Kylo Ren se convierte en Matt el técnico de radar… y ahora es canon en Star Wars

Kylo Ren

El sketch de SNL que hizo historia con el personaje de Kylo Ren ahora forma parte oficial del universo galáctico

Kylo Ren se convierte en Matt el técnico de radar… y ahora es canon en Star Wars

Pocas veces una parodia televisiva logra colarse en el canon de una saga tan icónica como Star Wars, pero eso es exactamente lo que ha pasado con uno de los momentos más hilarantes de Adam Driver. En Legacy of Vader #5, el cómic escrito por Charles Soule, se ha introducido un detalle tan peculiar como familiar para los fans: Kylo Ren se disfraza de manera sospechosamente parecida a Matt el técnico de radar, el personaje que interpretó Driver en un sketch de Saturday Night Live allá por 2016. Y sí, parece que ahora Matt es canon.

Kylo Ren y su versión más absurda ya comparten universo oficial

La historia del cómic nos lleva hasta Naboo, donde Kylo se infiltra con la intención de evaluar el nivel de resistencia de sus habitantes frente a la Primera Orden. Para ello, adopta una identidad falsa, paseándose entre la gente con unas gafas de cristal amarillo muy similares a las del sketch de SNL, donde se hacía pasar por “Matt” en una versión Star Wars de Undercover Boss.

Esta conexión visual no es sutil. De hecho, parece un guiño intencionado por parte del equipo creativo. Charles Soule, guionista habitual de Marvel y de varias series galácticas, ha demostrado en más de una ocasión que le encanta jugar con los límites del canon. En esta ocasión, parece que no solo lo ha hecho, sino que lo ha abrazado con fuerza.

Matt, el técnico que anticipó la crisis emocional de Kylo

En el famoso sketch, Kylo —como Matt— recorría las instalaciones de la Base Starkiller para saber qué pensaban realmente sus subordinados de él. Con frases como “Escuché que el Líder Supremo tenía un abdomen marcado en ocho partes”, o su torpeza fingida al blandir el sable láser, el personaje se convirtió rápidamente en uno de los favoritos de los fans.

En Legacy of Vader #5, vemos a un Kylo igual de incómodo en su rol de infiltrado, intentando ganarse la confianza de la resistencia naboo sin revelar quién es en realidad. De forma irónica, llega incluso a alentar a los lugareños a luchar contra la Primera Orden, adoptando el rol de líder rebelde… hasta que, claro, decide traicionar a todos y ejecutarlos uno por uno en una de las escenas más crudas del número.

Es ahí donde la comedia se transforma en tragedia: Kylo mata a quienes lo han seguido como si fueran simples piezas de ajedrez, tal como lo hacía Matt en SNL, aunque allí de forma caricaturesca. El paralelismo no puede ser más evidente.

Kylo Ren se convierte en Matt el técnico de radar… y ahora es canon en Star Wars

Una sátira convertida en tragedia

En el sketch, la oscuridad de Kylo se colaba entre los chistes. Una de las frases más memorables era cuando decía: “Escuchar que Zach perdió a su hijo me tocó una fibra sensible… especialmente porque fui yo quien lo mató”. En el cómic, esa misma dualidad entre identidad y traición se explora desde una óptica mucho más oscura, donde el disfraz de Matt no es solo una referencia graciosa, sino una máscara para su manipulación emocional.

Este juego de espejos entre comedia y tragedia convierte a Legacy of Vader en una obra con múltiples niveles de lectura. Por un lado, es una historia de espionaje y dominación imperial. Por otro, es un guiño meta a cómo la cultura popular —incluso la parodia— puede influir en el canon más serio.

Y hay que decirlo: ver cómo una broma de SNL se convierte en parte oficial de la narrativa galáctica es un regalo para los fans más atentos. Algo que, sin duda, celebrarán tanto los amantes del cómic como quienes siguen Star Wars desde el humor.

El legado de vader y la influencia de snl en el universo star wars

Más allá de la anécdota, esta conexión entre el cómic y el sketch de televisión refuerza la idea de que Star Wars siempre ha estado en diálogo con su audiencia. Desde que George Lucas lanzó la primera película en 1977, la saga ha generado miles de parodias, reinterpretaciones y homenajes, desde Padre de Familia hasta Robot Chicken. Pero que una parodia se incorpore al lore oficial es algo muy poco común.

Kylo Ren se convierte en Matt el técnico de radar… y ahora es canon en Star Wars

Charles Soule ya había demostrado su habilidad para jugar con estos elementos. Su trabajo en títulos como Darth Vader: Dark Lord of the Sith o Star Wars: Crimson Reign ha sido aplaudido precisamente por saber mezclar épica, introspección y referencias culturales contemporáneas. Con Legacy of Vader, se confirma que esa línea sigue viva, y que los autores están más conectados con los fans de lo que muchos creen.

El cómic también profundiza en la lucha interna de Kylo Ren por definirse lejos de la sombra de su padre y su abuelo. Su paso por Naboo, el planeta de su abuela Padmé Amidala, no es casual. Está cargado de simbolismo, y el hecho de que lo haga disfrazado, como si ni siquiera él mismo pudiera mirarse al espejo, añade otra capa de profundidad al personaje.

David Corenswet estuvo a punto de ser otro superhéroe… pero no en DC

Henry Cavill

Antes de enfundarse la capa roja, David Corenswet estuvo cerca de unirse al otro gran universo de superhéroes

Durante una divertida entrevista con BuzzFeed —acompañado de cachorros y preguntas sorpresivas— David Corenswet sorprendió al revelar que hizo una audición para el Universo Cinematográfico de Marvel. ¿El papel? Nada menos que Adam Warlock en Guardianes de la Galaxia Vol. 3.

“Adam Warlock, en [Guardianes de la Galaxia Vol. 3]”, confesó. “Creo que esa fue mi primera audición para el UCM“.

Finalmente, el rol fue para Will Poulter, pero el destino tenía reservado algo aún más icónico para Corenswet: Superman, el pilar del renovado universo de DC Studios liderado por James Gunn.

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La película, ya en cines siendo parte del DCU, ofrece un enfoque fresco del clásico personaje:

“Con su estilo característico, James Gunn se enfrenta al superhéroe original… presentando a un Superman impulsado por la compasión y una creencia innata en la bondad de la humanidad”.

Además de Corenswet como Clark Kent, el elenco incluye a Rachel Brosnahan, Isabela Merced, Nicholas Hoult y muchos más.

La AVT regresa en Vengadores: Doomsday y el Multiverso está al borde del colapso

Un video filtrado del set de Vengadores: Doomsday confirma el regreso de la Autoridad de Variación Temporal y anticipa una épica batalla multiversal

Una nueva filtración desde el set de Vengadores: Doomsday confirma algo que muchos fans esperaban: la película nos llevará nuevamente a la Autoridad de Variación Temporal (AVT), vista previamente en Loki y Deadpool y Lobezno.

La escena muestra lo que parece ser la entrada al Telar Temporal, lo que sugiere que Loki sigue luchando por mantener el Multiverso bajo control. Tom Hiddleston, quien regresa como Loki en Doomsday, podría asumir un rol clave similar al de el Hombre Molécula en los cómics de Secret Wars.

Además, se reveló un cambio detrás de cámaras: Robert Alonzo habría sido despedido como director de segunda unidad por diferencias creativas. Lo reemplaza James Young, colaborador previo de los hermanos Russo en Capitán América: El Soldado del Invierno.

El reparto incluye a estrellas del UCM, como Chris Hemsworth, Paul Rudd y Robert Downey Jr., además de nuevos fichajes como Pedro Pascal, Vanessa Kirby y varios miembros icónicos de los X-Men.

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Vengadores: Doomsday se estrenará el 18 de diciembre de 2026, seguido por Secret Wars en 2027.

Los mejores animes de comedia que te harán llorar de la risa

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Si necesitas una serie para desconectar y reírte a carcajadas, estos animes son justo lo que necesitas

Los mejores animes de comedia que te harán llorar de la risa

A veces, lo único que nos puede salvar de un mal día es una buena carcajada. Y el anime, con su capacidad para mezclar lo absurdo con lo adorable, lo bizarro con lo brillante, sabe perfectamente cómo hacer que se te caigan las lágrimas… pero de la risa. No importa si prefieres fantasía, ciencia ficción, romance o historias del día a día: la comedia en el anime siempre encuentra la forma de brillar. En este ranking no vamos a hablar de series con algún que otro momento gracioso. No. Aquí están las joyas del humor: títulos que viven por y para hacerte reír, que se ríen de sí mismos y del espectador.

Los mejores animes de comedia que tienes que ver

Asobi Asobase: Tres chicas, un club escolar absurdo y una comedia que roza lo surrealista. Hanako, Olivia y Kasumi no hacen absolutamente nada útil, pero lo hacen de forma tan estúpidamente divertida que es imposible apartar la vista. El humor físico, las expresiones exageradas y los diálogos absurdos convierten cada episodio en un desfile de tonterías gloriosas.

Uncle from Another World: ¿Qué pasa si un tío friki vuelve del coma asegurando que ha vivido en un mundo mágico? Pues que su sobrino lo graba para YouTube, claro. Una crítica hilarante al isekai tradicional, con un protagonista que prefiere hablar de SEGA que salvar mundos. Tan raro como entrañable.

The Disastrous Life of Saiki K.: Saiki tiene todos los poderes posibles… y lo único que quiere es pasar desapercibido. Pero claro, rodeado de personajes más tontos que un saco de ladrillos, eso es imposible. Una comedia de ritmo vertiginoso, repleta de parodias y situaciones absurdas. Ideal para maratonear.

La comedia se desata con lo paranormal, lo romántico y lo galáctico

Dandadan: Aliens, fantasmas, poderes sobrenaturales y… testículos robados. Sí, has leído bien. Esta serie combina la estética moderna con un humor irreverente y bizarro, protagonizado por una gyaru de armas tomar y un otaku bastante perdido. Cada episodio es un cóctel explosivo entre acción y carcajadas.

Los mejores animes de comedia que te harán llorar de la risa

KonoSuba: God’s Blessing on This Wonderful World!: Kazuma muere de forma ridícula y es enviado a un mundo de fantasía junto a una diosa más inútil que útil. Lo que podría haber sido un isekai cualquiera, se convierte en una sátira salvaje del género, con personajes que solo destacan por lo desastre que son. Risas aseguradas.

Ghost Stories : Este anime tenía una historia de fantasmas clásica… hasta que su doblaje americano lo convirtió en una comedia llena de referencias absurdas, chistes ofensivos y caos total. Verlo sin contexto es toda una experiencia. El mejor ejemplo de cómo un mal doblaje puede crear un anime de culto.

Romance, parodias y familias disfuncionales con mucho estilo

Gintama: ¿Samuráis, aliens, batallas épicas y parodias de todo lo que te puedas imaginar? Gintama es el rey del humor referencial, con personajes que no se toman nada en serio y momentos tan ridículos como geniales. Una serie larga, sí, pero que mejora con cada episodio.

Kaguya-sama: Love is War: Dos estudiantes brillantes están enamorados, pero ninguno quiere confesarlo primero. ¿Solución? Una guerra psicológica en la que cada gesto se convierte en una batalla de ingenio. Divertida, exagerada y con una narrativa casi bélica del romance adolescente. Una delicia cómica.

Spy x Family: Una familia falsa formada por un espía, una asesina y una niña telépata. ¿Qué puede salir mal? Todo. Pero de la forma más adorable y graciosa posible. Anya, con sus caras y metidas de pata, se ha convertido en un icono del humor moderno en anime. Ideal para ver en familia… aunque no sea tan normal como la tuya.

Space Dandy: Un cazarrecompensas con tupé y estilo se lanza al espacio con su robot y su gato alienígena. Cada capítulo tiene una estética distinta, una historia sin sentido y un humor ácido que recuerda a Cowboy Bebop pero pasado por el filtro de la parodia. Imperdible si te va lo raro y lo brillante.

Los mejores animes de comedia que te harán llorar de la risa

Si no quieres parar de reír, no te los puedes perder

Estos 10 animes no solo te sacarán una sonrisa: te harán llorar de la risa, cuestionarte el sentido de algunas decisiones creativas y, sobre todo, disfrutar como un enano. Si buscas comedia japonesa en su máxima expresión, aquí tienes material para maratonear durante semanas. Y si ya los has visto todos… enhorabuena: tienes un gran sentido del humor.

Los animes que lo petaron sin necesidad de un manga detrás

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Algunos de los animes más queridos jamás se apoyaron en un manga… y quizás por eso son tan especiales

Los animes que lo petaron sin necesidad de un manga detrás

Hay una creencia general entre los fans del anime: que para triunfar hace falta una buena base de manga. Pero hay excepciones que rompen esa regla y lo hacen con estilo. A veces, el no depender de un cómic previo es justo lo que permite a una serie volar más alto, soltando lastres narrativos y apostando por la libertad creativa total. Hoy repasamos 8 animes que nacieron sin manga… y aun así se convirtieron en clásicos de culto. Muchos de los animes que verás aquí han inspirado a otras obras, abierto caminos a nuevas generaciones de creadores e incluso han influido en la cultura pop más allá de Japón. No necesitaron páginas impresas para construir su leyenda.

Amor y muerte en Night City

Basado en el universo de Cyberpunk 2077, este anime de Trigger no necesitó papel ni tinta para impactar a los fans. En solo 10 episodios, Edgerunners cuenta una historia brutal, emotiva y explosiva. David y Lucy, sus protagonistas, te rompen el corazón a ritmo de implantes, traiciones y un romance imposible en una ciudad que devora sueños.

Su final sigue resonando en los foros y redes sociales, y no es para menos: pocas series han sabido condensar tanto en tan poco espacio.

La ciencia del caos y los sentimientos

Aunque luego se adaptó al manga, Steins;Gate nació como una novela visual. Su anime tomó lo mejor de ese formato: profundidad narrativa, giros de guion y desarrollo de personajes al milímetro. La historia de Okabe Rintaro y su accidental máquina del tiempo nos enseña que cambiar el pasado tiene un precio… y no siempre lo pagas solo.

Entre física cuántica, paranoia, humor y tragedia, este anime construye uno de los relatos de viajes temporales más sólidos y conmovedores del medio.

El western espacial que cambió el anime

¿Quién no ha escuchado el mítico “See you, Space Cowboy…”? Creado por el estudio Sunrise, Cowboy Bebop fue una anomalía maravillosa: sin manga previo, sin reglas que seguir, solo el talento desbordante de Shinichiro Watanabe y su equipo.

Spike, Jet, Faye y Ed son personajes que viven más allá del guion. Y esa mezcla de jazz, nihilismo, tiroteos espaciales y filosofía existencial sigue haciendo eco en la animación moderna. No por nada fue el primer anime que abrió las puertas del mainstream en Occidente.

Amor, mechas y rarezas

Aunque su tramo final es polémico, lo cierto es que este anime enganchó a medio fandom por su premisa loca y sus visuales espectaculares. Con producción conjunta de Trigger, A-1 Pictures y CloverWorks, Darling in the FranXX nos introduce a una generación de niños soldados que pilotan mechas en parejas… hasta que aparece la misteriosa Zero-Two.

La relación entre ella y Hiro elevó la serie al estatus de fenómeno temporal, demostrando que el drama romántico y los combates futuristas pueden convivir (aunque no sin turbulencias).

Los animes que lo petaron sin necesidad de un manga detrás

Espadas y hip-hop en el Japón feudal

Dirigido por el mismo genio detrás de Cowboy Bebop, este anime mezcla el ritmo del rap con la elegancia del bushido. Samurai Champloo nos cuenta el viaje de Fuu, Mugen y Jin en busca del samurái que huele a girasoles. Pero en el camino, lo que realmente encontramos es una reflexión sobre la libertad, la pérdida y el destino.

El estilo visual, los enfrentamientos coreografiados y la banda sonora producida por Nujabes convierten cada episodio en una experiencia única.

Perfora el cielo con tu espíritu

Gurren Lagann es pura adrenalina. Este anime de Gainax lo da todo desde el minuto uno: batallas gigantes, discursos épicos y una energía desbordante que no se puede explicar, solo sentir. Con Simon y Kamina liderando la rebelión desde las profundidades, esta serie nos recuerda que el verdadero poder está en creer en quienes creen en ti.

¿Un anime sin manga que dejó marca? Totalmente. Gurren Lagann ha inspirado desde Kill la Kill hasta Promare, y sigue siendo un referente en cuanto a narrativa “over the top”.

El instituto de las segundas oportunidades

Detrás de su apariencia de comedia ligera, Angel Beats! esconde una historia sobre la redención, el dolor y la aceptación de la muerte. Esta serie original nos presenta a un grupo de adolescentes en el más allá, donde intentan rebelarse contra una misteriosa “ángel” que parece controlar su destino.

Con una animación vibrante y una banda sonora inolvidable, el anime te hace reír, llorar y reflexionar en menos de 15 episodios.

Los animes que lo petaron sin necesidad de un manga detrás

El anime que lo cambió todo

Cerramos con el titán. Evangelion no se basó en ningún manga previo, y probablemente no podría haberlo hecho. Hideaki Anno rompió moldes con esta serie de mechas que, en realidad, es una disección psicológica de la depresión, el trauma y la identidad.

Shinji, Asuka, Rei y compañía no son héroes, sino espejos rotos de la humanidad. La serie fue polémica, incomprendida y venerada por igual. Y lo que logró no fue solo redefinir el género: abrió el debate sobre qué podía ser y significar el anime.

Descubre lo mejores luchadores de la Liga de la Justicia donde Superman no lidera el ranking

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Más allá de los superpoderes, estos héroes han demostrado que el verdadero combate los ganan los luchadores con técnica, experiencia y garra

Descubre lo mejores luchadores de la Liga de la Justicia donde Superman no lidera el ranking

Cuando piensas en la Liga de la Justicia, seguramente te viene a la mente una alineación de titanes: seres casi divinos que pueden mover planetas, manipular el tiempo o cambiar la realidad con un gesto. Pero, ¿y si te dijéramos que lo que de verdad los hace invencibles no son sus poderes, sino su habilidad en combate? Que detrás de los rayos láser, la superfuerza y las armaduras imposibles, lo que realmente mantiene al equipo con vida es saber pelear… y pelear bien.

Los mejores luchadores de la liga de la justicia

Desde las calles de Gotham hasta los campos de batalla de Apokolips, estos diez luchadores han probado una y otra vez que la estrategia, la disciplina y el cuerpo a cuerpo son tan vitales como cualquier superpoder. Aquí te dejamos el top definitivo, y te advertimos: puede que algunos te sorprendan.

Superman y Wally West

Sí, el Hombre de Acero está aquí, pero no por su fuerza descomunal. Aunque muchos lo ven como un tanque volador, Superman ha entrenado en artes marciales kryptonianas y ha pulido su técnica gracias a consejos de compañeros como Batman o Wonder Woman. Su verdadero mérito está en cómo usa su poder de forma inteligente en combate, algo que va más allá de soltar puñetazos.

¿Un velocista en una lista de luchadores? Pues sí. Wally West no solo corre, también piensa en combate a la velocidad de la luz. Ha sido entrenado por los mejores, desde Batman hasta Aquaman, y sabe aprovechar su velocidad como una herramienta táctica, casi como si el tiempo se detuviera a su alrededor.

Detective Marciano y Green Arrow

Con más habilidades que la mayoría (telepatía, intangibilidad, superfuerza…), J’onn J’onzz podría confiar solo en sus poderes, pero no lo hace. Entrenado en combate marciano y curtido en mil batallas junto a la Liga, su forma de pelear es una mezcla de estrategia, versatilidad y potencia alienígena.

No subestimes al arquero. Oliver Queen ha sobrevivido a enemigos de nivel cósmico solo con su puntería y entrenamiento. Ha perfeccionado su técnica con espadas, artes marciales y arcos de tiro tenso. Y sí, ha llegado a enfrentarse —y ganar— a Deathstroke en combate directo. No es poca cosa.

Hawkman y Hawkgirl

Guerreros eternos reencarnados, con experiencia en todas las eras imaginables. Su ventaja no es solo la fuerza bruta o las alas, sino siglos —o milenios— de práctica con armas. Prefieren los combates cuerpo a cuerpo, y pocas cosas infunden más respeto en el campo de batalla que verles cargar con sus mazas.

Big Barda y Aquaman

Entrenada desde niña por Granny Goodness en el terrorífico orfanato de Apokolips, Barda lideraba a las Furias Femeninas antes de rebelarse y unirse al bien. Su estilo de combate es brutal, directo y certero. Pocos, ni siquiera entre los Nuevos Dioses, se atreven a ponerse en su camino.

Descubre lo mejores luchadores de la Liga de la Justicia donde Superman no lidera el ranking

Más que el “tipo que habla con peces”, Arthur Curry es un auténtico gladiador submarino. Maneja el tridente como una extensión de su cuerpo, y ha demostrado que puede igualar a Wonder Woman en combate. Además, ha entrenado a otros miembros de la Liga y ha peleado con una sola mano usando un arpón. Nada mal para el rey de Atlantis.

Batman y Canario Negro

Este puesto puede dolerle a algunos, pero Bruce Wayne no lidera el ranking. Sí, es el humano más entrenado del universo DC. Sí, ha dominado más artes marciales de las que podemos contar. Pero su verdadera arma no es solo su habilidad física, sino su mente. Es un estratega letal, un acróbata de élite y un guerrero incansable, pero no tiene superfuerza ni regeneración… y eso, a veces, le pasa factura.

¿La subestimabas? Error. Dinah Lance es una de las mejores luchadoras mano a mano del cómic, y además tiene un grito sónico devastador. Pero incluso sin ese poder, puede dejar fuera de combate a enemigos como Grodd. Es ágil, rápida y, sobre todo, implacable. Lideró la Liga y los Birds of Prey por su talento en combate, no por sus poderes.

Descubre lo mejores luchadores de la Liga de la Justicia donde Superman no lidera el ranking

La mejor luchadora es… Wonder Woman

Aquí no hay discusión. Diana es, de lejos, la luchadora más completa de la Liga de la Justicia. Entrenada por las mejores amazonas, ha derrotado a dioses, demonios y supervillanos usando desde espadas hasta su lazo. Combina poder divino, velocidad, técnica y estrategia. Es tan buena, que incluso Ares, el dios de la guerra, ha caído ante ella una y otra vez. Cuando ella entra en escena, el enemigo tiembla.

Predator trae de regreso la pistola de chispa en Killer of Killers haciendo un guiño a la saga

Predator

El arma más misteriosa del universo Predator vuelve a encender la imaginación de los fans en una historia salvaje que cruza siglos y galaxias

Predator trae de regreso la pistola de chispa en Killer of Killers haciendo un guiño a la saga

Durante años fue solo un detalle curioso. Hoy, es el corazón de la mitología. Esa pistola de chispa envejecida que vimos por primera vez en Predator 2, y que más tarde volvió a brillar en Prey, regresa con fuerza en Predator: Killer of Killers, un nuevo proyecto animado que no solo celebra el legado de la franquicia, sino que lo expande con una locura de dimensiones galácticas.

La pistola de chispa y su leyenda

En este nuevo capítulo de la saga, no hay un solo protagonista, sino tres guerreros humanos sacados de diferentes épocas: Ursa, una imponente líder vikinga (con la voz de Lindsay LaVanchy), Kenji, un letal ninja japonés (Louis Ozawa), y Torres, un piloto de la Segunda Guerra Mundial (Rick Gonzalez). Cada uno se enfrenta a su propio Depredador en su línea temporal… hasta que sus destinos se cruzan en una arena de combate extraterrestre al más puro estilo Gladiator, pero versión Yautja.

Y ahí entra en escena la famosa pistola de chispa. La misma que apareció con una inscripción misteriosa —“Raphael Adolini, 1715”— en Predator 2, y que Prey se encargó de explicar. En ese filme, el personaje del mismo nombre entrega el arma a Naru (Amber Midthunder), la heroína comanche que pone al Feral Predator contra las cuerdas. Esa entrega fue clave para entender cómo el arma llegó a manos de los Yautja… pero Killer of Killers va un paso más allá.

Torres recibe la pistola como su “arma” en la arena, y aunque no tiene tiempo de ni siquiera cargarla correctamente, su presencia es lo que importa: confirma que esta arma ha estado viajando a través del tiempo, entre humanos y Depredadores, como un tótem de sangre, respeto y guerra.

Secretos de cronología, crionización y herencia sangrienta

El detalle que rompe todos los esquemas llega al final del filme, cuando se revela que Naru ha sido capturada y está criogenizada en una especie de colección de guerreros humanos en hibernación. Esta escena sugiere que, después de los eventos de Prey, los Yautja volvieron por ella, tal como insinuaba la pintura final en las cavernas. ¿La pistola? Confiscada y reutilizada, como si se tratara de un trofeo reciclado para el siguiente espectáculo de muerte.

Predator trae de regreso la pistola de chispa en Killer of Killers haciendo un guiño a la saga

Lo más interesante es que este giro puede reescribir por completo la cronología de la saga. ¿Y si Killer of Killers ocurre después de Predator 2? La posibilidad de que haya saltos temporales, ciclos de captura y suelta, y múltiples combates en distintas épocas, le da a la saga un aire de ciencia ficción mucho más amplio del que jamás tuvo.

Según una teoría que circula entre los fans, tras la batalla en la arena y el sacrificio de Ursa para que Kenji y Torres escapen, la pistola queda atrás. Quizás otro humano la empuña en un combate posterior… y al morir, un Depredador anciano se la queda. Ese mismo anciano sería el que años más tarde la entrega a Mike Harrigan (Danny Glover) como símbolo de honor en Predator 2.

Un arma para gobernarlos a todos o al menos para conectar toda la franquicia

Lo que parecía una simple curiosidad en una escena final se ha convertido en la excusa perfecta para tejer un universo más rico, coherente y lleno de posibilidades. Desde las selvas de América colonial en Prey, pasando por los cielos de la Segunda Guerra Mundial, hasta una arena intergaláctica donde se miden las leyendas, la pistola de chispa es el nexo de unión entre siglos de batallas y generaciones de guerreros.

Predator trae de regreso la pistola de chispa en Killer of Killers haciendo un guiño a la saga

Además, esta antología animada ofrece un tono fresco a la franquicia: más atrevido, más caótico y, a la vez, más respetuoso con la tradición. Cada uno de los tres protagonistas encarna un arquetipo distinto, y sus armas refuerzan esa identidad: el hacha vikinga, la katana samurái y, claro, la inconfundible pistola de chispa.

¿Y qué pasa ahora con el lore de Predator? Pues que se abre la puerta a más historias de humanos excepcionales enfrentándose a los Yautja, no solo en nuestro pasado o futuro, sino en espacios completamente nuevos, donde el tiempo no es lineal y la muerte es solo otra forma de entrar en la leyenda.

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

Sean Connery

Todos los personajes que ha interpretado Sean Connery que tienen algo que ver con el noveno arte.

Hay diversos actores que, a lo largo de su carrera, han dado vida a personajes que, de un modo u otro, están relacionados con el mundo del cómic. Un caso claro lo tenemos con Sean Connery, actor que, hasta la fecha, ha sido elegida en catorce ocasiones distintas para interpretar ocho papeles diferentes, con mayor o menor protagonismo, tal y como se puede comprobar si se continúa leyendo este artículo.

O’Bannion

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

Comenzamos nuestro repaso a las caras del actor relacionadas con el mundo del cómic con un Sean Connery que luce mucho más joven de lo que estamos acostumbrados, cuyo rol en la película La gran aventura de Tarzán (1959) es el de dar vida a uno de los miembro de un grupo de buscadores de diamantes sin escrúpulos, a los que el rey de los monos debe hacer frente.

James Bond

James Bond

Sean Connery está considerado como una de los mejores versiones cinematográficas del personaje. No en vano, se ha encargado de interpretarlo en las películas Agente 007 contra el Dr. No (1962), Desde Rusia con amor (1963), Goldfinger (1964), Operación Trueno (1965), Solo se vive dos veces (1967), Diamantes para la eternidad (1971) y Nunca digas nunca jamás (1983), aunque esta última no está considerada como oficial, ya que la rodó entre medias de las películas protagonizadas por Roger Moore, no muestra la cortinilla habitual de la franquicia y su título es un guiño que se debe a que una vez aseguró que nunca volvería a interpretar a 007 después del filme anterior.

Robin Hood

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

En la película Robin y Marian (1976), asistimos a una repesentación del personaje que se aleja bastante del aspecto habitual que solemos ver en los proyectos audiovisuales que protagoniza. Y es que, a medidados de la década de los setenta, Sean Connery ya no estaba para esos trotes, tal y como se muestra en la imagen que acomopaña a este párrafo, motivo por el que se encargó de dar vida a una muy madura versión del arquero más famoso que nos ha legado el folclore inglés medieval.

El Caballero Verde

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

El peculiar personaje al que se encarga de dar vida Sean Connery en esta película homónima (fechada en 1984) no es alguien con el que nos gustaría encontrarnos por ninguna parte, ya que, después de retarte a que le cortases la cabeza, volvería a ponérsela en su sitio y querría rebanarte la tuya, a menos que, en el plazo de un año, fueras capaz de resolver el acertijo que te propusiera.

Henry Jones Sr.

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

La tecera aventura cinematográfica del arqueólogo de ficción más famoso, bajo el título Indiana Jones y la última cruzada (1989), nos presentó a Sean Connery dando vida al padre del protagonista, lo que permitió a los espectadores contemplar la química existente entre este actor y Harrison Ford, tal y como se demostró en la escena del dirigible, ya que, según lo que se dice, ambos actores decidieron quitarse los pantalones, aprovechando que solo los enfocaban de cintura para arriba, porque estaban pasando mucho calor.

Ricardo I

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

Sean Connery regresó al mundo del arquero más famoso del folclore inglés medieval en la película Robin Hood, príncipe de los ladrones (1991), aunque no lo hizo para volver a interepretar al protagonista sino para dar vida al monarca Corazón de León en una breve escena, al final de la película, por la que ni siquiera fue acreditado, aunque eso no le impidió embolsarse nada menos que doscientos cincuenta mil dólares, un salario muy acorde con el caché del actor pero demasiado alto para el tiempo que permaneció en escena.

Rey Arturo

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

¿Te imaginas ser un rey de Camelot ya maduro y enterarte de que tu joven y bella esposa te está poniendo los cuernos con tu hombre de mayor confianza? Esa es la dura prueba a la que tuvo que enfrentarse el personaje interpretado por Sean Connery en la película que lleva por título El primer caballero (1995).

Allan Quatermain

Las caras de Sean Connery relacionadas con el cine de cómic

Y llegamos al final de nuestro repaso de los personajes de este actor relacionados con el mundo del cómic con la película titulada La Liga de los Hombres Extraordinarios (2002), en la que Sean Connery se encarga de dar vida a un famoso aventurero de ficción que debe unir sus fuerzas con las de otros conocidos personajes creados por grandes estrellas de la literatura, como son Mina Harker, el capitán Nemo, el Hombre Invisible, el doctor Jekyll y su alter ego Mister Hyde, Dorian Gray y Tom Sawyer, para desbaratar los planes del malvado M.

Como colofón de este artículo, cabe destacar que La Liga de los Hombres Extaordinarios no es solo la última película que Sean Connery hizo relacionada con el mundo del cómic, sino que también es la antepenúltima de toda su carrera cinematográfica.

Descubre los cómics de Superman más surrealistas de la Edad de Plata que no creerás que existen

Superman

Desde convertirse en león hasta construir una isla con su propia cara, Superman ha vivido historias que hoy serían impensables

Descubre los cómics de Superman más surrealistas de la Edad de Plata que no creerás que existen

Durante los años 50 y 60, Superman no solo era el héroe más poderoso del mundo, sino también el protagonista de algunas de las historias más absurdas jamás vistas en el cómic. En plena Edad de Plata de DC Comics, el Hombre de Acero parecía más un personaje de dibujos animados con poderes ilimitados que el símbolo de justicia y esperanza que hoy conocemos. Este periodo está lleno de relatos que hacen que te preguntes si los guionistas estaban probando algún tipo de sustancia nueva. Y aunque muchas de estas historias envejecieron bastante mal, también son testimonio de una época más inocente (y loca) en la que todo parecía posible.

Una isla con la forma de su cara y Lex Luthor como padre del Hombre de hierro

En Action Comics #224 (1957), Superman decide construir una isla para esconder su colección de kriptonita. Todo bien, hasta que le da por darle la forma exacta de su propio cuerpo tumbado, como si fuera un monumento ególatra flotante. El plan se va al traste, claro, cuando un científico curioso descubre ese islote con forma de Superman. A día de hoy, parece más un sketch de Padre de Familia que un cómic de superhéroes.

En Superman #170 (1964), Lex lleva su odio a niveles freudianos y viaja al pasado para intentar ligarse a Lara, la madre de Kal-El. Su idea es casarse con ella y criar a Superman como un villano. Sí, eso pasó. Con una máquina del tiempo y todo el multiverso a su disposición, decide montarse una telenovela kriptoniana.

Un bebé gigante destruyendo Krypton y una doble vida

Action Comics #325 (1965) nos muestra a Superman recordando cómo, de pequeño, fue convertido en un bebé gigante por su padre Jor-El, causando el caos en Krypton como si fuera un cruce entre Godzilla y Gerber. Porque claro, si vas a tener un hijo superpoderoso, mejor hacerlo aún más grande.

Mucho antes del polémico arco de los años 90, ya en Superman #162 (1963) Superman se dividía en dos: Superman Rojo y Superman Azul. Cada uno se emparejaba con una de sus eternas pretendientas: Lois Lane y Lana Lang. Uno se iba a vivir a Nuevo Krypton y el otro se quedaba en la Tierra. Final feliz doble, y fin de telenovela.

Lois Lane como Supermaid y transformaciones en animales

En Superman #159 (1963), tras un giro espacio-temporal, Lois crece en Krypton con poderes y se convierte en una heroína llamada… Supermaid. El nombre ya da vergüenza ajena, y toda la historia es un ejemplo perfecto de cómo la Edad de Plata trataba a los personajes femeninos. Hoy en día sería cancelado en Twitter antes de que terminara la portada.

La brujería también tenía cabida en Action Comics #243 (1958), donde una hechicera con nexos con Circe transforma a nuestro héroe en un hombre-león. Y por si fuera poco, DC repitió el mismo argumento años después en otro número, casi calcado. Originalidad no era la prioridad, está claro.

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En Superman #139 (1960), Superman se transforma en un tritón para casarse con su exnovia, la sirena Lori Lemaris. Todo esto mientras intenta convencer a Lois de que se case con otro. Vamos, drama romántico con escamas y branquias.

Las historias más raras

Para el número 200 de la colección (Superman #200, 1967), DC decide presentar a Knor-El, un kriptoniano que le arrebata el título de Superman a Kal-El. ¿Y qué hace Kal? Escapa de Kandor y se convierte en Hyperman. Este tipo de historias multiversales no volverían hasta décadas después, aunque Knor-El sí acabó teniendo su propio rinconcito en Tierra-200.

En Action Comics #217 (1956), El hombre de acero encuentra un bebé con superpoderes y decide adoptarlo como si fuera lo más normal del mundo. No hay orígenes ni trámites de adopción, simplemente lo cría y le enseña a ser un héroe. Historia autoconclusiva, sin secuelas. Hoy nos habrían dado una maxiserie de 12 números y tres spin-offs.

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En Action Comics #215 (1956), Kal-El viaja al futuro y se encuentra con Craig King, el “Superman del mañana”. Spoiler: no duró mucho. Hoy nadie lo menciona, ni en crisis multiversales ni en cameos nostálgicos. Y con razón.

Walt Disney no soportaba a Goofy pero hubo una razón muy concreta para no eliminarlo

Walt Disney

El personaje más torpe de Disney estuvo a punto de desaparecer por decisión del mismísimo Walt Disney

Walt Disney no soportaba a Goofy pero hubo una razón muy concreta para no eliminarlo

Aunque hoy sea uno de los rostros más reconocibles del universo Disney, Goofy estuvo a punto de acabar en la papelera de la historia animada. ¿El motivo? A Walt Disney simplemente le caía mal. Sí, como lo lees. El creador de Mickey Mouse y padre de todo el imperio Disney nunca fue fan de Goofy. De hecho, según algunos historiadores, si por él hubiera sido, habría borrado al personaje de un plumazo. Pero hay una razón muy concreta por la que no pudo hacerlo.

La verdad detrás del desprecio de Disney hacia el personaje

Parece irónico que uno de los personajes más entrañables y queridos por el público fuese despreciado por su propio creador. Goofy —ese torpón simpático, con corazón de oro y cero sentido del equilibrio— tuvo que ganarse su sitio en el panteón Disney a base de resistencia… y necesidad.

En los años 30, cuando el estudio aún estaba dando sus primeros pasos, Goofy nació como un fondo cómico, casi por accidente. Su primera versión, Dippy Dawg, era un anciano con barba blanca sin demasiado carisma. Pero algo cambió cuando el animador Art Babbitt decidió que aquel personaje podía tener más potencial del que parecía.

Babbitt transformó al simple bufón en una figura más elaborada, estudiando incluso las técnicas del método Stanislavski para dotarlo de personalidad. El resultado fue un personaje ingenuo, optimista y con su propio ritmo torpe, pero lleno de buenas intenciones.

Walt Disney, sin embargo, nunca terminó de tragar a Goofy. Lo consideraba una representación demasiado tonta que podía restar prestigio a su compañía, sobre todo en plena transformación hacia el cine animado serio con títulos como Blancanieves.

un personaje que sobrevivió por necesidad

Pero Goofy tenía un as bajo la manga. Durante los años 40, el estudio estaba saturado de animadores sin proyecto mientras se preparaban producciones más ambiciosas. Para mantener a estos trabajadores ocupados, Disney permitió que siguieran produciendo cortos protagonizados por Goofy. Eran baratos, rápidos y cumplían una función clave: dar empleo mientras se cocinaban los grandes éxitos.

Según el historiador Neal Gaber:

“Walt siempre odió a Goofy y lo habría eliminado hace tiempo si el estudio no hubiera necesitado hacer esas películas para dar trabajo a tantos animadores. De verdad, odiaba a Goofy.”

Puede que el término “odio” sea fuerte, y algunos lo rebajen a “resquemor” o “desprecio artístico”. Pero lo cierto es que Goofy siguió adelante, sobreviviendo por ser útil cuando el estudio más lo necesitaba.

Walt Disney no soportaba a Goofy pero hubo una razón muy concreta para no eliminarlo

De torpe crónico a padre ejemplar

Todo cambió en los años 90. Mientras Mickey recibía homenajes y Donald protagonizaba aventuras en PatoAventuras, Goofy encontró por fin su gran momento con Goof Troop (1992), una serie donde lo veíamos como un padre viudo criando a su hijo Max.

Ese giro inesperado convirtió a Goofy en el personaje más humano de la familia Disney. En lugar de limitarse al slapstick, se convirtió en un padre que cometía errores, sí, pero que lo hacía todo por amor a su hijo. El salto emocional lo consolidó con A Goofy Movie (1995), una película que, a día de hoy, sigue teniendo un fandom fiel que la considera una joya nostálgica.

Mientras Mickey representaba el éxito, Donald el temperamento y Pluto la fidelidad, Goofy simbolizaba el crecimiento, el corazón, la torpeza entrañable y la lucha por conectar con quienes amamos.

El legado de un personaje que nunca encajó

Es cierto que, hoy por hoy, Goofy ha vuelto a desempeñar un rol secundario en muchas historias junto a Mickey y Minnie, pero su legado es indiscutible. Su paso por los años 90 demostró que incluso los personajes menos valorados pueden evolucionar y tocar la fibra de toda una generación.

Curiosamente, aún hoy sigue el debate sobre si Goofy es un perro o un hombre con forma de perro, pero eso no ha impedido que conquiste parques temáticos, videojuegos como Kingdom Hearts, y series actuales.

Walt Disney no soportaba a Goofy pero hubo una razón muy concreta para no eliminarlo

Y aunque Walt Disney nunca llegó a verle con los mismos ojos que al resto de su plantilla animada, el mundo sí lo hizo. Goofy, contra todo pronóstico, sobrevivió. Y triunfó.