Las últimas declaraciones del responsable de DC Studios sugieren que Kara Zor-El/Supergirl no será una simple invitada en la siguiente gran aventura cinematográfica de Superman
Según declaró Gunn en una entrevista concedida a ExtraTV durante la premiere, la versión de Kara Zor-El que llegará al DCU será muy distinta a la de su famoso primo. El cineasta explicó que esta encarnación del personaje está marcada por una vida mucho más dura y traumática, una diferencia que influirá directamente en su forma de entender el heroísmo.
El director destacó además que esa disparidad entre Superman y Supergirl será una de las dinámicas más importantes de los próximos proyectos de la franquicia. De hecho, confirmó que ambos personajes compartirán una presencia significativa en Man of Tomorrow, la película que actualmente se encuentra en producción.
Aunque ya se sabía que Milly Alcock aparecería en el largometraje, las nuevas declaraciones de Gunn apuntan a que su participación irá mucho más allá de un simple cameo. El responsable de DC Studios aseguró que la actriz tendrá un papel importante dentro de la historia, reforzando la idea de que Supergirl será una pieza clave en el desarrollo del nuevo universo compartido.
Mientras tanto, el director de Supergirl, Craig Gillespie, también compartió algunas anécdotas sobre el trabajo de David Corenswet durante el rodaje. En declaraciones recogidas por GamesRadar, el cineasta explicó que el actor aportó numerosas improvisaciones a sus escenas junto a Alcock, contribuyendo a crear una química natural entre ambos personajes desde el primer día de filmación.
Según Gillespie, varias de las interacciones más divertidas entre Superman y Supergirl nacieron de manera espontánea durante el rodaje. El director destacó especialmente la facilidad con la que Corenswet se movía dentro del personaje, algo que ayudó a dar mayor naturalidad a las escenas compartidas.
Por otro lado, la información conocida hasta ahora sobre Man of Tomorrow apunta a una historia centrada en la relación entre Superman y Lex Luthor, quienes deberán enfrentarse a una amenaza de gran escala encabezada por Brainiac. La película también contará con el regreso de varios personajes introducidos previamente en el DCU.
Rachel Brosnahan volverá como Lois Lane, mientras que Nicholas Hoult retomará el papel de Lex Luthor. También regresarán intérpretes como Skyler Gisondo, Sara Sampaio, Isabela Merced y María Gabriela de Faría. Además, diversos medios especializados han informado de la incorporación de nuevos personajes relevantes para el futuro de la franquicia.
Con Superman ya establecido y Supergirl preparada para ocupar un lugar destacado en la saga, todo indica que DC Studios continúa construyendo las bases de su universo cinematográfico con una conexión cada vez mayor entre sus principales héroes.
Man of Tomorrow tiene previsto su estreno en cines el 9 de julio de 2027.
Un anuncio realizado durante el Festival de Annecy ha devuelto la franquicia ThunderCats al centro de la conversación, aunque todavía no está claro qué relación guarda con un proyecto anunciado hace varios años
La noticia ha despertado el interés de los aficionados, pero también ha generado una pregunta importante: ¿se trata del largometraje anunciado años atrás con Adam Wingard al frente o de una producción completamente diferente?
Según la información compartida por Warner Bros. Animation durante el evento, el estudio trabaja en una película animada de ThunderCats, aunque no ofreció detalles sobre el equipo creativo, el estado de la producción o la conexión con proyectos previos.
La incertidumbre surge porque en 2021 se anunció una adaptación cinematográfica dirigida por Adam Wingard, conocido por películas como Godzilla vs. Kong. En aquel momento, el cineasta explicó en declaraciones recogidas por Deadline que su intención era desarrollar una propuesta muy fiel al espíritu visual de la serie original, utilizando una combinación de animación tradicional y tecnología CGI avanzada.
Wingard también aseguró entonces que no estaba interesado en convertir ThunderCats en una película de acción real. Su objetivo era preservar la estética característica de los personajes y construir una aventura de fantasía y ciencia ficción que mantuviera la esencia de la producción de los años ochenta.
Desde aquel anuncio, las novedades sobre el proyecto han sido prácticamente inexistentes, lo que llevó a muchos seguidores a pensar que la película podría haber quedado archivada o retrasada indefinidamente. Por ese motivo, el reciente anuncio de Warner Bros. ha reavivado las especulaciones sobre si el estudio ha retomado aquella idea o si ha optado por desarrollar una nueva versión desde cero.
Creada originalmente en 1985, ThunderCats narraba las aventuras de un grupo de guerreros felinos que abandonaban su planeta natal, Thundera, tras una catástrofe que amenazaba la supervivencia de su especie. Liderados por Lion-O, los héroes encontraban refugio en la Tercera Tierra, donde debían enfrentarse al temible Mumm-Ra y a los Mutantes en una lucha constante por el control de la legendaria Espada de los Presagios.
La franquicia ha intentado dar el salto al cine en varias ocasiones a lo largo de los años, pero ninguno de esos proyectos llegó a materializarse. Ahora, con Warner Bros. Animation confirmando oficialmente el desarrollo de una nueva película, los fans tienen al menos la certeza de que ThunderCats sigue formando parte de los planes del estudio.
Por el momento habrá que esperar para conocer más detalles sobre el proyecto y descubrir si el regreso de Lion-O y compañía estará ligado a la visión presentada por Adam Wingard o si Warner Bros. ha decidido emprender un camino completamente nuevo para la franquicia.
El próximo 23 de julio se estrenará Stuart Fails to Save the Universe, una producción de HBO Max que no solo recupera a varios rostros conocidos de la serie original, sino que además se atreve con un género que pocos esperaban ver asociado al universo creado por Chuck Lorre: la ciencia ficción multiversal repleta de acción, efectos visuales y caos dimensional.
Una serie con Stuart de protagonista
Si alguien hubiera apostado hace unos años a que Stuart Bloom acabaría protagonizando su propia serie, probablemente habría perdido dinero. Sin embargo, el entrañable dueño de la tienda de cómics se convierte ahora en el centro absoluto de una historia que parece sacada directamente de las estanterías que llenaban su negocio.
Según revela el tráiler oficial, Stuart provoca accidentalmente una auténtica catástrofe cuando rompe un dispositivo creado por Sheldon Cooper y Leonard Hofstadter. El resultado es un apocalipsis multiversal que amenaza con destruir la realidad tal y como la conocen.
La misión de Stuart será restaurar el equilibrio y evitar el colapso de todos los universos posibles. El problema es que ni él mismo parece convencido de ser la persona adecuada para la tarea.
El avance muestra además la aparición de múltiples versiones alternativas de los personajes, algo que abre la puerta a situaciones absurdas, encuentros imposibles y numerosos guiños para los seguidores más veteranos de la franquicia.
Denise, interpretada nuevamente por Lauren Lapkus, regresa como la pareja de Stuart. También vuelve Bert Kibbler, el geólogo interpretado por Brian Posehn, cuya personalidad peculiar siempre generó algunos de los momentos más divertidos de la serie original.
A ellos se suma otro personaje muy querido por los fans: Barry Kripke, el físico cuántico interpretado por John Ross Bowie. Su particular forma de hablar y su constante rivalidad con Sheldon lo convirtieron en uno de los secundarios más memorables de las doce temporadas de la sitcom.
La combinación de estos personajes promete una dinámica completamente diferente a la vista anteriormente en la franquicia, con un enfoque mucho más aventurero y fantástico.
Los grandes protagonistas siguen siendo un misterio
Una de las preguntas que más se repiten entre los seguidores de The Big Bang Theory tiene que ver con el posible regreso de los protagonistas originales. ¿Volverán Sheldon, Leonard, Penny, Howard o Raj? Por ahora, los responsables de la serie mantienen el secreto bajo llave. El cocreador Chuck Lorre fue preguntado directamente sobre el asunto y evitó confirmar cualquier aparición.
Eso sí, sus declaraciones han alimentado aún más las especulaciones. Según explicó, se trata de una información extremadamente protegida y aseguró que los espectadores quedarán encantados con lo que encontrarán en la nueva producción.
Más cameos y sorpresas para los seguidores
Mientras los protagonistas clásicos permanecen en el terreno de los rumores, sí existen algunas incorporaciones ya confirmadas. Entre ellas destaca el regreso de Wil Wheaton, quien volverá a interpretarse a sí mismo tras convertirse en uno de los personajes recurrentes más populares de la serie original. Además, el reparto contará con Ryan Cartwright, Josh Brener y Tommy Walker, cuyos papeles todavía permanecen parcialmente envueltos en misterio.
La heroína más rebelde de la literatura infantil, Pippi Calzaslargas, prepara su regreso con una producción que busca conquistar a una nueva generación
La noticia ha sorprendido a muchos fans de la animación clásica. StudioCanal ha confirmado el desarrollo de una nueva serie animada de Pippi Calzaslargas, un proyecto ambicioso que pretende actualizar al personaje sin perder la esencia que la convirtió en un icono mundial hace más de ochenta años.
Una nueva serie de Pippi Palzaslargas
La producción será fruto de la colaboración entre varias compañías destacadas del sector. StudioCanal trabajará junto a Heyday Films, conocidos por las adaptaciones de Paddington, además de la productora Submarine y The Astrid Lindgren Company, propietaria de los derechos de la famosa obra literaria.
El plan contempla 52 episodios de once minutos cada uno, realizados mediante animación 3D CGI. Según la información disponible, la producción comenzará oficialmente en octubre de 2026, aunque todavía no existe una fecha concreta para su estreno. Todo apunta a que la serie no llegará antes de 2027. La distribución internacional correrá a cargo de StudioCanal, mientras que la división StudioCanal Kids & Family gestionará las licencias y el merchandising en mercados clave como Francia y Reino Unido.
Un personaje que llevaba años desaparecido de la animación
Lo más llamativo del anuncio es el tiempo que ha pasado desde la última gran adaptación animada del personaje. La última incursión importante de Pippi en este formato se remonta a 1997, cuando Columbia TriStar lanzó una película animada que posteriormente dio origen a una serie producida junto a Teletoon y ZDF.
Desde entonces, la presencia de la aventurera en televisión ha sido limitada, por lo que este nuevo proyecto supone su regreso más importante en casi treinta años. La gran incógnita será descubrir cómo encajará el personaje en el contexto actual. Aunque los valores de independencia, creatividad y libertad siguen siendo universales, el equipo creativo deberá encontrar el equilibrio entre modernizar ciertos aspectos y mantener intacta la personalidad que convirtió a Pippi en una leyenda de la literatura infantil.
Una guionista con una conexión muy especial
La encargada de escribir la serie será Sara Daddy, una veterana guionista que ha mostrado un entusiasmo evidente por el proyecto. La escritora explicó que siempre ha sentido una conexión personal con el personaje debido a su propia infancia. Según relató, su padre era marinero y tomó la poco convencional decisión de sacarla del colegio para recorrer el mundo navegando, una experiencia que le recordó mucho al espíritu libre y aventurero de Pippi.
En sus palabras, el equipo quiere que Pippi continúe siendo un símbolo de alegría y empoderamiento para los niños de hoy, igual que lo fue para generaciones anteriores.
El legado de Astrid Lindgren sigue creciendo
Desde The Astrid Lindgren Company también celebraron el anuncio. Su director ejecutivo, Max Hallén, destacó que las historias creadas por Astrid Lindgren siguen llegando a nuevas generaciones en todo el mundo, adaptándose a diferentes formatos y plataformas.
No es difícil entender por qué. Pippi Calzaslargas sigue siendo uno de los personajes infantiles más influyentes jamás creados, una figura que rompió moldes mucho antes de que conceptos como el empoderamiento o la igualdad formaran parte habitual de las conversaciones culturales.
Ahora, casi treinta años después de su última aventura animada importante, la niña de las trenzas imposibles se prepara para volver a Villa Kunterbunt. Y si algo ha demostrado a lo largo de ocho décadas es que nunca ha necesitado permiso de nadie para hacerlo.
Hemos tenido la oportunidad de asistir a una presentación online de las novedades de la edición número 13, Attack of the Vine!, del TCG deRavensburger, Disney Lorcana. Viene cargada la nueva edición, con novedades, con la llegada de Monstruos, S.A. (Monsters, Inc.), UP! y RED al juego. Y muchos “vines”, es decir, enredaderas por todas partes. Y el lore tiene mucho sentido, porqué llegan los monstruos.
El Gran Iluminario está a punto de presenciar una gran transformación, y no sólo por la rotación del formato standard, que llegará con ésta edición. Ravensburger ha desvelado los detalles de la que será la decimotercera expansión de Disney Lorcana TCG, titulada oficialmente Attack of the Vine!. Desde la salida del set 12, la aparición de algunas pistas, algo que veníamos viendo desde Winterspell algunas filtraciones en el circuito competitivo, llega la confirmación de este set marca un punto de inflexión estructural. No estamos ante una simple adición de cartas para refrescar las estrategias existentes; estamos ante una redefinición completa de las reglas de construcción de mazos y de un paso más en la complejidad del juego, algo necesario en el crecimiento del TCG. Y sí, tendremos pack de presentación para esta expansión, una manera de vivir el lanzamiento que ha llegado para quedarse.
Como novedad, en los pack de presentación, habrá una serie de posters al estilo de películas, que se podrán coleccionar e intercambiar. Obviamente en un tamaño acorde con el tamaño de la caja de presentación.
El desembarco de nuevas franquicias de Pixar y mucho más en Attack of the Vine
La identidad de Disney Lorcana se ha construido sólidamente sobre los hombros de la animación clásica y el Renacimiento de la compañía. Sin embargo, Attack of the Vine expande los horizontes hacia el territorio tridimensional. Ya en la anterior edición, Wilds Unknows llegó Toy Story, y que en la nueva expansión están lideradas de forma magistral por el elenco de Monstruos, S.A. (Monsters, Inc.). ¡¡¡¡ Soooooo Fluffy !!!!
Las imágenes promocionales de la caja de sobres nos mostraban un imponente Sulley acompañado por Mike Wazowski y la pequeña Boo, lo que confirma que las dinámicas de los asustadores de Monstruópolis impregnarán las mecánicas de juego. Pero ahora es una confirmación, tenemos a los amigos de Monstruos, S.A. (Monsters, Inc.) por fin a Disney Lorcana, y además con su propio arquetipo. Además de Pixar, el set traerá consigo una fuerte presencia de personajes de la era moderna y re interpretaciones de algunos personajes (Floodborn) de héroes muy queridos, y heroínas como Rapunzel, quien protagonizará uno de los sets de inicio. Muchas cartas ya han sido revelada y con ello vemos que las enredaderas serán el gran caballo de batalla de esta edición.
Como no podía ser de otra manera, se anunciaron cartas exclusivas que se podrán conseguir en algunas localizaciones de Disney (parques), como un arte especial de Maléfica que nos ha puesto los ojos corazones, pero sin concretar en cuáles. Habrá que estar atentos y atentas!
Pero todo empezó en Winterspell, la edición 11 que ya nos traía algunos rumores de cambio. A pesar de lo que su gélido nombre sugiere, la presencia de la naturaleza salvaje y las enredaderas invasoras no es una novedad exclusiva de la decimotercera expansión; de hecho, estas raíces vegetales ya jugaron un papel crucial a nivel narrativo y visual en el décimo set del juego, Winterspell. En aquella fría edición, los jugadores fuimos testigos de cómo una extraña escarcha mágica cubría el Gran Iluminario, pero el verdadero peligro no era solo el descenso de las temperaturas, sino la aparición de unas enredaderas perennes y congeladas conocidas en el lore como Frostvines.
Estas lianas de hielo actuaban como prisiones místicas que se enroscaban alrededor de las estructuras y de los propios personajes (Glimmers), justificando mecánicamente la introducción de cartas con efectos de congelación o de “agotamiento forzado” que impedían a los rivales prepararse para su siguiente turno.
En ésta nueva expansión, podremos ver un nuevo tipo de cartas, que serán los personajes “vineling”, villanos al servicio del poder de la enredadera y que darán mucho juego en el meta.
Desde una perspectiva de diseño estético, las enredaderas de Winterspell sirvieron como el tejido que conectaba todo, y que preparó el terreno para el caos orgánico que estallaría más tarde en Attack of the Vine! Mientras que en el set invernal las ramas aparecían cubiertas de carámbanos y espinas cristalinas —adornando magistralmente los bordes de cartas icónicas y limitando el movimiento del tablero—, en la nueva expansión esas mismas raíces han despertado, liberándose del yugo del hielo para crecer de forma descontrolada. Este hilo conductor demuestra que la invasión vegetal del Iluminario ha sido una amenaza latente cocinada a fuego lento por los guionistas de Ravensburger, transformando lo que en el décimo set era un obstáculo estático y congelado en una fuerza activa, agresiva y de doble tinta que ahora amenaza con devorarlo todo.
Las pistas continuaron con Wilds Unknows, donde pudimos ver cartas como la de Mister Increíble levantando la enredadera con su famiia, los enanos de Blancanieves o el Pato Donald explorando entre ellas. Todo ello, nos ha llevado a Attack of the Vine.
La evolución del doble tintero: Flexibilidad sin precedentes
Para comprender la magnitud de lo que ofrece Attack of the Vine!, debemos mirar hacia atrás. La mecánica de doble tinta (Dual Ink) debutó originalmente como un terremoto estratégico en el séptimo set del juego, Archazia’s Island. Aquellas cartas permitían a los diseñadores combinar dos identidades cromáticas en una sola pieza de cartón, expandiendo la versatilidad de los efectos pero atando estrictamente la construcción del mazo a poseer ambas tintas en la lista.
Esta flexibilidad cromática resolverá uno de los mayores problemas históricos del diseño de Lorcana: el estrangulamiento de opciones en el tercer tercio de la vida útil de los sets. Al permitir que una carta dual sirva como puente flexible, el abanico de combinaciones viables en el metajuego se multiplicará de forma exponencial.
Significa esto que podremos elegir una de las tintas de la carta para usar, no hacernos un deck de tres colores. Eso abre un abanico de versatilidad en el formato, haciendo más divertido si cabe el juego, ya que a final de cuentas, es eso, un juego.
Promos, posters y más lanzamientos, con bordes dedicados y nuevos productos
Como en anteriores expansiones, para Attack of the Vine! tendremos las cartas promocionales de temporada, que se podrán conseguir en los diferentes eventos de juego en las tiendas y que son muy coleccionables. Las tan codiciadas cartas icónicas y las encantadas (enchanted), han sido reveladas. Sin duda, se superan en cada edición. Para las cartas icónicas, el formato de cartel de cine viene protagonizado por La Bella y la Bestia y Lilo y Stitch haciendo de las suyas, y la primera enchanted anunciada ha sido la de Rapunzel, Escaping the Tower.
Además, algunos productos que tendrán lanzamiento posterior, como son el Set de Inicio Edición Rapunzel, el Illumineer’s Quest: The Great Hunny Rescue o el Gift Set La Bestia.
Lanzamiento Principal (Sobres, Troves, Starters) 24 de julio de 2026Tiendas Especializadas / Retail
Set de Inicio Edición Rapunzel 4 de septiembre de 2026Segunda oleada / Grandes Superficies
Illumineer’s Quest: The Great Hunny Rescue 2 de octubre de 2026Tiendas Especializadas y Hobby
Gift Set La Bestia 13 de noviembre de 2026Campaña Pre-Navideña Global
Es crucial destacar el lanzamiento escalonado de las experiencias cooperativas y los sets de regalo. El producto Illumineer’s Quest: The Great Hunny Rescue, con fecha para inicios de octubre, continuará expandiendo la vertiente narrativa del juego donde los jugadores se unen contra una amenaza común controlada por el propio juego, una modalidad que ha cosechado críticas excelentes por su accesibilidad.
Nuevas expansiones ya anunciadas, con un 2027 que se pondrá Heavy Metal
Con Attack of the Vine!, Ravensburger demuestra que no tiene miedo de sacudir los cimientos de su propia creación. Romper la barrera de las franquicias tradicionales e introducir una flexibilidad de tintas tan agresiva es un movimiento valiente que responde directamente a las demandas de los jugadores de alto nivel. Hasta ahora, el metajuego corría el riesgo de volverse predecible una vez que se identificaban las mejores combinaciones de cada temporada. Pero la rotación trae este gran cambio.
Al descentralizar las cartas duales y permitir que se enfoquen en una sola tinta para encajar en otros arquetipos, la toma de decisiones durante la fase de creación de mazos (deckbuilding) se volverá mucho más rica y compleja. Cartas que antes estaban marginadas por pertenecer a combinaciones de colores poco sinérgicas ahora encontrarán un hogar en barajas de control o agresivas completamente diferentes.
Pero hay mucho más. Pudimos ver en la presentación los primeros detalles de Hyperia City, que nos traerá a Coco al juego y es muy esperada.
Mantengan sus tinteros listos, Iluminadores, porque la historia se está reescribiendo carta a carta, y también nos dieron las primeras pinceladas de la primera edición de 2027, Into de Inkdark, que promete ser la edición más metalera de Disney Lorcana.
El verano de 2026 será recordado como el momento en que las enredaderas de este nuevo set invadieron el Gran Iluminario para siempre, trayendo consigo a los monstruos más divertidos del cine y la libertad matemática que los estrategas tanto ansiaban.
Sin embargo, uno de los elementos más importantes del juego no regresó junto al resto del universo televisivo. Kit Harington no volvió para interpretar a Jon Nieve, pese a que el personaje tiene una presencia destacada en la aventura.
La responsabilidad de dar vida al personaje recayó en Tobias Weatherburn, quien confirmó su participación meses antes del lanzamiento a través de redes sociales. El actor expresó su entusiasmo por incorporarse a una franquicia tan querida y reconoció que nunca imaginó tener la oportunidad de interpretar a uno de los personajes más populares de toda la saga.
Una nueva aventura en Poniente
En esta historia, los jugadores encarnan a un hijo ilegítimo perteneciente a una pequeña casa noble del Norte. Tras una tragedia familiar, el protagonista se ve obligado a sobrevivir en un territorio marcado por conflictos políticos, alianzas cambiantes y amenazas sobrenaturales.
Además, las criaturas del universo de Juego de Tronos tienen un papel relevante, obligando a los jugadores a colaborar con otros señores y aventureros para conseguir recompensas exclusivas y equipamiento de alto nivel mediante modos cooperativos.
Un relevo que abre inevitablemente las comparaciones
Resulta difícil imaginar a Jon Nieve sin la voz o el rostro asociados a Kit Harington después de ocho temporadas. Aun así, los videojuegos suelen enfrentarse a este tipo de situaciones, especialmente cuando los actores originales no participan en las adaptaciones.
Lo curioso es que el cambio pasó prácticamente desapercibido para gran parte de la comunidad, posiblemente porque el lanzamiento estuvo más centrado en la experiencia de juego que en la promoción de su reparto de voces.
Y quién sabe. En una franquicia donde nadie permanece muerto demasiado tiempo y donde siempre hay nuevas historias por contar, quizá este no sea el último cambio que veamos alrededor del antiguo Lord Comandante de la Guardia de la Noche.
Todd Howard, director de Bethesda Game Studios y una de las figuras clave detrás de la franquicia, ha adelantado que la tercera temporada comenzará su rodaje muy pronto. Pero más allá de esa actualización sobre la producción, fueron sus comentarios sobre la historia los que realmente llamaron la atención de los fans.
La idea es ampliar el mapa conocido de este mundo postapocalíptico y sorprender incluso a quienes llevan años recorriendo sus páramos radiactivos.
El final de la segunda temporada ya dejó algunas pistas sobre esa expansión. Mientras The Ghoul parece dirigirse hacia Colorado en busca de respuestas, Lucy y Maximus deben enfrentarse a nuevas amenazas relacionadas con la presencia de la Legión, una de las facciones más peligrosas de la saga.
Y, siendo sinceros, eso es exactamente lo que esperan los seguidores de la franquicia. Parte del encanto de Fallout siempre ha residido en perderse por el camino, descubrir asentamientos extraños, personajes extravagantes y situaciones absurdas que terminan convirtiéndose en los momentos más memorables de la aventura.
Por eso, los responsables de la serie quieren que esa sensación de exploración constante siga siendo una pieza fundamental de la narrativa. Robertson-Dworet explicó que no todos los personajes se dirigirán al mismo lugar, permitiendo así que la historia muestre diferentes regiones y culturas dentro de este universo devastado.
Esta estrategia también tiene una ventaja evidente. En lugar de depender exclusivamente de localizaciones populares como el Yermo Capital o New Vegas, la serie puede construir nuevas historias sin las limitaciones que supone adaptar material ya conocido por millones de jugadores.
Nuevos personajes para nuevos territorios
Es una oportunidad para expandir el canon de Fallout y demostrar que todavía quedan muchas historias por contar tras el apocalipsis nuclear.
Junto a él también llegarán Manny Jacinto, Emily Mortimer y Thomasin McKenzie, ampliando un reparto que ha sido uno de los puntos más elogiados de la adaptación desde su estreno.
Por ahora, la temporada 3 sigue sin fecha de estreno oficial. Sin embargo, si las promesas de Todd Howard terminan cumpliéndose, los próximos episodios podrían convertirse en la aventura más ambiciosa que ha ofrecido la saga fuera de los videojuegos. Y viendo cómo la adaptación ha sabido capturar la esencia de los juegos sin limitarse a copiarlos, hay motivos de sobra para pensar que el experimento volverá a funcionar.
¿Buscas un plan para esas noches de verano en las que el grupo no sabe qué hacer? Ravensburger tiene la respuesta y se llama Las Vegas, un party game que mezcla suerte y estrategia en partidas cortas, perfectas para alargar la sobremesa.
Qué es Las Vegas, el nuevo party game de Ravensburger
Las Vegas es un juego de mesa de Ravensburguer pensado para grupos de entre dos y seis jugadores, con partidas que rondan los cuarenta minutos. La premisa es sencilla: visitar 6 casinos distintos e intentar hacerse con la mayor cantidad de dinero posible.
Esta nueva edición se basa en la versión clásica del juego, pero llega con novedades:
– Nuevas variantes de juego
– Mayores recompensas
– Un modo de juego más ágil
Cómo se juega: dados, casinos y mucha suerte
La mecánica de Las Vegas es de esas que se explican en un minuto y dan para horas de partidas. Cada casino tiene asignado un número del uno al seis, y cada jugador cuenta con 7 dados para repartir entre ellos.
El truco está en colocar los dados en el casino correcto:
– El número del dado debe coincidir con el número del casino
– Cuantos más dados coloques en un casino, más opciones tienes de llevarte su caja
– Si hay empate en el número de dados, gana la casa y nadie se lleva el dinero
Esta edición incorpora además un dado más grande llamado «Biggy», que cuenta doble y puede ser la diferencia entre ganar o perder una ronda.
El dinero cambia cada turno
Cada casino tiene una caja con un valor distinto, que depende de cuánto haya recaudado esa noche. Ese valor se representa con dos billetes colocados de forma visible junto al casino, y se renueva de manera aleatoria en cada turno.
La partida se desarrolla en 3 rondas, y cada una incluye entre 4 y 5 tiradas de dados.
La Máquina Tragaperras, la variante que lo cambia todo
La gran novedad de esta versión es la variante La Máquina Tragaperras, que funciona como un séptimo casino. Aquí la regla es distinta: cualquier jugador puede colocar sus dados sin importar el número que haya sacado, siempre que no haya otros dados con ese mismo valor.
Una vuelta de tuerca que añade una vía extra para hacerse con dinero cuando la suerte en los casinos numerados no acompaña.
Qué incluye la caja de Las Vegas
Esto es lo que vas a encontrar al abrir la caja:
– 36 dados (6 de cada color)
– 6 dados de mayor tamaño («Biggies»)
– 6 casinos numerados del 1 al 6
– 1 Máquina Tragaperras (variante)
48 billetes con valores entre 10.000 y 100.000
Precio y disponibilidad
Las Vegas, de Ravensburger, tiene un precio de19,99 €, un coste ajustado para un juego pensado precisamente para esas reuniones improvisadas en las que solo falta decidir a qué jugar.
Panini Comics reúne en un tomo descomunal todo el delirio sangriento y adorable de I hate Fairyland
Hay mundos de fantasía que prometen algodón de azúcar, arcoíris perpetuos y criaturas de ojos enormes que cantan sobre la amistad. Y luego está ese rincón maldito donde una cría de seis años lleva casi tres décadas atrapada, blandiendo un hacha del tamaño de su propio cuerpo y maldiciendo a todo ser parlanchín que ose cruzarse en su camino. Es un cuento de hadas que se pudre por dentro, una pesadilla de purpurina en la que la dulzura empalaga hasta provocar arcadas y la violencia estalla con la lógica elástica de los dibujos animados de sábado por la mañana. Aquí los duendes sangran confeti, las hadas esconden colmillos y la protagonista preferiría arrancarse los ojos antes que escuchar una sola canción cursi más. Ese delirio de colores chillones y humor negrísimo, una de las grandes barbaridades del cómic independiente estadounidense de la última década, es el que recopila ahora Panini Comics en I hate Fairyland Omnibus 1.
El cuento de hadas más cabreado del cómic
La premisa es tan sencilla como diabólica. Gertrude, una niña de seis años, pide un deseo y acaba transportada a Fairyland, un reino mágico calcado de los clásicos de la literatura infantil. Lo único que debe hacer para volver a casa es encontrar una llave escondida. El problema es que la búsqueda se eterniza y, casi treinta años después, Gert sigue allí, sin haber envejecido un solo día por fuera mientras por dentro se ha convertido en una adulta amargada, cínica y profundamente harta de tanto arcoíris. Su cuerpo de niña no puede sufrir daño alguno (otra de las absurdas reglas del lugar), de modo que descarga su frustración masacrando a cuanta criatura adorable se le pone por delante.
La acompaña Larry, una mosca parlanchina y fumadora empedernida que ejerce de guía a regañadientes, además de un hacha de guerra que nunca llega a estar del todo limpia. Lo más delicioso del invento es cómo la propia magia del reino censura las barbaridades que suelta Gert y transforma sus tacos en ñoñerías inofensivas como fluff, de manera que la blasfemia más soez termina vestida de domingo. Es Alicia en el País de las Maravillas pasada por la batidora de un Deadpool con resaca, una sátira feroz de toda la cultura del cuento endulzado y de su tiranía pastel. La gracia no está solo en la sangre, sino en el contraste permanente entre la cara angelical de Gert y la criatura iracunda que vive dentro de ella.
Skottie Young, del país de Oz al matadero de Fairyland
El cerebro detrás de semejante despropósito es Skottie Young, uno de los autores más reconocibles del cómic estadounidense contemporáneo. Antes de Fairyland se forjó un nombre en Marvel Comics, primero en títulos de superhéroes y, sobre todo, con sus aclamadas adaptaciones de las novelas de Oz de L. Frank Baum junto al guionista Eric Shanower, un trabajo que le valió varios premios Eisner. Fue precisamente durante aquellos años, dibujando una y otra vez las maravillas de El Mago de Oz, cuando germinó la semilla del personaje. Young imaginó qué ocurriría si Dorothy se quedara atascada para siempre en aquel mundo de prodigios hasta acabar aborreciéndolo con toda su alma. A ese chispazo se sumó su experiencia como padre primerizo, condenado a releer los mismos cuentos ilustrados y a tragarse los mismos dibujos en bucle hasta rozar la locura. De esa mezcla de ternura y hartazgo nació Gert.
El autor publicó la serie en Image Comics como su primer proyecto enteramente de autor, y desde entonces ha firmado otras obras de prestigio como Rocket Raccoon, la ilustración del libro infantil Fortunately, the Milk del escritor Neil Gaiman o cómics de cosecha propia como Middlewest. Mención aparte merece el color, responsabilidad del imprescindible Jean-François Beaulieu, colorista habitual de Young durante más de una década y también nominado al Eisner, cuya paleta de tonos imposibles es la que vuelve verdaderamente hipnótica cada página. El rotulista Nate Piekos redondea un equipo que lleva tantos años trabajando junto que parece leerse el pensamiento.
Una bestia parda que también enamora a los más pequeños
Visualmente, la obra es un prodigio. El trazo de Young, deudor de Looney Tunes y de la energía gamberra de Ren y Stimpy, deforma anatomías y expresiones con una libertad cartoon absoluta, mientras los colores de Beaulieu lo bañan todo en un caramelo tan saturado que casi se mastica. El resultado es maravillosamente paradójico, y ahí reside buena parte de su encanto. Por un lado es una bestia parda, un festival de casquería y humor adulto que entronca con la tradición de Tank Girl o con la cara más salvaje de Adventure Time, con vísceras volando y mala leche en cada viñeta.
Por otro, su superficie de cuento luminoso, sus monstruitos achuchables y esa violencia de física imposible (donde nadie sufre de verdad y todo rebota como en un dibujo animado) ejercen un imán innegable sobre los más pequeños, fascinados por ese universo de purpurina mucho antes de pillar la sátira que esconde debajo. Es un cómic de doble lectura. Los adultos se parten con el retorcido humor negro mientras la chiquillería se queda embobada ante el espectáculo de color y movimiento. A día de hoy la historia sigue clamando por un salto a la animación que, por ahora, no ha terminado de llegar, pese a que su estética parece diseñada para la pantalla. Mientras tanto, la fiesta se disfruta en papel, y en ese terreno Panini Comics ha hecho los deberes con una edición sencillamente espléndida, un omnibus de gran formato y acabado de lujo que hace plena justicia a su desbordante apartado gráfico. Si uno busca un tebeo que sea a la vez una carcajada brutal y una pequeña joya para presumir en la estantería, esta recopilación es una compra más que obligatoria.
Esta edición presentada por Panini Comics viene en un formato de cartoné con un tamaño de página de 18 x 27,5 cm. y contiene la traducción de los números 1 a 20 de la serie original además del especial I Hate Image. El tomo contiene 560 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 60 € y se puso a la venta en marzo de 2026.
I hate Fairyland Omnibus 1
En este megacompendio de lujo, Gert, una mujer adulta atrapada en el cuerpo de una niña de seis años, lleva más de treinta años prisionera en el mágico mundo de Fairyland. Lo único que Gert quiere es volver a casa, pero, con un sinfín de adorables y aterradoras hadas que le impiden cada movimiento, podría perder la cabeza en el proceso. ¡Una locura total! Acompañada por la mosca Larry, un fumador empedernido, y su fiel hacha de batalla empapada en sangre, Gert lucha contra un ejército de cosplayers de Gerts, un rey duende y su propia cordura, absorbida en un infierno de fantasía para siempre. Para siempre. ¿Para siempre? Sí. No es para tanto.
El broche de oro a la etapa más laureada del personaje llega de la mano de Panini Comics con Marvel Integral. Capitán América: El regreso del Soldado de Invierno
Hay tramas que se sirven calientes y hay tramas que se cuecen a fuego lento, dejando que el sabor cale hasta el hueso. La etapa de Ed Brubaker al frente del Capitán América pertenece sin discusión a la segunda estirpe, una sinfonía de espionaje que tardó casi ocho años en alcanzar su acorde final. Bajo la nieve y la paranoia de la Guerra Fría, entre traiciones que maduran a lo largo de decenas de números y secretos que aguardan pacientes su momento de estallar, el guionista convirtió al símbolo más luminoso de Marvel Comics en el protagonista de un thriller crepuscular donde nadie es del todo inocente. Aquel viaje, que arrancó resucitando a un muerto y revolucionando para siempre la mitología del personaje, encuentra ahora su epílogo en un volumen que recoge el desenlace de toda esa partida de ajedrez. Es el último compás de una leyenda, y es el que rescata Panini Comics en Marvel Integral. Capitán América: El regreso del Soldado de Invierno.
El último movimiento de una partida que nunca tuvo prisa
Cuando un autor dedica casi una década a un mismo personaje, el final no puede ser un simple punto y aparte, sino la recogida de todas las semillas plantadas mucho tiempo atrás. Eso es justo lo que ofrece este tomo, el desenlace de la monumental travesía de Brubaker con el escudo. James Buchanan Barnes, el muchacho que fue compañero del Capitán América en la Segunda Guerra Mundial y que reapareció convertido en un asesino programado por los soviéticos, vuelve a vestir el uniforme del Soldado de Invierno para saldar cuentas con su propio pasado. Frente a él, viejos fantasmas que creía enterrados emergen con rostros nuevos, y la mujer a la que ama, la Viuda Negra, queda atrapada en una espiral de manipulación que pondrá a prueba todo lo que James está dispuesto a sacrificar. Mientras tanto, Steve Rogers libra su propia batalla en otro frente, enfrentándose a enemigos surgidos de la niebla de la memoria. Brubaker entrelaza ambas líneas con la frialdad de un maestro del noir, sin atajos, dosificando la información para que el lector solo comprenda la dimensión real de la jugada cuando ya es tarde para evitar el desastre. No hay aquí villanos de cartón ni amenazas cósmicas, sino conspiraciones que llevan años respirando bajo la superficie del Universo Marvel.
Brubaker, el novelista noir que reinventó a un icono
Para entender por qué esta etapa merece el título de la mejor jamás escrita sobre el personaje, conviene mirar de dónde viene su arquitecto. Ed Brubaker (Bethesda, 1966) creció entre bases militares, incluido un largo periodo en Guantánamo, y llegó al cómic desde el género negro más áspero con obras autobiográficas como Lowlife. Antes de tocar a un superhéroe ya había firmado Scene of the Crime y se había curtido en DC Comics con Catwoman, Gotham Central (coescrita con Greg Rucka) y el aclamado Sleeper, donde inició su fértil sociedad con el dibujante Sean Phillips.
Cuando en 2005 aterrizó en el Capitán América de la mano del dibujante Steve Epting, trajo consigo todo ese bagaje de espías, sombras y traiciones y lo aplicó a un emblema que muchos consideraban anclado en el patriotismo de otra época. Su golpe maestro fue tan audaz que reescribió las reglas. Resucitó a Bucky, un personaje que la tradición daba por intocablemente muerto, y lo transformó en el Soldado de Invierno. Pero lo verdaderamente irrepetible no fue el qué, sino el cómo. Brubaker plantó aquella revelación y dejó que germinara durante decenas de números, cosiendo una trama de fondo a fuego lento que se prolongó por toda su gestión y sobrevivió incluso a la muerte de Steve Rogers. Esa paciencia narrativa, esa confianza absoluta en el tiempo largo, es lo que separa su trabajo de cualquier otra etapa y lo que justifica los siete premios Eisner que adornan su carrera. Ningún otro guionista ha tratado al héroe como protagonista de una novela de espionaje extendida a lo largo de años, y por eso su firma marca un antes y un después en la vida editorial del personaje.
Tinta, sombra y una leyenda que terminó conquistando el cine
El apartado gráfico está a la altura de esa ambición. Butch Guice asume el peso visual del Soldado de Invierno con un estilo rasposo, fracturado y profundamente cinematográfico, lleno de lluvia, humo y planos imposibles que parecen fotogramas robados a una vieja película de espías. Su lápiz, arropado por las atmósferas enrarecidas de la colorista Bettie Breitweiser, levanta un mundo pálido y enfermizo donde la luz siempre parece filtrarse a través de un cristal roto. Es un dibujo que respira tensión, que sabe cuándo callar y cuándo estallar, y que dialoga a la perfección con el pulso pulp del guion. Epting, por su parte, sigue siendo la columna vertebral estética de toda la etapa, el responsable de definir la elegancia sombría del personaje desde el primer número.
No sorprende que semejante material acabara saltando a la gran pantalla. La trama que Brubaker y Epting cocinaron fue la base directa de Capitán América: El Soldado de Invierno, el filme de los hermanos Russo que en 2014 redefinió el tono del cine de superhéroes con su relato paranoico ambientado en Washington. Pocas veces una página de tebeo ha tenido un impacto tan medible en la cultura popular. Cerrar este volumen, por tanto, no es solo despedirse de una colección. Es asistir al último acorde de una de las cumbres absolutas del medio, una obra que cualquier aficionado debería atesorar y que confirma, sin asomo de duda, que la etapa de Brubaker es la mejor que ha vivido el Capitán América en toda su historia. Si solo vas a leer un puñado de cómics del personaje a lo largo de su vida, que sean estos.
Esta edición presentada por Panini Comics viene en un formato de cartoné con un tamaño de página de 18 x 27,5 cm. y contiene la traducción de los números 11 a 19 de la serie original Captain America (2011) y de los números 6 a 14 de Winter Soldier (2012). El tomo contiene 400 páginas a color. El precio de venta recomendado es de 48 € y se puso a la venta en abril de 2026.
Marvel Integral. Capitán América: El regreso del Soldado de Invierno
El fin de la memorable etapa de Ed Brubaker al frente de las aventuras del Capitán América y del Soldado de Invierno. Un grupo de antiguos villanos pasan al programa de protección de testigos, a la par que se produce el regreso de un viejo enemigo de Steve Rogers y de un antiguo amor. Además, con su mente dominada, ¿podrá Bucky salvar a La Viuda Negra de sí misma?
Autores: Ed Brubaker, Butch Guice, Patrick Zircher, Scot Eaton, Steve Epting y Bettie Breitweiser
