Rami Malek rompe el silencio sobre el futuro de Mr. Robot

Por
Jesús Reche Alonso
-
Rami Malek

Rami Malek cierra una puerta pero abre otra que podría emocionar a los fans más fieles

Rami Malek

Hay series que se quedan pegadas a la memoria colectiva como si fueran una línea de código imposible de borrar, y Mr. Robot es una de ellas. Seis años después de aquel final explosivo que nos dejó revisando teorías como si la vida dependiera de ello, Rami Malek ha decidido pronunciarse (por fin) sobre si volvería a meterse en la piel del atormentado Elliot Alderson. Y lo ha hecho con una contundencia que, bueno… quizá no sorprenda, pero sí deja un saborcito a nostalgia.

Unas declaraciones que siguen dejando algo de esperanza

Durante un panel de Deadline Contenders Film: Los Ángeles, Malek estaba allí para hablar de Nuremberg, su nuevo proyecto, pero claro: ¿cómo resistirse a la pregunta que todo fan lleva seis años mascando? ¿Habría secuela, spin-off o algún tipo de regreso a la paranoia digital? La respuesta fue un rotundo “no”. Aunque, ojo, porque lo interesante vino justo después.

A pesar de haber cerrado la puerta a cualquier regreso de Elliot, Malek soltó un detalle que hizo que más de uno levantara la ceja con entusiasmo: “Sam y yo acabamos de hablar sobre trabajar juntos otra vez”, confesó el actor. Sam Esmail, para despistados, es el creador absoluto de Mr. Robot: showrunner, director, cerebro, alma y, prácticamente, arquitecto emocional de la serie. Vamos, que si alguien puede recuperar ese espíritu inquietante sin repetir la fórmula, es él.

El matiz es importante: no volverían con una secuela, pero sí con algo completamente nuevo. Nada de revisitar el pasado, sino de crear otra historia dentro de su propia visión. Además, Esmail ya ha demostrado en Leave the World Behind (Netflix, 2023) que le encanta esconder easter eggs del universo Mr. Robot, confirmando incluso que ambas obras comparten universo. Así que podría pasar perfectamente que el próximo proyecto de ambos esté lleno de guiños, conexiones sutiles y ese aire críptico marca de la casa.

Un cierre que pocos se atreven a tocar

Y siendo sinceros, tiene toda la lógica del mundo que Malek no quiera reabrir ese melón. El final de Mr. Robot, estrenado el 22 de diciembre de 2019, fue prácticamente un hito televisivo, coronado con un 9,8 en IMDb y una cuarta temporada que cerró con un 98% en Rotten Tomatoes. Sí, casi perfecto. Un final tan redondo que volver a él sería como intentar reescribir un capítulo que ya está milimétricamente equilibrado.

Además, Esmail ya dijo en su momento que contó exactamente la historia que quería contar. Sin presiones de cancelaciones, sin prisas, sin necesidad de estirar la trama como un chicle. De hecho, los principales arcos terminaron con la dosis justa de crudeza y humanidad, y eso no abunda precisamente en la televisión actual.

Rami Malek rompe el silencio sobre el futuro de Mr. Robot

De hacker antisocial a villano bond y físico nuclear

Desde que dejó atrás la sudadera negra de Elliot, Malek no ha parado. No Time to Die (2021) lo vio como un villano de mirada inquietante (vale, inquietante incluso para su nivel estándar). Luego llegó Oppenheimer (2023) con Christopher Nolan, donde interpretó a un físico que, sin quererlo, se ve implicado en uno de los debates morales más tensos del siglo XX. Después vino The Amateur (2025), donde directamente se transformó en un improbable héroe de acción. Y ahora: Nuremberg, donde se mete en la mente del psiquiatra del ejército Douglas Kelley durante los juicios a criminales nazis.

Vamos, que el amigo Malek ha estado ocupado. Y lo suficiente como para no tener que volver a un personaje que ya exprimió hasta la última de sus fracturas psicológicas.

Esmail sigue a lo suyo

El creador de Mr. Robot ha seguido su propio camino, pero siempre con la misma obsesión temática: el colapso social, la paranoia moderna y esa sensación de que siempre hay algo oculto tras la superficie. Su gran proyecto desde entonces fue Leave the World Behind, una película de Netflix que juguetea con la desinformación, el control y la tensión social… vamos, muy Esmail todo.

Lo más jugoso fue la lluvia de referencias al universo Mr. Robot, algo que él mismo confirmó sin rodeos. Nada explosivo, nada que cambie tramas previas, pero sí una idea consolidada: Sam Esmail trabaja en universos que se cruzan sin tocarse demasiado, lo justo para que los fans saquen la lupa.

Rami Malek rompe el silencio sobre el futuro de Mr. Robot

Un posible regreso pero no el que imaginas

Así que, ¿qué queda para los fans de Mr. Robot? Pues una esperanza realista:
Malek y Esmail volverán a colaborar, y aunque no será en una secuela, podría ser en algo igual de perturbador, igual de cerebral y, con suerte, igual de adictivo.

¿Paciencia? Sí. ¿Años de espera? Probablemente.
¿Vale la pena? Si la historia es buena y ellos dos están al mando, seguramente sí.

Descubre cómo Maggie Gyllenhaal transforma a Jessie Buckley en The Bride!

Por
Jesús Reche Alonso
-
Maggie Gyllenhaal

Maggie Gyllenhaal trae a Hollywood una versión radical, dolorosa y salvajemente humana del mito de Frankenstein que promete incendiar 2026

Descubre cómo Maggie Gyllenhaal transforma a Jessie Buckley en The Bride!

Hay imágenes que parecen salir de un sueño febril… y luego está la nueva foto del rodaje de The Bride!, donde Jessie Buckley aparece a medio camino entre un icono clásico del terror y una criatura recién parida del mismísimo caos. Lo sorprendente no es ya la estética, sino la intención detrás de ella: Maggie Gyllenhaal quiere romper el mito desde dentro, reescribirlo con una mezcla de ternura, violencia y pulsión vital que pocas veces vemos en Hollywood. Y sí, Jon, aquí hay material del bueno para los fans del terror con hambre de algo distinto.

The Bride!

Desde que se estrenó el tráiler, ya se intuía que esto no iba a ser otra revisión elegante del monstruo. Nada de filtros sepia ni homenajes conservadores. Lo que Gyllenhaal trae bajo el brazo es una historia retorcida, íntima y política, donde la monstruosidad no se esconde: se celebra. Y la directora lo deja claro en sus propias palabras: “todos tenemos una vena monstruosa, de las que dan miedo de verdad”. Vamos, que The Bride! no viene a jugar a lo seguro.

Antes de que sigas leyendo, conviene recordar el punto de partida. Un Frankenstein solitario, interpretado por un Christian Bale que ya parece haber nacido para sufrir de forma cinematográfica, viaja al Chicago de los años 30 para pedir un favor imposible: que la doctora Euphronious —Annette Bening, siempre brillante— le fabrique compañía. Fácil, ¿no? Solo un detallito: la compañera revive a partir de una mujer asesinada, y de ese renacer surge la Bride, interpretada por Buckley con toda la mezcla de vulnerabilidad y rabia que exige el papel.

A partir de ahí, todo estalla: asesinatos, posesiones, movimientos culturales demente, romance prohibido… un carnaval emocional que, según cuentan desde el rodaje, solo puede describirse como “radical”.

Una criatura que nunca pidió existir

Lo más jugoso de esta versión es cómo Gyllenhaal plantea la pregunta clave: ¿qué pasa cuando traes a alguien de vuelta y esa persona tiene deseos propios? Parece obvio, pero la mayoría de adaptaciones esquivan esa bomba emocional. Aquí no. Aquí se abre en canal.

Descubre cómo Maggie Gyllenhaal transforma a Jessie Buckley en The Bride!

La Bride no es un experimento fallido ni un accesorio narrativo, sino una fuerza que toma consciencia de sí misma a golpes, con dolor, placer, hambre y una honestidad incómoda. Gyllenhaal remarca que sus criaturas “hacen cosas horribles… y eso es solo el principio”. Vamos, que quien espere una heroína suave puede ir bajando expectativas.

Y lo interesante es que, aun siendo monstruos, son nuestros monstruos. Sufren, sienten y arden por dentro como cualquiera. Esa fricción entre horror y empatía es justo lo que promete hacer de The Bride! algo especial.

Un reparto que da miedo en el buen sentido

Si el tono ya es arriesgado, el reparto es otro nivel: Jessie Buckley, Christian Bale, Annette Bening, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard y Jake Gyllenhaal. Un reparto de premios Oscar, nominaciones, trofeos y talento desbordado. Si esto sale mal, será un milagro.

Bale, especialmente, parece encantado de volver a un papel que mezcla tragedia física y dolor existencial, muy en su línea. Buckley, por su parte, ya ha demostrado en Men o Fargo que puede transitar entre lo vulnerable y lo grotesco sin despeinarse.

Chicago como escenario, la locura como combustible

El Chicago de los años 30 que recrea Gyllenhaal tiene un aire enfermizo, casi febril. Es un lugar donde las ideas peligrosas prenden con facilidad, donde los marginados crean movimientos culturales, donde lo monstruoso es a veces más honesto que lo humano. Es el hábitat perfecto para que la Bride explote, para que Frankenstein se tambalee y para que la película avance como un tren sin frenos.

Como dice la directora: “cuando alguien vuelve a la vida con un fuego que no esperabas… entonces, ¿qué?”. Pues lo que pasa es The Bride!.

Descubre cómo Maggie Gyllenhaal transforma a Jessie Buckley en The Bride!

Cuenta atrás para 2026

Si Universal quería renovar su legado de monstruos, desde luego no ha elegido el camino fácil. Pero sí el más interesante. The Bride! huele a obra personal, a reinvención, a riesgo medido y a un homenaje torcido a lo que hizo grande a Frankenstein: el dolor de existir.

El 6 de marzo de 2026 saldremos de dudas. Pero todo apunta a que la verdadera monstruosidad no será la apariencia… sino lo que sienten por dentro.

Wicked: for good se la juega con la crítica pero apunta a arrasar igual en taquilla

Por
Jesús Reche Alonso
-
Wicked: for good

La secuela de Wicked divide opiniones aunque los fans parecen tenerlo clarísimo

Wicked: for good se la juega con la crítica pero apunta a arrasar igual en taquilla

Desde anoche, Jon, Wicked: For Good ha dejado de ser un misterio para convertirse en la comidilla del día. Y sí, los fans han salido del cine abrazando la emoción como si acabaran de bajarse de la escoba de Elphaba: un 97% en el Popcornmeter, ni más ni menos. Pero los críticos… bueno, digamos que han puesto un pie en Oz y el otro en el freno. Con 88 reseñas, el film se planta en un 74% en Rotten Tomatoes. No es mal número, para nada, pero palidece un poco frente al 88% Certified Fresh de la primera parte. Aun así, todo apunta a que el público va a llenar las salas igual que lo hizo en 2024.

Wicked: For Good

En esta secuela, muchos temores se han cumplido: el gran reproche es que el material narrativo no da para un largometraje entero. Aun así, el reparto, la música, la puesta en escena… todo eso continúa brillando. Un desenlace satisfactorio, pero con menos “wow”. Que sí, que lo de partir la historia en dos ya olía raro desde el anuncio.

La prensa especializada no se ha cortado. The Hollywood Reporter destaca que “Ariana Grande inunda todo de emoción hasta humanizar al personaje y, por extensión, a la película entera”, mientras que Variety apunta que la secuela “corrige una queja habitual del musical, dándole a la pareja protagonista más escenas y canciones juntas”. Vamos, que cuando se juntan Glinda y Elphaba, la cosa funciona.

Otros medios no han sido tan generosos. The Wrap suelta un dardo afilado: “No había una Parte Dos tan decepcionante desde la segunda mitad de It”. Y añaden que, al menos, aquí nadie vomita sobre Jeff Goldblum… todo un alivio para el reparto, supongo.

Más críticas templadas señalan que, aunque el dúo Erivo–Grande se marca actuaciones de infarto, la película no justifica ser un film independiente. Slant Magazine va incluso más allá: “La película está estirada, sin aire, y nunca llega a tocarte emocionalmente, ni siquiera desde la nostalgia”.

Críticas mezcladas, sensaciones encontradas

Por su parte, Empire resume el sentir general con una frase casi tierna: “No está del todo sobre el arcoíris, pero tiene los colores suficientes para salir adelante”. Una forma elegante de decir “ni tan mal”.

We Live Entertainment rescata la emoción por encima de todo: “Puede que no tenga un clímax que desafíe la gravedad como la primera, pero funciona en lo emocional”. Awards Buzz directamente se moja y la llama “épica y emocionalmente satisfactoria”. Y Vulture remata: “Cierra el ciclo de Wicked de manera sorprendentemente redonda, al menos por ahora”.

Wicked: for good se la juega con la crítica pero apunta a arrasar igual en taquilla

Eso sí, hay voces más frías. io9 lamenta que, aunque hay momentos brillantes, la mayoría no están a la altura del primer film. IndieWire coincide con esa sensación de déjà vu narrativo: “Lo que falló en la primera parte, sigue fallando. Lo que funcionó, sigue funcionando… solo un tic-tac mejor”.

Un final anunciado pero potente

Eso no impide que Universal esté a punto de apuntarse otro pelotazo. Después del éxito global de Wicked en 2024 —la adaptación más taquillera de Broadway en la historia del cine—, esta conclusión llega con perfil de fenómeno cultural. Jon M. Chu repite dirección, Cynthia Erivo y Ariana Grande regresan más afiladas que nunca, y la historia arranca con Elphaba y Glinda distanciadas, lidiando con las consecuencias de sus decisiones.

La secuela promete un cierre cargado de emociones, enfrentamientos y ese toque de magia verde que ya se ha convertido en su sello. Que guste más o menos dependerá de lo que cada espectador esperase de este final de cuento torcido… pero nadie saldrá diciendo que no ha visto un espectáculo.

Wicked: for good se la juega con la crítica pero apunta a arrasar igual en taquilla

Wicked: For Good aterriza en cines el 21 de noviembre. Y con críticas mixtas o no, todo apunta a que Oz volverá a llenarse de fans.

The running man habría realizado un cambio para tener una película mucho más redonda

Por
Jesús Reche Alonso
-
The running man

Un pequeño giro en un personaje clave habría elevado la historia de The running man a otro nivel

The running man habría realizado un cambio para tener una película mucho más redonda

Nadie sale de The Running Man pensando que le faltan explosiones, persecuciones o mala leche contra los medios. Eso lo tiene de sobra. El problema real está en otro sitio: la película tenía entre manos a un personaje que podía haber sido dinamita narrativa… y lo dejó para el descanso del intermedio. Amelia Williams aparece tarde, demasiado tarde, y su llegada abre una puerta que el filme apenas se atreve a cruzar.

El cambio en The Running Man

En una historia donde el entretenimiento sirve para domesticar conciencias y convertir la mentira en moneda de curso legal, Amelia es el espejo perfecto de la sociedad acomodada que aplaude el circo sin hacerse preguntas. Y justo por eso, dejarla confinada en el segundo tramo hace que su impacto se quede cojo.

Para entender el potencial de Amelia, basta con recordar cómo se nos presenta: una ciudadana privilegiada, ajena al sufrimiento ajeno, y perfectamente integrada en la dictadura del espectáculo. Cuando Ben Richards irrumpe en su vida, ella no ve a un inocente perseguido: ve al monstruo televisivo que la Agencia ha fabricado. Su arco –pasar de espectadora complaciente a rebelde activa– es uno de los elementos más potentes del guion.

Sin embargo, la cinta decide incorporarla justo cuando Ben ya está escapando a trompicones de McCone y sus cazadores. En ese punto, el relato se acelera hacia el caos de acción, con chistes slapstick que chocan con la densidad moral del planteamiento. La desconexión tonal es evidente, y el público lo nota.

El papel invisible de Amelia en la estructura del film

Lo más frustrante es que Amelia encarna la tesis principal del relato mejor que ningún otro personaje. Representa esa complicidad sutil, ese “no es mi problema”, que convierte a una población entera en herramienta de dominación. Su famosa bufanda de seda, un capricho caro que simboliza vidas que podrían haberse salvado, funciona como golpe emocional… pero llega tan tarde que no tiene tiempo de calar.

Si Amelia hubiese estado presente desde el arranque, el peso simbólico de ese objeto habría sido demoledor. Ben necesitaba un contrapunto humano más que otro bloque de hormigón que derribar. Y ella estaba hecha para ser ese contrapunto: incrédula, ciega por hábito, pero no mala.

The running man habría realizado un cambio para tener una película mucho más redonda

Que aparezca solo en la segunda mitad limita su desarrollo y, peor aún, limita la capacidad del espectador para empatizar con su despertar. La película apunta a un mensaje grande, pero lo dispara desde muy lejos.

Cómo su presencia temprana hubiera cambiado todo

Imagina el mismo relato… pero con un pequeño ajuste: Ben se cruza con Amelia nada más escapar de Boston. En ese instante, él todavía es el “asesino de masas” que la Agencia ha inventado y que la gente acepta sin pestañear. Amelia representaría, cara a cara, esa masa anestesiada. Y desde ahí, el choque ideológico habría sido oro puro.

Ben podría rebatir en directo la propaganda que le persigue, mientras Elton reforzaría ese debate desde su perspectiva revolucionaria. Tendríamos una especie de triángulo temático: el rebelde, la víctima del sistema y la creyente del show. Mucho más rico que los monólogos sueltos que se quedan flotando en la versión final.

Además, Amelia podría evolucionar de forma orgánica, no a trompicones. Su transición a rebelde ganaría credibilidad, humanidad y, sobre todo, emoción. El final —cuando ayuda a recuperar la caja negra que desmonta las mentiras del Network— habría explotado como un clímax emocional enorme, y no como un gesto simbólico algo precipitado.

La victoria real de Ben contra la indiferencia

La película insiste varias veces en que Ben no lucha solo por sobrevivir, sino por recuperar la verdad. Pero el mensaje pierde fuerza cuando la cinta se obsesiona con el espectáculo visual. Con Amelia más presente, el discurso habría tenido un rostro, un símbolo palpable de cómo el pueblo puede despertar… o seguir dormido.

De hecho, Amelia es la prueba de que el sistema puede romperse desde dentro, porque si alguien tan cómodo y encantado con la telebasura puede abrir los ojos, cualquiera puede hacerlo. Es el triunfo moral de Ben, más grande que cualquier explosión. Y sí, habría convertido la película en algo bastante más redondo.

The running man habría realizado un cambio para tener una película mucho más redonda

Un personaje desaprovechado que merecía brillar

The Running Man funciona, claro que funciona. Edgar Wright y Glen Powell saben divertirse, saben mover cámara y saben dar espectáculo. Pero dejaron sin exprimir la pieza que podía haber equilibrado todo el rompecabezas emocional. Un desarrollo más largo de Amelia habría corregido el bache de ritmo, reforzado la sátira y unido las distintas tonalidades del filme.

A veces, solo hace falta mover una ficha para que la historia encaje. En este caso, esa ficha tenía nombre y apellidos: Amelia Williams.

Tu smartphone también puede viajar al Mundo del Revés: llega la colección CASETiFY x Stranger Things

Por
Fernando Cantillo
-
CASETiFY x Stranger Things

La firma de accesorios tech CASETiFY se alía con Netflix para despedir la serie con fundas, correas y gadgets que harían sonreír hasta a Vecna.

Cuando la nostalgia ochentera de Stranger Things se encuentra con tu iPhone

Si creciste en los 80 (o te hubiera gustado hacerlo mientras jugabas al Dragones y Mazmorras con tus colegas), esto te va a interesar. CASETiFY acaba de lanzar una colección inspirada en Stranger Things justo cuando todos contamos los días para que arranque la temporada final. Y no, no es solo otra funda con el logo de la serie estampado: es prácticamente un pasaporte directo a Hawkins, Indiana.

CASETiFY se ha consolidado como referente global en accesorios tecnológicos, combinando protección de alto nivel con personalización creativa. Con más de 20 millones de dispositivos protegidos y presencia en más de 50 tiendas alrededor del mundo (incluyendo sus espacios insignia CASETiFY Studio), la marca sigue apostando por colaboraciones que conectan cultura pop, moda y tecnología como sus colaboraciones con Sakura o con Marvel.

Ya disponible, esta colaboración con Netflix trae una selección de accesorios de Stranger Things que van más allá de lo básico. Hablamos de fundas para móvil, correas para el Apple Watch, estuches para AirPods, carteras magnéticas, baterías portátiles y hasta fundas para portátil. Todo diseñado con esa estética oscura y ligeramente inquietante que caracteriza al universo de la serie.

CASETiFY x Stranger Things

La colección se organiza en tres “bundle sets” o packs temáticos que cualquier fan reconocerá al instante: el del Demogorgon (para quienes abrazan su lado más salvaje), el de Vecna (ideal si prefieres el terror psicológico) y el Party Set, que celebra la amistad del grupo protagonista. Cada pieza juega con tonos apagados, sombras profundas y destellos rojos que parecen sacados directamente de una VHS gastada de los 80.

Protección sobrenatural para tu día a día

El protagonista visual de toda la línea es, sin duda, el Demogorgon. Sus formas agresivas y texturas oscuras dominan varios diseños, aportando ese toque dramático que hace que llevar el móvil en la mano se sienta como portar un amuleto contra las fuerzas del Upside Down. Es la prueba de que los accesorios tecnológicos pueden ser funcionales y, al mismo tiempo, una declaración de estilo personal.

CASETiFY x Stranger Things

Porque seamos honestos: en 2025, tu funda de móvil dice tanto de ti como tu playlist de Spotify o tu serie favorita. Y si esa serie es Stranger Things, mejor que tu tech lo refleje.

¿Dónde conseguirla y cuánto cuesta?

Los precios van desde los 45€ hasta los 145€, dependiendo del accesorio que elijas. Puedes encontrar la colección completa en CASETiFY.com y en tiendas seleccionadas CASETiFY Studio repartidas por todo el mundo, donde además puedes personalizar tus productos en tiempo real.

CASETiFY x Stranger Things

Para los coleccionistas, los fans acérrimos y cualquiera que quiera llevar un pedacito de Hawkins en el bolsillo, esta cápsula es una oportunidad de oro. Al fin y al cabo, no todos los días puedes proteger tu teléfono mientras le rindes homenaje a una serie que marcó una época.

Linda Hamilton arrasa en Hulu con Osiris, el nuevo terror alienígena que desafía a la crítica

Por
Miguel Á. Fernández
-

El estreno de la nueva película de Linda Hamilton, Osiris, ha sido un éxito en streaming pese a las reseñas tibias

Aunque la crítica no se ha rendido ante ella, el público tiene otros planes. La reina del cine de acción, Linda Hamilton, está de vuelta con Osiris, un thriller de ciencia ficción y terror que ha conquistado el primer puesto en las listas de Hulu en Estados Unidos… pese a que la mitad de los críticos ni se ha molestado en aplaudir.

La nueva apuesta sci-fi que nadie vio venir

Con un 50% de puntuación tanto entre críticos como entre espectadores en Rotten Tomatoes, cualquiera diría que Osiris estaba condenada al olvido. Pero Hulu ha demostrado que aún hay hambre de acción alienígena con toques de serie B, y el filme ha escalado posiciones a base de clics y vísceras.

La historia no se complica: un grupo de comandos de élite es abducido en plena misión y despierta en un entorno hostil poblado por una raza extraterrestre letal. Su única opción es aliarse con un puñado de supervivientes liderados por Anya, una mujer curtida en mil batallas interpretada por Hamilton. A partir de ahí, Osiris se convierte en una lucha desesperada por sobrevivir… y por volver a casa con todos los órganos en su sitio.

osiris linda hamilton

La sinopsis oficial lo deja claro: “Un equipo de Fuerzas Especiales es secuestrado por una nave misteriosa y se despierta en un planeta plagado de criaturas violentas. Tendrán que colaborar con un grupo de inadaptados liderados por Anya si quieren tener alguna posibilidad de sobrevivir”.

El regreso de la Sarah Connor que no sabías que necesitabas

Linda Hamilton, inmortalizada como Sarah Connor en la saga Terminator, retoma su rol de heroína curtida, esta vez en una clave mucho más sangrienta y desquiciada. Junto a ella encontramos a un reparto encabezado por Max Martini, Brianna Hildebrand, LaMonica Garrett y Michael Irby.

El director William Kaufman, que también firma el guion junto a Paul Reichelt, ha rodado la película en Luisiana, apostando por un estilo visual crudo y directo, con efectos prácticos y criaturas dignas del sci-fi más noventero.

osiris linda hamilton

¿Es Osiris una revolución del género? Ni de lejos. ¿Es entretenida, violenta y con aroma a cinta de videoclub? Absolutamente.

del espacio a Hawkins, Hamilton también invade Stranger Things

Mientras Osiris triunfa en Hulu, Hamilton no descansa. La actriz ha aprovechado este 2025 para colarse en la quinta y última temporada de Stranger Things, nada menos que como la nueva gran villana. Sustituye al fallecido Dr. Brenner (Matthew Modine) y promete plantar cara a Vecna con más mala leche que nunca.

Ross Duffer, cocreador de la serie, explicó así su fichaje: “Nos encanta incorporar leyendas de los 80 cuando podemos. Y Sarah Connor es una de las más grandes.” Ella, por su parte, confesó sentirse algo intimidada al principio: “He visto cada temporada con pasión. Era como tener síndrome del impostor… no me veía ahí dentro.”

osiris linda hamilton

El reparto de la serie se mantiene con Winona Ryder, David Harbour, Millie Bobby Brown y compañía, y Netflix ya ha anunciado que la temporada final se dividirá en tres tandas: el 26 de noviembre, el 25 de diciembre y el 31 de diciembre. Vamos, que los Duffer se han marcado su propia trilogía navideña.

Ciencia ficción sin complejos

Con 108 minutos de duración, Osiris no pretende reinventar la rueda. Pero su mezcla de acción, suspense y terror con alienígenas hambrientos funciona como un chute de nostalgia para quienes echan de menos las películas donde lo importante era disparar primero y preguntar después.

Y para los que quieran un maratón de Hamilton, The Terminator, Terminator 2: El juicio final y Dark Fate están disponibles en Paramount+ y Netflix. Porque está claro que Linda no ha dicho su última palabra, ni con los alienígenas ni con los monstruos de Hawkins.

Zeb Orrelios da el salto definitivo en El Mandaloriano y Grogu, Favreau promete acción, humor y mucho corazón

Por
Miguel Á. Fernández
-

El icónico personaje de Star Wars Rebels no solo regresa, sino que lo hace a lo grande en el debut cinematográfico de El Mandaloriano y Grogu

La galaxia muy, muy lejana se prepara para recibir a uno de los personajes más queridos de Star Wars Rebels en la pantalla grande: Garazeb “Zeb” Orrelios tendrá un papel destacado en El Mandaloriano y Grogu, y su presencia promete levantar pasiones entre los fans veteranos y novatos.

Jon Favreau, director del filme y alma creativa de la saga del mandaloriano, ha confirmado que Zeb tendrá un rol mucho más amplio que su fugaz aparición en la temporada 3 de El Mandaloriano. En declaraciones a Empire, Favreau fue claro: “Ahora sí que vamos a divertirnos de verdad con él. Es un personaje muy potente, aunque no hayas visto Rebels. Su voz, su actitud, su presencia física… lo tiene todo”.

El regreso de un guerrero Lasat

Para quien necesite ponerse al día, Zeb es un exguardia de honor Lasat cuya especie fue prácticamente aniquilada por el Imperio. Se unió a la tripulación del Ghost en Star Wars Rebels y se convirtió en uno de los pilares emocionales de la serie. Con voz del legendario Steve Blum —quien también lo interpretó en la serie live-action—, Zeb es pura fuerza bruta combinada con un corazón noble, y ahora tendrá su momento de gloria en cines.

el mandaloriano y grogu zeb orrelios

Favreau ve en Zeb una mina de oro narrativa: su pasado trágico, su humor sarcástico y su espíritu de lucha encajan a la perfección con el tono aventurero que promete esta nueva entrega. La idea no es solo meter un personaje reconocible, sino darle peso, presencia y desarrollo, sobre todo para el público que no ha seguido las series animadas.

Din Djarin, ¿héroe en construcción?

Más allá de Zeb, el filme abordará una nueva etapa para Din Djarin, interpretado por Pedro Pascal. Según Favreau, “El mandaloriano ha cambiado de prioridades. Al final de la tercera temporada ya deja claro que no quiere seguir siendo solo un mercenario a sueldo, sino hacer el bien de forma activa”. Esto abre las puertas a una evolución más heroica del personaje, alejándose de los encargos por créditos y acercándose a las causas nobles.

Este giro será clave en la historia, porque aunque la relación entre Din y Grogu sigue siendo el corazón de la franquicia, el contexto en el que se mueven está cambiando. Ya no se trata solo de sobrevivir, sino de tomar partido por el bien mayor.

Zeb Orrelios da el salto definitivo en El Mandaloriano y Grogu, Favreau promete acción, humor y mucho corazón

Nuevas caras en la galaxia

El reparto se refuerza con nombres potentes. Uno de los fichajes estrella es Jeremy Allen White, que interpretará a Rotta el Hutt, sí, el hijo del mismísimo Jabba, al que algunos recordarán de The Clone Wars. Este personaje promete añadir una mezcla de tensión y humor al grupo.

Pero el fichaje más sorprendente es, sin duda, Sigourney Weaver, quien encarnará a la coronel Ward de la Nueva República. Weaver confesó a Empire que “no buscaba unirme a otra franquicia, pero El Mandaloriano y Grogu me atrapó por su forma de contar historias dentro del universo sin necesidad de hacer ‘el Star Wars definitivo’”. Una reflexión que resume bien el nuevo rumbo de Lucasfilm: contar historias más pequeñas, más personales… pero igual de épicas.

Zeb Orrelios da el salto definitivo en El Mandaloriano y Grogu, Favreau promete acción, humor y mucho corazón

Hacia una nueva etapa de Star Wars

El estreno de El Mandaloriano y Grogu está previsto para el 22 de mayo de 2026, y supone el salto del formato televisivo al cine para estos personajes. Disney ya ha demostrado que su estrategia pasa por mezclar formatos, y esta cinta podría marcar un antes y un después para los proyectos conectados del Mandoverse.

La presencia de Zeb, la evolución de Din y Grogu, y las nuevas incorporaciones apuntan a un equilibrio entre fanservice inteligente y desarrollo real de personajes. Porque si algo ha dejado claro Favreau es que quiere que esta historia funcione por sí sola, sin depender de cameos ni nostalgia fácil.

Y, oye, si encima tenemos a Zeb repartiendo estopa y soltando pullas con su acento gruñón, pues mejor que mejor.

Por qué la Justice Society merece una segunda oportunidad en el nuevo DCU

Por
Miguel Á. Fernández
-
Black Adam

El universo de James Gunn tiene la excusa perfecta para traer de vuelta al equipo que llegó a aparecer en el DCEU

Cuando Black Adam aterrizó en los cines allá por 2022, lo hizo con más músculo que cerebro. Pero entre tanto caos y explosiones, hubo un rayo de esperanza: la aparición de la Justice Society of America (JSA). Aunque la peli fue un batacazo crítico y comercial, esta legendaria formación de héroes dejó con ganas de más a muchos fans.

Y es que no todos los días ves a Hawkman (Aldis Hodge) y Doctor Fate (Pierce Brosnan) desplegando poder, carisma y veteranía mientras intentan domar al salvaje de Black Adam. A su lado, Cyclone (Quintessa Swindell) y Atom Smasher (Noah Centineo) aportaban ese toque joven y prometedor que tanto le faltaba al universo DC de entonces.

La Justice Society de América merece una segunda vida

En un universo superheroico que busca reiniciarse, no todo tiene que tirarse a la basura. James Gunn lo sabe y ya ha dejado claro que personajes como Peacemaker o Amanda Waller seguirán dando guerra en su renovado DCU. Entonces, ¿por qué no darle otra oportunidad a uno de los grupos más interesantes del extinto DCEU?

Por qué la Justice Society merece una segunda oportunidad en el nuevo DCU

La JSA no solo representa una generación anterior de héroes, sino también un puente perfecto entre el pasado mítico del universo DC y sus nuevas promesas. Su estilo, más clásico y cargado de mística, encajaría como anillo al dedo en una franquicia que quiere diferenciarse del tono Marvel sin renunciar al espectáculo.

Doctor Fate, por ejemplo, es una joya por explotar. Su enfoque mágico y su conexión con fuerzas sobrenaturales podría ser la puerta de entrada para personajes como Zatanna o Constantine. Brosnan ya se mostró dispuesto a regresar al papel, y su presencia impone. Es un recurso que Gunn haría bien en no desperdiciar.

Hawkman, por su parte, podría ser la pieza que conecte con Hawkgirl, confirmada en Superman: Man of Tomorrow. Su historia de amor y reencarnaciones eternas da para una subtrama épica o trágica según se mire, y si se juega con el contraste generacional entre Hodge e Isabela Merced, el resultado puede ser muy potente.

justice society

El regreso podría ser en “Man of Tomorrow”

Y hablando de Man of Tomorrow, ese es el momento perfecto para resucitar a la JSA. Este film, previsto para 2027, promete ser el gran cruce de caminos del nuevo DCU: Superman, Supergirl, Hawkgirl y probablemente Green Lantern compartiendo pantalla. ¿Qué mejor ocasión para meter a un grupo de héroes con experiencia y magia?

El villano será nada menos que Brainiac, un peso pesado que justifica reunir a todos los héroes disponibles. Si incluso Superman se alía con Lex Luthor para frenarlo (como apuntan los rumores), ¿por qué no sumar también a Hawkman, Doctor Fate y compañía? Más aún si eso permite presentar al equipo como la alternativa o complemento a la futura Justice League.

Además, Shazam! Fury of the Gods ya coqueteó con la idea de unir a Billy Batson con la JSA en una escena postcréditos. Así que la semilla está plantada: solo hace falta regarla con ganas y un buen guion.

black-adam-justice-society-files-atom-smasher-1

Una oportunidad para renovar sin borrar

Claro, hay un pequeño lío con la continuidad. ¿Black Adam existe en el nuevo DCU? ¿Hay que ignorar su película o asumir solo ciertas partes? Pero seamos sinceros: eso a los fans les importa poco si lo que reciben a cambio es un buen desarrollo de personajes y acción de calidad.

James Gunn podría reintroducir al equipo desde cero, manteniendo los actores pero con una nueva historia de fondo. O incluso jugar con el multiverso, algo que ya está más que asumido por el público. Sea como sea, el regreso de la JSA enriquecería un universo que busca ser amplio, diverso y sorprendente.

Porque no todo tiene que ser Batman, Superman y Wonder Woman. DC tiene un legado inmenso, y recuperar a estos héroes clásicos sería un golpe de efecto que premiaría a los fans de siempre y despertaría la curiosidad de los nuevos.

James Gunn desmiente rumores sobre la serie de Jimmy Olsen

Por
Miguel Á. Fernández
-
Superman - Jimmy Olsen - James Gunn - DCU

El creador de la última Superman aclara qué hay de cierto en la nueva serie protagonizada por Skyler Gisondo

Durante unos días, parecía que el Universo DC había fichado a Jimmy Olsen como el próximo rey del true crime. Según algunos medios, James Gunn preparaban una serie titulada DC Crime, una docuserie ficticia al estilo de American Vandal, con Jimmy Olsen como presentador estrella y explorando los crímenes más bizarros del universo DC, empezando por los de Gorilla Grodd. Una mezcla rara pero… bastante apetecible, seamos sinceros.

Pero como viene siendo habitual en el nuevo DCU, James Gunn ha tenido que salir al paso para poner orden entre tanto rumor. Sí, la serie es real, pero no se llama DC Crime, y no llegará hasta 2027, así que más nos vale armarnos de paciencia.

La nueva serie del DCU no se llama DC Crime

Gunn lo dejó claro en Threads (cómo no): “Nunca ha existido un proyecto titulado ‘DC Crime’, ni siquiera como título provisional. No sé de dónde ha salido eso, pero es bastante raro”. Vamos, que el nombre es completamente inventado, aunque la serie sí está en marcha.

jimmy olsen

Eso sí, el creador también matizó que el error del título no invalida el resto de la información. La serie está siendo desarrollada por Tony Yacenda y Dan Perrault, responsables de American Vandal, con Gunn y Peter Safran como productores ejecutivos. Y sí, Skyler Gisondo volverá como Jimmy Olsen, después de su fichaje en la futura película Superman.

La propuesta sigue siendo tan jugosa como suena: Olsen protagoniza una especie de mockumentary, donde repasa con un tono satírico y detectivesco algunos de los crímenes más peculiares del universo DC. Vamos, como si Lois Lane se tomara vacaciones y Jimmy se pusiera a grabar un podcast en Gotham con Killer Croc como primer invitado.

2027 será el año de estreno

Ante las prisas de algunos fans (y medios con más entusiasmo que verificación), Gunn también dejó claro que la serie no llegará ni este año ni el que viene: “Quedan menos de dos meses y aún no hemos empezado a rodar, así que es un no rotundo. Llega en 2027”, zanjó.

superman jimmy olsen

Eso no ha impedido que el nombre falso de DC Crime ya haya calado entre el público. “La historia salió hace cinco días y ya he tenido a varias personas diciéndome en persona: ‘¡Tengo muchas ganas de ver DC Crime!’”, comentó el cineasta entre risas. “Yo me quedé en plan: ¿qué es eso?”.

Está claro que aunque el nombre haya sido fruto de la imaginación de alguien con ganas de clickbait, el concepto está generando curiosidad. Una serie dentro del universo DC que combine humor, sátira y true crime puede ser justo el tono refrescante que el DCU necesita en paralelo a sus producciones más épicas.

Un enfoque distinto para un universo en reconstrucción

Desde que James Gunn tomó las riendas del DCU junto a Peter Safran, ha quedado claro que el enfoque será mucho más variado y atrevido. Desde el tono clásico de Superman hasta propuestas más oscuras como Lanterns o The Authority, parece que también habrá hueco para series más ligeras y autoconscientes.

Superman - Jimmy Olsen - James Gunn - DCU

Este proyecto con Jimmy Olsen como narrador ofrece precisamente eso: un vistazo a los rincones menos explorados del universo DC, mezclando humor, estilo documental falso y una estética que recuerda a lo que Peacemaker ya hizo con éxito.

No será el plato fuerte del nuevo universo, pero sí un entrante simpático que puede conectar con otro tipo de público. Y con el talento creativo detrás del proyecto —los de American Vandal saben lo que hacen—, hay motivos para ilusionarse.

Jimmy Olsen se pasa al true crime

Jimmy Olsen siempre ha sido el “chico de los cafés” de Superman, pero bajo la batuta de Gunn y en manos de un actor tan versátil como Skyler Gisondo, podría ser el vehículo perfecto para un nuevo tono dentro del DCU. Si la serie logra equilibrar la sátira con el cariño por los personajes, podría convertirse en un éxito inesperado, como ya ocurrió con Harley Quinn o la propia Peacemaker.

Ahora solo queda esperar a 2027… y rezar para que no vuelvan a llamarla DC Crime.

James Gunn salvó Guardianes de la Galaxia de convertirse en una peli sin alma

Por
Miguel Á. Fernández
-
Gamora - Guardianes de la Galaxia

James Gunn revela cómo el antiguo comité creativo de Marvel casi destroza la esencia de Guardianes de la Galaxia

Antes de que Guardianes de la Galaxia se convirtiera en una de las películas más queridas del Universo Cinematográfico de Marvel, estuvo a punto de ser un completo desastre. No por falta de talento o visión, sino por culpa de un “comité creativo” que, según cuenta el propio James Gunn, quería meter mano en todo… incluso en lo que no entendía.

El comité que casi se carga a los guardianes

Gunn lo contó sin pelos en la lengua durante su participación en el pódcast Smartless. Resulta que, cuando estaba desarrollando Guardianes de la Galaxia, tuvo que enfrentarse a un grupo interno de Marvel compuesto por gente del mundo del cómic, del marketing y, sí, hasta de juguetes. Todos opinaban. Todos querían tener voz. Y casi logran diluir todo lo que hacía especial la película.

Este comité proponía cambios que no tenían ningún sentido desde el punto de vista narrativo. Querían quitar la música —sí, esa música que convirtió cada escena en una joya pop— y no entendían por qué Bradley Cooper ponía voz a Rocket si “no sonaba como él”. Gunn se lo tomó con filosofía: “Está interpretando un personaje. Es actor. Para eso lo contratamos”.

guardianes de la galaxia 3 - James Gunn

La situación rozaba lo absurdo, y el propio director lo comparó con una operación cerebral donde los que dan indicaciones son… podólogos. Sí, ese era el nivel. Por suerte, Kevin Feige defendió la visión de Gunn, lo respaldó cuando más lo necesitaba, y así el film mantuvo su alma gamberra, su corazón nostálgico y su banda sonora inolvidable.

Una libertad creativa que no siempre fue la norma

A pesar de todo, Gunn no guarda rencor hacia el pasado. Reconoce que siempre ha estado dispuesto a recibir notas y sugerencias, pero lo que vivió con el comité iba mucho más allá: “Se comportaban como si fueran la autoridad absoluta en todo”. Lo más preocupante, dice, es que muchas de sus exigencias no tenían nada que ver con el arte de contar historias, ni con enganchar al público.

Ese tipo de interferencias ya no las sufre. Ahora, como responsable de DC Studios junto a Peter Safran, su panorama es completamente distinto. En sus propias palabras, la libertad creativa es muchísimo mayor. Y eso incluye tener una sola persona por encima: David Zaslav, CEO de Warner Bros. Discovery. Sorprendentemente, Gunn no solo lo respeta, sino que incluso lo alaba.

Guardianes de la Galaxia Volumen 3 - James Gunn - loki - disney

De Guardianes a Superman

Gunn contó cómo fue el proceso de presentar a Zaslav las pruebas de cámara de Superman: Man of Tomorrow, protagonizada por David Corenswet y Rachel Brosnahan. “Me llamó con tono serio y dijo: ‘No soy cineasta ni cuentacuentos como tú, pero tengo que decirte algo…’. Y entonces soltó: ‘Me ha encantado’”.

Este apoyo directo, sin comités ni intermediarios, marca la diferencia. Para Gunn, trabajar en DC Studios es como respirar aire fresco. Nadie le pide cambiar cosas que funcionan. Nadie le cuestiona por qué una escena es emotiva o un personaje suena distinto. Puede construir el universo que imagina, sin voces ajenas que lo desvíen del camino.

guardianes de la galaxia 3 - James Gunn

Y esto, claro, se nota en el resultado. Su nueva visión de Superman, más sincera y cercana, ya ha sido recibida con entusiasmo por quienes han visto los primeros avances.

El legado de una pelea creativa

Si Gunn no se hubiera plantado frente al comité de Marvel hace diez años, Guardianes de la Galaxia podría haber sido un blockbuster más sin chispa ni corazón. Pero no. Apostó por el riesgo, defendió sus decisiones (y sus canciones) y el resultado fue una cinta que redefinió lo que una peli de superhéroes podía ser.

Ahora, al frente de DC, Gunn tiene la oportunidad de aplicar todo lo aprendido sin trabas ni absurdos burocráticos. Y eso, tanto para los fans de Marvel como de DC, solo puede ser una buena noticia.

1...253254255...6.195Página 254 de 6.195