La primera entrega de Marvel Zombies dejó a los fans con más preguntas que respuestas. Ahora, nuevos rumores apuntan a que Marvel Animation ya trabaja en su continuación
Marvel Zombies debutó recientemente en Disney+ con un final que dejó el terreno listo para más caos. La historia cerró con la Bruja Escarlata usando los poderes de Infinity Hulk y Ms. Marvel para alterar la realidad, dejando a Kamala Khan atrapada en un mundo dominado por los muertos vivientes. En los últimos momentos, Ironheart logra sobrevivir e intenta contactar a su amiga, mientras los zombis acechan a su alrededor.
De acuerdo con el conocido informante Daniel Richtman, Marvel Animation ya estaría desarrollando la segunda temporada de la serie. Aunque no hay detalles sobre su estreno ni sobre la dirección de la trama, todo apunta a que Kamala Khan y Riri Williams podrían volver a enfrentarse a la poderosa Bruja Escarlata. Incluso se especula con la inclusión de personajes de la Fase 5 del UCM.
Pese a recibir críticas mixtas (66 % en Rotten Tomatoes y 69 % en Popcornmeter), el proyecto habría superado las expectativas internas de Disney y Marvel. Según The Direct, las métricas de audiencia de los primeros días fueron tan altas que los estudios ya consideran expandir el universo de los zombis en futuras producciones.
Creada por Bryan Andrews y Zeb Wells, y con las voces de estrellas como Elizabeth Olsen, Paul Rudd y Iman Vellani, Marvel Zombies se consolida como uno de los títulos animados más exitosos de Marvel. Todos los episodios de la serie están disponibles en Disney+.
Con motivo del lanzamiento de la nueva edición de Disney Lorcana TCG, “Whispers in the Well”, hemos recibido un Illumineer’s Trove y abrirlo es toda una experiencia. Se trata de la décima edición del juego de cartas coleccionables de Ravensburger, una edición de la cual ya dimos un pequeño anticipo AQUÍ. Aún quedan un par de semanas para el lanzamiento y las presentaciones, pero la sensación es que estamos ante una edición que demuestra la continua evolución del juego.
En esta décima edición, como en las anteriores, los productos son muchos y variados. Desde las cajas de sobres, pasando por tapetes de juego, fundas y el producto estrella: el Illumineer’s Trove, el pack que hemos podido abrir y desvelar sus secretos. Se trata de una caja con 8 sobres de juego, dados para marcar los puntos de daño, un contador de leyenda o lore y separadores. Pero no es sólo eso, ya que contiene toda la magia de Disney en su interior y en la decoración.
“Whispers in the Well” trae una emocionante nueva mecánica, nuevos personajes y nuevas versiones de una infinidad de franquicias de Disney a Lorcana
Títulos tan esperados como “El Caldero Mágico” y la serie de televisión de los 90, “Disney Gárgolas”, se unen al juego por primera vez. ¿Y quién mejor para adentrarse en una aventura detectivesca que Judy Hopps y Nick Wilde de “Zootopia“, justo a tiempo para el estreno de su última aventura en cines? Whispers in the Well estará disponible en prelanzamiento en tiendas de juegos el 7 de noviembre y en todas partes el 14 de noviembre.
Esta colección incluye una nueva clasificación de cartas llamada Whispers. Estos glimmers (versiones de personajes Disney en el reino de Lorcana) son extraños espectros que aún no están completamente formados. Los jugadores pueden usar una nueva mecánica llamada boost para activar nuevas habilidades o fortalecerlas. Para potenciar un Whisper, deben colocar cartas de su mazo debajo de él. Sin embargo, la pregunta sigue siendo de dónde provienen exactamente estos Whispers, ¡y los jugadores deben resolver este misterio! Para descubrir algunas de las cartas de Whispers, como Megara – Secret Keeper, Gaston – Frightful Bully, and Simba – King in the Making, no te pierdas la transmisión especial de Lorecast hoy en twitch.tv/DisneyLorcana y VOD en YouTube.
Contenido del Illumineer’s Trove y análisis de las cartas abiertas: legendarias y sorpresas
El Illumineer’s Trove incluye ocho paquetes de refuerzo y ayuda a llevar la cuenta del daño de los personajes y ubicaciones con seis dados con efecto perlado. Con el contador giratorio, los jugadores nunca se preguntarán cuánto les falta para conseguir una estrella de cuentos, ¡ya que les permite seguir fácilmente su progreso hacia la victoria! Un producto de lo más completo, las cajas de almacenaje son de muy buena calidad y además temáticas, con lo que hace que la colección luzca muy bien. En su interior, gracias a los divisores, podemos organizar las cartas por tinta, por coste o por rareza, según gustos de organización.
Los dados cambian en cada edición, y vienen 6. En esta ocasión son de un color aguamarina preciosos, con brillos y de un tamaño perfecto para colocar encima de las cartas. Los separadores están protagonizados por Simba, Demona, Robin Hood, Daisy, Megara y Shere Khan en artes exclusivos de esta edición y con el color de las diferentes tintas.
El Illumineer’s Trove incluye:
1 caja de almacenamiento, decorada con un exterior relacionado con la edición
7 divisores o separadores de cartas con imágenes exclusivas de varios personajes de Disney
8 sobres de refuerzo con 12 cartas adicionales
6 dados contadores de daño
1 contador de puntos de leyenda, diferente en cada edición.
En esta nueva edición, los 8 sobres han venido muy variados, al menos en nuestro caso. A pesar de no haber abierto ninguna carta encantada, ha sido una apertura muy satisfactoria, ya que el componente coleccionista de este juego es muy alto, y cuanta más variedad, mejor. Aún así, la suerte y la magia de Disney nos han premiado con dos cartas encantadas:
Shere Khan, Fearsome Tiger: Una carta con un arte feroz, obra de Luis Huerta y que nos muestra al personaje villano principal de “El Libro de la Selva”. Se trata de una carta legendaria no entintable de coste 6, con evasión y 5 puntos de fuera, con 4 de resistencia. Recordemos que los personajes evasivos sólo pueden ser desafiados por otros personajes con la habilidad de evasión. Tiene dos puntos de leyenda y una habilidad, “on the hunt”, muy interesante.
Su habilidad nos permite que, cuando el personaje se vaya de aventura, envías al exilio a un personaje dañado de un/una oponente. Además, puedes poner un contador de daño en otro personaje que elijas. A pesar de su coste alto, es una carta que en las mecánicas de movimiento de daño, puede generar un cambio en la partida. En los colores Rubí combinados con Esmeralda, hay varias cartas que se benefician de los contadores de daño. Pero no sólo en Rubí, sino que también en Amatista. Por tanto es una carta que verá juego, al menos en nuestro mazo.
Cinderella, Dream Come True: Una de las cartas más bonitas de la edición, obra de Brittney Hackett y de tinta Zafiro. Una princesa legendaria con arquetipo Hero y Storyborn con coste 4 no entintable. Su fuerza y resistencia son 2 y 3 respectivamente, con un punto de leyenda.
La fuerza de esta princesa está en su habilidad, “Whatever you wish for”, ya que funciona como un acelerador de tintas y de robo de cartas. Su habilidad permite al final de tu turno, si has jugado un personaje princesa este turno, poner una carta de tu mano en tu tinta boca abajo y robar una carta. Un 2×1 que refuerza un arquetipo de robo y acelerador con princesas.
Aladdin, Barreling Through: Whisper de Aladdin y en su versión iconic. No se podía pedir más. Obra conjunta de Elisasbetta Melaranci y Mario Oscar Gabriele. Pero antes de analizar la carta, vamos a explicar la nueva habilidad de “Boost”.
“Boost” es una nueva habilidad que permite reforzar la influencia de la carta en el juego, pagando un coste adicional de tinta una vez por turno. Para poder ejecutar esta habilidad, la carta debe estar en juego. Si la cantidad de tintas de la que dispones lo permite, lo puedes hacer en el mismo turno en el que has jugado la carta. Una vez por turno, podrás pagar el coste de “boost” que indique la carta para poner la carta superior de tu baraja bajo el personaje, activando así el texto relacionado. Son distintas habilidades dentro de una misma acción, y esta novedad lo que hace es dinamizar más aún los turnos de los jugadores y jugadoras.
Arte de Nicholas KoleArte de Lisanne Koeeteuw
Los whispers, recordemos que son glimmers (versiones de personajes Disney en el reino de Lorcana) en su forma de extraños espectros que aún no están completamente formados. De coste 3 y entintable, con 4 puntos de fuerza y resistencia, se trata de una carta rara que además tiene la nueva habilidad de “boost”. En éste caso, con habilidad de “boost 1” y Reckless. Reckless es una habilidad en la que el personaje no puede irse de aventura y debe desafiar cada turno si es posible.
Pero la gracia de la habilidad “boost” permite a éste Aladdin darle a todos los personajes con Reckless la magia de girarse para generar un punto de leyenda. Por tanto, cuanto tiene una carta debajo suya, no sólo puede desafiar obligatoriamente, sino que puedes hacer que no desafíe para ganar un punto de leyenda. Versatilidad. (La imagen corresponde con la versión de carta rara, no iconic).
Cartas de “Gárgolas” y de “El Caldero Mágico”. Las queremos todas.
Al haber abierto 8 sobres, hemos podido tener acceso a varias cartas más que interesantes a la hora de incorporarlas a nuestros mazos, pero que hayan incluido cartas de la mítica serie “Gárgolas” (de los 90´s), ha hecho que ahora queramos tener la colección completa, como ha pasado en las anteriores ediciones con otros personajes. De la película “El Caldero Mágico”, “The Horned King” ha hecho acto de presencia con dos versiones que se relacionan entre sí, con artes de Dev Madan y Julian del Rey.
Centrándonos en las criaturas de piedra, héroes de otra época que cobran vida durante la noche para proteger la ciudad, vienen fuertes. Demona y Broadway protagonizan una carta Amatista y una carta Acero, respectivamente. Representan a las dos facciones enfrentadas, siendo Demona una villana y Broadway un aliado. Ojo a las barajas de tinta acero con arquetipo aliado, con cartas como estas, se verán reforzadas.
Hasta el momento, las gárgolas tienen el hándicap de no poder ponerse en estado “listo” si tienes 3 o más cartas en la mano (al inicio de tu turno). No parece un hándicap que limite las partidas, al contrario, es fácilmente salvable y, sobre todo, porque las habilidades merecen mucho la pena. Demona es un personaje con “challenger +2”, es decir, cuando desafía, estamos hablando de una gárgola con 6 de fuerza y 6 de resistencia por apenas un coste 4 de tintas, siendo una poderosa carta de rareza común.
Pasa lo mismo con Broadway, una carta de tinta acero con coste 5 (entintable) que tiene la habilidad de “bodyguard” (entra girado y los personajes del/la oponente, si quieres desafiar, lo tienen que hacer al personaje con la habilidad de bodyguard si es posible) on 4 de fuerza y 6 de resistencia. Dos cartas muy interesantes y con artes de Alice Pisoni y Kuya Jaypi respectivamente.
En definitiva, la décima edición de Disney Lorcana, “Whispers in the Well”, viene cargada de sorpresas, personajes, nuevas habilidades, cartas muy poderosas y artes llenos de magia y relacionados con el lore de la edición. La experiencia de abrir un Illumineer’s Trove es siempre gratificante, por su calidad y cantidad. En esta ocasión, nos quedamos con la belleza de los separadores y sobre todo, con la variedad de cartas abiertas. Es hora de prepararse para las presentaciones y de pensar nuevas formas de jugar con las barajas. Que la magia de Disney y Ravensburger no pare.
La alineación actual de los Señores del Mal del Pensador Loco.
Los Señores del Mal, también conocidos como Amos del Mal o Maestros del Mal, son un grupo de villanos que apareció por primera vez en una aventura con el explícito título de The Mighty Avengers Meet The Masters Of Evil!, que fue publicada en The Avengers nº 6 (1964), por obra de Stan Lee y Jack Kirby. Aunque, el grupo original estaba compuesto por el Barón Zemo, el Fundidor, el Hombre Radioactivo y el Caballero Negro, los miembros han ido variando con el pasar de los años, hasta llegar a contar con nueve alienaciones diferentes, además de inspirar a otros grupos, como los Jóvenes Amos del Mal o los Bastardos del Mal.
La novena alineación de los Señores del Mal, que vio la luz en la historieta que lleva también el explícito título de Masters of Evil, Part 1, publicada, gracias a Jed MacKay y Valerio Schiti, en The Avengers nº 25, es la que nos interesa en este artículo, ya que, este mismo año, el Pensador Loco ha reunido a los villanos conocidos como Capi Loco, Caballero Terrible, Mister Hyde y Exterminatrix para apoderarse de la Ciudad Imposible, sede de operaciones actual de Los Vengadores, aprovechándose de la ausencia de la mayor parte del equipo.
Pensador Loco
Julius es un supervillano que vio la luz por primera vez en la aventura que no podía llevar un título más apropiado que el de The Fantastic Four Battle the Mad Thinker and His Awesome Android, que se publicó en el cómic The Fantastic Four nº 15 (1963), con guion de Stan Lee y dibujos de Jack Kirby. A pesar de su nombre en clave, es conocido por ser un genio especializado en el tema de la robótica.
Como todo villano que se precie de serlo, el Pensador Loco tiene sus propios planes ocultos a la hora de reunir una alineación de los Señores del Mal, ya que, más que compinches o secuaces, los considera prescindibles cabezas de turco que, una vez han cumplido con lo que se esperaba de ellos, dejan de ser relevantes.
Capi Loco
Este personaje, del que se desconoce su nombre real, apareció por primera vez en la aventura Stop Making Sense, publicada en Captain America nº 307 (1985), con guion de Mark Gruenwald y dibujos de Paul Neary. Sin lugar a dudas, su poder para controlar las emociones de los demás es un arma muy útil en la lucha contra los superhéroes.
No obstante, como miembro de los Señores del Mal, el Capi Loco necesitará algo más que un perfecto uso de sus poderes para poder hacer frente a la agilidad del Capitán América de Sam Wilson y su eficaz escudo.
Caballero Terrible
Bram Velsing, cuyo nombre está claramente inspirando en el cazador de vampiros Abraham Van Helsing, debutó en la aventura “Then Came the Monster!”, publicada en el cómic The Invincible Iron Man nº 101 (1977), por obra de Bill Mantlo y George Tuska. En un principio, era un científico que trabajaba a las órdenes del Doctor Muerte, pero se pasó de ambicioso y, como castigo, el monarca de Latveria fusionó su cara con su máscara.
Sin embargo, como miembro de los Señores del Mal, el Caballero Terrible puede no resultar muy útil en un enfrentamiento contra un rival alado que conoce el campo de batalla mejor que él.
Mister Hyde
El doctor Calvin Zabo, inspirado por la obra más famosa de Robert Louis Stevenson, creó una fórmula que le permitía convertirse en Mister Hyde, motivo por el que este personaje ha resultado de lo más peligroso desde que apareció por primera vez en una historia que no podía llever mejor título que The Mysterious Mister Hyde!, que es la encargada de comenzar el cómic Journey into Mistery nº 99 (1963), por obra de Stan Lee y Don Heck.
Dada su gran fuerza sobrehumana, Mister Hyde puede parecer un gran aporte para los Señores del Mal. Sin embargo, cuando un enemigo te supera de tal manera, quizás puedas darle la vuelta a la situación si logras usar los poderes de alguno de los otros miembros en su contra.
Exterminatrix
Oubliette Midas es el personaje de este listado con menos recorrido editorial, ya que Grant Morrison y J. G. Jones la hicieron aparecer por primera vez en el año 2000, dentro de la aventura Hello Cruel World, publicada en el cómic Marvel Boy nº 1. Conviene no poneres a tiro de su pistola, ya que convierte en oro a todo lo que se cruza en su camino.
Pese a que su poderosa arma convierte a la Exterminatrix en una villana totalmente capaz de pertenecer al equipo de los Señores del Mal, si dos miembros de Los Vengadores saben coordinarse de la manera adecuada, puede ser derrotada sin demasiadas complicaciones.
El personaje de Tommy Doyle es uno de los más antiguos del universo Halloween. Apareció por primera vez en la cinta original de John Carpenter (1978), cuando Laurie Strode, interpretada por Jamie Lee Curtis, cuidaba de él la noche en que Michael Myers regresó a Haddonfield. Fue Tommy quien vio por primera vez al asesino y lo bautizó como “el hombre del saco”, encendiendo así la paranoia que daría pie a toda la matanza.
Décadas después, el personaje regresó con otros actores —desde Anthony Michael Hall en Halloween Kills hasta Skyler Gisondo en el reboot de 2007—, pero fue Paul Rudd quien lo encarnó en su versión más extraña y obsesiva. En Halloween: The Curse of Michael Myers, Tommy se había convertido en un adulto traumatizado que dedicaba su vida a estudiar la figura de Myers… y a intentar detenerlo.
La película más odiada de toda la saga
Halloween: The Curse of Michael Myers fue dirigida por Joe Chappelle y escrita por Daniel Farrands, quien quiso llevar la historia hacia terrenos más esotéricos. Así nació la llamada “Maldición de Thorn”, una secta druídica que supuestamente controlaba el poder maligno de Michael y lo usaba como instrumento para mantener un equilibrio cósmico.
El resultado fue una mezcla de horror, ciencia ficción y rituales absurdos que nadie entendió. Los fans se sintieron traicionados, la crítica la destrozó y ni la presencia de Donald Pleasence, en su última aparición como el doctor Loomis, pudo salvar el desastre. Entre fetos clonados, experimentos genéticos y símbolos paganos, la película perdió todo lo que hacía aterradora a la saga.
Paul Rudd, por su parte, hizo lo que pudo. Su Tommy Doyle paranoico y casi mesiánico tenía potencial, pero la confusa edición del filme (con dos versiones muy diferentes: la de cine y la del productor) acabó diluyendo su interpretación. Muchos incluso olvidaron que Rudd había pasado por la franquicia antes de convertirse en una estrella.
Paul Rudd y la redención del Hombre Hormiga
La suerte cambió ese mismo año. Mientras Halloween 6 fracasaba en taquilla, Clueless arrasaba y presentaba a un Rudd encantador, natural y divertido, exactamente lo opuesto a su papel anterior. Desde entonces, su carrera tomó un rumbo imparable: comedias románticas, éxitos como Ant-Man y papeles entrañables en Friends o Ghostbusters.
En retrospectiva, Halloween: The Curse of Michael Myers se ha convertido en una curiosidad para los fans del actor, más que en una película de culto. Rudd incluso ha bromeado sobre ella en entrevistas, admitiendo que fue un rodaje tan caótico que apenas recuerda el final que filmaron. Y no es para menos: el estudio obligó a rehacer gran parte de la cinta tras la muerte de Pleasence, cambiando escenas clave y dejando el guion hecho un rompecabezas.
El regreso al terror, tres décadas después
Treinta años más tarde, Rudd ha vuelto al género de terror, pero con una sonrisa. En Death of a Unicorn (2025), comparte protagonismo con Jenna Ortega en una comedia negra sobre un unicornio atropellado, una sátira que juega con el horror y el absurdo sin tomarse demasiado en serio. Y antes de acabar el año, lo veremos junto a Jack Black en una nueva versión de Anaconda, prometiendo “un verdadero filme de terror con corazón”.
Quizás esta vez, Rudd logre lo que Tommy Doyle nunca pudo:vencer sus demonios cinematográficos. Y aunque Halloween 6 siga siendo un experimento fallido, también es una cápsula del tiempo que muestra a un actor al borde de la fama, intentando sobrevivir a una de las peores secuelas de los 90.
Porque, seamos sinceros, si Paul Rudd pudo escapar de Michael Myers… puede escapar de cualquier cosa.
Sailor Moon y Chibi Usa, un regreso mágico a los 90
La nueva Figuarts Mini – Sailor Moon Crystal Compact Edition presenta a la protagonista tal como la recordamos en su segunda temporada, Sailor Moon R, con su característico Cutie Moon Rod en la mano y una pose llena de energía. Aunque mide apenas unos centímetros, su nivel de detalle es impresionante: los colores brillan con una intensidad que evoca la animación noventera, y sus enormes ojos capturan toda la esencia de la heroína lunar.
Esta edición mejora los tonos y expresiones de versiones anteriores, con una base de exhibición especial y un brazo intercambiable que permite recrear distintas poses. Es una figura que, pese a su tamaño, rebosa carisma y poder cósmico, perfecta tanto para coleccionistas veteranos como para quienes se inician en el universo de Bandai.
Sailor Moon y sus figuras Figuarts Mini
Pero quien roba el protagonismo en esta colección es Black Lady, la versión malvada de Chibi Usa, hija del futuro de Sailor Moon y Tuxedo Mask. Esta figura, bajo el nombre Figuarts Mini – Black Lady, refleja a la perfección la dualidad del personaje: inocencia perdida y arrogancia elegante.
Su diseño destaca por los ojos rojos llenos de altivez, el cabello rosa en largas coletas y un vestido oscuro con detalles que contrastan con la pureza de su madre. A pesar de su tamaño reducido, la figura irradia un aura inquietante, como si realmente ocultara el poder del Cristal Oscuro.
El set incluye su propio soporte, brazos intercambiables y una Luna P Ball negra, inspirada en la versión corrompida del adorable gato Luna. Los fans reconocerán al instante este guiño, un detalle que demuestra el mimo con que Bandai sigue tratando la franquicia.
Un tesoro para coleccionistas
Con precios de unos 50 € para Sailor Moon y 57 € para Black Lady, ambos modelos están disponibles de forma internacional, aunque las existencias se están agotando rápidamente. No es de extrañar: cada nueva entrega de Tamashii Nations combina nostalgia, calidad y un acabado impecable que eleva estas figuras al rango de piezas de colección.
La línea Figuarts Mini lleva años reinterpretando personajes de Pretty Guardian Sailor Moon, pero estas nuevas versiones marcan un punto especial al regresar directamente a la estética del anime clásico. Es un guiño a los tiempos en los que Usagi Tsukino nos enseñó que hasta las chicas más torpes podían salvar el mundo con amor, amistad y una varita mágica.
Un legado que sigue brillando
A más de 30 años del estreno original, Sailor Moon sigue siendo uno de los pilares del género mahō shōjo y una fuente inagotable de inspiración para nuevas generaciones. Las figuras de Bandai no solo celebran ese legado, sino que lo mantienen vivo, permitiendo a los fans volver a sentir la emoción de las noches frente al televisor, cuando el brillo de la luna lo llenaba todo.
Estas versiones miniaturizadas son mucho más que simples adornos: son cápsulas de nostalgia, pequeñas reliquias que condensan la magia de una serie que marcó una era. Y viendo la rapidez con que se agotan, está claro que el poder del prisma lunar sigue tan fuerte como siempre.
Para los fans más veteranos, esta noticia tiene un doble impacto emocional: marca el regreso del diseño clásico de Toei Animation, supervisado originalmente por Akira Toriyama, y lo lleva al terreno competitivo del fighting game más aclamado del universo Dragon Ball.
El regreso de un clásico reinventado
Desde su lanzamiento, Dragon Ball FighterZ se ha convertido en uno de los títulos de lucha más populares del planeta. Su mezcla de animación 2D estilo anime, combates 3 contra 3 y un ritmo vertiginoso lo consolidaron como el referente moderno del género. El juego, desarrollado por Arc System Works, mantiene su esencia visual intacta gracias al poder del motor Unreal Engine, logrando combates tan dinámicos como un episodio de la serie.
El estudio promete que Goku SSJ4 Daima aportará nuevas mecánicas al sistema de combate, aprovechando su naturaleza híbrida entre humano y simio. Algunos rumores de la comunidad apuntan a que tendrá un modo “furia” temporal, incrementando su poder al recibir daño, y que podría incluir ataques basados en la energía primigenia del Saiyan, muy distintos al clásico Kamehameha.
La llegada de este personaje tiene un valor especial tras el fallecimiento del maestro Akira Toriyama, creador del universo Dragon Ball y diseñador de personajes inolvidables como Freezer, Piccolo o Vegeta. En FighterZ, Toriyama ya dejó su huella directa con Android 21, protagonista del modo historia original supervisado por él mismo. Ahora, su legado sigue vivo a través de Dragon Ball Daima y su integración en los videojuegos.
Con cada nuevo contenido, Dragon Ball FighterZ demuestra por qué sigue siendo uno de los títulos más queridos del género, reuniendo a generaciones de fans frente a la pantalla para resolver una vieja pregunta: ¿quién es realmente el más fuerte del universo?
A través de diálogos y situaciones tan absurdas como brillantes, el cómic plantea preguntas que resuenan con el mundo actual: ¿Hasta dónde estarías dispuesto a ceder tu libertad por sentirte seguro? ¿Y qué pasaría si tus propios héroes fueran víctimas de la desinformación?
El arco en el que la opinión pública se vuelve contra las Tortugas recuerda a esos momentos clásicos del cómic de superhéroes donde la sociedad da la espalda a sus salvadores. Pero aquí, Aaron lo aterriza en el siglo XXI, con un retrato feroz de los medios, la manipulación y la política del miedo.
Monstruos que son más humanos de lo que parecen
El villano District Attorney Hale, aliado del Clan del Pie, es la representación perfecta de ese mal disfrazado de orden. Aaron lo convierte en un símbolo de la hipocresía moderna, un tipo que llama “justicia” a su propio abuso de poder.
Además, las escenas de acción —un campo en el que Ferreyra es un maestro— tienen una fluidez cinematográfica impresionante. Cada golpe, salto o explosión se siente como una secuencia bien coreografiada, mientras los tonos de luz y sombra subrayan la dualidad moral de la historia.
Un adiós con alma (y con magia)
Otro de los elementos más llamativos de esta recta final es el uso de la magia. Karai, nueva líder del Clan del Pie, ha estado experimentando con rituales para atravesar el más allá. Su obsesión la lleva a interferir con la conexión espiritual de las Tortugas y su padre, Splinter, cuyo espíritu ha estado comunicándose con ellas desde el otro lado.
Este cierre deja la puerta abierta para el próximo equipo creativo, Gene Luen Yang y Freddie E. Williams II, que heredarán una historia lista para reinventarse sin perder la continuidad de los más de 150 números anteriores.
Con este número 12, Jason Aaron firma una de las mejores etapas modernas de TMNT, un viaje que combina filosofía, sátira política y acción de alto voltaje. Y aunque se despide, deja el escenario perfecto para una nueva era que promete magia, resurrecciones y —cómo no— más pizza.
Los fans solo pueden agradecer que las Tortugas vuelvan a ser, una vez más, los héroes que Nueva York necesita.
En el manga, Denji le pregunta a Makima si tiene corazón, y ella, con aparente ternura, apoya la cabeza sobre su pecho. Sin embargo, la película da un paso más allá: el silencio se llena con el sonido del corazón de Pochita, mientras Makima aspira el aire con un gesto casi animal. Esa pequeña inhalación lo cambia todo. Ya no es un momento dulce, sino una escena inquietante, que anticipa las verdaderas motivaciones de Makima.
Este tipo de detalles son los que hacen que la cinta destaque. MAPPA juega con los sentidos y el sonido, ofreciendo una experiencia más densa, más opresiva, y sobre todo más consciente del futuro que aguarda al protagonista.
La batalla contra el Typhoon Devil se convierte en un espectáculo
Este tipo de añadidos no alteran la historia, sino que la expanden. Los fans sentirán que están viendo lo que Fujimoto habría dibujado si hubiera tenido más espacio.
Una pelea más cruel, un amor más real
La última batalla entre Denji y Reze es una de las más emocionantes del film. MAPPA amplía cada golpe, cada mirada y cada silencio. Hay nuevos movimientos de cadena, secuencias submarinas con una belleza trágica, y un cierre que resuena con más peso emocional.
Durante su cita en la escuela, la película introduce una imagen recurrente que no aparece en el manga: una araña atrapando a una polilla. La metáfora es clara: Reze teje su red alrededor de Denji, sin saber que ella misma está siendo atrapada por Makima. Cuando finalmente asesina al asesino en el tejado, el paralelismo visual se completa: la presa se convierte en cazadora… aunque solo por un instante.
Este tipo de simbolismos visuales demuestran el mimo con el que MAPPA ha construido la película, mezclando terror, erotismo y poesía visual.
El asesino serial, más siniestro que nunca
Una de las escenas más perturbadoras del film es la del asesino que intenta usar a Reze como cebo. En la versión de Fujimoto ya era intensa, pero MAPPA sube el nivel con una secuencia previa: una mujer ensangrentada, arrastrándose antes de morir. Es crudo, pero refuerza la sensación de peligro que envuelve a Reze.
Entre cortes de montaje, vemos a Denji fantaseando con las mujeres de su vida, mientras Reze lucha por sobrevivir. El contraste es demoledor: la ingenuidad del deseo frente a la violencia del mundo real.
Un símbolo del destino de Reze
Uno de los cambios más comentados es la inclusión de un avión que sobrevuela a Reze en varios momentos clave. Este elemento no existe en el manga, pero sirve como símbolo de su trauma y de la presión del sistema que la controla. El avión representa aquello de lo que no puede escapar: su misión, su país, su pasado.
Además, esta imagen funciona como un presagio directo del arco de los Asesinos Internacionales, que MAPPA ya ha comenzado a insinuar para la segunda temporada.
Más allá de los memes y las polémicas, la escena resume lo que Chainsaw Man siempre ha sido: una historia de seres rotos que aún buscan algo de ternura en medio del infierno.
Chainsaw Man: Reze Arc ya está disponible en cines, y lo cierto es que MAPPA ha demostrado que una adaptación puede ser fiel sin dejar de ser sorprendente. Fujimoto puede estar tranquilo: su criatura sigue viva, más sangrienta y hermosa que nunca.
Pero lo más impactante vino después. Según un informe exclusivo de The Playlist, el proyecto no era un simple concepto o una idea en desarrollo temprano. Llevaba el nombre en clave Quiet Leaves y contaba con un guion finalizado, presupuesto aprobado y equipo en preproducción. Incluso había pasado todas las revisiones internas de Lucasfilm, con el apoyo directo de Kathleen Kennedy, Dave Filoni y Carrie Beck.
Los detalles apuntan a que Disney tenía en sus manos un proyecto completamente listo para rodarse, algo que nunca antes había ocurrido con una película de Star Wars cancelada en ese punto. “El film había recibido la aprobación total de Lucasfilm y estaba a punto de iniciar su fase de producción cuando Disney decidió detenerlo”, señala la publicación.
Todo estaba preparado: el argumento, la estructura, el presupuesto y hasta la fecha de inicio del rodaje. Lucasfilm lo presentó a Disney con la etiqueta de “listo para rodar”. Sin embargo, Bob Iger y Alan Bergman detuvieron el proyecto tras revisar el guion. ¿La razón? No estaban convencidos de que tuviera sentido resucitar a Ben Solo después de su muerte en El ascenso de Skywalker.
Soderbergh, al ser consultado sobre el tema en Bluesky, confirmó que el proyecto fue cancelado justo antes de pasar al rodaje, corroborando que la versión final del guion estaba completa y aprobada.
¿Una oportunidad perdida para Star Wars?
Los responsables de Lucasfilm, según The Playlist, quedaron sorprendidos por la decisión de Disney, ya que consideraban que la lógica de la historia era sólida y creativamente coherente. La trama, que permanecía en secreto, habría explorado el viaje espiritual y físico de Ben Solo tras su redención, mezclando elementos de redención, culpa y legado familiar, en una especie de “thriller galáctico” con el sello de Soderbergh.
Mientras tanto, The Hunt for Ben Solo se une a la larga lista de proyectos cancelados de Star Wars, junto a los de Patty Jenkins, Kevin Feige o los creadores de Juego de Tronos. Pero lo que hace especial a este caso es que, según las fuentes, el rodaje estaba literalmente a punto de comenzar.
¿Imagináis una historia dirigida por Steven Soderbergh con Adam Driver como un Ben Solo renacido, huyendo o enfrentando las consecuencias de su pasado? Tal vez nunca veamos esa película, pero solo pensar en lo que pudo haber sido ya es suficiente para que la Fuerza se nos revuelva un poco por dentro.
Konietzko añadió que, al revisar el “Development Bible” original —una especie de guía conceptual— tras el final de la serie, le sorprendió ver cuántas de esas ideas iniciales habían llegado hasta el producto final. “Por ejemplo, la escena de Aang encerrándose en piedra durante la pelea contra Ozai ya estaba ahí desde los primeros borradores”, reveló.
No obstante, también hubo conceptos que quedaron atrás. “Había ideas muy locas en ese documento que decidimos dejar fuera”, confesó Konietzko entre risas. “Pero sabíamos que habría una contra-invasión en el Libro Tres, y que Aang se enfrentaría a Ozai durante el paso del cometa, con el fuego de Ozai desatado por completo”.
Un desarrollo lento pero seguro
El desarrollo de Avatar fue, como su protagonista, un proceso de crecimiento. Aunque tenían claro el camino del héroe, el resto del viaje se fue completando con el tiempo. “Teníamos ideas para algunos episodios, pero muchos surgieron después, al expandir el mundo”, comentó DiMartino. “Es genial mirar atrás y ver que algunas de esas ideas tempranas sobrevivieron”.
Y vaya si sobrevivieron. La serie terminó con una batalla épica entre Aang y el Señor del Fuego Ozai, un enfrentamiento que equilibró acción, emoción y filosofía. Pese a las expectativas, Avatar: La leyenda de Aang logró un final coherente con sus valores: la paz triunfó sin necesidad de violencia.
Konietzko coincidió: “Queríamos que el público sintiera el peso de esa decisión. No solo era una pelea física, sino espiritual. Aang no quería destruir, sino sanar”.
La clave de ese clímax fue el uso de la energía espiritual o “energibending”, una técnica ancestral que permitió a Aang derrotar a Ozai sin quitarle la vida. Pero ese poder no apareció de la nada: el papel del mítico león-tortuga también estaba pensado desde los primeros esbozos.
El secreto del león-tortuga
“El concepto del león-tortuga fue algo que intentamos tejer sutilmente en la serie para que no pareciera sacado de la nada”, contó DiMartino. “Aunque sabemos que algunos fans pensaron que apareció de repente”.
Esa planificación temprana es lo que dio cohesión al universo de Avatar, donde cada detalle tenía sentido dentro de un mundo lleno de mitología, espiritualidad y humor.
“Es bonito ver cómo los fans siguen conectando con el mensaje de Aang: encontrar equilibrio sin perder la compasión”, reflexionó DiMartino.
Y es que Avatar: La leyenda de Aang no solo fue una serie sobre el dominio de los elementos, sino una lección de humanidad disfrazada de aventura animada.
