Hoar ha lanzado Multitude Productions junto a Matthew Bouch y Jason Haigh-Ellery, una nueva productora centrada en recuperar IPs británicas de género con ambición internacional, pero desde una óptica muy clara: menos dependencia del presupuesto y más peso creativo.
A pesar de sus decorados endebles y efectos limitados, Blake’s 7 conectó con los fans gracias a algo mucho más duradero: su tono adulto, su mirada cínica sobre el poder y su rechazo a los finales complacientes. Era ciencia ficción incómoda, incluso deprimente, y por eso dejó huella.
Durante décadas se han barajado distintos intentos de reboot que nunca llegaron a buen puerto. Esta vez, Multitude ha cerrado un acuerdo con el estate de Terry Nation, y las conversaciones sobre guion y casting ya están en marcha, con la intención de presentar el proyecto a compradores en breve.
El objetivo es claro: mantener la identidad británica del original, pero con una escala que permita competir en el mercado global sin caer en los excesos de otras producciones recientes.
Menos dinero no significa peor televisión
Hoar ha sido muy claro al hablar del estado actual del género. Para él, el problema no es la falta de dinero, sino cómo se usa. De hecho, compara el espíritu de Blake’s 7 con Andor, una serie celebrada por su integridad narrativa y su sofisticación política, no solo por su presupuesto.
En el lado opuesto sitúa el caso de Doctor Who, cuya etapa reciente con Disney+ terminó antes de lo esperado. Para Hoar, es el ejemplo de que una inversión millonaria no garantiza una mejor serie.
La nostalgia juega su papel, pero no como simple ejercicio de recuerdo. La idea es reinterpretar el ADN de los 70 y 80 con una mentalidad contemporánea, pensando desde el primer momento en el mercado internacional.
Más proyectos en el horizonte
Además de Blake’s 7, Multitude ya trabaja en la adaptación televisiva de The Search for the Dice Man, secuela del mítico libro de Luke Rhinehart, con una estrella de primer nivel vinculada y nombres como Danny Wallace y Tim Kirkby en el equipo creativo.
También están en desarrollo Skeleton Creek, descrita como una mezcla entre Stranger Things y Skins, una adaptación de un videojuego muy conocido, y una serie de ciencia ficción junto a ITV, cuyos detalles aún se mantienen en secreto.
Si el reboot logra mantener su espíritu rebelde, su ambigüedad moral y su mirada crítica, puede convertirse en uno de los regresos más interesantes del sci-fi europeo actual.
Según explica la propia compañía, gran parte del equipo creativo creció jugando y viendo Pokémon, y eso se nota en los detalles. Aquí no hay ilustraciones genéricas pegadas sin más: hay símbolos de tipo, números de la Pokédex, gradientes de color estudiados y guiños constantes a los 151 originales. Todo integrado de forma elegante, sin romper la estética sobria de una silla gaming de gama alta.
Energía eléctrica en estado puro
La edición Pikachu es, probablemente, la más reconocible a simple vista. El Pokémon más icónico de la franquicia ocupa el respaldo, bordado en velour suave, rodeado por el símbolo del tipo Eléctrico. El contraste entre negro y amarillo domina el conjunto, pero sin resultar estridente.
En los laterales, la silla esconde hasta 11 motivos distintos de Pikachu, con variaciones sutiles entre su versión macho y hembra, algo que los fans más atentos sabrán apreciar. Es una silla que transmite energía, ideal para quien quiere que su setup tenga personalidad sin caer en lo excesivo.
El símbolo del tipo Normal se integra en el diseño general, reforzando la idea de adaptabilidad, una de las señas de identidad del personaje. Es, posiblemente, la silla más “neutral” de las tres, perfecta para quienes quieren referencias Pokémon sin renunciar a un look más discreto.
Oscuridad, veneno y mala intención
La colección se completa con la edición Gengar, la más oscura y gamberra del trío. El Pokémon de tipo Fantasma domina el respaldo, acompañado por los símbolos de tipo Fantasma y Veneno. El color púrpura manda, con un degradado profundo que refuerza su carácter travieso.
En los laterales aparecen Gastly y Haunter, creando una pequeña narrativa visual que encantará a los fans de esta línea evolutiva. Es una silla con mucha presencia, pensada para setups más agresivos o estéticamente oscuros.
El tejido SoftWeave Plus permite un nivel de detalle muy alto en los bordados sin comprometer la transpirabilidad, algo clave para sesiones largas. No es solo una silla bonita, es un producto claramente orientado al confort y a la durabilidad.
Precio, disponibilidad y para quién es esta colección
No es una compra impulsiva, pero tampoco pretende serlo. Estas sillas están pensadas para fans de Pokémon que ya no tienen 12 años, que buscan calidad, diseño y un toque de nostalgia bien entendida. Si Pikachu, Eevee o Gengar marcaron tu infancia, ahora pueden formar parte de tu setup diario… con respaldo lumbar incluido.
La bomba ha caído durante el último Xbox Developer Direct: Fable se lanza en otoño de 2026 para Xbox Series X/S, PC… ¡y PlayStation 5! Sí, por primera vez en la historia, una entrega de esta franquicia aterriza en una consola de Sony. Este movimiento no solo marca un cambio de estrategia para Xbox Game Studios, también despierta cierta nostalgia entre quienes crecieron con la trilogía original firmada por Lionhead Studios y Peter Molyneux.
Fable vuelve a la vida con más libertad y humor que nunca
La nueva versión, desarrollada por el equipo de Playground Games (conocidos por Forza Horizon), no pretende simplemente revivir la saga, sino reinventarla. El estudio ha creado un mundo con más de mil NPCs, cada uno con su propia rutina, ideología y forma de interactuar contigo. Las decisiones que tomes como jugador no solo afectarán el entorno, sino también cómo cada habitante percibe tu leyenda.
En lugar de limitarse a un sistema binario de bien o mal, el juego apuesta por una moralidad más matizada, en la que tus actos tendrán consecuencias diversas según la perspectiva de cada personaje. Una especie de reputación dinámica que promete aumentar el realismo y la profundidad narrativa sin perder ese toque burlón que ha definido siempre la saga.
Y sí, el humor británico sigue presente. Aunque el equipo sea nuevo, parece que el ADN de Fable –esa mezcla entre épica medieval y parodia de cuento de hadas– está en buenas manos. El tráiler y la información filtrada hasta ahora insinúan que vamos a seguir riéndonos de los héroes que comen pollos crudos mientras salvan el mundo.
Un RPG clásico con ambición moderna
Aunque muchos fans temían que cambiar de estudio significara traicionar la esencia de la saga, todo apunta a que Playground ha sabido mantener la identidad de Fable mientras actualiza sus mecánicas para los tiempos que corren. El nuevo sistema de interacción con NPCs, la inteligencia artificial avanzada y los entornos abiertos dan pie a un RPG más dinámico, imprevisible y lleno de secretos.
Lo más curioso, sin embargo, no es su contenido, sino su lanzamiento multiplataforma. Que una IP tan emblemática de Xbox llegue a PS5 refleja el cambio de filosofía de Microsoft: apostar por el software más que por la exclusividad. Y si eso significa que más jugadores pueden experimentar este mundo de decisiones absurdas y personajes excéntricos, bienvenido sea.
El humor como arma narrativa
Más allá de su tecnología o sus gráficos, lo que realmente ha hecho especial a Fable es su tono. Un RPG que no se toma en serio a sí mismo y que nos deja jugar como héroes valientes, villanos ridículos o pastores de ovejas obsesionados con robar calcetines. Es en esa libertad donde el nuevo Fable quiere destacar.
La promesa es clara: una aventura con corazón, sarcasmo y consecuencias reales, donde cada elección, por absurda que parezca, tiene su eco. Y si Playground logra equilibrar esa fórmula, podríamos estar ante uno de los regresos más potentes del RPG occidental.
Una nueva oportunidad para Fable
Aunque Playground Games es más conocido por quemar ruedas que por contar cuentos, su salto al RPG no es un capricho. Lleva años trabajando en este nuevo Fable y ha fichado a expertos en narrativa, diseño de mundo abierto y hasta humoristas británicos para mantener el tono único que hizo famosa a la saga. Si logran equilibrar la sátira con un sistema de juego profundo, podríamos estar ante uno de los títulos más importantes del año.
Por otro lado, el contexto actual del RPG es bastante competitivo, con lanzamientos como Avowed, Dragon Age: Dreadwolf o The Elder Scrolls VI al acecho. Pero Fable no compite en épica pura, sino en carisma, libertad y un toque de locura encantadora. Su regreso no solo emociona a los veteranos, sino que puede conquistar a una nueva generación con ganas de salirse del camino marcado.
El icónico sello de terror psicológico, The Twilight Zone, vuelve a lo grande con una historia inquietante, cargada de tensión familiar y giros de los que ponen los pelos de punta
Chet acaba de salir del sótano de su madre, pero no parece estar listo para el mundo real. Su hermana Laura, llena de paciencia (quizá demasiada), decide regalarle un fin de semana en una casa flotante junto a su pareja. Lo que prometía ser una oportunidad de reconciliación se convierte en un viaje incómodo, con reproches, sarcasmos… y algo más. Algo que se arrastra bajo el agua.
Un nuevo cómic de The Twilight Zone
Con The Twilight Zone #4, IDW Publishing continúa su exitosa antología de relatos autoconclusivos inspirados en la mítica serie de televisión. En esta ocasión, la historia viene firmada por Nate Powell, autor multipremiado por obras como March y Swallow Me Whole, quien no solo escribe, sino que también ilustra este número que se publicará el 4 de febrero de 2026.
Desde la primera viñeta, el ambiente se impregna de incomodidad, no solo por el entorno cerrado del barco, sino por la dinámica entre los personajes. Chet es agresivo, sarcástico y narcisista, mientras que su hermana intenta mantener la calma en todo momento, apoyada por su pareja, que observa con creciente inquietud. Todo empeora cuando Chet empieza a bromear con que algo lo arrastra desde el agua… hasta que alguien escucha una misteriosa canción que proviene del interior del barco.
Powell utiliza el blanco y negro de forma magistral, jugando con las sombras, los reflejos del agua y los espacios cerrados para crear una sensación constante de amenaza. La narrativa gráfica se mezcla con silencios incómodos y miradas cruzadas que dicen más que cualquier diálogo. Como en los mejores capítulos de la serie clásica, lo fantástico surge del conflicto humano, y el misterio no es solo lo que hay fuera… sino lo que cada personaje oculta dentro.
En esta entrega, no hay monstruos evidentes ni sobresaltos gratuitos. Lo que da miedo es la pérdida de control sobre uno mismo y sobre la realidad, cuando los deseos y las frustraciones se materializan sin previo aviso. ¿Y si pudieras vivir lo que más deseas… pero a cambio de perderte a ti mismo?
Más allá del espejo negro
The Twilight Zone siempre ha sido un espejo distorsionado de la sociedad, y este número no es la excepción. Chet representa una generación estancada, atrapada entre el victimismo y la autoindulgencia. Laura, por otro lado, es la eterna cuidadora que se desvive por alguien que no lo merece. Y el novio, atrapado entre ambos, se convierte en un testigo incómodo del colapso emocional que está por venir.
El cómic plantea preguntas que nos remiten a lo más íntimo: ¿cuánto podemos sacrificar por quienes amamos? ¿Hasta dónde estamos dispuestos a ceder para no enfrentarnos al conflicto? ¿Y qué ocurre cuando aquello que deseamos en el fondo se vuelve contra nosotros?
Nate Powell y el terror emocional
Powell se aleja del horror convencional para apostar por el malestar psicológico. Lo que da miedo aquí no es un monstruo bajo la cama, sino un familiar al que no reconoces, una relación que ya no funciona o una canción que se cuela por los altavoces sin que nadie la haya puesto. La inquietud no viene de lo sobrenatural, sino de la sensación de que algo no encaja.
Además, la serie ha sido la un éxito, lo que ha llevado a IDW a extenderla más allá de los cinco números originales. Esta expansión promete más historias de terror sutil, con autores de primer nivel como Charles Soule, Gabriel Hardman, Juni Ba o Tony Fleecs ya confirmados para futuras entregas.
Un regreso a lo grande
Este cuarto número demuestra que The Twilight Zone no es solo un homenaje nostálgico, sino una reinterpretación moderna con una identidad propia. Ideal para fans de Black Mirror, Outer Range o From, esta nueva etapa del cómic se consolida como una de las mejores antologías actuales del género.
Elordi ya habría mantenido reuniones tanto con los productores de la saga como con el propio Villeneuve, en un movimiento que lo coloca directamente en la pista de despegue hacia uno de los papeles más codiciados del cine. Aunque no es el único en la lista: Callum Turner, conocido por Animales Fantásticos y la serie The Capture,también suena con fuerza según las casas de apuestas, pero el impulso mediático y artístico de Elordi podría inclinar la balanza a su favor.
Jacob Elordi, favorito para interpretar a James Bond
El reboot de la franquicia viene cargado de cambios importantes, no solo en su protagonista. Será la primera vez que un James Bond se realice bajo el completo control creativo de Amazon MGM Studios, gracias a un nuevo acuerdo con los históricos productores Barbara Broccoli y Michael G. Wilson. Estos dos guardianes de la saga pasarán ahora a compartir propiedad intelectual, pero ceden el bastón de mando creativo a Amazon.
Denis Villeneuve, que ya nos voló la cabeza con Dune y Blade Runner 2049, dirigirá la nueva película. El guion estará en manos de Steven Knight, creador de Peaky Blinders, lo que promete un Bond más oscuro, cerebral y lleno de tensión dramática. Vamos, un cóctel que se aleja del clasicismo de la etapa Craig y que podría dar paso a un enfoque más autoral.
La historia, como era de esperar, permanece bajo un hermético silencio. A estas alturas, solo sabemos que Amazon tiene grandes planes para revitalizar la saga y que Villeneuve está dispuesto a reimaginar al personaje sin traicionar su esencia.
¿Quién es Jacob Elordi?
El actor australiano de 26 años saltó a la fama con Euphoria, donde interpretó a Nate Jacobs, un personaje complejo, tóxico y magnético. Ese papel demostró su capacidad para interpretar figuras moralmente ambiguas, algo esencial para un personaje como Bond, que siempre se ha movido entre la elegancia y la brutalidad.
El reciente reconocimiento por Frankenstein, bajo la dirección de Guillermo del Toro, no hace más que afianzar su estatus. Elordi representa una versión más joven, más introspectiva y probablemente más atormentada de Bond, lo que encajaría con los nuevos aires que Villeneuve y Knight podrían estar buscando.
Una nueva era para 007
La posible elección de Elordi no solo marca un cambio generacional. También supone una apertura a una visión más moderna y matizada del espía británico. Villeneuve, obsesionado con los dilemas existenciales y las atmósferas densas, tiene todas las herramientas para convertir Bond en una experiencia cinematográfica distinta a cualquier entrega anterior.
Por su parte, Barbara Broccoli ha declarado que se centrará en otros proyectos, dejando claro que el relevo creativo no es solo una cuestión formal, sino un cambio real de rumbo. Michael G. Wilson, por su parte, ha afirmado que dedicará más tiempo a actividades artísticas y benéficas.
¿Bond más joven? ¿Más oscuro? ¿Más emocional? Todo apunta a que estamos ante una reinterpretación profunda del mito del espía. Y aunque Elordi todavía no tiene el papel asegurado, el hecho de que ya haya tenido reuniones con los principales responsables del proyecto dice mucho. Si se confirma, será el primer actor nacido en los años 2000 en ponerse al servicio de Su Majestad. ¿Estás preparado para un Bond que no necesita permiso para matar, pero sí para romper corazones?
Y ahora la pregunta del millón: ¿preferirías un Bond con menos gadgets y más profundidad psicológica, o sigues siendo del equipo Martini, coches y explosiones?
La nueva serie animada canoniza por fin una versión de Darth Talon y apunta al regreso de las ideas originales de Lucas y las precuelas de Star Wars con Darth Maul
Aunque Izara no lleva oficialmente ese nombre, su aparición ha encendido todas las alarmas entre los fans más veteranos. ¿Por qué? Porque esta Twi’lek en conflicto, aliada de Maul y presente en escenas clave del tráiler, recuerda poderosamente al personaje que Lucas había concebido como la heredera de Vader. No es una coincidencia: es una señal de que Star Wars está, al fin, mirando hacia atrás para construir el futuro.
Maul Shadow Lord la nueva saga de Star Wars con Dave Filoni
El proyecto, quenació antes de la marcha de Kathleen Kennedy y ha sido impulsado con fuerza por Dave Filoni, supone mucho más que otra aventura animada. Es un giro editorial, un rescate consciente del legado de Lucas. Filoni, ahora al mando creativo de Lucasfilm, ha hecho de la recanonización su bandera: Grand Admiral Thrawn, Darth Bane, los holocrones Jedi, el sable oscuro… todos han vuelto gracias a él. Y ahora le toca el turno a Talon, aunque sea con otro nombre.
Devon Izara no es exactamente la Talon de los cómics de Star Wars: Legacy, donde servía al linaje de los One Sith en el año 135 ABY. Pero lo que representa, su función narrativa y su estilo visual, sí conectan directamente con lo que Lucas quería: una aprendiz letal, seductora y compleja, capaz de rivalizar con los héroes del futuro, entre ellos el hijo de Han y Leia. En este canon, sin embargo, Izara parece más vulnerable, más cercana a personajes como Ezra Bridger que a los típicos discípulos sith.
La decisión de traer a Maul de vuelta como figura central también marca un cambio de prioridades. En lugar de seguir anclándose en la figura de Rey y los debates del “nuevo orden Jedi”, Lucasfilm parece estar apostando por reconstruir su mitología desde la época post-Episodio III, ese hueco fértil entre la caída de los Jedi y el ascenso del Imperio. El universo de The Mandalorian ya había sembrado esta dirección, y Maul: Shadow Lordla consolida con fuerza.
Dave Filoni y el legado expandido
El papel de Dave Filoni en todo esto es imposible de ignorar. Desde The Clone Wars hasta Ahsoka, Filoni ha sido el gran defensor del “antiguo canon”, tomando elementos de Legends y adaptándolos para las nuevas generaciones. Con Devon Izara repitiendo los pasos de Talon, parece evidente que Filoni sigue construyendo sobre los planos olvidados de Lucas, adaptándolos con inteligencia y respeto.
Maul: Shadow Lord también sirve como plataforma para elevar a Maul más allá del villano puntual, dándole un arco que lo conecta con múltiples eras de la saga. De su supervivencia tras The Phantom Menace, a su resurgir en Clone Wars, su breve cameo en Solo, y ahora esta nueva fase como mentor oscuro, Maul se consolida como uno de los personajes más influyentes del canon actual. Y si tiene una aprendiz, es porque su historia aún no ha terminado.
En definitiva, Maul: Shadow Lord no solo es una serie, sino un símbolo de redirección creativa para la franquicia. Si bien Disney aún tiene planes para Rey y el “Nuevo Orden Jedi”, queda claro que los fans más fieles están encontrando en proyectos como este la chispa perdida que encendió la galaxia hace mucho tiempo.
La nueva dirección de Star Wars
Devon Izara podría convertirse en uno de esos personajes que crecen con el tiempo. Su arco, aún lleno de incógnitas, apunta a una lucha interna que podría diferenciarla de cualquier otro discípulo Sith que hayamos visto antes. Su relación con Maul no parece basada en el miedo ni en el poder absoluto, sino en una conexión más ambigua, donde el aprendizaje y la duda coexisten. Esto abre puertas a dilemas morales, traiciones inesperadas y, por qué no, posibles redenciones.
Además, al traer a una Twi’lek con protagonismo central, Maul: Shadow Lord recupera a una de las especies más queridas del universo Star Wars, muchas veces relegada a papeles secundarios. Esta nueva etapa promete una exploración más profunda de los orígenes de los personajes, sus motivaciones y sus vínculos con el Lado Oscuro. Y si Devon Izara logra hacerse un hueco como lo hizo Ahsoka en su día, podríamos estar ante una nueva figura clave en el futuro de la saga.
Pero como suele pasar con estas “filtraciones”, la ilusión duró poco. La cuenta especializada DisTrackers, reconocida por su fiabilidad en todo lo relacionado con Funko, desmintió rápidamente la imagen, asegurando que se trataba de un montaje. No era una filtración oficial, ni una revelación accidental, sino un fake elaborado para ganar notoriedad. Así que nada de Binary por ahora… al menos, no en forma de muñeco cabezón.
Avengers: Doomsday se deja ver con los nuevos Funko
La falsa filtración llega en un momento en que la expectación por Avengers: Doomsday está en máximos. No es para menos: el reparto confirmado parece sacado de una fantasía fan, reuniendo a figuras clave del UCM junto a nuevas incorporaciones que apuntan a un choque épico entre mundos. Tendremos a Chris Hemsworth como Thor, Pedro Pascal como Reed Richards, Vanessa Kirby como Sue Storm, Anthony Mackie como el nuevo Capitán América y Sebastian Stan como Bucky. A este escuadrón se suman otros pesos pesados como Letitia Wright (Shuri), Paul Rudd (Ant-Man), Florence Pugh (Yelena Belova) y Simu Liu (Shang-Chi).
Pero esto no se queda en los Vengadores habituales. También veremos a Wyatt Russell como U.S. Agent, David Harbour como Red Guardian, Tenoch Huerta regresando como Namor, Joseph Quinn como la Antorcha Humana, y Lewis Pullman debutando como Sentry, uno de los personajes más poderosos del universo Marvel. Incluso Beast, interpretado por Kelsey Grammer, formará parte del grupo.
Lo verdaderamente jugoso para los fans mutantes es la vuelta de varios personajes icónicos de los X-Men: Patrick Stewart retoma su papel como Charles Xavier, Ian McKellen vuelve como Magneto, y también regresan Alan Cumming como Rondador Nocturno, Rebecca Romijn como Mística, James Marsden como Cíclope y el tan esperado debut de Channing Tatum como Gambito, un fichaje que lleva años en el aire.
Y por si fuera poco, Tom Hiddleston estará presente como Loki, lo que añade una buena dosis de caos al cóctel multiversal que prepara Marvel para este coloso cinematográfico. Con tantos nombres en el reparto, las especulaciones están a la orden del día, y filtraciones falsas como la de los Funko solo sirven para echar más leña al fuego.
Funko Pops y filtraciones virales
Lo curioso es que no es la primera vez que una supuesta filtración de Funko Pops causa revuelo. Estas figuras se han convertido en termómetros de hype para películas y series, y cualquier imagen “sospechosa” suele generar teorías sin control. Aunque esta vez ha sido un montaje, es solo cuestión de tiempo que aparezcan los diseños reales. Marvel y Funko no dejarán pasar la oportunidad de vender decenas de figuras de cada uno de estos personajes, especialmente con una cinta que promete ser tan coral.
Y aunque Avengers: Doomsday se estrenará el 18 de diciembre de 2026, muchos fans ya están más pendientes de qué muñeco podrán tener en su estantería que de la propia historia. Las figuras coleccionables, al final, se han convertido en parte del marketing emocional del UCM: un modo de aferrarse al hype en formato de vinilo con ojos grandes y cuerpo diminuto.
Avengers: Doomsday se perfila como la antesala de Avengers: Secret Wars, que llegará un año después, el 17 de diciembre de 2027. Con tantos personajes implicados y una narrativa que se anticipa como colosal, todo apunta a que Marvel Studios está preparando su evento definitivo, donde multiverso, legado y futuro se cruzarán a lo grande. Hasta entonces, habrá que filtrar bien entre rumores, sueños húmedos de fans y filtraciones falsas que parecen demasiado buenas para ser verdad.
La actriz británica, conocida por interpretar a Sansa Stark, se enfundará las botas de la exploradora más famosa de los videojuegos en una nueva serie televisiva. Y, por lo que ha contado a Los Angeles Times, no será la Lara que recuerdas: “No es una sex bombshell”, zanja Turner, dejando claro que esta encarnación irá por otro camino.
La serie, producida por Phoebe Waller-Bridge, autora de Fleabag y guionista de No Time To Die, tiene como objetivo explorar la fuerza y vulnerabilidad del personaje, sin caer en las miradas sexualizadas de versiones anteriores. “Quiero mostrar ese otro lado. Lara es increíblemente capaz. No es una mujer que esconda sus fortalezas”, remata Turner.
La evolución de un icono femenino
Curiosamente, el primer vistazo que se ha filtrado de Turner como Lara evoca el estilo noventero: gafas de sol rojas, actitud desafiante y una estética sacada directamente de Tomb Raider III. Pero lo que parece homenaje visual esconde una intención muy distinta.
Y es que Lara Croft no se apoya tanto en su atractivo físico desde hace más de dos décadas. La saga cambió radicalmente tras las pelis de Angelina Jolie. La trilogía Legend en los 2000 y el reboot moderno han preferido centrarse en su pasado, su entrenamiento, sus pérdidas y su evolución emocional. En lugar de explotar su físico, han apostado por desarrollar su personalidad y su conflicto interior.
El apoyo de otras “Laras”
No está sola en esto. Alix Wilton Reagan, la actriz que pone voz a Lara en los videojuegos Tomb Raider: Legacy of Atlantis (2026) y Tomb Raider: Catalyst (2027), ha mostrado su entusiasmo en redes: “Lara está que arde estos días. @sophieturner – ESTOY DENTRO”.
Aunque aún no hay fecha de estreno oficial para la serie, Amazon parece querer construir un universo más amplio de Tomb Raider, con conexiones entre juegos, cómics y ahora también televisión. Y si Turner y Waller-Bridge cumplen con sus promesas, podríamos estar ante la Lara más compleja y empoderada de todas las versiones.
Una heroína en constante redescubrimiento
Desde su nacimiento en 1996, Lara Croft ha sido uno de los personajes más influyentes, reinterpretados y debatidosdel mundo gamer. Con más de una docena de juegos, dos sagas cinematográficas y ahora una serie, su evolución ha reflejado los cambios de la industria y de la sociedad.
Lo que empezó como una figura masculina idealizada en cuerpo de mujer, ha ido transformándose en un referente de superación, inteligencia y liderazgo. Esta versión de Turner no pretende negar el pasado del personaje, sino reinterpretarlo desde una óptica actual, mucho más conectada con las nuevas generaciones.
La gran pregunta sobre Lara
¿Es Lara Croft una figura empoderada o un icono sexual disfrazado de heroína? Esa ha sido una de las preguntas más recurrentes desde que se convirtió en leyenda del videojuego. Esta nueva adaptación no solo responde a esa cuestión, sino que le da la vuelta al arquetipo completo, buscando que los espectadores vean a Lara como algo más que una portada de revista o una figura de acción.
Turner, con su bagaje en personajes de evolución progresiva como Sansa Stark, parece la opción perfecta para dar vida a una Lara más introspectiva, más realista y más poderosa. Queda por ver si el público recibirá con los brazos abiertos a esta nueva versión o si la nostalgia por los tiroteos y las poses imposibles pesará más. Lo que está claro es que Lara Croft ha vuelto, y viene a reclamar su sitio como algo más que una cara bonita con pistolas.
¿Quieres más series de videojuegos que merecen la pena? Te recomendamos también el reboot de Fallout, el universo en expansión de Halo y lo nuevo de God of War con Ryan Hurst.
Lo que parecía un simple port se ha transformado en un auténtico festival multijugador. La expansión, titulada Meetup in Bellabel Park, no solo nos trae nuevos niveles, sino también una cara muy conocida del cosmos: Rosalina, que por fin es jugable. Y ojo, porque no viene sola: Luma, su inseparable compañero, también se une, aunque solo cuando hay cooperativo activado. El pequeño estelar puede recoger monedas y atacar enemigos sin sufrir daño. Y sí, vuela libre por la pantalla, como si fuera una extensión de tu ratón.
Por si fuera poco, la edición para Switch 2 llega con nuevas funciones: un modo asistencia, un poder floral llamativo, y retos especiales de Capitán Toad, del tipo “recoge X monedas antes de que acabe el tiempo”. Además, los Koopalings están de regreso, pero esta vez esparcidos por todos los niveles ya existentes, dándoles una vuelta de tuerca a las fases clásicas.
Rosalina se prepara para el estrellato total
Este relanzamiento no solo potencia el modo multijugador de Wonder, sino que sirve como trampolín para el desembarco cinematográfico de Super Mario Galaxy. En el tráiler de la película ya hemos visto a Rosalina y Bowser Jr., y Chris Pratt ha dejado caer que “la gente debería estar emocionada” por las sorpresas que aún no han revelado.
La jugada de Nintendo es clara:reforzar la conexión emocionalcon sus personajes en todos los frentes posibles. Desde el mando hasta la butaca del cine. Y si algo sabe hacer la compañía nipona, es convertir sus franquicias en eventos culturales intergeneracionales.
Entre lo retro y lo moderno
El salto a Switch 2 no es solo técnico. Estamos ante una declaración de intenciones: revitalizar sus joyas más recientes para darles una segunda vida y atraer tanto a nuevos jugadores como a veteranos. Con expansiones como esta, Nintendo deja claro que Super Mario Bros. Wonder no es un juego de una sola temporada, sino un plataformas con vida propia.
Y con elementos como el control de Luma con el nuevo “ratón” de Switch 2, es evidente que la consola viene con ideas frescas para la interacción. ¿Estamos ante una evolución real del gameplay clásico de Mario? Todo apunta a que sí.
Rosalina, introducida por primera vez en Super Mario Galaxy, ha ido ganando peso como uno de los personajes más queridos del universo Mario. Su estética galáctica y su carácter sereno contrastan con la energía caótica del resto del elenco, y su inclusión como personaje jugable en Wonder es un guiño directo a sus fans. Además, contar con Luma como compañero de apoyo es una forma inteligente de mantener su esencia sin romper el diseño de juego tradicional.
En cuanto a las comparaciones con otros títulos, este nuevo contenido parece mezclar lo mejor de Super Mario 3D World (por su enfoque en el multijugador) con la creatividad desbordante de Wonder. Todo indica que Nintendo ha entendido que los jugadores buscan experiencias compartidas, sí, pero también reto, rejugabilidad y sorpresas constantes. Y con Rosalina de por medio, el cielo ya no es el límite: es el punto de partida.
Marvel ha hecho algo inusual: crear una serie sobre sí misma. “Wonder Man” no es el típico espectáculo de superhéroes con villanos megalómanos y batallas espectaculares. Es una carta de amor a Los Ángeles, a la actuación y, sobre todo, un ejercicio de autocrítica disfrazado de comedia que resulta ser más drama del que esperábamos.
Wonder Man: un actor que quiere interpretar a un superhéroe (no al revés)
La premisa juega con las expectativas del espectador familiarizado con los cómics. En el material original, Wonder Man es un superhéroe que se convierte en actor. Aquí, los creadores Destin Daniel Cretton y Andrew Guest le dan la vuelta al guion: Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II) es un actor en apuros que daría cualquier cosa por interpretar en el cine al superhéroe clásico conocido como Wonder Man. Una ironía que resume perfectamente el tono de toda la serie.
Simon no quiere ser un vengador, quiere ser Daniel Day-Lewis. Sus dones son un obstáculo para alcanzar sus sueños de grandeza interpretativa, como explica el co-creador Andrew Guest.
Trevor Slattery roba la función (otra vez)
Si alguien pensaba que esta sería la consagración de Yahya Abdul-Mateen II como estrella del MCU, Ben Kingsley tiene otras ideas. Su Trevor Slattery, el actor británico venido a menos que ya conocimos en “Iron Man 3” y “Shang-Chi”, domina cada escena en la que aparece. No es culpa de Abdul-Mateen II, que hace un trabajo notable construyendo a un personaje ansioso y autoconsciente, sino que Kingsley simplemente es Kingsley.
La química entre ambos actores es el corazón palpitante de la serie. Son dos actores en extremos opuestos de sus carreras aprendiendo a preocuparse por alguien más que ellos mismos. Guest lo define como “una historia de amor sobre dos narcisistas”, y no le falta razón.
Cuando la comedia es en realidad un drama con buena iluminación
Al enfrentarnos a los primeros capítulos nos encontramos con lo que creemos que es una comedia, pero quien espere carcajadas constantes se llevará una sorpresa. “Wonder Man” arranca sonrisas, sí, pero son sonrisas amargas. Vemos a Simon autosabotearse una y otra vez, cargando con el peso de sus inseguridades, sus secretos y su desesperación por triunfar en una industria que no perdona.
Como dice Abdul-Mateen II sobre su personaje: “Simon es tanto inseguro como demasiado confiado. Es ambicioso y ensimismado pero tiene problemas para hacer amigos”. Esa contradicción genera más incomodidad que risas, especialmente cuando las consecuencias de sus decisiones se acumulan episodio tras episodio.
Una clase magistral sobre el oficio de actuar
Si hay algo que eleva “Wonder Man” por encima de ser simplemente “la serie rara de Marvel”, es su profundo respeto por la actuación como arte. No estamos hablando de la actuación como profesión glamurosa, sino como algo visceral que nace de las experiencias vividas, del dolor y la alegría transformados en energía creativa.
Guest, que viene de comedias como “30 Rock” y “Brooklyn Nine-Nine”, cambió de registro al trabajar con Kingsley: “Ben es apasionado sobre el papel de los actores en nuestra sociedad y lo que significa tener a alguien cuyo trabajo es intentar entendernos como humanos”. Esa filosofía permea cada conversación entre Simon y Trevor sobre el oficio.
La serie está repleta de meta-referencias cinematográficas, desde proyecciones de “Midnight Cowboy” hasta homenajes a “The Player” de Robert Altman. Trevor cita a Shakespeare cuando habla de que el propósito del teatro es “sostener un espejo ante la naturaleza”, una frase que Kingsley le compartió a Guest de su propia experiencia.
Los Ángeles como personaje principal
Las diseñadoras de producción Cindy Chao y Michele Yu, ambas angelinas, convierten la ciudad en un personaje más. No es el Los Ángeles de postal que vemos en tantas producciones, sino el de los residentes: el teatro Highland Park, el bar Taix en Echo Park, el Clark Street Diner, el edificio Talmadge de 1924 en Koreatown donde Trevor tiene su apartamento deteriorado…
Como señala Cretton: “No solo el glamour de una alfombra roja, sino también la realidad de vivir en un apartamento de una habitación en Lexington Ave”. X Mayo, que interpreta a la agente de Simon, lo resume mejor: “Para hacer esto por la ciudad, por la industria, por las personas que trabajan en servicios de catering o los tipos caminando por Hollywood Boulevard tomando fotos de las estrellas en el Paseo de la Fama”.
El reparto que completa el cuadro
Zlatko Burić, memorable en “Triangle of Sadness”, encarna a Von Kovak, un director excéntrico que es parte Werner Herzog, parte Krzysztof Kieślowski, parte Christopher Nolan. Arian Moayed regresa como el Agente Cleary del Departamento de Control de Daños, aportando el contrapunto de quien observa toda esta absurdidad hollywoodiense desde fuera.
Y luego está la ya citada X Mayo como Janelle Jackson, la agente que puede decirle verdades incómodas a Simon porque cree realmente en su talento. Mayo improviso tanto en el set que muchas de sus líneas terminaron en el corte final, dándole a su personaje una frescura especial.
Una serie que apuesta por la diferencia
“Wonder Man” no se parece a nada que Marvel haya hecho antes, y eso es tanto su mayor fortaleza como su posible debilidad comercial. No hay batallas épicas ni amenazas multiversales. Es íntima, incómoda y profundamente humana, incluso cuando uno de sus protagonistas parece que pueda tener poderes.
Guest admite que Marvel “sabía que era una apuesta” y espera que “les salga bien”. Y eso se nota también en el aspecto: el director de fotografía Brett Pawlak trabajó con Cretton para darle un aspecto indie y terrenal, alejándose deliberadamente de la estética pulida y espectacular del MCU tradicional.
El veredicto
Como dice el propio Simon en uno de los momentos más honestos de la serie: a veces lo único que necesitas hacer es decir tus líneas y salir. Pero “Wonder Man” se queda más tiempo del necesario, observando el dolor detrás de cada audición fallida, cada momento de duda, cada pequeña victoria que sabe a poco. Y en esa vulnerabilidad encuentra algo genuino que pocas producciones de Marvel se atreven a explorar.
“Wonder Man” funciona mejor cuando abraza su rareza y se enfoca en la relación entre Simon y Trevor. Funciona menos cuando intenta encajar en el molde de “contenido del MCU” con conexiones forzadas al universo mayor. Es una serie para quienes disfrutan de dramas de personajes con toques de comedia negra, no para quienes buscan la próxima gran saga de Vengadores.
No es una obra maestra, pero es valiente. Y en el MCU actual, eso ya es algo digno de aplauso.
