El director de Barbarian rompe el silencio y deja claro que su adaptación no seguirá al pie de la letra la historia de los videojuegos
¿Un nuevo comienzo para Resident Evil… sin seguir sus reglas?Esa es precisamente la jugada que planea Zach Cregger, el director de la próxima película de Sony basada en el icónico universo zombi de Capcom. Y ojo, porque no se trata de un capricho: Cregger es fan acérrimo de la saga, pero no está dispuesto a ser esclavo del canon.
En una reciente entrevista con SFX Magazine, el cineasta confesó algo que probablemente hará que más de un purista frunza el ceño: su película no será fiel a la historia original de los juegos.
“Soy un fan enorme de los juegos de Resident Evil. Los he jugado todos. He repetido el RE4 una y otra vez. Lo adoro”, dijo con entusiasmo. Sin embargo, en lugar de copiar paso a paso los eventos de Raccoon City o de la mansión Spencer, su objetivo es otro: capturar la esencia emocional de jugar un Resident Evil. Nada de adaptaciones literales, ni de personajes calcados. Solo una experiencia cinematográfica que transmita el mismo tipo de tensión, misterio y terror que sentimos con el mando en las manos.
Porque sí, aunque Paul W.S. Anderson llevó la franquicia a la gran pantalla con Milla Jovovich como protagonista, las licencias que se tomaron en aquellas películas fueron brutales. Y aunque el reboot de 2021, Resident Evil: Bienvenidos a Raccoon City, se vendía como “más fiel” a los videojuegos, tampoco logró encantar a todos. ¿Será ahora el turno de una visión más libre pero también más auténtica?
Una apuesta arriesgada con fecha de estreno
La confianza de Cregger en su visión es total: “Todo lo que quiero es hacer una buena película y contar una historia que sea interesante”, explicó. Aunque reconoce que no seguirá al pie de la letra la cronología ni los personajes tal y como aparecen en el videojuego, sí promete mantener el espíritu de supervivencia, tensión y horror que ha hecho de la saga algo legendario.
Y para quienes ya estén contando los días, la nueva película de Resident Evil ya tiene fecha de estreno: 18 de septiembre de 2026, según confirmó Sony Pictures. Aún no hay título oficial, ni reparto confirmado, pero lo que sí parece claro es que no será la típica adaptación lineal que muchos esperaban.
¿Tú qué opinas, fan de Resident Evil? ¿Prefieres una adaptación fiel o una historia nueva que te haga sentir como la primera vez que abriste la puerta del pasillo oscuro de la mansión Spencer? Sea como sea, el virus vuelve al cine en 2026… y esta vez quiere cambiar las reglas del juego.
La película de James Gunn no solo nos presenta al Hombre de Acero, también abre la puerta a una historia de superhéroes mucho más antigua y épica de lo que pensábamos
Cuando pensábamos que el reboot de Superman nos llevaría de vuelta al principio del nuevo DCU, James Gunn nos sorprende con un detalle que hará sonreír a más de un lector veterano de cómics: los metahumanos existen desde hace siglos y la Justice Society of America (JSA) ya dejó su huella mucho antes de que Kal-El aterrizara en la Tierra. Y no lo decimos nosotros, lo dice una imagen grabada en piedra… o mejor dicho, en un mural gigante.
El flash de Jay Garrick ya corre por el DC Universe
En Superman, la primera película oficial del nuevo DCU estrenada el 11 de julio de 2025, hay un momento que podría pasar desapercibido si pestañeas. Lois Lane, interpretada por Rachel Brosnahan, acude al cuartel de la llamada Justice Gang, también conocido como el Hall of Justice, para seguir la pista del Hombre de Acero tras su misteriosa desaparición. Allí se encuentra con tres héroes ya confirmados en este universo: Green Lantern (Guy Gardner, interpretado por Nathan Fillion), Mr. Terrific (Edi Gathegi) y Hawkgirl (Isabela Merced).
Pero el verdadero bombazo está en el fondo de esa escena.
Mientras Lois investiga, una pintura mural en las paredes interiores revela algo crucial: la existencia de Jay Garrick, el primer Flash de los cómics, junto con otros miembros clásicos de la JSA como Sandman (Wesley Dodds). Para los que conocen los cómics de DC, este detalle no es cualquier cosa. Se trata de un homenaje directo a All-Star Comics #3 de 1940, donde se presentó por primera vez la Justice Society of America, el primer supergrupo de la editorial y precursor espiritual de la Liga de la Justicia.
Una historia de metahumanos que se remonta siglos atrás
Lo más interesante es que James Gunn ha dejado claro que en su versión del DC Universe, los metahumanos llevan actuando desde hace al menos tres siglos. En un evento celebrado en Londres justo antes del estreno, el director dijo que hay una escena “icónica” con un “mural enorme” que narra la historia de los metahumanos en el DCU, y que “va a ser muy divertido cuando publiquemos esas imágenes para el público”.
Es decir, ese mural no es solo decoración, es una línea directa al lore más profundo del universo que está construyendo Gunn. En él no solo aparece Jay Garrick, sino también pistas visuales sobre personajes como Hawkman, Doctor Fate, Hourman, el Espectro, Átomo y otros miembros fundadores de la JSA, todos anteriores al Superman actual. Es una declaración de intenciones: este universo no está naciendo ahora, simplemente nos estamos asomando a él por primera vez.
Un universo DC que arranca con historia, no desde cero
Y hablando de Doctor Fate… con la reciente revalorización del personaje tras su aparición en Black Adam (aunque fuera en el antiguo DCEU), no sería raro que Gunn quiera rescatar esa magia y combinarla con el nuevo tono que está definiendo.
¿Y ahora qué? el mural ya ha empezado a hablar
Aunque todavía no se han publicado las imágenes del mural de forma oficial, las pistas están sembradas y los fans ya están analizando cada detalle con lupa. En redes sociales, ya circulan teorías sobre quiénes podrían ser los rostros escondidos en el fondo, especulando sobre versiones alternativas de héroes conocidos o apariciones sorpresa de personajes como Wildcat, Starman o incluso Black Canary en su versión clásica.
Mientras tanto, Superman se consolida como el primer paso firme de un DCU que promete ser más denso, más rico en historia y más fiel a la esencia de los cómics que lo inspiran. Y con solo un mural, ya nos tienen soñando con todo lo que podría venir.
¿Tú también crees que este detalle cambiará todo lo que esperábamos del DCU? ¡Te leemos en comentarios!
La serie ya rueda su primera temporada y promete una adaptación fiel y ambiciosa de los libros de J.K. Rowling
La magia ha comenzado a brotar en los sets de rodaje de HBO: la esperada serie de Harry Potter ya tiene su primera imagen oficial, y junto a ella, una nueva tanda de actores confirmados que han despertado entusiasmo (y algo de debate) entre los fans de la saga. El joven Dominic McLaughlin ha sido el elegido para dar vida al niño que sobrevivió, y ya lo hemos podido ver caracterizado como Harry, con su varita en mano y un claquetazo que marca oficialmente el inicio de la producción.
Pero esto es solo el comienzo. Warner Bros. ha confirmado que la serie se estrenará en algún momento de 2027, y ha revelado también una nueva tanda de actores que se suman al proyecto. Y ojo, que hay nombres muy interesantes entre ellos.
Nuevos fichajes y reparto completo
Uno de los personajes más queridos por los fans, Neville Longbottom, estará interpretado por Rory Wilmot, mientras que el primo más odioso de Harry, Dudley Dursley, caerá en manos de Amos Kitson. También tenemos a Louise Brealey como la implacable Madam Hooch, y Anton Lesser (conocido por su papel en The Crown) como el entrañable fabricante de varitas, Garrick Ollivander.
Ya conocíamos a los actores del trío protagonista: Dominic McLaughlin será Harry, Arabella Stanton interpretará a Hermione Granger, y Alastair Stout dará vida a Ron Weasley. A ellos se suma un reparto estelar que mezcla juventud y veteranía:
John Lithgow como un Dumbledore que promete ser más introspectivo y sabio que nunca
Janet McTeer como una imponente Minerva McGonagall
Paapa Essiedu (que arrasó en I May Destroy You) será un Severus Snape que podría marcar época
Nick Frost como un Hagrid que muchos ya comparan con Robbie Coltrane por su ternura
Luke Thallon como Quirinus Quirrell
Paul Whitehouse como Argus Filch
Katherine Parkinson será una maternal Molly Weasley
Lox Pratt como Draco Malfoy y Johnny Flynn como su padre, Lucius Malfoy
También se han confirmado a Leo Earley (Seamus Finnigan), Alessia Leoni (Parvati Patil), Sienna Moosah (Lavender Brown), Bel Powley (Petunia Dursley), Daniel Rigby (Vernon Dursley) y Bertie Carvel como Cornelius Fudge
Faltan aún nombres clave por anunciar, entre ellos el más esperado por muchos: ¿quién será el nuevo Lord Voldemort? De momento, HBO guarda silencio, aunque ya circulan rumores por redes sobre posibles candidatos al papel del villano por excelencia.
Un proyecto de una década con sabor a saga épica
Esta nueva serie de Harry Potterno es un simple reboot ni una reinterpretación suelta: HBO ha dejado claro que cada temporada adaptará fielmente uno de los siete libros originales de J.K. Rowling. Es decir, hablamos de una serie pensada para desarrollarse durante una década, algo que pocas producciones pueden permitirse hoy día. La ambición es clara: crear una versión definitiva y profunda del mundo mágico.
El guion corre a cargo de Francesca Gardiner, ganadora del Emmy por su trabajo en Killing Eve y Succession. Ella también ejerce como productora ejecutiva junto a pesos pesados como Mark Mylod, J.K. Rowling, Neil Blair, Ruth Kenley-Letts y David Heyman, este último productor de las películas originales de Harry Potter. Mylod, además, dirigirá varios episodios, aportando su experiencia en grandes series como Game of Thrones y The Last of Us.
La serie es una coproducción entre HBO, Warner Bros. Television y Brontë Film and TV, lo que garantiza músculo económico y creativo a partes iguales.
¿Volverán los actores originales?
Aunque este proyecto es un reinicio completo y no una secuela directa, los fans no han dejado de preguntarse si veremos algún cameo o guiño a las películas originales. De momento, todo apunta a que no habrá apariciones de Daniel Radcliffe, Emma Watson o Rupert Grint, aunque la posibilidad de un cameo de algún personaje adulto no está del todo descartada.
Lo que sí está claro es que HBO se lo está tomando en serio. El objetivo es combinar una fidelidad absoluta a los libros con una narrativa moderna, cinematográfica y emocionalmente rica. Y si algo sabe hacer HBO, es construir mundos inmersivos.
Marvel prepara una batalla de escalas cósmicas y emocionales en Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, donde lo más pequeño y lo más colosal del universo estarán en curso de colisión
“Lo encantador de esta película es que trata sobre la criatura más pequeña y joven del mundo y la más antigua y grande del universo”, explicó Shakman. “La escala de Galactus es una parte importante de él y Ralph Ineson es un actor increíble; esa voz, esa presencia. Parecía de 300 metros de altura”.
Esta revelación enfría una teoría de fans que sugería que Franklin y Galactus eran la misma entidad desde líneas temporales distintas, como en algunos cómics. Sin embargo, la conexión emocional entre ambos personajes sigue siendo clave en la trama.
Ralph Ineson, quien interpreta a Galactus, compartió cómo abordó su imponente papel:
“Para intentar comprender [su tamaño], pensé más en lo que algo de ese tamaño podría hacer, ¿sabes? La destrucción que podría causar. Así que vi muchos videos de deslizamientos de tierra, tornados, tsunamis…”
Ineson también confesó que rodó muchas de sus escenas en soledad, casi como una experiencia paralela a su personaje. Por su parte, Julia Garner, quien interpreta a Silver Surfer, añadió lo siguiente.
“Es gracioso porque era casi como si la vida imitara al arte. Él estaba tan solo y como ahí arriba, y luego estaban los cuatro, que eran tan unidos”.
El estreno de Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos está previsto para el 25 de julio.
Este artículo explora teorías simbólicas y psicológico-espirituales basadas en la narrativa de la trilogía Remake de Final Fantasy VII. No representa verdades absolutas, sino interpretaciones sugeridas por el material del juego
En la trilogía Final Fantasy VII Remake, Sephiroth no busca alterar el pasado ni crear líneas paralelas. Su objetivo es mucho más profundo: desea influenciar a los protagonistas, especialmente a Cloud, para que sus elecciones legitimen una nueva forma de Gaia, una en la que él ejerza un control absoluto sobre las almas.
Los mundos divergentes no preexistían como se nos muestran, sino como latencias dentro del alma colectiva, que solo se materializan (no en el sentido físico) cuando los Ecos pierden el control (es decir, cuando las “fuerzas del destino” artificial colapsan). Esto es directamente compatible con Yogachara: el deseo, la ignorancia y la aflicción generan las proyecciones kármicas que forman nuevos mundos.
Sephiroth, entonces, no es solo un villano. Es un principio psíquico que busca absorber la conciencia del planeta, moldearla según su propia voluntad, y refundar la realidad desde su centro volitivo. Este artículo explora cómo opera esa voluntad, y cómo transforma los eventos de Final Fantasy VII Remake y Final Fantasy VII Rebirth.
Cuando Sephiroth transforma la Capital Olvidada antes de la muerte de Aeris
¿Qué escenario es ese?
Durante el clímax de Final Fantasy VII Rebirth, justo antes del asesinato de Aeris, la Capital Olvidada comienza a transformarse. Lo que antes era un espacio silencioso, cristalino y etéreo se disuelve progresivamente en un escenario onírico: oscuro, y lleno de estructuras flotantes.
Este cambio ocurre cuando Sephiroth aparece frente al grupo. El espacio mismo parece ceder a su presencia.
¿Qué representa?
Ese espacio no es físico, sino una manifestación psíquica, la influencia espiritual y simbólica de Sephirot, que distorsiona el entorno con su propia voluntad, tal como ya lo hacía en el Final Fantasy VII original (por ejemplo, cuando altera la realidad en el Cráter del Norte).
Es un “campo mental compartido” en el que Sephirot toma el control del espacio-tiempo local para aislar al grupo antes del punto de inflexión (la muerte de Aeris).
¿Qué representa Sephiroth Reborn en Final Fantasy VII Rebirth?
Durante el combate final de Final Fantasy VII Rebirth, se describe a Sephiroth Reborn así:
“Sefirot ha trascendido la muerte al doblegar a su voluntad a los guardianes del destino. Ahora existe en una pluralidad de realidades y es capaz de enlazar a su antojo los fragmentos del espacio-tiempo. Su meta es dominar el planeta y precipitar la eternidad.”
Esta descripción no es trivial, y está cargada de simbolismo espiritual y psicológico:
Sephiroth Reborn representa:
Una voluntad corrupta que ha trascendido el cuerpo humano y busca la fusión con la fuente de toda vida (Gaia). Es el ego supremo: no quiere salvar el mundo, quiere absorberlo y serlo.
Jung lo interpretaría como la sombra inflada que no solo toma conciencia, sino que suprime al Self (sí mismo) y lo reemplaza por su voluntad única.
En el marco de Yogācāra: Sephiroth Reborn es una manifestación negativa de la alaya-vijñana corrompida. Es una conciencia que, habiéndose fundido con todos los karmas, no busca liberarse de ellos, sino dominarlos todos.
Es el pico de la fragmentación: Sephiroth absorbe todas las bifurcaciones para controlarlas desde su núcleo. Esto explica por qué aparece en mundos divergentes distintos al mismo tiempo (como el que enfrenta Zack en la iglesia destruida): no es que haya varios Sephiroth, sino que una misma voluntad se proyecta como eco espiritual en todos los espacios mentales y kármicos que están naciendo desde el colapso del destino.
Tetsuya Nomura, director creativo de Final Fantasy VII, explicó que la existencia de Sephiroth trasciende mundos y que existe simultáneamente en múltiples mundos. Cuando Zack ayuda a Cloud a luchar contra Sephiroth, ambos existen en un momento en el que ambos mundos se unen. Además, cuando Zack, Cloud y los demás miembros del grupo luchan contra Sephiroth Reborn, aunque presumiblemente existan en mundos separados, siguen luchando contra la misma entidad.
En otras palabras, todas las versiones de Sephirot Reborn que vemos en el combate son manifestaciones de una única conciencia compartida. Aunque están separadas físicamente varios escenarios de combate distintos, están:
Sincronizadas espiritualmente.
Conectadas a un único núcleo existencial o psicoespiritual.
Por tanto, lo que le sucede a una manifestación se refleja en la otra. Esto tiene precedentes en la saga: Jenova, por ejemplo, podía cambiar de forma y controlar partes separadas de sí misma como extensiones de una única voluntad. Aquí, Sephirot lleva esa idea a otro nivel: sus manifestaciones actúan casi como ecos simultáneos de su núcleo de conciencia, extendido a través del Horizonte de la Creación.
¿Cuándo comienza la convergencia de mundos?
La convergencia de mundos no es un evento externo, sino una manifestación de un proceso psíquico profundo. Desde esta perspectiva simbólica, la convergencia comienza en Final Fantasy VII Rebirth durante la escena en la Capital Olvidada, justo cuando el grupo protagonista se encuentra con Sephirot.
Este momento marca un punto de inflexión: las fronteras entre la realidad material y los planos psíquico-espirituales comienzan a desdibujarse. Es ahí donde se activa la verdadera convergencia: no de universos paralelos físicos, sino de los planos de la conciencia —el consciente, el inconsciente, el arquetípico— todos colapsando sobre el presente. Es el umbral donde el pasado, el destino, el trauma y la voluntad entran en fricción.
¿Por qué ocurre el combate final de Final Fantasy VII Rebirth y cómo se desarrolla?
Es posible que después de asesinar a Aeris, Sephirot se vea obligado a confrontar al resto del grupo que aparece para detenerlo. Esta interrupción frustra su propósito inmediato, que no es simplemente eliminar a Aeris, sino aislar y manipular a Cloud emocional y espiritualmente para convertirlo en su medio para invocar el Meteorito (objetivo que igualmente terminará cumpliendo).
Tras el combate contra Jenova, Sephirot retira a Cloud hacia el Horizonte de la Creación, ese espacio donde el tiempo y el yo se suspenden. Aquí quiere continuar con su intento de seducción y control, buscando quebrar a Cloud desde dentro, revelándole una “visión” del fin del mundo para presentarse como su única salida (algo que ya hizo en Remake). Este acto se alinea con la figura del arquetipo de la Sombra que busca dominar al yo proyectando desesperanza, grandiosidad y fatalismo.
Sin embargo, hay un giro inesperado para Sephirot: Zack está allí.
La aparición de Zack simboliza una fuerza de oposición que Sephirot no había previsto: el recuerdo puro, la voluntad de vida, el valor que no se ha distorsionado por la culpa o la duda. Su presencia rompe la escena cuidadosamente construida por Sephirot y lo obliga a combatir directamente. Al ver que no puede manipular el flujo emocional sin resistencia, Sephirot separa a Zack de Cloud y se transforma en Sephirot Reborn, manifestando una versión aún más poderosa de sí mismo.
Aun así, Cloud no cede, y cuando Sephirot regresa a su forma original, ocurre un segundo giro inesperado: Aeris aparece.
Su retorno no es físico, sino espiritual y simbólico. Ella representa el principio de compasión y verdad interior que aún vive en Cloud. Su presencia protege el núcleo de su voluntad, o en términos de Jung, representa el ánima, el puente entre Cloud y su inconsciente más profundo.
Al percatarse de que Aeris sigue siendo una amenaza real, no solo como antigua Cetra, sino como vínculo emocional de Cloud con la vida, la luz y el sacrificio, Sephirot intenta eliminarla también, iniciando así la última fase del combate. No lucha solo contra cuerpos, sino contra los lazos que impiden a Cloud fundirse con su oscuridad.
Lectura desde Jung y Yogācāra
Sephiroth Reborn es la Sombra radical: el deseo del yo por el poder absoluto, disfrazado de redención.
Aeris, en cambio, es la claridad que redirige hacia el centro verdadero del ser. Es la conciencia compasiva que impide que Cloud se pierda en la fantasía totalitaria de Sephiroth.
¿Por qué no hay consecuencias visibles tras las batallas en la Capital Olvidada?
Porque los combates no ocurren plenamente en el plano físico.
Razones:
Las distorsiones del entorno son simbólicas y psicoespirituales.
Como en Final Fantasy VII Remake, cuando atraviesan el muro del destino, entran en planos intermedios: estados de conciencia suspendidos.
Durante los combates, el mundo físico está “en pausa”. Se libran en dimensiones donde el alma y la voluntad son paisaje.
Cuando el combate termina, el grupo regresa a un entorno intacto. No hay escombros, fuego ni ruinas porque no hubo destrucción material. Lo que fue alterado fue el equilibrio espiritual del grupo y de Gaia.
¿Qué implica que Sephiroth tenga planes concretos para Rufus?
Rufus como distracción geopolítica
Al mantener a Rufus obsesionado con la guerra contra Wutai, desvía recursos, atención y tiempo de Shinra que podrían interferir con sus propios planes.
Sephiroth quiere a Gaia distraída, dividida y vulnerable.
Uso emocional del pasado (Glenn)
Al presentarle a Glenn como visión, está reabriendo traumas emocionales de Rufus. Esto lo vuelve más manipulable, porque lo mueve a actuar de forma obsesiva y menos racional.
Es el mismo patrón que Sephiroth aplica a Cloud: usa su pasado, su identidad fracturada, para llevarlo hacia donde quiere.
Conclusión
Lejos de ser un simple antagonista, Sephiroth encarna una voluntad espiritual que busca la dominación total desde el interior. Sus acciones no responden a una lógica de viajes en el tiempo o líneas paralelas, sino de manipulación simbólica, emocional y espiritual.
Su objetivo no es cambiar el pasado, sino influir en el presente para dar nacimiento a un nuevo Gaia: un mundo donde todas las almas estén subordinadas a su conciencia. Para lograrlo, corrompe planos mentales, fragmenta voluntades y despliega su ser a través de espacios donde el destino ha colapsado.
La convergencia de mundos, entonces, no es una teoría cuántica, sino una metáfora espiritual: el momento en que el yo se encuentra con todas sus posibilidades y debe elegir cuál será su centro.
En el próximo artículo exploraremos en profundidad el papel de Aeris en esta trilogía de Final Fantasy VII: su función como ánima, su relación con la Corriente Vital y su rol como guía espiritual para Cloud.
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La plataforma de streaming Netflix ha dado luz verde definitiva al proyecto que llevará la popular franquicia de videojuegos Assassin’s Creed a la televisión con un ambicioso thriller histórico.
Netflix y Ubisoft: Assassin’s Creed llegaré como una serie en imagen real
Netflix ha confirmado oficialmente el desarrollo de la serie de acción real basada en Assassin’s Creed, uno de los proyectos más esperados por los fanáticos de los videojuegos. La producción estará a cargo de Roberto Patino y David Wiener, ambos nominados al Emmy por su trabajo en producciones como ‘DMZ’, ‘Westworld’, ‘Sons of Anarchy’, ‘Halo’ y ‘Homecoming’.
Un thriller que recorre la historia de la humanidad
La serie se presenta como un thriller de alta tensión que explora la guerra secreta entre dos facciones enfrentadas: una que busca determinar el futuro de la humanidad a través del control y la manipulación, y otra que lucha por preservar el libre albedrío. Los personajes se desenvolverán a través de eventos históricos cruciales mientras batallan por dar forma al destino de la humanidad.
“Estamos muy emocionados de trabajar junto a Roberto, David y nuestros socios de Netflix para llevar esta querida franquicia a las series”, declaró Margaret Boykin, productora ejecutiva y directora de contenidos de Ubisoft Film & Television. “Esperamos ofrecer una experiencia que hable al corazón de lo que los fanáticos aman de Assassin’s Creed, mientras introducimos sus mundos inolvidables y temas atemporales a nuevas audiencias en todo el mundo”.
Los creadores prometen profundidad narrativa
Wiener y Patino han expresado su entusiasmo por el proyecto en una declaración conjunta: “Hemos sido fanáticos de Assassin’s Creed desde su lanzamiento en 2007. Cada día que trabajamos en este programa, nos vamos emocionados y humillados por las posibilidades que Assassin’s Creed nos abre”.
Los showrunners han destacado que, más allá del espectáculo y las secuencias de acción características de la franquicia, la serie explorará temas humanos fundamentales: “Es sobre personas que buscan propósito, luchando con preguntas de identidad, destino y fe. Se trata de poder, violencia, sexo, codicia y venganza. Pero más que nada, este es un programa sobre el valor de la conexión humana, a través de culturas, a través del tiempo”.
Un proyecto años en desarrollo
La colaboración entre Ubisoft y Netflix se formalizó en 2020, cuando ambas compañías anunciaron un acuerdo para desarrollar contenido basado en la popular franquicia de videojuegos. Esta adaptación de acción real representa el primer proyecto que se concreta bajo dicho acuerdo.
Peter Friedlander, vicepresidente de Series Guionizadas de Netflix, ha valorado el proceso: “Cuando anunciamos por primera vez nuestra asociación con Ubisoft en 2020, nos propusimos el ambicioso objetivo de dar vida al rico y expansivo mundo de Assassin’s Creed de maneras audaces y nuevas. Ahora, después de años de colaboración dedicada, es inspirador ver hasta dónde ha llegado esa visión”.
Equipo de producción experimentado
La serie cuenta con un equipo de producción ejecutiva integrado por Gerard Guillemot, Margaret Boykin y Austin Dill por parte de Ubisoft Film & Television, además de Matt O’Toole. Esta combinación de talento experimentado en televisión y el respaldo directo de los creadores del videojuego promete una adaptación fiel al espíritu original.
La confirmación de esta serie forma parte de la estrategia más amplia de Netflix para expandir su catálogo de contenido basado en videojuegos. La plataforma también será el hogar de Splinter Cell: Deathwatch, otra producción de Ubisoft programada para este otoño.
Con esta confirmación, los fanáticos de Assassin’s Creed podremos finalmente ver materializada una adaptación que promete honrar el legado de la franquicia mientras ofrece una experiencia cinematográfica de alta calidad en el formato de serie televisiva.
El icónico gorila vuelve a las aventuras tridimensionales con Pauline como compañera en una exclusiva para Nintendo Switch 2 que promete ser uno de los títulos más destacados del catálogo de lanzamiento.
26 años después: Donkey Kong vuelve al 3D
Donkey Kong Bananza marca un hito importante en la historia de Nintendo. Tras 26 años desde su última aventura tridimensional en Nintendo 64 con Donkey Kong 64, el famoso simio regresa con una propuesta que combina plataformas 3D, mecánicas cooperativas y un cuidado apartado audiovisual.
El juego, desarrollado por el mismo equipo responsable de Super Mario Odyssey, llega como exclusiva para Nintendo Switch 2 hoy 17 de julio de 2025, posicionándose como uno de los títulos principales del catálogo de lanzamiento de la nueva consola.
Una historia subterránea con Pauline como protagonista
La aventura se desarrolla en la Isla Lingote, donde el descubrimiento de plátanos dorados desata una serie de eventos que llevan a Donkey Kong bajo tierra. Allí conoce a Pauline, una cantante transformada en roca por la malvada Void Company, una corporación minera que busca llegar al centro del planeta donde, según la leyenda, los deseos se hacen realidad.
Esta premisa permite a Nintendo explorar una narrativa más desarrollada que en entregas anteriores, con una relación entre protagonistas que podemos comparar con películas de animación como Monstruos S.A. o Ralph el Demoledor.
Mecánicas de juego: fuerza bruta y transformaciones
Donkey Kong mantiene su arsenal clásico de habilidades (golpear, agarrar, lanzar y escalar), pero ahora cuenta con el apoyo de Pauline y su poder vocal. El sistema de “bananzas” permite transformaciones temporales que otorgan nuevas capacidades:
Bananza Kong: incrementa significativamente la fuerza del personaje
Bananza Cebra: permite desplazarse a gran velocidad sobre agua y superficies inestables
Bananza Avestruz: otorga capacidad de vuelo y lanzamiento de bombas huevo
Y varias más que tendremos que ir descubriendo.
Para activar estas transformaciones, los jugadores deben recolectar oro que se convierte en “bananergía”, el combustible necesario para que las canciones de Pauline surtan efecto.
Sistema de progresión y coleccionables
El juego implementa un extenso sistema de coleccionables centrado en las gemas de banandio (plátanos dorados), que otorgan puntos para mejorar habilidades y aprender nuevas capacidades. Los fósiles constituyen otra categoría importante, intercambiables por atuendos para los personajes y diferentes colores para el pelaje de Donkey Kong.
Según se ha confirmado en la presentación que ha tenido lugar esta misma mañana, el juego cuenta con “miles de coleccionables” distribuidos por escenarios que van desde playas y praderas hasta cañones, bosques, lagos tóxicos, zonas nevadas y desiertos.
Multijugador cooperativo y GameShare
Donkey Kong Bananza ofrece experiencia individual y cooperativa local, donde el segundo jugador controla a Pauline utilizando el Joy-Con 2 para lanzar proyectiles vocales. Una característica destacada es GameShare, que permite jugar cooperativamente con personas que no poseen el juego, manteniendo compatibilidad con Nintendo Switch original. El sistema también incluye partidas online con GameChat, integrando comunicación por voz o vídeo.
Producción audiovisual de alto nivel
Nintendo ha apostado fuerte por el apartado técnico y artístico. Donkey Kong ha sido rediseñado para mostrar una mayor variedad de emociones, mientras que Pauline recibe un diseño más infantil que sugiere que la historia transcurre antes que otros títulos de la franquicia.
La banda sonora cuenta con temas dedicados para cada transformación, cada estrato subterráneo y las batallas de jefes finales. Particularmente, la transformación Bananza Cebra incluye elementos musicales latinos y españoles con guitarra y castañuelas, confirmado por los propios desarrolladores.
Compatibilidad con amiibo y disponibilidad
El juego es compatible con amiibo, incluyendo una nueva figura de Donkey Kong y Pauline disponible desde el lanzamiento. Esta figura desbloquea anticipadamente el vestido de diva de Pauline y otorga poder explosivo a las letras KONG.
Donkey Kong Bananza se posiciona como un título que trasciende las fronteras tradicionales del videojuego, combinando elementos de plataformas clásicas con una producción que recuerda a las películas de animación actuales. Su llegada exclusiva a Nintendo Switch 2 desde hoy, 17 de julio, marca el regreso de una de las franquicias más queridas de Nintendo al mundo tridimensional, después de más de dos décadas de espera.
Ahora llega el rumor que lo puede cambiar todo: Ultron será el próximo Estratega en Marvel Rivals y, según filtraciones, nada será como antes. Lejos de ser un sanador puro, Ultron destacará por su movilidad y capacidades ofensivas. Se especula incluso que podría volar libremente, algo inédito para este rol, y que su daño será muy superior al de otros Estrategas. ¿Te imaginas un Estratega capaz de plantar cara a los héroes más agresivos, esquivar emboscadas y, además, repartir leña mientras apoya al equipo? Pues eso es justo lo que promete Ultron.
Uno de los grandes motivos de la “huelga” de Estrategas es que casi todos los personajes de este rol juegan de forma parecida.
Ataque principal que sana aliados o daña enemigos
Habilidad para inmovilizar o ralentizar
Curación con cooldown
Ultimate de área que vuelve al equipo casi invencible
Este “corta y pega” de habilidades hace que muchos jugadores no encuentren diversión en el rol. Pero, si Ultron realmente tiene menos curación y más daño, puede que se convierta en el referente que necesitaba la comunidad para dar el salto.
La gran pregunta ahora es: ¿será Ultron el héroe que salve al rol de Estratega del olvido o solo una excepción puntual? Pase lo que pase, queda claro que Marvel Rivals necesita personajes con personalidad y estilos de juego únicos, y la llegada de Ultron podría marcar un antes y un después en la comunidad.
Las nuevas aventuras de los Pitufos en la gran pantalla.
En 1958, el dibujante belga Peyo creó una serie de historietas juveniles protagonizadas por unos pequeños seres que, además de por su reducido tamaño, destacan por ser azules, poseer una colita redonda e ir ataviados, en su mayor parte, con un gorro y unas medias blancas, los cuales son conocidos como los Pitufos y vieron la luz por primera vez en la aventura de Johan y Pirluit, titulada La Flauta de Seis Pitufos, dentro de la publicación Spirou.
El éxito que alcanzaron los acabó llevando a convertrise en los personajes principales de su propia publicación, además de alcanzar la fama en otros medios, como los videojuegos, las series de televisión o películas, como Pitufos, que acaba de estrenarse en la gran pantalla y es el objeto de estudio de este artículo, tal y como podrás comprobar si continuas leyendo hasta el final.
Bajo la dirección de Chris Miller y Matt Landon, esta película de 92 minutos de duración cuenta, en versión original, con las voces de Rihanna (Pitufina), James Corden (Pitufo Sin Nombre), John Goodman (Papá Pitufo), Hugo Muller (Pitufo Tontín), Xolo Maridueña (Pitufo Filósofo), Alex Winter (Pifufo Fortachón), Natahsa Lyonne (Mamá Poot), J. P. Karliak (Gargamel y Razamel), Nick Offerman (Ken), Sandra Oh (Pitufa Coraje) y Amy Sedaris (Jovial). A continuación puedes ver el tráiler.
Pitufo Sin Nombre está preocupado porque es el único de la aldea que no tiene ninguna habilidad especial. En su intento de aquirir alguna que le ponga a la altura de sus compañeros, el pequeño ser azul desencadena, de manera involuntaria, una serie de acontecimientos que culminan con el secuestro de Papá Pitufo por parte del malvado brujo Razamel, hermano de Gargamel. Acompañado por Pitufina y otros habitantes de la aldea, debe viajar al mundo real para salvarlo.
Mientras que en las películas Los Pitufos (2011) y Los Pitufos 2 (2013) se mezclaba a los personajes animados con actores de carne y hueso, aquí todo lo que está relacionado con el mundo real también es en versión live-action. No obstante, los pesonajes humanos de peso, como lo son Gargamel y Razamel aquí son mostrados en formato animado, ya que ellos pertenecen al mismo mundo que los pequeños seres azules que protagonizan la película.
Una pecularidad bastante curiosa que podemos encontrar en esta nueva versión de los Pitufos es que se nos permite profundizar en el árbol genealógico de algunos personajes de una manera que nunca se había hecho antes. Debido a ellos, nos enteramos de que Gargamel tiene un hermano, tal y como se muestra en la imagen que acompaña a este párrafo, mientras que Papa Pitufo cuenta con dos.
Es una costumbre bastante habitual que las películas de animación vayan acompañadas de canciones que se integran dentro de la trama, en algunos casos con mayor acierto que en otros, y esta versión de los Pitufos no es una excepción, aunque, por suerte, los números musicales están integrados con la dosis adecuada para no llegar a saturar al espectador, independientemente de la edad del mismo.
La película Pitufos, tal y como está de moda que pase en el mundo cinematográfico actual, cuenta con una escena integrada entre medias de los créditos finales, por lo que no hay que tener demasiada prisa para levantarse de la butaca, aunque cabe destacar que, si bien es cierto que no tiene excesiva relevancia, prepara el terreno para una secuela, pese a que es evidente que eso dependerá del éxito que tenga en cartelera la película actual.
Otra costumbre cinematográfica bastante habitual es que, cuando están en cartelera, los filmes de animación vayan precedidos por un corto, también de dibujos animados. En el caso de Pitufos se trata de una pequeña aventura inédita del popular Bob Esponja, bajo el título Order Up, por los que los espectadores que sean seguidores de los personajes de dicha franquicia tendrán la ocasión de disfrutar de esta pequeña aventura, cuya mayor peculiaridad reside en que es muda.
Evidentemente, el público principal al que va dirigido la película Pitufos son los más pequeños de la casa, aunque eso no es ningún impedimento para que acudan al cine aquellos adultos que guarden un agradable recuerdo de haber disfrutado de estos personajes en su infancia y quieran rememorar la experiencia durante la hora y media aproximada que dura el largometraje.
Por tanto, si en algún momento de tu vida fuiste fan de estos personajes o tienes niños pequeños en casa, no cabe la menor duda de que ir a ver la película Pitufos es una opción completamente correcta para pasar un rato entretenido y olvidarse por un rato del asfixiante calor del verano.
Cuando Papá Pitufo es secuestrado de forma misteriosa por los malvados brujos Razamel y Gargamel, Pitufina lleva a los Pitufos a una misión al mundo real para salvarle. Con la ayuda de nuevos amigos, los Pitufos deberán descubrir qué define su destino para salvar el universo.
En un mundo donde la ficción puede ser más intensa que la vida real, estas muertes han provocado auténticas guerras en redes sociales, peticiones para rehacer finales y hasta disculpas públicas de los creadores
Maya St. Germain – Pretty Little Liars El “Bury Your Gays” que nunca debió ocurrir
Entre las cosas que más duelen, está lo de Maya en Pretty Little Liars. Nos presentaron a una chica nueva y enseguida la emparejaron con Emily, dándonos una de las parejas más queridas por los fans. Pero la serie tenía un serio problema con sus personajes LGBTQ+, y la muerte de Maya fue la gota que colmó el vaso. Encima, la mató un personaje casi de relleno, ajeno al misterio principal. Muchos lo vieron como otro ejemplo del tristemente famoso “Bury Your Gays”, algo que ya cansaba.
Oberyn Martell – Juego de tronos El carisma no sirve contra el hype de la serie
No contentos con un drama, la televisión nos regaló otra muerte que encendió a la comunidad fan. Lexa era una líder fuerte y la relación con Clarke era todo un símbolo… hasta que una bala perdida acabó con su historia, justo después de dar a los fans una de las escenas más esperadas. La presión fue tal que el creador de la serie tuvo que pedir perdón. Y con razón.
Ben Sullivan – Scrubs El “truco” que rompió a la audiencia
Aquí la herida va por otro lado. Ben, interpretado por Brendan Fraser, se despide en un episodio con giro de guion incluido: su muerte se oculta hasta el final, jugando con las emociones de los fans y del mismísimo Dr. Cox. Muchos espectadores sintieron que la serie jugó demasiado con ellos, haciendo que la pérdida doliera más aún.
Glenn Rhee – The Walking Dead La crueldad llevada al extremo
Cersei y Jaime Lannister – Juego de tronos Anticlimax en estado puro
Después de años de evolución, redención (en el caso de Jaime) y maldad (en el de Cersei), los dos personajes se despiden juntos… bajo un montón de piedras. Los fans esperaban algo épico, un final a la altura de sus historias, pero la serie optó por lo fácil. Ni justicia poética, ni ajuste de cuentas, solo una despedida insípida y anticlimática.
No hay drama adolescente sin muertes que marcan época, pero lo de Marissa fue por motivos fuera de la pantalla: la actriz no quería seguir. Aun así, su final trágico cortó de raíz un arco de redención y dejó a los seguidores con sensación de “esto no tenía por qué pasar”.
Daenerys Targaryen – Juego de tronos Un giro que nadie pidió
Tracy McConnell – Cómo conocí a vuestra madre El mayor trolleo de la tele moderna
El ejemplo más épico de “tanto para esto” se lo lleva Cómo conocí a vuestra madre. Después de nueve temporadas de misterio, cuando por fin conocemos a Tracy… va y muere en el último capítulo solo para forzar el romance de Ted con Robin. Una jugada que aún hoy provoca memes, enfados y debates eternos.
Por qué estas muertes siguen doliendo
El denominador común: la sensación de injusticia o gratuidad. Ya sea por tramas apresuradas, giros forzados o simplemente por no saber despedir a sus personajes, las series han dejado heridas que no se cierran. Al final, estos momentos nos recuerdan por qué nos metemos tanto en la ficción: porque, aunque sepamos que son historias inventadas, lo que sentimos… es muy real.
