomé Seguí aporta una puesta en escena impecable y profundamente atmosférica.
La obra gustará especialmente a los lectores aficionados al género negro clásico, a las historias de la mafia y a los relatos criminales con trasfondo histórico. También confirma la enorme versatilidad de Seguí, capaz de moverse con naturalidad entre la novela negra, el drama político y el retrato humano.
La edición de Norma Editorial
La edición de Vendetta de Norma Editorial presenta el cómic en cartoné, con un formato de gran tamaño, 22,5 x 29,5 cm, con una extensión de 128 páginas a color y una reproducción muy cuidada del apartado gráfico, traducida al castellano por Gema Moraleda.
SEGUÍ NOS BRINDA UN THRILLER A LA ALTURA DE LOS GRANDES CLÁSICOS DEL GÉNERO
En 2006, el secuestro de Catherine Ducane, hija del gobernador de Louisiana, desencadena una investigación que abarca cinco décadas y que destapa un turbio entramado de mafia, corrupción y muerte. El agente especial Ray Hartmann se encuentra en un extremo de la investigación.
En el otro está Ernesto Pérez, un sicario retirado con más de una cuenta que saldar. Y, entre ellos, una historia laberíntica que serpentea durante medio siglo entre Cuba y Estados Unidos.
El guionista Fabrice Colin y el dibujante Bartolomé Seguí (Carvalho, Premio Nacional del Cómic por Las serpientes ciegas) adaptan la novela A quiet vendetta, un tenso thriller criminal firmado por el escritor inglés R. J. Ellory.
