Leonard carga con la maldición del Wendigo, una condición que despierta impulsos asesinos incontrolables. En el presente, Logan intenta enseñarle a dominar su ira. En el futuro distópico de Age of Revelation, Leonard lo consigue… y se convierte en un héroe que incluso hereda el nombre de Lobezno. Una evolución potente que Marvel utiliza para que la tragedia golpee todavía más fuerte.
Un rescate que empieza con un intento de asesinato
Sí, el plan consiste literalmente en asesinar a Lobezno para devolverle la libertad. Marvel en estado puro.
Mientras Leonard y Kurt intentan evitar que el plan termine en desastre, Vindicator ejecuta la jugada decisiva: amputa el brazo izquierdo de Logan y, combinando el impacto físico con su olor —detalle muy animal y muy del personaje—, consigue romper el condicionamiento mental que lo había convertido en el asesino personal de Revelation.
Funciona. Logan vuelve a ser él mismo. Pero el precio está a punto de cobrarse.
Dos muertes que dejan cicatriz
Los seguidores de Revelation han estado observando la escena desde la distancia y atacan en cuanto Logan recupera la conciencia. Vindicator se queda atrás para cubrir la huida, sacrificándose sin titubeos. Una muerte heroica, directa y devastadora, especialmente por el vínculo emocional que la unía a Logan.
Sí, Marvel ha matado a Nightcrawler. Sin explosiones ni discursos épicos. Simplemente, su cuerpo no aguanta más.
Para garantizar la huida definitiva de Logan, Leonard libera por completo al Wendigo que lleva dentro, distrayendo a los enemigos y permitiendo que Lobezno escape. El coste es absoluto: Leonard también pierde la vida, cerrando su arco de redención de la forma más amarga posible.
The Last Wolverine #3 ya está disponible en tiendas, y deja claro que Age of Revelation no quiere ser un evento cómodo. Marvel ha apostado por el drama, las consecuencias reales y el dolor que no se cura con factor regenerativo. Lobezno ha recuperado su alma… pero lo que ha perdido por el camino no se regenera.
Lo más inquietante es que Marvel consigue que el lector entienda —aunque no comparta— la decisión. Porque esta vez, Peter no se enfrenta a un villano clásico, sino a la persona que más ha marcado su vida… convertida en algo que jamás quiso ser.
Spider-Man mata a la tía May en una realidad donde no hay finales felices
La historia está escrita por Joe Kelly y cuenta con el dibujo contundente de Kev Walker, y se sitúa en la línea temporal conocida como Age of Revelation. Un futuro alternativo donde el X-Virus ha arrasado con la humanidad, matando a millones y provocando mutaciones incontrolables en los supervivientes.
Pero Peter esconde un secreto desde hace diez años. Uno que jamás se ha atrevido a contar.
La tía May también mutó
Su transformación es especialmente cruel: cuando siente miedo o confusión, se convierte en una criatura monstruosa que devora personas. Consciente de que May jamás soportaría vivir sabiendo eso, Peter la mantiene oculta, aislada del mundo y constantemente calmada, mientras busca una cura que nunca llega.
El frágil equilibrio se rompe cuando May ve a Peter sin máscara, vestido como Spider-Man. El shock desencadena su transformación, pierde el control y huye, convirtiéndose en una amenaza real para la ciudad.
Por qué Peter Parker toma la decisión más dura de su vida
Sí, Spider-Man mata a la tía May. Y lo hace sabiendo perfectamente lo que implica.
Peter justifica su decisión por dos razones clave:
La tía May jamás habría querido vivir siendo responsable de la muerte de inocentes.
Su testamento vital incluía una orden de no reanimación, y Peter interpreta que esta situación extrema entra dentro de esa voluntad.
El golpe emocional final llega cuando, instantes antes de morir, May recupera su forma humana. Lo justo para agradecerle a Peter lo que ha hecho, por liberarla y evitarle seguir viviendo como un monstruo. Un momento breve, íntimo y demoledor que deja a Spider-Man completamente roto por dentro.
No hay alivio, no hay victoria. Solo culpa y silencio.
Un Spider-Man sin red, sin familia y sin consuelo
Radioactive Spider-Man no busca el impacto fácil. Plantea una pregunta incómoda: ¿qué ocurre cuando incluso el héroe más moral se queda sin opciones? Este Peter Parker no mata por rabia ni por egoísmo, sino por amor. Y eso hace que la herida sea todavía más profunda.
Porque salvar el mundo, esta vez, significaba perderlo todo.
Radioactive Spider-Man #3 ya está disponible en tiendas especializadas, y deja claro que incluso en universos alternativos, el precio de ser Spider-Man siempre es demasiado alto.
Aquí es donde la cosa se pone interesante. Netflix y Paramount solo quieren una parte del pastel: el estudio de cine. El resto del conglomerado, especialmente las cadenas de cable como CNN o TNT, quedaría en una estructura separada. Y ahí es donde varios analistas levantan la ceja.
La empresaria y veterana de la industria Kay Koplovitz lo ha dicho sin rodeos: se está infravalorando el cable. Puede que ya no esté de moda, pero noticias y deportes siguen teniendo un peso enorme, tanto a nivel de ingresos como de influencia. Un ejecutivo del sector lo resumía así: no todo va camino de cero, por mucho que algunos quieran enterrarlo antes de tiempo.
Por si faltaban ingredientes, entra en escena la política. Donald Trump ha insistido públicamente en que CNN debería pasar a nuevas manos, algo que añade una presión extra al futuro de estas cadenas. No es solo una cuestión empresarial: hay intereses ideológicos, regulatorios y de imagen en juego. Vamos, un cóctel perfecto para que la operación se complique aún más.
Comcast mueve ficha en silencio
Y entonces aparece Comcast, la empresa matriz de Universal Pictures, como ese invitado que llega tarde a la fiesta… pero con posibilidades reales de llevársela. Esta semana anunció la venta de Versant, la compañía que agrupaba sus propias cadenas de cable. Un movimiento que muchos interpretan como una preparación estratégica.
No sería la primera vez que Comcast intenta entrar en la puja. Su presidente, Mike Cavanagh, ya reconoció que estaban “cortos de efectivo” frente a Netflix y Paramount. Pero claro, eso fue antes de esta venta. Y ahora, con más liquidez y menos lastre, el panorama cambia.
Con Netflix aún sin cerrar el trato, Paramount apretando con una oferta hostil y Comcast acechando desde la sombra, una cosa está clara: la venta de Warner Bros. está lejos de resolverse. Y cuando termine, gane quien gane, nada volverá a ser igual en la industria.
Porque si algo nos ha enseñado esta historia es que en Hollywood, cuando parece que el final está escrito… siempre llega un nuevo giro de guion.
El cómic retoma los acontecimientos justo donde terminó el número anterior: la aparente muerte del alcalde de Nueva York, Baxter Stockman, a manos de una entidad demoníaca llamada Ujigami. Un ser que, para sorpresa del lector —y todavía no de los protagonistas—, es en realidad una versión resucitada y corrompida de Splinter.
Un dilema ético
Aquí está el núcleo del conflicto. Splinter siempre fue la brújula moral de las Tortugas, el maestro que les enseñó a proteger a los inocentes, a no cruzar ciertas líneas y a mantenerse unidos como familia. Ahora, convertido en Ujigami, hace exactamente lo contrario: elimina sin piedad a todos los enemigos de sus “hijos”.
Y eso coloca a las Tortugas en una situación tan incómoda como fascinante: tienen que defender a sus propios villanos.
Este conflicto no surge de la nada. Durante la etapa anterior, Jason Aaron ya había explorado una larga separación entre los hermanos, con tensiones emocionales que no se resolvieron del todo. Yang recoge ese legado y lo utiliza como gasolina para este nuevo incendio narrativo.
El resultado es un enfrentamiento interno constante. Leonardo intenta liderar, falla y paga las consecuencias, mientras Raphael no pierde la oportunidad de recordárselo, porque el pique fraternal es tan esencial en esta saga como las katanas o el caparazón.
En el apartado visual, Freddie Williams II y el colorista Andrew Dalhouse brillan especialmente en las escenas de acción, cargadas de dinamismo, violencia contenida y una atmósfera casi sobrenatural. Mantener el nivel tras la marcha de Jason Aaron y Juan Ferreyra no era fácil, pero IDW ha salido sorprendentemente bien parada del relevo creativo.
Defender a criminales despiadados va contra todo instinto. Sin embargo, si las Tortugas permiten que alguien decida quién merece vivir o morir, se convierten en algo que siempre han combatido. Esa contradicción moral atraviesa todo el número y deja claro que esta historia va a largo recorrido.
El mayor enemigo al que se han enfrentado
Yang juega con esa tensión de forma inteligente, repitiendo ciertas frases y conceptos para mostrar que los personajes intentan convencerse de que todo está bajo control… cuando claramente no lo está. La posible redención de Splinter, o su condena definitiva, flota en el aire como una herida abierta.
En otras palabras: Lobo ayuda a Supergirl. No por altruismo, claro, sino porque es lo que toca en ese momento. El mismo scooper asegura que Jason Momoa está espectacular en el papel, algo que no sorprende teniendo en cuenta lo bien que encaja su presencia con la actitud gamberra del personaje.
Nada de rivalidad directa ni de conflicto principal. Lobo entra, aporta caos controlado y se marcha, dejando huella.
Duración y primeras reacciones
Las filtraciones no se quedan ahí. Cryptic4KQual ha confirmado que Supergirlya ha tenido al menos una proyección de prueba, con una duración aproximada de 2 horas y 5 minutos. Las sensaciones generales son… tibias, pero no negativas.
En el lado positivo, Milly Alcock está recibiendo elogios casi unánimes por su interpretación de Supergirl, algo clave para el futuro del DCU. Su versión de Kara Zor-El parece haber convencido incluso a quienes tienen reservas con la película en conjunto.
¿Y Lobo? A pesar de su rol secundario, tiene dos escenas de combate confirmadas, lo que garantiza que su presencia no sea meramente decorativa. Poco tiempo en pantalla, pero bien aprovechado. Como debe ser.
El mercenario más salvaje de DC aterriza en el DCU sin robarle el foco a Kara
La llegada de Lobo al nuevo DCU no es casual, y su inclusión dice mucho de la estrategia de DC Studios con sus personajes secundarios. El cazarrecompensas creado por Keith Giffen y Roger Slifer siempre ha funcionado mejor como agente del caos controlado, alguien que entra en la historia para dinamitarla… y salir antes de que todo se venga abajo. En Supergirl, su rol encaja justo en esa lógica: no eclipsa a Kara Zor-El, pero sí aporta contraste, humor negro y una amenaza física que eleva la tensión sin desviar el eje emocional del relato.
Supergirl se inspira en Supergirl: Woman of Tomorrow, el aclamado cómic de Tom King y Bilquis Evely, aunque Lobo no aparece en la obra original. Su inclusión apunta a una expansión del tono y del alcance del relato, incorporando más elementos del lado cósmico de DC.
La película parece apostar por amenazas intergalácticas, cazarrecompensas y conflictos más amplios, algo que encaja perfectamente con la llegada de Lobo al DCU. Además, introducirlo como secundario carismático permite presentar al personaje sin saturar la historia.
En resumen, Lobo no viene a destronar a Supergirl, pero tampoco a pasar desapercibido. Su papel es contenido, coherente y, sobre todo, una carta clara de futuro dentro del nuevo DC Studios. Y con eso, ya ha hecho más que muchos villanos protagonistas.
El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, la versión rusa del clásico de L. Frank Baum.
Si nos paramos a hablar de estrenos de cine actuales que guarden alguna relación con la novela El maravilloso mago de Oz (1900), lo primero que nos viene a la mente es el filme Wicked: Parte II, secuela de la película que se estrenó el año pasado, que adapta el musical homónimo de 2003 y se encuentra actualmente en cartelera.
Sin embargo, la verdad es que, con mucho menos repercusión mediática, también ha llegado hace poco a la gran pantalla una versión rusa de la famosa historia de L. Frank Baum, bajo el título de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, que es, precisamente, el objeto de análisis de este artículo, tal y como puedes comprobar si continúas con su lectura hasta el final.
Bajo la dirección de Igor Voloshin, esta película cuenta con una duración aproximada de una hora y cuarenta y cinco minutos y está protagonizada por Katya Chervovo (como Ellie), Evgeny Chumok (en el papel del Espantapájaros), Yuri Kolokolnikov (que encarna al Hombre de Hojalata), Svetlana Khodchenkova (que se mete en la piel de Bastinda), Dmitriy Cheborotev (que hace de Urfin Jus), Sergei Epishev (que se mete en la piel del Devorahombres), Egor Kareshkov (que se convierte en el padre de Ellie), Sofya Lebedeva (que se trasforma en la madre de la niña), Alexandra Bogdanova (como Vilina) y Vasilina Makotseva (en el papel de Gingema).
Junto a todos los actores mencionados en el párrafo anterior, podemos destacar a Denis Vlasenko, a Artur Volko, a Yana Sektse y a Alexander Kovriznykh (que se encargan de poner la voz a Totó, al León Cobarde, a Romina y a Koggi Karr, respectivamente). A continuación, puedes ver el tráiler.
Según se nos cuenta a lo largo de la película de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, Ellie es una niña malcriada y egoísta que vive obsesionada con internet. Sin embargo, cuando un tornado la separa de su familia y se la lleva, junto a su perro Totó, a un mundo desconocido, la joven comienza a aprender a valorar las cosas que realmente importan, como la familia y los seres queridos.
Pese a que, al final de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, nos encontramos con que la película queda inconclusa, a la espera de que los frentes abiertos se resuelvan en una futura secuela, no contiene ninguna escena post-créditos, por lo que no es necesario quedarse hasta el final a la espera de alguna revelación de última hora.
Aunque El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas está basado en la ya mencionada novela de L. Frank Baum, podemos comprobar que se aprecian diversos cambios, entre los que podemos destacar el hecho de que ningún personaje (con la excepción de Totó) se llame igual que los originales, que la película transcurra en la época actual, que la niña tenga padres, en vez de tíos, o que el perro pueda hablar en Oz, por citar cuatro claros ejemplos.
Cabe destacar que resulta curioso que la película lleve por título El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas y, sin embargo, el personaje que da título al filme no aparezca más que en la escena final, solo para mostrarnos su voz y su sombra, ya que ni siquiera llegamos a apreciar una mínima parte de su aspecto físico, por lo que todo parece indicar que tendremos que esperar a la secuela para ello.
Otro aspecto que también merece la pena que se mencione es el hecho de que no se ha elegido el mejor momento para el estreno de El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas, puesto que, al coincidir en cartelera con las dos películas ya mencionas de Wicked y no haber sido apenas publicitada, ha pasado por lo cines con más pena que gloria, a pesar de que tenía potencial para mucho más.
Por tanto, si eres fan de la novela original de L. Frank Baum y no te importan demasiado los cambios introducidos en esta versión, no cabe la menor duda de que El Mago de Ciudad Esmeralda: El camino de baldosas amarillas es una opción bastante correcta para pasar casi dos horas de entretenimiento.
Ellie, una niña de 8 años, y su fiel perro Totó acaban en el mágico mundo de Oz, arrastrados por un tornado que conjuró la malvada bruja Gingema para destruir el mundo de los humanos. En esta primera entrega, Ellie y sus nuevos amigos el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde emprenderán un viaje por el camino de baldosas amarillas hacia Ciudad Esmeralda, en busca del grande y temible mago Goodwin, quien debería concederles sus mayores deseos.
En la secuela, Karl Urban da vida a Johnny Cage, una antigua estrella del cine de acción cuyos días de gloria quedaron atrás. Cuando Earthrealm se ve amenazado por fuerzas interdimensionales, Cage es reclutado para participar en el torneo más letal del multiverso. Carisma, humor afilado y artes marciales de alto nivel: el cóctel perfecto… sobre el papel.
En declaraciones a Entertainment Weekly, Urban confesó que pidió explícitamente una película cargada de acción, sin imaginar el nivel de exigencia que eso implicaría. “Pedí una película con mucha acción y, por mis pecados, me la dieron”, bromeó el actor. “Es el papel más desafiante que he asumido en mi carrera”.
Un personaje muy exigente
Y no lo dice por la cantidad de escenas violentas, sino por algo mucho más concreto: las artes marciales. Según Urban, el estilo de combate de Johnny Cage es extremadamente específico, con coreografías precisas, movimientos definidos y una ejecución que no perdona errores. Aquí no vale improvisar ni esconderse tras el montaje.
Además, Mortal Kombat II promete subir todavía más la apuesta respecto a la película de 2021. Según la sinopsis oficial, los campeones favoritos de los fans, ahora acompañados por Johnny Cage, se enfrentarán en una batalla sin reglas para detener el reinado oscuro de Shao Kahn, una amenaza directa a la existencia de Earthrealm.
Vamos, que no habrá medias tintas: más violencia, más combates y más gore, justo lo que los fans llevan años pidiendo sin ningún tipo de vergüenza.
Detrás de las cámaras repite Simon McQuoid como director, mientras que el guion corre a cargo de Jeremy Slater, una combinación que apunta a una secuela más sólida, más directa y, sobre todo, más fiel al espíritu del videojuego creado por Ed Boon y John Tobias.
Porque si algo queda claro es que Karl Urban ha sudado, sangrado y aprendido a pegar patadas como nunca antes. Y cuando un actor dice que este ha sido el trabajo más duro de su carrera… igual conviene tomárselo en serio.
The Apothecary Diaries, la reina indiscutible del streaming
Que The Apothecary Diaries haya liderado el ranking no es casualidad. La serie basada en las novelas ligeras de Natsu Hyūga ha conseguido algo muy complicado: enganchar tanto al público general como al más exigente.
Su éxito en U-Next coincide además con otros rankings recientes: Yahoo! Japan la situó como el segundo anime más comentado del año, confirmando que no es solo una moda puntual. Y por si fuera poco, la temporada 3 ya está en producción y llegará en 2026. Sí, Maomao todavía tiene mucho veneno que repartir.
Solo Leveling, el “outsider” que terminó ganando
El tercer puesto de Solo Leveling es probablemente el dato más llamativo del ranking. Y es que, históricamente, la serie nunca ha sido un fenómeno masivo en Japón, al contrario de lo que ocurre en Corea o en Occidente.
Aun así, su temporada 2, emitida durante el invierno de 2025, logró colarse entre los títulos más vistos del año. La historia de Sung Jin-woo, el cazador más débil del mundo que obtiene la capacidad de subir de nivel sin límite, sigue funcionando como un power fantasy sin complejos.
Puede que en Japón no tenga el aura de obra maestra, pero en streaming los números mandan. Y aquí, Solo Leveling ha demostrado que sigue teniendo tirón… aunque sea a base de subir estadísticas como si no hubiera un mañana.
La relación entre Okarun y Momo Ayase, junto con su delirante universo sobrenatural, ha convertido la serie en una de las más comentadas del año. No por casualidad, la temporada 2 fue número uno en ABEMA durante el verano de 2025.
Un anime que demuestra que arriesgar visualmente y narrativamente sigue teniendo recompensa, incluso en un mercado tan competitivo como el japonés.
Dónde ver los animes más populares de 2025
Para quienes sigan estas series fuera de Japón, la disponibilidad es bastante clara:
Sakamoto Days se puede ver en exclusiva en Netflix.
The Apothecary Diaries, Solo Leveling y Dandadan están disponibles en Crunchyroll.
Así que sí, si este ranking te ha dado FOMO, no tienes excusa.
La cosa no se queda ahí. El 31 de diciembre también verá el cierre de una saga clave con X-Men: Age of Revelation Finale #1, además de nuevas entregas de títulos muy reconocibles para los fans: The Ultimates #19, Punisher: Red Band #4, Predator Kills the Marvel Universe #5 y Marvel Zombies: Red Band #4. Vamos, una Nochevieja muy familiar… si tu familia incluye simbiontes, mutantes y depredadores intergalácticos.
La lista se completa con Marvel Knights: The World to Come #5, The Undead Iron Fist #4, Star Wars: Boba Fett – Black, White & Red #4 y el siempre omnipresente Marvel Previews #52, asegurando que Marvel esté presente en todos los rincones de las estanterías justo antes de arrancar 2026.
Aun así, el contraste es brutal. Marvel domina en solitario el foco mediático y comercial, algo que inevitablemente se reflejará en la Bleeding Cool Weekly Bestseller List de la primera semana de 2026. Sin competencia directa, las grapas de la Casa de las Ideas tienen vía libre para copar los primeros puestos.
Dark Horse Comics suma atractivo con Star Wars: Hyperspace Stories – The Bad Batch: Rogue Agents #1, mientras que BOOM! Studios apuesta por Marian Heretic #3, Mighty Morphin Power Rangers: Zord Quest #1 y Mary Sue #3. También hay movimiento en Dynamite con ThunderCats: Lost #10, en Mad Cave Studios con Flash Gordon #14, y en Oni Press, que lanza Skin Police 2 #4 y Wild West C.O.W.-Boys of Moo Mesa #4.
La diversidad se completa con Udon Studios y sus nuevos títulos de Street Fighter, además de propuestas de Kodansha, Keenspot y Antarctic Press, demostrando que la industria no se detiene, aunque algunos gigantes sí decidan hacerlo.
En Alias: Red Band, una serie de asesinatos brutales en Hell’s Kitchen arrastra a Jessica Jones a una investigación que se va torciendo página a página. Casada con el alcalde Luke Cage, Jessica no puede permitirse errores… lo que, obviamente, significa que los va a cometer todos.
Un regreso con sabor a Max, pero actualizado
Para resolver el caso, se verá obligada a formar una alianza tan incómoda como peligrosa con Typhoid Mary, una de las villanas más imprevisibles del entorno de Daredevil. Nada puede salir mal, salvo absolutamente todo. Cuanto más profundiza en el submundo del barrio, menos sentido tiene la verdad que va descubriendo, y más preguntas surgen.
La detective más cínica de Marvel vuelve a sus orígenes
Jessica Jones no nació para ser un icono amable, y ahí está gran parte de su encanto. Desde su debut en Alias, el personaje rompió moldes dentro del cómic superheroico apostando por trauma, cinismo y una mirada adulta que pocos títulos de Marvel se atrevían a explorar entonces. Frente a héroes impecables y villanos grandilocuentes, Jessica siempre fue humana, imperfecta y profundamente incómoda, una rara avis que conectó con lectores que buscaban algo más que capas y discursos épicos.
Además, Alias: Red Band llega en un contexto especialmente jugoso. Marvel está recuperando a sus personajes urbanos con más personalidad, y Jessica destaca incluso entre figuras como Daredevil o Punisher por su ironía, su falta de épica y su brutal honestidad emocional. No es la más fuerte ni la más noble, pero sí una de las más creíbles, y eso, 25 años después, sigue siendo su mayor superpoder.
El momento perfecto para el regreso de Jessica Jones
Con Matt Murdock de nuevo en activo y el regreso progresivo del universo Netflix, solo faltan Iron Fist y Luke Cage para completar el combo Defenders. Mientras tanto, Alias: Red Band sirve para reposicionar a Jessica y a Luke Cage de cara a “grandes planes” editoriales en 2026, según ha dejado caer Marvel.
Humphries lo tiene claro y no disimula el respeto por el personaje:
“Nadie lo hace como Jessica Jones. Es afilada, amarga, jodidamente tenaz”, explica el guionista. “Quiero llevar al límite los casos que puede investigar… y hasta dónde está dispuesta a llegar para resolverlos.”
Traducción: no habrá zonas de confort, ni para Jessica ni para el lector.
