In the Lost Lands resucita en el streaming con una fantasía apocalíptica que nadie vio venir

La adaptación de un relato de George R. R. Martin fracasa en cines… pero arrasa online

Cuando todo parecía indicar que In the Lost Lands pasaría sin pena ni gloria por la filmografía de Milla Jovovich, la magia del streaming ha obrado un giro inesperado. Tras un desastroso paso por las salas, la película basada en un relato del mismísimo George R. R. Martin ha escalado posiciones en Hulu hasta convertirse en un fenómeno. Y sí, los dragones no aparecen por aquí… pero hay brujas, hombres lobo y un futuro muy, muy chungo.

In the Lost Lands, la resurrección digital de un desastre taquillero

Con solo 6,1 millones recaudados en todo el mundo frente a un presupuesto colosal de 55 millones, In the Lost Lands parecía una de esas producciones condenadas al olvido. En Estados Unidos apenas rascó 1,8 millones, y la crítica fue demoledora: 24% de aprobación en Rotten Tomatoes por parte de la prensa especializada. No es que el público la amara mucho más, con un escueto 47% de los votos.

Y, sin embargo, algo ha cambiado. Según FlixPatrol, la cinta protagonizada por Jovovich y Dave Bautista ha pegado un subidón de +13 puestos en la lista de lo más visto de Hulu, coronándose como la película número uno en la plataforma en EE. UU. ¿Qué ha pasado? ¿Es la magia oscura de Gray Alys, el personaje de Jovovich? ¿O simplemente un caso de “nadie la vio en cines, pero todo el mundo tiene curiosidad ahora que está a un clic”?

Lo cierto es que la propuesta lo tenía todo para enganchar al fan de la fantasía apocalíptica: una bruja poderosa, un cazador taciturno, un hombre lobo con poderes sobrenaturales, fanáticos religiosos, criaturas salvajes y una tierra devastada como escenario. Todo extraído del relato homónimo de Martin, incluido originalmente en la antología Amazons II.

Jovovich y Bautista, una pareja inusual en tierras perdidas

La historia nos presenta a Gray Alys (Jovovich), una hechicera temida y perseguida que se alía con Boyce (Bautista), un guerrero sin muchos miramientos, para encontrar a Sardor, un hombre lobo cuyo poder podría cambiar el destino de su mundo. Por supuesto, la misión no será fácil: criaturas de pesadilla, trampas mortales y dilemas morales marcarán su viaje.

Detrás de las cámaras está Paul W. S. Anderson, veterano en esto de la acción y la ciencia ficción tras su trabajo en la saga Resident Evil (donde también dirigió a Jovovich). El estilo visual característico del director está ahí, para bien o para mal: mucha atmósfera, algo de caos, y un ritmo acelerado que no deja respirar.

In the Lost Lands

Eso sí, lo que prometía ser un regreso triunfal de Jovovich a la ciencia ficción terminó siendo más bien una tormenta perfecta de expectativas rotas y guion confuso. De ahí que la crítica lo calificara como “un sinsentido visual que desperdicia el material de Martin”.

Nuevos proyectos para Jovovich, ciencia ficción a raudales

A pesar de este traspié en taquilla, Milla Jovovich no tiene intención de bajarse del tren fantástico y sci-fi. La actriz tiene entre manos varios proyectos que pintan igual de intensos (y quizás más afinados en ejecución).

Por un lado está Midnight, un thriller de acción dirigido por Brad Anderson (El maquinista), donde compartirá pantalla con Alexandra Shipp y Rosario Dawson. También en camino está World Breaker, otra propuesta de ciencia ficción que promete jugar con las reglas del género.

Y por si fuera poco, Jovovich encabezará el reparto de Twilight of the Dead, la esperada conclusión de la saga zombi de George A. Romero, que será también dirigida por Anderson. Betty Gabriel, a quien recordarás por Déjame salir, será parte del elenco.

In the Lost Lands

Ninguna de estas producciones tiene aún fecha de estreno, pero todo apunta a que 2026 será otro año repleto de acción, criaturas extrañas y mundos alternativos para la reina del apocalipsis.

In the Lost Lands es uno de esos casos raros en los que el boca a boca digital rescata un fracaso cinematográfico. Puede que no sea la obra maestra que muchos esperaban al ver el nombre de Martin en los créditos, pero su estética, su premisa salvaje y el carisma de su pareja protagonista han conseguido enganchar al público de streaming que buscaba una aventura distinta.

Y si lo tuyo son los mundos arrasados, las brujas que no se andan con tonterías y los antihéroes musculosos con cicatrices de guerra, dale una oportunidad. Puede que no te cambie la vida, pero al menos no te aburrirás.

¿Te atreves a entrar en las Tierras Perdidas?

En el nuevo cómic de Absolute Batman, Killer Croc se transforma en una auténtica bestia

El icónico villano de Gotham sufre un rediseño brutal y aterrador que lo acerca más a un monstruo salido de Alien que a un cocodrilo humano

Killer Croc ya no es solo una amenaza reptiliana. En Absolute Batman #10, la serie de DC escrita por Scott Snyder y dibujada por Nick Dragotta, asistimos a la transformación más inquietante de Waylon Jones hasta la fecha. Una versión totalmente renovada —y perturbadora— que promete ponerle los pelos de punta incluso al Caballero Oscuro.

El nuevo Killer Croc, más monstruo que humano

Olvídate del aspecto clásico de Killer Croc, con escamas verdes y fuerza bruta. Lo que vemos ahora es un ser nacido del horror genético: una cabeza alargada y deformada, mandíbulas que parecen no terminar nunca y una presencia que recuerda más a la criatura híbrida de Alien 3 que a cualquier versión anterior del personaje. Según el cómic, esta mutación ha sido provocada por experimentos genéticos en el misterioso Ark M, el nuevo epicentro del horror en Gotham.

Las viñetas, cargadas de tensión y sombras, presentan un Killer Croc completamente rediseñado, como si su humanidad se hubiera desvanecido bajo capas de monstruosidad. La portada de Absolute Batman #12, que ya ha sido revelada, muestra a la criatura semioculta bajo el agua, dejando entrever un diseño grotesco e impactante que hace justicia al tono oscuro y salvaje que ha adoptado esta línea editorial.

El regreso del terror físico y psicológico

Pero no solo Croc sufre los horrores de Ark M. Bruce Wayne, atrapado en sus entrañas, deberá enfrentarse no solo a su viejo amigo deformado, sino a una amenaza aún más devastadora: el renacimiento de Bane. Snyder ha preparado el camino para un arco narrativo que explora tanto la brutalidad física como la tortura psicológica, llevando a Batman a sus límites más extremos.

En Absolute Batman #11, programado para el 13 de agosto de 2025, conoceremos el origen definitivo de Bane, una historia que promete conectar los hilos más oscuros del personaje y revelar su vínculo con esta nueva etapa de mutaciones y locura. Y en Absolute Batman #12, previsto para septiembre, presenciaremos el choque definitivo entre el Hombre Murciélago y una fuerza que podría acabar con su cuerpo… o con su mente.

Ark M, el infierno gótico de Gotham

Lo más inquietante es que este arco narrativo no solo reimagina a los villanos, sino que transforma completamente el escenario. Ark M —una versión retorcida de Arkham— se convierte en un laboratorio de pesadillas, donde las mutaciones y el terror genético parecen el pan de cada día. Es un Gotham aún más grotesco, distorsionado y peligroso.

Absolute Batman

Este rediseño de Killer Croc no es solo estético, es simbólico. Representa el descenso a los infiernos de la identidad humana, donde la genética, el poder y la desesperación se mezclan para crear monstruos. Y si Croc es ahora el primer paso… ¿qué más nos espera en los próximos números?

Killer Croc en Absolute Batman

Killer Croc, uno de los villanos más antiguos del universo Batman, ha tenido muchas encarnaciones a lo largo de los años. Desde su debut en los cómics en los años 80, ha sido retratado como un criminal con una condición médica extrema —epidermólisis bullosa congénita en algunas versiones— que lo vuelve más animal que humano. Pero con el paso del tiempo, DC ha jugado con su diseño, oscilando entre lo trágico y lo monstruoso.

Sin embargo, este rediseño en Absolute Batman lleva esa monstruosidad a un nuevo nivel, alejándose del mero aspecto de lagarto y apostando por una estética de horror biológico que encajaría perfectamente en una película de ciencia ficción distópica. Es una elección artística y narrativa que refuerza el tono maduro y extremo de esta línea, pensada para lectores que buscan algo más que superhéroes en mallas.

Absolute Batman

Y todo ello bajo la batuta de Scott Snyder, un nombre que ya es sinónimo de oscuridad, reinvención y profundidad psicológica en el mundo de Batman. Tras su paso por títulos como Batman: El Tribunal de los Búhos o Dark Nights: Metal, Snyder se ha ganado la reputación de no tener miedo a romper con lo establecido.

¿Será este Killer Croc el villano definitivo en esta etapa de Absolute Batman? ¿O simplemente un preludio a horrores aún mayores? Lo descubriremos este miércoles, cuando llegue a las tiendas Absolute Batman #10. Si eres de los que se atreven con lo más salvaje de Gotham, prepárate para una transformación que no olvidarás fácilmente.

Fuji TV se rinde al poder del anime, el productor de Dragon Ball lidera el cambio

Dragon Ball Daima

Una reestructuración en la cadena japonesa apuesta por lo seguro, el anime sustituirá al drama en horario estelar

Durante décadas, los martes por la noche en Fuji TV eran territorio de dramas de ficción real. Pero eso está a punto de cambiar radicalmente. Kenji Shimizu, productor de Dragon Ball y nuevo presidente de la cadena, ha decidido dar un golpe sobre la mesa: fuera dramas, dentro anime. Y no es solo una cuestión de gustos personales, sino de supervivencia financiera.

La decisión llega tras un año fiscal desastroso para Fuji Media Holdings, que cerró marzo de 2025 con una pérdida neta de 20.134 millones de yenes (unos 136,9 millones de dólares). Mientras los dramas perdían audiencia y patrocinadores huían del barco, el anime no solo resistía… ¡crecía! Las ventas del departamento de anime subieron un 54,6 %, generando más de 6.156 millones de yenes (aproximadamente 41,8 millones de dólares).

El anime como salvavidas para Fuji TV

“Si un anime se convierte en éxito, sus beneficios están a otro nivel respecto a cualquier drama o programa de variedades”, explicaba una fuente interna de la cadena a Sponichi Annex. No se trata solo de lo que se emite: películas, figuras, merchandising, videojuegos, música… Todo entra en el universo de ingresos que puede generar una buena serie animada.

Y en eso, Fuji TV tiene experiencia: hablamos de la casa de One Piece, Sazae-san y Kimetsu no Yaiba. Ahora, con esta nueva dirección, se consolida aún más esa apuesta. La cadena eliminará su bloque de dramas nocturnos “Ka-Dora ☆ Eleven” para dejar paso al anime en esa franja de las 23:00, una hora clave que también mejorará la visibilidad del bloque Noitamina, especializado en títulos alternativos.

Nace la “Oficina de Anime e IP”: un cambio estructural con ambición global

La transformación no es solo de programación, sino también organizativa. Desde el 10 de julio, el departamento de anime ha dejado de compartir espacio con drama y variedades y se ha convertido en una división propia: la nueva “IP & Anime Business Bureau”. No solo tiene más independencia, sino también más personal y más presupuesto.

Este movimiento forma parte de una estrategia de negocio basada en propiedades intelectuales, donde el anime no solo se ve como entretenimiento, sino como un eje comercial internacional. La animación japonesa tiene menos barreras para llegar al extranjero, y eso se traduce en ventas, eventos y acuerdos en todo el mundo.

Fuji TV se rinde al poder del anime, el productor de Dragon Ball lidera el cambio

Escándalos y dimisiones, la tormenta previa al cambio

Pero el impulso de esta transformación no viene solo del balance financiero. Un escándalo sacudió la cadena en 2024, cuando se revelaron acusaciones de agresión contra Masahiro Nakai, exintegrante de un popular grupo musical y rostro habitual en televisión. El caso acabó con un acuerdo extrajudicial millonario —alrededor de 90 millones de yenes, unos 612.000 dólares— y la retirada pública del presentador.

El daño a la reputación de la cadena fue tal que el presidente Koichi Minato y el presidente del consejo presentaron su dimisión. Shimizu, con perfil bajo pero trayectoria impecable en el mundo del anime, asumió el mando en enero de 2025 con una clara misión: reconstruir Fuji TV desde sus cimientos, y hacerlo apostando por lo que mejor saben hacer.

¿Qué significa esto para Dragon Ball y otros animes?

Aunque no se ha anunciado una nueva serie concreta en este bloque de martes, la implicación de Shimizu augura movimientos importantes. Si alguien sabe cómo sacar partido a una franquicia longeva y aún con tirón como Dragon Ball, es él. De hecho, Dragon Ball Daima ya anticipó en su presentación que el futuro de Goku y compañía no está ni cerca de terminar.

Fuji TV se rinde al poder del anime, el productor de Dragon Ball lidera el cambio

Además, en paralelo, el autor del manga Dragon Ball Super, Toyotarou, ha expresado su interés en explorar más al “hijo menos querido” de Goku: Goten. Con el foco empresarial puesto en los personajes clásicos y secundarios, podríamos ver nuevas adaptaciones o spin-offs que aprovechen este impulso renovador.

En resumen, Fuji TV no está solo actualizando su parrilla; está reconstruyendo su identidad. Y si la historia del anime en televisión nos ha enseñado algo, es que cuando los japoneses apuestan fuerte por la animación, el mundo entero termina viendo los frutos. Lo que comenzó con Goku volando sobre una nube podría ahora salvar a toda una cadena. Y si eso no es el poder del anime, no sabemos qué lo es.

Mundodisco vuelve con fuerza… en viñetas, así serán las nuevas novelas gráficas del universo de Terry Pratchett

El universo fantástico de Pratchett da el salto al cómic con tres adaptaciones inesperadas, y su hija Rhianna se suma al proyecto

¿Por qué empezar por el final cuando puedes empezar por lo mejor? Esa parece ser la filosofía que impulsa la llegada del Discworld Graphic Novel Universe, una nueva y ambiciosa etapa para los fans de Mundodisco que ahora podrán redescubrir sus historias favoritas… en forma de novela gráfica.

La primera adaptación será Thief of Time (Ladrón del Tiempo), que llegará el 2 de abril de 2026, de la mano del guionista Gary Chudleigh y con ilustraciones de Rachel Stott. Le seguirá Monstrous Regiment (Regimiento Monstruoso) en otoño y The Wee Free Men (Los pequeños hombres libres) a comienzos de 2027, esta última escrita por Rhianna Pratchett, hija del legendario autor.

Expansión del universo de Mundodisco en novela gráfica

¿Y por qué no empezar por el principio? Con más de 40 libros en su haber, sería lógico iniciar por los orígenes del Mundodisco… pero la lógica no siempre es lo que mejor describe el mundo de Pratchett. Tal como lo expresa el propio equipo detrás de estas nuevas adaptaciones, se declaran “firmes defensores de empezar por el lugar equivocado”. Porque, en el fondo, Discworld nunca fue una saga al uso.

Cada novela de Mundodisco puede disfrutarse por separado, y aunque muchos personajes, tramas y lugares se cruzan, la esencia de Pratchett está en su capacidad para reinventarse en cada libro. Así que empezar por títulos más maduros, publicados a partir del año 2000, tiene mucho sentido: el mundo ya está más construido, los personajes más definidos y el tono, más profundo.

Empezar con Thief of Time (libro nº 26 en la saga) es apostar fuerte. En ella, Death —la Muerte, uno de los personajes más queridos— es el narrador. Y en Monstrous Regiment aparece la siempre carismática Guardia de Ankh-Morpork. The Wee Free Men, por su parte, marca el inicio de las aventuras de Tiffany Aching, una de las protagonistas más queridas de los libros juveniles del autor.

Rhianna Pratchett, heredera del legado y voz propia

Si hay alguien capacitada para adaptar a su padre, es ella. Rhianna Pratchett no solo conoce de memoria el universo de Discworld; lo ha vivido desde pequeña. Sobre The Wee Free Men, confiesa:

“Me encanta adaptar Los pequeños hombres libres, uno de mis libros favoritos de mi padre. Crecí en Wiltshire, en la ‘Chalk Country’ de Inglaterra, y tuve una abuela pastora, así que es un libro muy personal para mí”.

Mundodisco

Rhianna también escribió Tiffany Aching’s Guide to Being a Witch (2023), una especie de manual mágico de estilo muy Pratchett, así que el proyecto está en buenas manos.

Y es que si algo dejó claro The Watch, la controvertida serie de la BBC inspirada vagamente en Discworld, es que alejarse demasiado del espíritu original puede alienar incluso a los más fieles. Por eso, esta vez el control creativo recae directamente en el Estate de Pratchett, que promete respeto absoluto por la obra.

Un nuevo comienzo, con la vista en el futuro

Aunque sorprenda el orden elegido, la lógica detrás es clara: introducir nuevos lectores a través de obras autoconclusivas, potentes y actuales, que al mismo tiempo sirvan de entrada a sagas más grandes. Tiffany Aching protagoniza cinco novelas; la Guardia tiene su propia serie de libros; y Death… bueno, Death es simplemente inmortal.

Mundodisco vuelve con fuerza... en viñetas, así serán las nuevas novelas gráficas del universo de Terry Pratchett

El equipo ya ha dejado caer que habrá más adaptaciones en el horizonte. Pero lo mejor es que los fans podrán ayudar a decidir cuáles serán las próximas. En su comunicado, el Estate lanza la pregunta: “¿Y después, cuál os gustaría ver?”

Además, han prometido “abrir las puertas del proceso creativo”, con entrevistas, avances y contenidos exclusivos para lectores y lectoras. Porque, como decía Terry:

“Leer es para todos”.

Y ahora, Discworld también será para quienes aman el cómic.

Descubre todos los Clayface que han aterrorizado Gotham y por qué uno tendrá su propia película

Clayface

Clayface ha tenido ocho encarnaciones distintas, una misma pesadilla para Batman y ahora, una nueva oportunidad en el cine de la mano del terror

Descubre todos los Clayface que han aterrorizado Gotham y por qué uno tendrá su propia película

No todos los villanos de Batman llevan traje y risa psicótica. Algunos se derriten. Literalmente. Clayface ha sido durante décadas una anomalía monstruosa en el universo del Caballero Oscuro. Un enemigo que cambia de forma, derrite lo que toca y encierra tras su fachada de barro historias de dolor, venganza y ciencia descontrolada. Y sí, ha habido muchos Clayface. Pero lo más interesante no es solo su legado en los cómics, sino el futuro que le espera: James Gunn ha dado luz verde a una película de Clayface dentro del nuevo Universo DC, con el terror como protagonista.

El monstruo más trágico de Gotham

Basil Karlo fue el primero. Actor frustrado, se inspiró en uno de sus papeles de villano para asesinar al elenco de una película que reversionaba una cinta suya. Al principio solo llevaba una máscara, pero más adelante adquirió poderes moldeables gracias al ADN de otros Clayface. Así, pasó de criminal de serie B a uno de los enemigos más inestables y peligrosos de Batman, incluso formando su propia versión del Escuadrón Suicida: el Mud Pack.

Matt Hagen fue el primero con poderes reales. Explorador y codicioso, se sumergió en una piscina radiactiva que le otorgó un cuerpo de arcilla capaz de imitar cualquier forma. Sin embargo, sus habilidades eran temporales y necesitaba renovarlas periódicamente. Fue uno de los Clayface más icónicos de la Edad de Plata, aunque acabó eliminado durante Crisis en Tierras Infinitas.

Versiones cada vez más oscuras

El Clayface de la serie animada de los 90 mezcló elementos de Karlo y Hagen. Aquí, Hagen es un actor que usa una crema experimental para mantenerse joven hasta que un empresario despiadado, Roland Daggett, lo transforma en un ser deforme y moldeable. Esta versión es la favorita de Flanagan para su película, por su carga de drama humano, horror corporal y crítica al capitalismo salvaje.

Preston Payne, el tercero, es quizás el más trágico. Científico de S.T.A.R. Labs que intentó curar una enfermedad hormonal usando ADN de Hagen. El resultado fue una piel corrosiva, que solo podía contener con una exoarmadura. Su historia roza el horror corporal más puro, y su desesperación lo llevó a enamorarse de otra Clayface: Sondra Fuller, conocida como Lady Clay. Ella, gracias a experimentos de Kobra, podía imitar no solo la apariencia, sino también los poderes de quien copiara.

De esa extraña unión nació Cassius Payne, el único Clayface nacido con los poderes de forma natural. Su cuerpo puede dividirse en partes autónomas llamadas Claythings, aunque usar sus habilidades le produce un gran sufrimiento. Una mezcla de superpoder, maldición y legado genético difícil de superar.

Clayface en clave slasher, espionaje y redención

También están los menos conocidos, pero no por ello menos inquietantes:

  • Peter Malley, un científico fusionado con uno de los Claythings, que acabó congelado tras perder el control.
  • Todd Russell, posiblemente el más siniestro, un asesino que usaba su habilidad para camuflarse entre prostitutas y matarlas. Su historia roza el terror psicológico, con tintes de thriller militar y experimentación gubernamental.
  • Johnny Williams, el bombero convertido en monstruo por culpa de Hush. Tras infectar incluso a Alfred, encontró la redención ayudando a Batman… antes de morir en el intento.
Descubre todos los Clayface que han aterrorizado Gotham y por qué uno tendrá su propia película

Clayface llega al cine con sabor a terror

Todo este cóctel de barro, tragedia y terror ha llamado la atención de los responsables del nuevo DCU. En diciembre de 2024, DC Studios confirmó oficialmente una película de Clayface, con guion de Mike Flanagan. Aunque por ahora solo está vinculado al libreto (sus compromisos con El Exorcista y Carrie le impiden dirigirla), ya se sabe que James Watkins (Speak No Evil) será el director y Hossein Amini (Drive) está reescribiendo el guion.

La idea es clara: crear una película de terror con el alma trágica del Clayface animado de los 90, en la que un actor desfigurado se convierte en adicto a un producto químico capaz de moldear su rostro, hasta perder el control. Daggett, un villano empresarial clásico de Batman, jugará un papel clave como el hombre que lo empuja al abismo.

¿Villano o antihéroe?

Con la promesa de explorar nuevas esquinas del universo DC a través de distintos géneros, Clayface se perfila como el Joker del terror corporal. Un personaje que puede adaptarse a una historia de redención, de venganza o directamente a una pesadilla gótica al estilo El hombre elefante o La mosca.

Descubre todos los Clayface que han aterrorizado Gotham y por qué uno tendrá su propia película

El casting aún está en marcha, pero si el proyecto se mantiene fiel a su enfoque dramático y monstruoso, podríamos tener una de las películas más originales del nuevo DCU, algo que los fans llevan años pidiendo.

Los mejores cómics de Superman en el espacio exterior

Superman

Desde Krypton hasta los rincones más oscuros del universo, Superman ha vivido sus aventuras más alucinantes muy lejos de la Tierra

Los mejores cómics de Superman en el espacio exterior

Cuando pensamos en Superman, solemos imaginarlo sobrevolando Metrópolis, salvando aviones o luchando contra Lex Luthor. Pero no hay que olvidar que Kal-El es un ser del espacio, y eso ha permitido que algunos de sus cómics más épicos nos lleven a recorrer galaxias, dimensiones alternativas y planetas que harían temblar hasta al más valiente de los Green Lanterns. En esta lista, viajamos con el Último Hijo de Krypton para repasar las 10 historias más impactantes de Superman ambientadas en el espacio. Y ojo, porque hay desde combates en Warworld hasta versiones donde es criado por Darkseid. Ponte el traje y abróchate el cinturón… que despegamos.

El gladiador de Warworld – “Warworld Saga”

La joya de la corona moderna. En esta brutal saga, Superman se convierte en un esclavo en Warworld, el planeta regido por Mongul. Obligado a luchar en la arena, Clark forma una alianza con prisioneros alienígenas mientras su hijo Jon Kent intenta mantener viva la esperanza en la Tierra. Una historia cargada de acción, filosofía y legado, con ilustraciones que te dejarán sin aliento.

Krypton contado como nunca – “World of Krypton” (Vol. 2)

John Byrne y Mike Mignola redefinieron el pasado de Krypton en esta miniserie esencial. Olvídate de versiones inconsistentes del planeta natal de Superman: aquí se detalla el origen, auge y caída de Krypton con una profundidad que marcó época. Un must para cualquier fan que quiera entender al Superman post-Crisis en Tierras Infinitas.

¿Y si los Kent enviaran a Clark a Krypton? – “Superman: Last Son of Earth”

Uno de los Elseworlds más originales: Jonathan Kent lanza a su hijo al espacio… ¡pero hacia Krypton! Allí es adoptado por Jor-El y Lara, y más tarde recibe un anillo de Green Lantern. Una versión invertida de la leyenda de Superman que sorprende y emociona por igual.

El exilio del héroe – “Exile”

En una etapa muy introspectiva, Superman se siente incapaz de controlar su violencia y decide abandonar la Tierra. Lo que sigue es una odisea galáctica con enfrentamientos contra Brainiac, Mongul y el Eradicator, todo mientras el Hombre de Acero lucha por reencontrar su humanidad en las estrellas.

Un viaje que cambia todo – “Superman: Lost”

Christopher Priest nos presenta una historia melancólica donde Clark queda atrapado en el tiempo y el espacio durante décadas. Mientras recorre el universo, en la Tierra apenas pasan días. El reencuentro con Lois Lane es tan emotivo como todo lo vivido por Kal-El en su travesía cósmica.

Los mejores cómics de Superman en el espacio exterior

Superman vs H’El – “Krypton Returns”

Durante el controvertido período de The New 52, este arco llevó a Superman, Superboy y Supergirl de regreso a Krypton para enfrentar a H’El, un villano obsesionado con salvar el planeta. Aunque divisiva, esta historia supo mezclar acción, emoción y viajes temporales en un cóctel explosivo.

El Superman de Apokolips – “The Dark Side”

¿Qué pasaría si la cápsula de Kal-El hubiera aterrizado en Apokolips en lugar de la Tierra? Aquí, Darkseid y Granny Goodness crían a Superman como un arma. Sin los valores de los Kent, Clark se convierte en el verdugo del universo. Una distopía visualmente poderosa que inspiró más de una historia animada.

Vuelta a Krypton en la Edad de Plata – “Superman #141”

Un clásico de 1960: El hombre de acero viaja atrás en el tiempo para vivir unos días con sus padres biológicos, Jor-El y Lara. Allí conoce el amor, siente el hogar… pero todo es efímero. Una historia entrañable y dolorosa, precursora de relatos como Para el hombre que lo tiene todo.

La misión imposible – “Superman: Up in the Sky”

Tom King nos regala una epopeya minimalista donde Superman atraviesa el cosmos para rescatar a una niña secuestrada. Más allá de la acción, lo que brilla aquí es el dilema moral y emocional del héroe, dispuesto a dejarlo todo para salvar una sola vida.

Los mejores cómics de Superman en el espacio exterior

Krypton contra la Tierra – “Last Stand on New Krypton” & “War of the Supermen”

Tras liberar Kandor, El hombre de acero se ve atrapado entre dos mundos enfrentados: los kryptonianos y los humanos. Las tensiones explotan en una guerra interplanetaria donde cada decisión pone en jaque el equilibrio entre dos civilizaciones con demasiado poder.

Descubre los Super Saiyan 3 más poderosos de Dragon Ball

Super Saiyan 3

El Super Saiyan 3 sigue siendo la transformación más exagerada de Dragon Ball dejando momentos memorables, aunque no todos los usuarios de este poder brillan igual

Descubre los Super Saiyan 3 más poderosos de Dragon Ball

Cuando Goku se plantó ante Majin Buu con una melena dorada que llegaba a sus tobillos y sin cejas, el fandom de Dragon Ball Z supo que el Super Saiyan 3 no era una transformación cualquiera. Más allá de lo estético, esta forma supuso una barrera que muy pocos personajes han cruzado en la historia del anime… y muchos menos en el canon oficial. Sin embargo, gracias a los videojuegos y spin-offs como Dragon Ball Heroes o Dragon Ball DAIMA, el catálogo de usuarios de Super Saiyan 3 se ha disparado, dejándonos versiones brutales, locas y algunas francamente ridículas de esta forma.

El payaso con poder descomunal

Aunque fusionar a Goten y Trunks en Dragon Ball Z fue una jugada maestra, su versión Super Saiyan 3 nunca cumplió del todo su potencial. A nivel técnico, fue el segundo personaje canon en alcanzar esta transformación, pero su arrogancia y tendencia a convertir todo en una broma redujeron su impacto real. Eso sí, ataques como el Super Ghost Kamikaze siguen siendo legendarios. Lamentablemente, en Dragon Ball Super, ni se acercan a este nivel.

El imitador inesperado

En Dragon Ball DAIMA, el simpático Majin Duu “copia” el estilo de Goku al transformarse en una especie de Super Saiyan 3. Aunque su versión es más estética que real, el personaje aumenta su poder considerablemente tras esta imitación. No es un verdadero Saiyan, pero se gana su lugar en esta lista por carisma y por su inesperado giro en la historia.

El padre que nunca se rinde

En los videojuegos como Xenoverse y Heroes, Bardock, el padre de Goku alcanza Super Saiyan 3 tras enfrentarse al demoníaco Mira. Su combate es tan brutal que se especula que muere por el exceso de poder… o escapa del Time Rift como un auténtico héroe. Es una muestra de cómo un personaje secundario puede brillar cuando se le da una buena narrativa.

Espada, honor y una super melena

En Super Dragon Ball Heroes, Trunks del futuro se convierte en Super Saiyan 3, aunque ya tenía su forma Rage en Super. Con su espada y su energía inquebrantable, ofrece un diseño impresionante, aunque su impacto en combate es menor al de otros usuarios de esta forma. Una gran idea, pero que no se termina de aprovechar.

Lo que podría haber sido

Aunque Dragon Ball Super lo ha llevado por la senda de Gohan Beast, los fans no olvidan la versión de Gohan Super Saiyan 3 que aparece en Heroes. Entrenado por Piccolo, con su clásico traje morado y ataques como el Hyper Masenko, esta versión alternativa muestra lo que Gohan podría haber alcanzado si no se hubiera retirado de la lucha tan joven.

Descubre los Super Saiyan 3 más poderosos de Dragon Ball

Ultra Vegeta 1

Sí, por fin pasó. En DAIMA, el príncipe Saiyan se transforma en Super Saiyan 3… ¡en versión mini! Vegeta demuestra que no necesita cejas para aplastar a sus enemigos con actitud y orgullo, y se burla de la forma llamándola “Ultra Vegeta 1”. Aunque su poder es inmenso, al desarrollarse en un contexto pre-Super, queda por detrás de otros en términos de impacto global.

El pionero

No podía faltar. Goku fue el primero, el que marcó el estándar. Su transformación en el Otro Mundo ante Majin Buu dejó a todos con la boca abierta, temblando el planeta con su poder. A pesar de que después la dejó de lado por formas divinas, sigue siendo uno de los mejores usuarios de esta forma, especialmente en sus regresos puntuales durante Super y DAIMA.

El saiyan salvaje

Cumber, el saiyan ancestral exclusivo de Dragon Ball Heroes, es pura furia. Su versión Super Saiyan 3 y la posterior Full Power lo hacen capaz de luchar contra Jiren y Toppo con resultados muy igualados. Su energía descontrolada y su brutalidad le dan un aura de amenaza constante, parecida a la de Broly clásico.

La leyenda reimaginada

Hablando de Broly… en videojuegos como Raging Blast, sobrevive tras estrellarse contra el sol (sí, eso dicen) y resurge con una transformación Super Saiyan 3 que rompe todas las escalas de poder. Aunque no es canon, su presencia en varios juegos lo convierte en uno de los guerreros más devastadores con esta forma.

Descubre los Super Saiyan 3 más poderosos de Dragon Ball

El combo definitivo

Y en la cima del poder… los fusionados. Tanto Vegito como Gogeta alcanzan Super Saiyan 3 en Dragon Ball Heroes, y como era de esperar, destrozan cualquier comparación posible. Vegito incluso mejora su Espada Espiritual con el ataque Spirit Excalibur, y Gogeta coquetea con el Kaio-Ken en SSJ4. Ningún otro personaje combina tanta técnica, energía y sincronía como estos dos.

Los cómics más raros de la Liga de la Justicia en la Edad de Plata

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Cómics de viajes multiversales, espejos deformantes y villanos que subastan héroes… Bienvenido a la era más surrealista de la Liga de la Justicia

Los cómics más raros de la Liga de la Justicia en la Edad de Plata

Cuando piensas en la Liga de la Justicia, probablemente imaginas combates épicos contra Darkseid, equipos de héroes con trajes imponentes y discursos llenos de esperanza. Pero si retrocedemos unas décadas, específicamente a los años 60, te toparás con una versión mucho más loca, inocente y extrañamente entrañable de nuestros héroes favoritos. Esta es la historia de los cómics más raros —y maravillosos— de la Liga durante la Edad de Plata de DC Comics.

Cuando el crimen tenía su propia casa de subastas

En Justice League of America #8 (1962), un villano con un rayo mental convierte a Green Lantern y luego al resto del equipo en marionetas controlables, y en lugar de conquistar el mundo… ¡los subasta al mejor postor entre criminales! Un concepto digno de una parodia, pero que en su época se tomó muy en serio. Sí, alguien intentó comprar a Superman como si fuera una cafetera vintage.

La Liga atrapada en un parque de atracciones galáctico

En Justice League of America #7 (1961), los héroes acaban prisioneros en un casa de espejos interdimensional donde sus cuerpos se deforman cómicamente. Green Arrow no podía ni tensar su arco por los hombros mutantes que le tocaron. ¿El responsable de salvar el día? Aquaman, por supuesto. Porque cuando el universo entero falla, siempre puedes contar con un señor que habla con peces.

Un origen con sabor a árbol

La primera historia que contó cómo se formó la Liga (Justice League of America #9, 1962) no tenía ni rastro de Darkseid ni invasiones épicas. En su lugar, los héroes se unieron para derrotar a un alienígena que quería convertirlos en árboles parlantes. Y sí, funcionó como excusa para que todos lucharan juntos… y echaran raíces.

Black Canary se une al equipo… y llegan los demonios

Cuando Black Canary se unió al equipo en Justice League of America #75 (1969), uno esperaría un arco emocional o una bienvenida por todo lo alto. Pero no. Lo que obtuvimos fue una batalla contra versiones demoníacas de la propia Liga. La pobre Dinah apenas tuvo tiempo de lucir su nueva chaqueta de cuero antes de que todo se volviera una locura infernal.

Flash… ¿como espectro cósmico?

En The Brave and the Bold #72 (1967), Barry Allen viaja a Tierra-2 porque sí, y acaba transformado en un ente fantasmal con poderes cósmicos, enfrentándose ni más ni menos que al mismísimo Espectro. Hoy eso sería un crossover galáctico con consecuencias cósmicas… pero en los 60 fue básicamente “un martes más”.

Una amenaza del futuro que leyó el diario de Wonder Woman

En The Brave and the Bold #29 (1960), Xotar, un villano del futuro, ataca a la Liga tras leer el diario personal de Wonder Woman, donde encontró detalles íntimos del equipo. Con esa información, los enfrenta con un robot gigante… y desaparece en la historia de DC para siempre. Quizá por no usar Google.

Los cómics más raros de la Liga de la Justicia en la Edad de Plata

Robin adulto con un disfraz a medio camino entre Batman y él mismo

En Justice League of America #55 (1967), Dick Grayson aparece como un Robin adulto en Tierra-2, intentando entrar en la Sociedad de la Justicia de América. Su traje mezcla lo peor del diseño de Batman y Robin, y el resultado es tan extraño como entrañable. Eso sí, este número ayudó a cimentar el multiverso que tanto explotaría DC en el futuro.

Una copia barata pero peligrosa del Anti-Monitor

Antes del temido Anti-Monitor, la Liga enfrentó a un villano llamado Anti-Matter Man en Justice League of America #46-47 (1966). Amenazaba con convertir el universo en anti-materia, pero a diferencia de su sucesor, no tuvo ni una pizca del carisma ni la épica. Vamos, que el nombre prometía más de lo que ofrecía.

El primer gran cruce con la Sociedad de la Justicia

El cómic Justice League of America #21-22 (1963) marcó uno de los momentos más extraños y revolucionarios de la época: el encuentro entre la Liga de la Justicia y la Sociedad de la Justicia en “Crisis on Earth-Two”. Un evento que, aunque parecía una rareza, sentó las bases del multiverso de DC que tantas veces explotaría más adelante.

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La llegada de la Tierra-3 y el Sindicato del Crimen

En Justice League of America #29-30 (1964), el equipo se enfrenta a sus dobles malvados del universo espejo, conocidos como el Sindicato del Crimen. Ultraman, Owlman y compañía eran caricaturas malvadas de los héroes, pero lo suficientemente memorables como para regresar en muchas historias futuras, incluyendo series animadas y películas.

Los videojuegos más difíciles de los 90 que rompieron mandos y corazones

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Hacemos un repaso nostálgico y frustrante por los videojuegos más imposibles de una década legendaria

Los videojuegos más difíciles de los 90 que rompieron mandos y corazones

Durante los años 90, muchos juegos no se andaban con chiquitas. Antes de los puntos de control infinitos, los tutoriales interactivos y las ayudas visuales, los videojuegos eran brutales, despiadados… y extrañamente adictivos. La dificultad no era un bug, era una característica. Si pasabas de nivel, era porque te lo habías ganado. Aquí repasamos los 10 juegos más difíciles de los 90, esos que convirtieron a más de un fan en un experto de la paciencia (o en un lanzador de mandos profesional).

Superman 64 (1999)

A primera vista parecía un sueño hecho realidad: jugar como Superman en una ciudad tridimensional. Pero bastaban unos minutos para darse cuenta de que era una pesadilla poligonal. Volar por aros era más difícil que derrotar a Doomsday, gracias a unos controles que respondían peor que un modem de 56k. Y si lograbas pasar esa parte (spoiler: casi nadie lo hacía), te esperaban misiones con un tiempo ajustadísimo y físicas de otro planeta… del malo.

Contra: Hard Corps (1994)

Este título de Konami para Sega Genesis hacía honor a su nombre. El ritmo frenético, los enemigos por todas partes y los jefes con patrones que cambiaban cada dos segundos creaban una coreografía de muerte espectacular. Aunque añadieron un nuevo movimiento de deslizamiento para ayudarte, lo cierto es que ni Neo en Matrix habría sobrevivido a tanto proyectil. Jugarlo en modo cooperativo no lo hacía más fácil, solo compartías la frustración.

Ghouls ‘n Ghosts (1988, pero con ports en los 90)

El pobre Arthur lo pasaba fatal. No solo tenía que luchar contra demonios en calzoncillos, sino que el juego te obligaba a pasártelo dos veces para ver el final verdadero. ¿Lo peor? No había función de guardado. Era todo o nada. Y casi siempre era nada.

El Rey León (1994)

Sí, tenía gráficos preciosos y música genial, pero era una trampa mortal disfrazada de juego infantil. Desde las lianas imposibles hasta los niveles con rayos letales, cada pantalla parecía diseñada por Scar para asegurarse de que Simba no volviera jamás. Muchos niños terminaron odiando su película favorita por culpa de este juego.

Battletoads (1991)

Si eras valiente, jugabas solo. Si eras temerario, jugabas en cooperativo. Pero ojo: podías golpear a tu compañero accidentalmente y tirarlo al vacío. Eso, sumado a niveles de scroll automático a velocidades absurdas y enemigos que te hacían la vida imposible, lo convertía en un entrenamiento para la élite gamer. O para el manicomio.

Comix Zone (1995)

Con un estilo visual rompedor, este beat ’em up de Sega te metía literalmente dentro de un cómic. El problema es que también te metía en la boca del lobo, con enemigos que aparecían por todos lados, un protagonista que no era precisamente Rambo y movimientos que exigían precisión quirúrgica. Su estilo molaba… hasta que te morías en la segunda viñeta.

Los videojuegos más difíciles de los 90 que rompieron mandos y corazones

Rayman (1995)

Al principio todo era bonito. Saltos suaves, enemigos simpáticos… hasta que el juego decidía tirarte por un acantilado de dificultad sin paracaídas. Saltos de fe, trampas milimétricas, enemigos que aparecían de la nada… y todo eso mientras intentabas calcular la física de un personaje flotante. Una delicia estética con alma de torturador.

Myst (1993)

Nada de tiros, nada de enemigos. Solo tú, una isla misteriosa y un millón de enigmas sin pistas. Myst era pura exploración y lógica… pero del tipo de lógica que haría llorar a Sherlock Holmes. Avanzar sin guía era como intentar montar un mueble sueco con las instrucciones en klingon. Pero cuando resolvías un puzle, la satisfacción era mística (literalmente).

Silver Surfer (1990)

Dicen que un gran poder conlleva una gran responsabilidad. En este caso, el poder de morir constantemente. Este shooter de desplazamiento era implacable con los reflejos y con la paciencia, y si no eras capaz de disparar y esquivar con precisión de ninja… prepárate para reiniciar. Cada toque era muerte instantánea, y mantenerse en la tabla era más difícil que derrotar a Galactus.

Los videojuegos más difíciles de los 90 que rompieron mandos y corazones

Ecco the Dolphin (1992)

¿Qué puede salir mal en un juego protagonizado por un delfín? Mucho. Muchísimo. Ecco tenía que salvar a sus amigos marinos tras un evento cósmico bizarro, pero para ello debía navegar por laberintos acuáticos, resolver puzles confusos y enfrentarse a enemigos alienígenas. Todo mientras gestionabas el oxígeno y te preguntabas: ¿por qué este juego para niños me odia tanto?

Las decisiones narrativas en Dragon Ball Z que siguen sacando de quicio a los fans

Dragon Ball Z

Ni los saiyans más poderosos pudieron salvar estos errores narrativos de Dragon Ball Z

Las decisiones narrativas en Dragon Ball Z que siguen sacando de quicio a los fans

Aunque Dragon Ball Z nos regaló momentos legendarios, combates épicos y transformaciones que marcaron la infancia de millones, lo cierto es que incluso esta joya del anime cometió errores imperdonables en su historia. Personajes desaprovechados, decisiones absurdas y arcos argumentales abandonados son solo algunas de las quejas más comunes entre los fans más fieles. Desde Raditz hasta Gohan, pasando por Yamcha y Videl, repasamos las 10 decisiones más decepcionantes que todavía duelen en el corazón de los seguidores de Dragon Ball Z.

El hermano de Goku que fue olvidado más rápido que Yamcha en un torneo

La llegada de Raditz al inicio de DBZ fue toda una bomba: el hermano perdido de Goku, un guerrero saiyan y un enemigo formidable. Pero esa promesa duró… ¿qué? ¿dos episodios? Raditz muere enseguida y no se vuelve a hablar de él en serio jamás. Ni siquiera cuando Goku empieza a abrazar su herencia saiyan en la saga de Cell.

Un Raditz redimido o al menos desarrollado habría aportado profundidad emocional y narrativa, especialmente a la relación entre Goku y Vegeta. Pero no. A la nevera intergaláctica se fue.

De protagonistas a figurantes sin diálogo

En Dragon Ball, estos tres eran parte del núcleo duro. Pero en Z, la cosa cambia brutalmente. Mueren rápido en la saga saiyan y, aunque reviven, quedan relegados a simples espectadores en las siguientes sagas. Tien aún tiene algún momento decente, pero Yamcha acaba siendo poco más que un chiste.

Y mientras Krilin sigue teniendo su hueco, es frustrante que los otros humanos del equipo no hayan tenido ni una sola oportunidad seria de brillar de nuevo.

El mejor amigo que Vegeta nunca lamentó

Otro que desapareció sin dejar huella emocional. Nappa fue compañero de batallas y probablemente el único saiyan que acompañó a Vegeta durante años, pero tras ser eliminado por él mismo, nunca se menciona su pérdida ni se insinúa remordimiento. Ni un flashback, ni una frase nostálgica.

Con el arco de redención de Vegeta, haber explorado esta relación habría sido oro puro.

Los niveles de poder en la saga de Freezer

Hasta Namek, las batallas seguían cierta lógica: estrategia, trabajo en equipo, y sí, poder. Pero con Freezer llegaron los millones de unidades de poder y todo se fue al garete. Cuando un personaje necesita multiplicar su poder por 100 solo para poder estar en el mismo plano que el villano, sabes que la escalada ha perdido el control.

Si nunca hubiesen dicho números concretos, el impacto habría sido mucho más creíble.

Las decisiones narrativas en Dragon Ball Z que siguen sacando de quicio a los fans

Goku roba el protagonismo a Gohan y Krilin en Namek

Durante la primera mitad de la saga de Freezer, Dragon Ball Z parecía querer contarnos la historia de unos héroes menores luchando contra imposibles. Pero entonces llega Goku y lo acapara todo. Sí, su transformación en Super Saiyan fue legendaria, pero el arco de Gohan y Krilin se diluyó sin justicia.

¿Yamcha infiel?

Una de las decisiones más absurdas de la saga de Cell fue revelar que Yamcha engañó a Bulma. ¿Perdón? ¿El mismo Yamcha que era demasiado tímido para hablar con chicas? Nunca se mostró nada que indicara una grieta en su relación… hasta que Toriyama decidió emparejar a Bulma con Vegeta.

Vale que Bulma y Vegeta molan juntos, pero el precio fue arruinar a Yamcha sin razón alguna.

Goku pierde el norte en la saga de Cell

Dejar que el Dr. Gero terminase a los androides solo por querer una buena pelea… Goku, colega, ¡¿qué te pasa?! Este momento marcó un antes y un después en cómo veíamos a nuestro héroe. Pasó de salvador del planeta a irresponsable con complejo de luchador de MMA.

La saga de Buu empezó con una serie nueva… que nunca vimos

Lo de Gohan como justiciero adolescente fue una brisa de aire fresco: Videl, el Gran Saiyaman, el instituto… Era divertido, diferente, prometedor. Pero duró menos que un Kamehameha en un torneo de barrio. Enseguida vuelve Goku, vuelven las peleas, y todo lo nuevo se va al traste.

De sucesor de Goku a comparsa sin arco

Durante la saga de Cell, Gohan alcanza su pico de desarrollo y poder, y parece claro que es el nuevo protagonista. Pero en la saga de Buu lo hacen de nuevo: le dan un power-up brutal, se vuelve engreído, se lo come Buu y se acabó el sueño. Vuelve Goku y se lleva el protagonismo por enésima vez.

Todo el crecimiento de Gohan se desinfla como una nube voladora pinchada.

Las decisiones narrativas en Dragon Ball Z que siguen sacando de quicio a los fans

De guerreras a esposas decorativas

Este punto es tan repetido como cierto: Bulma, Videl y Android 18 empiezan fuertes, pero luego quedan relegadas a roles de esposa/madre/figura cómica. ¿Qué pasó con Videl después de entrenar con Gohan? ¿Por qué 18 no participa en serio contra Buu? Chi-Chi directamente se convierte en un cliché de madre gritona.

Una serie con tanto poder no debería haber dejado de lado a personajes femeninos tan potentes.