Hal Jordan estrena traje medieval en Lanterns, la serie más oscura del nuevo DCU

Un nuevo tráiler privado desvela el aspecto del Green Lantern en una serie que mezcla True Detective con ciencia ficción galáctica

El universo DC de James Gunn empieza a tomar forma, y uno de los proyectos más esperados es Lanterns, la serie de HBO que pondrá a Hal Jordan y John Stewart en el centro de una historia oscura y terrestre. Aunque todavía no hay tráiler oficial, una nueva filtración procedente de un pase privado en los HBO Upfronts ha desvelado jugosos detalles sobre la ambientación, el tono… y sobre todo, el traje que lucirá Hal Jordan, que dista bastante del CGI chillón que traumatizó a los fans en 2011.

La serie se aleja de los fuegos artificiales y se acerca más a la investigación criminal con toques sobrenaturales, una mezcla entre Watchmen y Mare of Easttown, con tintes de True Detective. La amenaza, según esta filtración, no vendrá tanto de alienígenas coloridos como de un grupo de extremistas de ultraderecha que actúa en un pueblo medio abandonado. Y entre tumbas, asesinatos y pistas cósmicas, Hal y John deberán trabajar juntos… con un solo anillo de poder.

Lanterns

El nuevo traje de Hal Jordan en Lanterns

Uno de los detalles más comentados de esta filtración es el traje que lucirá Hal Jordan. Nada de mallas digitales ni efectos por ordenador: se trataría de un diseño físico, real, con un estilo medieval y detallista. Mantiene los colores clásicos (verde, negro y blanco), pero con toques dorados y una armadura pectoral que recuerda a una versión alternativa de Injustice. El resultado es descrito como “extraño y medieval”, pero imponente. Según la descripción, el traje cuelga del armario de Hal junto a varias chaquetas de cuero, como si fuera un viejo uniforme que ya no usa… hasta que la historia lo obliga.

Este enfoque más sobrio y tangible marca distancia con el desastroso film de 2011, donde Ryan Reynolds terminó sepultado bajo una tonelada de efectos digitales. Aquí, parece que James Gunn y compañía quieren devolverle dignidad a los Green Lanterns, apostando por un tono más contenido y centrado en los personajes. Y, ojo, porque se menciona que al principio de la historia Hal y John comparten un solo anillo de poder, lo que refuerza el conflicto y la tensión entre ambos.

Josh Brolin Lanterns

¿Un solo anillo para dos lanterns?

La idea de que Hal Jordan tenga que “ceder” el anillo a John Stewart no es solo una excusa argumental: según ha declarado el showrunner Chris Mundy, Lanterns es tanto una serie de superhéroes como un “buddy cop drama”. El corazón de la historia está en la dinámica entre un veterano que se resiste a dejar paso y un novato que tiene claro que merece estar ahí sin necesidad de gritarlo.

“El poder de John reside en no caer en la provocación. Sabe que pertenece a ese mundo, y no necesita demostrarlo”, explicó Mundy, que ha trabajado en True Detective: Night Country. Esta lucha generacional y de valores se convierte en el eje emocional de una serie que promete más tensión psicológica que rayos verdes.

La historia seguirá a Hal Jordan y John Stewart mientras investigan un asesinato en el corazón de América, lo que desencadena una conspiración de fondo mucho más grande. ¿Y supervillanos? De momento solo hay pistas: una escena en un cementerio podría ser una referencia velada a Black Hand, uno de los enemigos más oscuros de los Lanterns.

Hal Jordan estrena traje medieval en Lanterns, la serie más oscura del nuevo DCU

Un reparto sólido y nombres potentes tras las cámaras

El reparto también invita al hype. Aaron Pierre será John Stewart y Kyle Chandler interpretará a Hal Jordan, mientras que el actor danés Ulrich Thomsen encarnará a Sinestro. El elenco lo completan rostros conocidos como Kelly Macdonald, Garret Dillahunt, Nicole Ari Parker, Jason Ritter o Jasmine Cephas Jones.

Pero más allá del reparto, el verdadero músculo creativo está detrás de las cámaras. Lanterns será escrita por Chris Mundy, Damon Lindelof (Watchmen, The Leftovers) y Tom King, autor de cómics como Supergirl: Woman of Tomorrow. Vamos, que talento no falta.

La serie se estrenará en HBO en 2026, y aunque todavía no hay un tráiler público, todo apunta a que el hype se irá disparando a medida que se acerque la fecha.

James Cameron vuelve a Terminator pero sin Schwarzenegger

James Cameron

James Cameron prepara una nueva etapa marcada por la IA, la guerra temporal y una ruptura total con el pasado

James Cameron vuelve a Terminator pero sin Schwarzenegger

Hay regresos que suenan a nostalgia y otros que huelen a borrón y cuenta nueva. Y el de James Cameron con Terminator pertenece claramente al segundo grupo. Mientras el cineasta ultima los detalles de Avatar: Fire and Ash, ya ha dejado caer —con la tranquilidad de quien sabe que va a incendiar Internet— que su próximo gran proyecto será una nueva película de Terminator. Eso sí, con una condición que lo cambia todo: Arnold Schwarzenegger no volverá.

Nueva película de Terminator

Sí, lo has leído bien. No habrá T-800 clásico, ni gafas de sol, ni “I’ll be back”. Y no, Cameron no parece especialmente preocupado.

Durante una entrevista con The Hollywood Reporter, el director ha reconocido que está “revisitando silenciosamente” la franquicia, aunque todavía no se ha lanzado de lleno. Pero lo hará pronto. Muy pronto. Y lo hará con una idea clara en mente: reinventar Terminator desde sus cimientos, alejándose de fórmulas agotadas y de personajes que ya han tenido su despedida definitiva.

Antes de entrar en detalles —o en ausencia de ellos—, Cameron ha sido claro con algo que llevaba años flotando en el ambiente: la saga necesita avanzar o morir. Y esta vez, avanzar significa mirar de frente al presente tecnológico… y al futuro inmediato.

El gran reto de Cameron no es Skynet, es la realidad

Lejos de hablar de explosiones o persecuciones imposibles, Cameron ha puesto el foco en algo mucho más incómodo: la ciencia ficción ya no va tan por delante de la realidad como antes. Según el director, uno de los mayores problemas narrativos a resolver es cómo adelantarse a lo que ya está ocurriendo con la inteligencia artificial sin que la historia quede obsoleta antes incluso de llegar a los cines.

Y tiene razón. En 1984, The Terminator funcionaba porque la amenaza parecía lejana. Hoy, hablar de superinteligencias, automatización militar y decisiones algorítmicas no es ciencia ficción: es el telediario. Por eso Cameron quiere ir más allá de Skynet tal y como la conocemos y explorar una interpretación más amplia del concepto Terminator, incluyendo la guerra temporal y el papel real de la IA en nuestra sociedad.

Vamos, que no quiere otro refrito con robots viajando al pasado para matar a alguien importante. Quiere algo que nos incomode un poco más.

Arnold fuera, legado cerrado

Uno de los titulares más claros de la entrevista es también el más doloroso para muchos fans: Arnold Schwarzenegger no estará en la nueva película. Cameron lo confirma sin rodeos y, para ser justos, con bastante lógica.

James Cameron vuelve a Terminator pero sin Schwarzenegger

Según el director, Terminator: Dark Fate fue el cierre perfecto para el T-800. Él mismo insistió en que Arnold estuviera en esa película, y considera que su arco quedó completo. Alargarlo más sería exprimir una idea que ya dio todo lo que tenía que dar.

Aquí no hay desprecio al pasado, sino respeto. Cameron quiere una nueva generación de personajes, nuevas dinámicas y nuevos conflictos. Porque, seamos sinceros, seguir resucitando al mismo cyborg una y otra vez no iba a salvar la franquicia.

Una saga legendaria… y muy castigada

Conviene recordar de dónde viene todo esto. The Terminator (1984) no solo lanzó una saga: definió el cine de acción y ciencia ficción durante décadas. Y Terminator 2: Judgment Day (1991) sigue siendo, para muchos, una de las mejores secuelas jamás filmadas, tanto a nivel técnico como narrativo.

El problema vino después. Terminator 3, Salvation, Genisys y Dark Fate intentaron, cada una a su manera, revivir una fórmula que ya no conectaba igual. Algunas aportaron ideas interesantes; otras directamente se estrellaron. Pero ninguna logró devolver a Terminator el estatus cultural que tuvo en los 80 y 90.

Ni siquiera los intentos televisivos —The Sarah Connor Chronicles— o la reciente animación Terminator Zero han conseguido que la marca vuelva a ser imprescindible.

¿Puede Cameron arreglarlo?

Aquí está la gran pregunta. Si alguien puede salvar Terminator, es James Cameron, pero incluso él sabe que no basta con volver. Hay que replantearlo todo. Personajes, amenazas, tono, mensaje. Y, sobre todo, hay que asumir que el mundo ha cambiado… y el público también.

James Cameron vuelve a Terminator pero sin Schwarzenegger

Cameron no quiere hacer la película que los fans imaginan. Quiere hacer la que todavía no han pensado. Y eso, en una saga tan quemada como esta, quizá sea justo lo que necesita.

¿Saldrá bien? Nadie lo sabe. Pero al menos, por primera vez en mucho tiempo, Terminator vuelve a parecer una idea peligrosa. Y eso siempre es buena señal.

Marvel reescribe su multiverso y apunta directamente a Avengers: Doomsday y Secret Wars

Marvel

Marvel ha confirmado una expansión masiva de su continuidad, integrando oficialmente universos enteros que hasta ahora vivían en los márgenes del canon

Marvel reescribe su multiverso y apunta directamente a Avengers: Doomsday y Secret Wars

La Casa de las Ideas acaba de abrir una puerta que llevaba décadas cerrada, y no precisamente con cuidado. Y sí, esto no es solo cosa de cómics: el movimiento huele —mucho— a antesala directa de Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars. Todo ocurre en Battleworld #4, el último número de la serie escrita por Christos Gage, donde Korvac juega a ser arquitecto cósmico montando un mundo hecho de retales de realidades distintas. Mientras Thor, Tormenta y Luke Cage intentan partirle la cara, Spider-Man y Bucky Barnes salen en busca de refuerzos… y lo que encuentran es un desfile de personajes que nadie esperaba ver juntos bajo el paraguas Marvel.

Un giro que nadie esperaba

Aquí se confirma lo gordo: CrossGen, New Universe y Crystar pasan a ser oficialmente parte del multiverso Marvel. No como guiño nostálgico ni cameo puntual, sino como realidades plenamente conectadas con los héroes clásicos.

Entre los refuerzos aparecen Spitfire y Justice (New Universe), Sephie of Meridian y Arwyn of Quin (CrossGen), junto a rarezas tan deliciosas como Britanicus Rex, Devil Girl, Moon Dinosaur y el siempre olvidado Crystar, aquel personaje nacido entre cómic y línea de juguetes que llevaba años atrapado en un limbo legal digno de juicio infinito.

Nada de esto es casual. Marvel ya venía calentando motores con la recuperación de Omega the Unknown en 2022 y los constantes teasers sobre Miracleman (aunque este último sigue envuelto en polémica y silencios incómodos). El mensaje es claro: el multiverso ya no se limita a versiones alternativas de la Tierra-616, sino a continuidades completas con identidad propia.

Entra CrossGen, la joya perdida

Fundada en 1998, Cross Generation Comics apostó por fantasía, ciencia ficción y terror con títulos como Sojourn, Mystic o Sigil. Incluso se permitió un cruce con Marvel que introdujo la famosa séptima Gema del Infinito, la Ego Stone. Tras su quiebra en 2004, Disney se quedó con los derechos… y ahora, dos décadas después, Marvel decide jugar esa carta.

El plan de Korvac dentro de Battleworld no podría ser más simbólico: destruir la continuidad actual y crear un nuevo universo. Puede que lo primero no ocurra, pero lo segundo empieza a parecer inevitable. Y cuando Marvel mueve piezas así en los cómics, rara vez lo hace sin mirar al cine.

Marvel reescribe su multiverso y apunta directamente a Avengers: Doomsday y Secret Wars

De universos olvidados a piezas clave del futuro de Marvel

Durante años, personajes como Crystar o los héroes de CrossGen han sido poco más que notas a pie de página en la historia del cómic, recordados solo por fans veteranos y arqueólogos de viñetas. Su regreso no es solo un ejercicio de nostalgia bien entendida, sino una maniobra inteligente para recuperar IPs con potencial intacto, libres de la saturación que arrastran muchos personajes clásicos. Marvel no está rescatando estos mundos por cariño: lo hace porque pueden contar historias nuevas sin el peso de décadas de continuidad contradictoria.

Además, esta jugada conecta directamente con la lógica de Secret Wars, tanto en su versión de 1985 como en la de 2015, donde la colisión de realidades distintas era el verdadero motor del evento. Frente a multiversos llenos de “variantes”, aquí hablamos de mundos completos con reglas, mitologías y estéticas propias, algo que puede marcar la diferencia cuando el público empieza a notar que no todo multiverso es igual.

Toca hablar del MCU

Con Avengers: Doomsday y Avengers: Secret Wars en el horizonte, la estrategia multiversal del cine necesita algo más que cameos y versiones alternativas de los mismos héroes. Integrar universos como CrossGen o New Universe permitiría expandir el tablero con mundos nuevos, mitologías frescas y personajes listos para ser reinventados sin el desgaste de décadas de continuidad.

No son IPs tan conocidas como los Vengadores, claro, pero ese es precisamente su mayor atractivo: menos expectativas, más libertad creativa y toneladas de material olvidado esperando una segunda vida.

Marvel reescribe su multiverso y apunta directamente a Avengers: Doomsday y Secret Wars

En resumen, Marvel acaba de añadir una editorial entera a su canon oficial, y lo ha hecho justo cuando el MCU se prepara para su mayor evento desde Endgame. Casualidad… o ensayo general.

Battleworld #4 ya está disponible, y si este es el primer aviso, más vale ir abrochándose el cinturón. El multiverso Marvel acaba de volverse mucho más grande… y bastante más raro. Como nos gusta.

Marvel mata a dos iconos de los X-Men para liberar a Lobezno en Age of Revelation

Marvel

El evento más cruel de Marvel se cobra vidas muy queridas y deja a Logan roto por dentro

Marvel mata a dos iconos de los X-Men para liberar a Lobezno en Age of Revelation

Marvel ha decidido que Age of Revelation no es un evento para ir con medias tintas. Aquí no hay muertes simbólicas ni sacrificios que se arreglen con una resurrección a los dos meses. Aquí se muere de verdad, y el último ejemplo es uno de esos golpes que duelen incluso al lector veterano. Porque sí, para salvar a Lobezno han tenido que caer dos pesos pesados de los X-Men.

Marvel mata a dos iconos de los X-Men para liberar a Lobezno en Age of Revelation

Una situación extrema

La liberación de Logan tiene lugar en The Last Wolverine #3, miniserie escrita por Saladin Ahmed y dibujada por Edgar Salazar, y lo hace de la forma más Marvel posible: con tragedia, decisiones imposibles y consecuencias irreversibles. Aunque el título engañe, este número no gira solo en torno a Logan, sino alrededor de Leonard Two Bears, un joven nativo americano al que Lobezno ha estado mentorizando durante años.

Leonard carga con la maldición del Wendigo, una condición que despierta impulsos asesinos incontrolables. En el presente, Logan intenta enseñarle a dominar su ira. En el futuro distópico de Age of Revelation, Leonard lo consigue… y se convierte en un héroe que incluso hereda el nombre de Lobezno. Una evolución potente que Marvel utiliza para que la tragedia golpee todavía más fuerte.

Un rescate que empieza con un intento de asesinato

La misión para salvar a Logan arranca cuando Vindicator, líder de Alpha Flight y, atención, esposa de Lobezno en esta línea temporal, recluta a Leonard y a Nightcrawler. Su plan es tan desesperado como efectivo: matar a Logan con la espada Muramasa, una hoja mística capaz de anular el factor curativo mutante y romper el control mental de Revelation.

Sí, el plan consiste literalmente en asesinar a Lobezno para devolverle la libertad. Marvel en estado puro.

Mientras Leonard y Kurt intentan evitar que el plan termine en desastre, Vindicator ejecuta la jugada decisiva: amputa el brazo izquierdo de Logan y, combinando el impacto físico con su olor —detalle muy animal y muy del personaje—, consigue romper el condicionamiento mental que lo había convertido en el asesino personal de Revelation.

Funciona. Logan vuelve a ser él mismo. Pero el precio está a punto de cobrarse.

Dos muertes que dejan cicatriz

Los seguidores de Revelation han estado observando la escena desde la distancia y atacan en cuanto Logan recupera la conciencia. Vindicator se queda atrás para cubrir la huida, sacrificándose sin titubeos. Una muerte heroica, directa y devastadora, especialmente por el vínculo emocional que la unía a Logan.

Marvel mata a dos iconos de los X-Men para liberar a Lobezno en Age of Revelation

La huida continúa gracias a Nightcrawler, que utiliza su teletransporte para poner a salvo al grupo. El problema es que Kurt llevaba casi veinte años sin usar sus poderes de forma continuada y había desarrollado una grave afección cardíaca. El esfuerzo acumulado termina pasándole factura y, tras “un salto de más”, Nightcrawler muere de un infarto.

Sí, Marvel ha matado a Nightcrawler. Sin explosiones ni discursos épicos. Simplemente, su cuerpo no aguanta más.

Para garantizar la huida definitiva de Logan, Leonard libera por completo al Wendigo que lleva dentro, distrayendo a los enemigos y permitiendo que Lobezno escape. El coste es absoluto: Leonard también pierde la vida, cerrando su arco de redención de la forma más amarga posible.

Lobezno vuelve pero nada vuelve a ser igual

El número concluye con Logan libre, pero emocionalmente destrozado, llorando la muerte de su esposa, su amigo y su alumno. Su juramento final no deja lugar a dudas: Revelation pagará por cada vida que ha destruido.

Marvel mata a dos iconos de los X-Men para liberar a Lobezno en Age of Revelation

The Last Wolverine #3 ya está disponible en tiendas, y deja claro que Age of Revelation no quiere ser un evento cómodo. Marvel ha apostado por el drama, las consecuencias reales y el dolor que no se cura con factor regenerativo. Lobezno ha recuperado su alma… pero lo que ha perdido por el camino no se regenera.

Spider-Man cruza la línea roja y mata a un personaje muy querido en el universo Marvel

Spider-Man

Marvel lleva a Spider-Man al límite moral absoluto en una realidad alternativa sin salida

Spider-Man cruza la línea roja y mata a un personaje muy querido en el universo Marvel

Durante años, Peter Parker ha sido el superhéroe con el código ético más férreo de Marvel. Puede fallar, perder a sus seres queridos o cargar con una culpa infinita, pero hay una norma sagrada que jamás ha roto: Spider-Man no mata. Por eso, la última historia publicada por Marvel ha provocado un pequeño terremoto entre los fans. Y no es para menos.

Spider-Man cruza la línea roja y mata a un personaje muy querido en el universo Marvel

Una historia demasiado oscura

En Radioactive Spider-Man, una miniserie que se mueve por terrenos incómodos, Peter Parker acaba con la vida de la tía May. No es un accidente, no es una manipulación mental ni un “no era realmente ella”. Es una decisión consciente, dolorosa y, sobre todo, devastadora para el propio personaje.

Lo más inquietante es que Marvel consigue que el lector entienda —aunque no comparta— la decisión. Porque esta vez, Peter no se enfrenta a un villano clásico, sino a la persona que más ha marcado su vida… convertida en algo que jamás quiso ser.

Spider-Man mata a la tía May en una realidad donde no hay finales felices

La historia está escrita por Joe Kelly y cuenta con el dibujo contundente de Kev Walker, y se sitúa en la línea temporal conocida como Age of Revelation. Un futuro alternativo donde el X-Virus ha arrasado con la humanidad, matando a millones y provocando mutaciones incontrolables en los supervivientes.

Peter Parker no sale indemne de este desastre. Su cuerpo muta, desarrollando un segundo par de brazos, y necesita tratamientos periódicos de radiación para seguir con vida. Aun así, fiel a su esencia, sigue siendo Spider-Man, protegiendo lo poco que queda de Manhattan y a los humanos que aún resisten.

Pero Peter esconde un secreto desde hace diez años. Uno que jamás se ha atrevido a contar.

La tía May también mutó

Su transformación es especialmente cruel: cuando siente miedo o confusión, se convierte en una criatura monstruosa que devora personas. Consciente de que May jamás soportaría vivir sabiendo eso, Peter la mantiene oculta, aislada del mundo y constantemente calmada, mientras busca una cura que nunca llega.

El frágil equilibrio se rompe cuando May ve a Peter sin máscara, vestido como Spider-Man. El shock desencadena su transformación, pierde el control y huye, convirtiéndose en una amenaza real para la ciudad.

Spider-Man cruza la línea roja y mata a un personaje muy querido en el universo Marvel

Por qué Peter Parker toma la decisión más dura de su vida

Cuando la tía May comienza a matar, Peter se queda sin alternativas reales. Como Spider-Man, logra atraerla de nuevo al laboratorio donde él mismo recibe sus tratamientos de radiación. Allí, inunda la cámara con una dosis letal, suficiente para acabar con su forma monstruosa… y con ella.

Sí, Spider-Man mata a la tía May. Y lo hace sabiendo perfectamente lo que implica.

Peter justifica su decisión por dos razones clave:

  • La tía May jamás habría querido vivir siendo responsable de la muerte de inocentes.
  • Su testamento vital incluía una orden de no reanimación, y Peter interpreta que esta situación extrema entra dentro de esa voluntad.

El golpe emocional final llega cuando, instantes antes de morir, May recupera su forma humana. Lo justo para agradecerle a Peter lo que ha hecho, por liberarla y evitarle seguir viviendo como un monstruo. Un momento breve, íntimo y demoledor que deja a Spider-Man completamente roto por dentro.

No hay alivio, no hay victoria. Solo culpa y silencio.

Un Spider-Man sin red, sin familia y sin consuelo

Radioactive Spider-Man no busca el impacto fácil. Plantea una pregunta incómoda: ¿qué ocurre cuando incluso el héroe más moral se queda sin opciones? Este Peter Parker no mata por rabia ni por egoísmo, sino por amor. Y eso hace que la herida sea todavía más profunda.

Spider-Man cruza la línea roja y mata a un personaje muy querido en el universo Marvel

Marvel lleva tiempo explorando versiones alternativas del personaje, pero pocas decisiones han sido tan radicales y coherentes con su psicología. Aquí no hay grandes discursos heroicos ni villanos caricaturescos. Solo un hombre agotado tomando una decisión imposible.

Porque salvar el mundo, esta vez, significaba perderlo todo.

Radioactive Spider-Man #3 ya está disponible en tiendas especializadas, y deja claro que incluso en universos alternativos, el precio de ser Spider-Man siempre es demasiado alto.

La guerra por Warner bros. se complica y nuevos competidores surgen para Netflix y Paramount

Warner

La venta de Warner bros. podría dar un giro inesperado con la entrada de un tercer gigante dispuesto a romper la baraja

La guerra por Warner bros. se complica y nuevos competidores surgen para Netflix y Paramount

Hollywood lleva meses oliendo a pólvora, y Warner Bros. Discovery está justo en el centro de la explosión. Lo que parecía un duelo bastante claro entre Netflix y Paramount amenaza ahora con convertirse en una batalla campal a tres bandas —o más—, con consecuencias que podrían redefinir el mapa del entretenimiento global. Y sí, como suele pasar, el dinero es importante… pero no es lo único.

El cable sigue importando

Durante semanas, Netflix parecía tener la delantera con una oferta sólida centrada en el negocio cinematográfico y las grandes franquicias de Warner. Paramount, sin embargo, no se dio por vencida y respondió con una ofensiva agresiva, acompañada incluso de una campaña de imagen vendiéndose como la gran esperanza para una nueva “edad dorada” de Hollywood. Todo muy épico, muy clásico… y muy caro.

Aquí es donde la cosa se pone interesante. Netflix y Paramount solo quieren una parte del pastel: el estudio de cine. El resto del conglomerado, especialmente las cadenas de cable como CNN o TNT, quedaría en una estructura separada. Y ahí es donde varios analistas levantan la ceja.

La empresaria y veterana de la industria Kay Koplovitz lo ha dicho sin rodeos: se está infravalorando el cable. Puede que ya no esté de moda, pero noticias y deportes siguen teniendo un peso enorme, tanto a nivel de ingresos como de influencia. Un ejecutivo del sector lo resumía así: no todo va camino de cero, por mucho que algunos quieran enterrarlo antes de tiempo.

CNN, política y más leña al fuego

Además, el cable sigue siendo una herramienta promocional brutal. Disney lo sabe bien: FX, ABC o programas como Jimmy Kimmel Live! han sido durante años escaparates perfectos para Marvel, Star Wars y Disney+. Renunciar a eso sería, como poco, poco inteligente. Especialmente para plataformas que viven obsesionadas con captar atención en un mercado saturado.

La guerra por Warner bros. se complica y nuevos competidores surgen para Netflix y Paramount

Por si faltaban ingredientes, entra en escena la política. Donald Trump ha insistido públicamente en que CNN debería pasar a nuevas manos, algo que añade una presión extra al futuro de estas cadenas. No es solo una cuestión empresarial: hay intereses ideológicos, regulatorios y de imagen en juego. Vamos, un cóctel perfecto para que la operación se complique aún más.

Comcast mueve ficha en silencio

Y entonces aparece Comcast, la empresa matriz de Universal Pictures, como ese invitado que llega tarde a la fiesta… pero con posibilidades reales de llevársela. Esta semana anunció la venta de Versant, la compañía que agrupaba sus propias cadenas de cable. Un movimiento que muchos interpretan como una preparación estratégica.

No sería la primera vez que Comcast intenta entrar en la puja. Su presidente, Mike Cavanagh, ya reconoció que estaban “cortos de efectivo” frente a Netflix y Paramount. Pero claro, eso fue antes de esta venta. Y ahora, con más liquidez y menos lastre, el panorama cambia.

Si Comcast entrara a por todo el paquete de Warner Bros. Discovery, no solo se llevaría el estudio, sino también un arsenal de canales, contenidos y vías de promoción que encajarían perfectamente con Universal. Sinergias, que lo llaman.

Egos, rencores y South Park

Como si no hubiera suficiente drama corporativo, también hay tensiones personales. Según diversas fuentes, la relación entre David Zaslav (Warner) y David Ellison (Paramount) no pasa por su mejor momento, con South Park como uno de los detonantes. Porque sí, en Hollywood incluso las guerras multimillonarias pueden empezar por una serie animada.

Con Netflix aún sin cerrar el trato, Paramount apretando con una oferta hostil y Comcast acechando desde la sombra, una cosa está clara: la venta de Warner Bros. está lejos de resolverse. Y cuando termine, gane quien gane, nada volverá a ser igual en la industria.

La guerra por Warner bros. se complica y nuevos competidores surgen para Netflix y Paramount

Porque si algo nos ha enseñado esta historia es que en Hollywood, cuando parece que el final está escrito… siempre llega un nuevo giro de guion.

Las Tortugas Ninja se enfrentan a su enemigo más familiar y más incómodo

Tortugas Ninja

El regreso de un viejo maestro lo cambia todo en el nuevo rumbo de Las Tortugas Ninja en IDW

Las Tortugas Ninja se enfrentan a su enemigo más familiar y más incómodo

Las Tortugas Ninja llevan décadas salvando Nueva York de ninjas, mutantes, científicos locos y amenazas imposibles, pero pocas veces se han enfrentado a algo tan perturbador como su propio pasado. En Teenage Mutant Ninja Turtles #14, IDW Publishing continúa desarrollando una idea tan potente como retorcida: ¿qué ocurre cuando tu mayor referente moral vuelve… convertido en un monstruo?

Las Tortugas Ninja se enfrentan a su enemigo más familiar y más incómodo

Un número que pone a las Tortugas en jaque

Porque sí, el enemigo al que se enfrentan Leonardo, Raphael, Michelangelo y Donatello no es nuevo. Es dolorosamente familiar. Y eso lo cambia absolutamente todo. Desde el arranque de esta nueva etapa, escrita por Gene Luen Yang y dibujada por Freddie Williams II, la colección ha dejado claro que no pretende jugar sobre seguro. Aquí no hay nostalgia cómoda ni villanos de manual. Hay dilemas morales, heridas abiertas y decisiones imposibles. Justo lo que define a las mejores historias de las Tortugas Ninja cuando se ponen serias.

El cómic retoma los acontecimientos justo donde terminó el número anterior: la aparente muerte del alcalde de Nueva York, Baxter Stockman, a manos de una entidad demoníaca llamada Ujigami. Un ser que, para sorpresa del lector —y todavía no de los protagonistas—, es en realidad una versión resucitada y corrompida de Splinter.

Un dilema ético

Aquí está el núcleo del conflicto. Splinter siempre fue la brújula moral de las Tortugas, el maestro que les enseñó a proteger a los inocentes, a no cruzar ciertas líneas y a mantenerse unidos como familia. Ahora, convertido en Ujigami, hace exactamente lo contrario: elimina sin piedad a todos los enemigos de sus “hijos”.

Y eso coloca a las Tortugas en una situación tan incómoda como fascinante: tienen que defender a sus propios villanos.

Lejos de actuar como un equipo sólido, la primera reacción del grupo es separarse. Tiene lógica: la lista de enemigos de las Tortugas es interminable y protegerlos a todos parece imposible sin dividir fuerzas. Pero también resulta irónico, porque lo que siempre ha definido a las TMNT es su unidad.

Una idea que viene de lejos

Este conflicto no surge de la nada. Durante la etapa anterior, Jason Aaron ya había explorado una larga separación entre los hermanos, con tensiones emocionales que no se resolvieron del todo. Yang recoge ese legado y lo utiliza como gasolina para este nuevo incendio narrativo.

Las Tortugas Ninja se enfrentan a su enemigo más familiar y más incómodo

El resultado es un enfrentamiento interno constante. Leonardo intenta liderar, falla y paga las consecuencias, mientras Raphael no pierde la oportunidad de recordárselo, porque el pique fraternal es tan esencial en esta saga como las katanas o el caparazón.

En el apartado visual, Freddie Williams II y el colorista Andrew Dalhouse brillan especialmente en las escenas de acción, cargadas de dinamismo, violencia contenida y una atmósfera casi sobrenatural. Mantener el nivel tras la marcha de Jason Aaron y Juan Ferreyra no era fácil, pero IDW ha salido sorprendentemente bien parada del relevo creativo.

Un ambiente nuevo para los personajes

Lo realmente interesante de Teenage Mutant Ninja Turtles #14 no es la acción —que funciona—, sino la perversión del propósito de los protagonistas. Las Tortugas existen para proteger vidas. Ujigami utiliza esa misma misión para justificar asesinatos. No mata inocentes, pero tampoco ofrece elección.

Defender a criminales despiadados va contra todo instinto. Sin embargo, si las Tortugas permiten que alguien decida quién merece vivir o morir, se convierten en algo que siempre han combatido. Esa contradicción moral atraviesa todo el número y deja claro que esta historia va a largo recorrido.

El mayor enemigo al que se han enfrentado

Yang juega con esa tensión de forma inteligente, repitiendo ciertas frases y conceptos para mostrar que los personajes intentan convencerse de que todo está bajo control… cuando claramente no lo está. La posible redención de Splinter, o su condena definitiva, flota en el aire como una herida abierta.

Las Tortugas Ninja se enfrentan a su enemigo más familiar y más incómodo

Sin entrar en spoilers, Teenage Mutant Ninja Turtles #14 refuerza la idea de que Ujigami no es solo un villano, sino un espejo oscuro de lo que las Tortugas podrían llegar a ser si traicionan sus principios.

Y eso, sinceramente, es mucho más aterrador que cualquier mutante gigante o clan ninja.

El verdadero papel de Lobo en Supergirl sale a la luz y no es el que muchos esperaban

Lobo

El Lobo de Jason Momoa no es el villano de la historia. Y no, tampoco viene a montar una carnicería sin sentido… al menos no del todo

El verdadero papel de Lobo en Supergirl sale a la luz y no es el que muchos esperaban

Durante semanas, la aparición fugaz de Lobo en el primer tráiler de Supergirl ha sido suficiente para desatar teorías de todo tipo. Que si sería el villano oculto, que si iba a robarle la película a Kara Zor-El, que si DC se había vuelto loca mezclando conceptos. Pues bien, los nuevos informes ponen orden en el caos… más o menos. Con el estreno fijado para el 26 de junio, Supergirl ya ha pasado por proyecciones de prueba internas, y varios scoopers habituales del mundillo han empezado a soltar prenda. Lejos de ser el antagonista principal, Lobo tiene un papel secundario dentro del relato, aunque eso no significa que pase desapercibido. Porque si algo define al personaje es precisamente lo contrario.

El papel de Lobo en Supergirl

Según ha compartido el insider MyTimeToShineHello, Lobo aparece como parte natural de la trama, no como un añadido forzado. Kara se cruza con él mientras el cazarrecompensas está persiguiendo un objetivo, y ese encuentro termina derivando en una colaboración inesperada.

En otras palabras: Lobo ayuda a Supergirl. No por altruismo, claro, sino porque es lo que toca en ese momento. El mismo scooper asegura que Jason Momoa está espectacular en el papel, algo que no sorprende teniendo en cuenta lo bien que encaja su presencia con la actitud gamberra del personaje.

Nada de rivalidad directa ni de conflicto principal. Lobo entra, aporta caos controlado y se marcha, dejando huella.

Duración y primeras reacciones

Las filtraciones no se quedan ahí. Cryptic4KQual ha confirmado que Supergirl ya ha tenido al menos una proyección de prueba, con una duración aproximada de 2 horas y 5 minutos. Las sensaciones generales son… tibias, pero no negativas.

Según este informe, la película no es un desastre, aunque tampoco ha generado entusiasmo unánime. Algunas escenas brillan claramente más que otras y el ritmo parece irregular en ciertos tramos. El punto más flojo, curiosamente, sería el villano principal, descrito como poco memorable.

En el lado positivo, Milly Alcock está recibiendo elogios casi unánimes por su interpretación de Supergirl, algo clave para el futuro del DCU. Su versión de Kara Zor-El parece haber convencido incluso a quienes tienen reservas con la película en conjunto.

¿Y Lobo? A pesar de su rol secundario, tiene dos escenas de combate confirmadas, lo que garantiza que su presencia no sea meramente decorativa. Poco tiempo en pantalla, pero bien aprovechado. Como debe ser.

El verdadero papel de Lobo en Supergirl sale a la luz y no es el que muchos esperaban

El mercenario más salvaje de DC aterriza en el DCU sin robarle el foco a Kara

La llegada de Lobo al nuevo DCU no es casual, y su inclusión dice mucho de la estrategia de DC Studios con sus personajes secundarios. El cazarrecompensas creado por Keith Giffen y Roger Slifer siempre ha funcionado mejor como agente del caos controlado, alguien que entra en la historia para dinamitarla… y salir antes de que todo se venga abajo. En Supergirl, su rol encaja justo en esa lógica: no eclipsa a Kara Zor-El, pero sí aporta contraste, humor negro y una amenaza física que eleva la tensión sin desviar el eje emocional del relato.

Además, Jason Momoa como Lobo supone una reinvención inteligente tras su etapa como Aquaman. Aquí no hay solemnidad ni épica clásica: hay violencia exagerada, chulería y presencia pura. Comparado con otros aliados ocasionales de Supergirl en cine y televisión, Lobo destaca por ser imprevisible, un comodín narrativo que puede volver cuando DC lo necesite. Y eso, en un universo en construcción, vale oro.

Una adaptación libre con añadidos estratégicos

Supergirl se inspira en Supergirl: Woman of Tomorrow, el aclamado cómic de Tom King y Bilquis Evely, aunque Lobo no aparece en la obra original. Su inclusión apunta a una expansión del tono y del alcance del relato, incorporando más elementos del lado cósmico de DC.

La película parece apostar por amenazas intergalácticas, cazarrecompensas y conflictos más amplios, algo que encaja perfectamente con la llegada de Lobo al DCU. Además, introducirlo como secundario carismático permite presentar al personaje sin saturar la historia.

El verdadero papel de Lobo en Supergirl sale a la luz y no es el que muchos esperaban

Y seamos sinceros: si Momoa funciona como Lobo —y todo indica que sí—, DC no va a dejarlo ahí. Este debut tiene toda la pinta de ser solo el principio.

En resumen, Lobo no viene a destronar a Supergirl, pero tampoco a pasar desapercibido. Su papel es contenido, coherente y, sobre todo, una carta clara de futuro dentro del nuevo DC Studios. Y con eso, ya ha hecho más que muchos villanos protagonistas.

Crítica de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas

El Mago de Ciudad Esmeralda

El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, la versión rusa del clásico de L. Frank Baum.

Si nos paramos a hablar de estrenos de cine actuales que guarden alguna relación con la novela El maravilloso mago de Oz (1900), lo primero que nos viene a la mente es el filme Wicked: Parte II, secuela de la película que se estrenó el año pasado, que adapta el musical homónimo de 2003 y se encuentra actualmente en cartelera.

Sin embargo, la verdad es que, con mucho menos repercusión mediática, también ha llegado hace poco a la gran pantalla una versión rusa de la famosa historia de L. Frank Baum, bajo el título de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, que es, precisamente, el objeto de análisis de este artículo, tal y como puedes comprobar si continúas con su lectura hasta el final.

Bajo la dirección de Igor Voloshin, esta película cuenta con una duración aproximada de una hora y cuarenta y cinco minutos y está protagonizada por Katya Chervovo (como Ellie), Evgeny Chumok (en el papel del Espantapájaros), Yuri Kolokolnikov (que encarna al Hombre de Hojalata), Svetlana Khodchenkova (que se mete en la piel de Bastinda), Dmitriy Cheborotev (que hace de Urfin Jus), Sergei Epishev (que se mete en la piel del Devorahombres), Egor Kareshkov (que se convierte en el padre de Ellie), Sofya Lebedeva (que se trasforma en la madre de la niña), Alexandra Bogdanova (como Vilina) y Vasilina Makotseva (en el papel de Gingema).

Junto a todos los actores mencionados en el párrafo anterior, podemos destacar a Denis Vlasenko, a Artur Volko, a Yana Sektse y a Alexander Kovriznykh (que se encargan de poner la voz a Totó, al León Cobarde, a Romina y a Koggi Karr, respectivamente). A continuación, puedes ver el tráiler.

Según se nos cuenta a lo largo de la película de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, Ellie es una niña malcriada y egoísta que vive obsesionada con internet. Sin embargo, cuando un tornado la separa de su familia y se la lleva, junto a su perro Totó, a un mundo desconocido, la joven comienza a aprender a valorar las cosas que realmente importan, como la familia y los seres queridos.

Pese a que, al final de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, nos encontramos con que la película queda inconclusa, a la espera de que los frentes abiertos se resuelvan en una futura secuela, no contiene ninguna escena post-créditos, por lo que no es necesario quedarse hasta el final a la espera de alguna revelación de última hora.

Aunque El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas está basado en la ya mencionada novela de L. Frank Baum, podemos comprobar que se aprecian diversos cambios, entre los que podemos destacar el hecho de que ningún personaje (con la excepción de Totó) se llame igual que los originales, que la película transcurra en la época actual, que la niña tenga padres, en vez de tíos, o que el perro pueda hablar en Oz, por citar cuatro claros ejemplos.

Crítica de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas

Cabe destacar que resulta curioso que la película lleve por título El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas y, sin embargo, el personaje que da título al filme no aparezca más que en la escena final, solo para mostrarnos su voz y su sombra, ya que ni siquiera llegamos a apreciar una mínima parte de su aspecto físico, por lo que todo parece indicar que tendremos que esperar a la secuela para ello.

Otro aspecto que también merece la pena que se mencione es el hecho de que no se ha elegido el mejor momento para el estreno de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, puesto que, al coincidir en cartelera con las dos películas ya mencionas de Wicked y no haber sido apenas publicitada, ha pasado por lo cines con más pena que gloria, a pesar de que tenía potencial para mucho más.

Por tanto, si eres fan de la novela original de L. Frank Baum y no te importan demasiado los cambios introducidos en esta versión, no cabe la menor duda de que El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas es una opción bastante correcta para pasar casi dos horas de entretenimiento.

Ellie, una niña de 8 años, y su fiel perro Totó acaban en el mágico mundo de Oz, arrastrados por un tornado que conjuró la malvada bruja Gingema para destruir el mundo de los humanos. En esta primera entrega, Ellie y sus nuevos amigos el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde emprenderán un viaje por el camino de baldosas amarillas hacia Ciudad Esmeralda, en busca del grande y temible mago Goodwin, quien debería concederles sus mayores deseos.

Karl Urban confiesa que ser Johnny Cage en Mortal Kombat II ha sido el papel más duro de su carrera

Karl Urban

Karl Urban admite que el icónico luchador del videojuego le llevó física y mentalmente al límite

Karl Urban confiesa que ser Johnny Cage en Mortal Kombat II ha sido el papel más duro de su carrera

Entrar en el universo de Mortal Kombat II no es precisamente un paseo por el parque. Es sangre, huesos rotos, artes marciales milimétricas y cero margen de error. Y si alguien pensaba que Karl Urban iba a tomárselo a la ligera, puede ir olvidándolo. El actor ha reconocido que interpretar a Johnny Cage ha sido el mayor reto profesional de toda su carrera. Sí, incluso más que sobrevivir a The Boys.

Un actor que conoce el género

Urban, curtido en superhéroes, ciencia ficción, fantasía épica y acción salvaje, ha dejado claro que este proyecto le ha exigido como ninguno. Y eso que el actor no es precisamente nuevo en esto de recibir golpes (ni darlos). Pero Mortal Kombat II juega en otra liga… literalmente.

En la secuela, Karl Urban da vida a Johnny Cage, una antigua estrella del cine de acción cuyos días de gloria quedaron atrás. Cuando Earthrealm se ve amenazado por fuerzas interdimensionales, Cage es reclutado para participar en el torneo más letal del multiverso. Carisma, humor afilado y artes marciales de alto nivel: el cóctel perfecto… sobre el papel.

En declaraciones a Entertainment Weekly, Urban confesó que pidió explícitamente una película cargada de acción, sin imaginar el nivel de exigencia que eso implicaría. “Pedí una película con mucha acción y, por mis pecados, me la dieron”, bromeó el actor. “Es el papel más desafiante que he asumido en mi carrera”.

Un personaje muy exigente

Y no lo dice por la cantidad de escenas violentas, sino por algo mucho más concreto: las artes marciales. Según Urban, el estilo de combate de Johnny Cage es extremadamente específico, con coreografías precisas, movimientos definidos y una ejecución que no perdona errores. Aquí no vale improvisar ni esconderse tras el montaje.

A diferencia de otros papeles más “brutos”, donde prima el impacto o el caos controlado, Johnny Cage exige disciplina, timing y exactitud quirúrgica. Un pequeño fallo se nota… y en pantalla canta como un fatality mal hecho.

Karl Urban confiesa que ser Johnny Cage en Mortal Kombat II ha sido el papel más duro de su carrera

Además, Mortal Kombat II promete subir todavía más la apuesta respecto a la película de 2021. Según la sinopsis oficial, los campeones favoritos de los fans, ahora acompañados por Johnny Cage, se enfrentarán en una batalla sin reglas para detener el reinado oscuro de Shao Kahn, una amenaza directa a la existencia de Earthrealm.

Vamos, que no habrá medias tintas: más violencia, más combates y más gore, justo lo que los fans llevan años pidiendo sin ningún tipo de vergüenza.

Un cast que ha crecido según la historia

El reparto acompaña al nivel de ambición del proyecto. Junto a Karl Urban encontramos a Adeline Rudolph, Jessica McNamee, Josh Lawson, Ludi Lin, Mehcad Brooks, Tati Gabrielle, Lewis Tan, Joe Taslim y Hiroyuki Sanada, entre otros. Un elenco que mezcla caras conocidas con auténticos especialistas en acción y artes marciales.

Detrás de las cámaras repite Simon McQuoid como director, mientras que el guion corre a cargo de Jeremy Slater, una combinación que apunta a una secuela más sólida, más directa y, sobre todo, más fiel al espíritu del videojuego creado por Ed Boon y John Tobias.

Una 2ª parte muy esperada

El estreno de Mortal Kombat II está fijado para el 8 de mayo de 2026, y si las palabras de Urban sirven de pista, Johnny Cage no solo va a repartir golpes, sino que va a dejar huella. Dolorosa, sangrienta y espectacular. Como debe ser.

Karl Urban confiesa que ser Johnny Cage en Mortal Kombat II ha sido el papel más duro de su carrera

Porque si algo queda claro es que Karl Urban ha sudado, sangrado y aprendido a pegar patadas como nunca antes. Y cuando un actor dice que este ha sido el trabajo más duro de su carrera… igual conviene tomárselo en serio.