Según el conocido filtrador AestheticGamer, habitual en las conversaciones sobre la franquicia, el remake de Code: Veronica estaría apostando por una dirección mucho más terrorífica que el juego original. Eso no significa que desaparezcan sus momentos más exagerados o sus secuencias de acción más marca de la casa, pero sí que el terror ganaría bastante más protagonismo.
Si hablamos de títulos importantes dentro de la saga, Code: Veronica no es precisamente un secundario cualquiera. Lanzado originalmente en el año 2000, fue una continuación directa del universo iniciado en Resident Evil 2 y permitió reunir a Claire y Chris Redfield dentro de la misma historia.
La trama arrancaba con Claire infiltrándose en unas instalaciones de Umbrella en Europa mientras buscaba a su hermano. El problema, claro, es que acababa capturada y enviada a una prisión remota donde el desastre biológico habitual convertía todo en una pesadilla. Después llegaban Steve Burnside, una base en la Antártida y uno de los villanos más extravagantes que ha dado la franquicia.
No parece casualidad este giro hacia el horror. Resident Evil 6 intentó convertir la saga en un festival de acción total y el resultado dejó a muchos bastante fríos. Sí, vendió bien, pero creativamente fue uno de los momentos más discutidos de la franquicia.
Después llegó Resident Evil 7 y aquello fue casi una terapia colectiva para los fans. Volvió la tensión, el aislamiento, la vulnerabilidad y esa sensación de que cada bala cuenta. Desde entonces, Capcom ha sabido jugar bastante mejor sus cartas.
Lo interesante es que Code: Veronica podría no ser el único proyecto sobre la mesa. Los rumores también llevan tiempo apuntando a una nueva reinterpretación del primer Resident Evil e incluso a una posible revisión de Resident Evil 0.
Capcom, viendo el rendimiento comercial de estos regresos, sabe perfectamente que tiene una mina de oro entre manos. Pero no basta con rehacer gráficos bonitos. Los fans quieren sentir que vuelven a sobrevivir, no simplemente a disparar con mejor iluminación.
La 2ª temporada de X-Men 97 apunta a una segunda temporada mucho más ambiciosa con viajes temporales, villanos clásicos y sorpresas para los fans mutantes
Y sí, eso reabre una de las teorías favoritas de los fans: el posible regreso de Gambito como uno de los Jinetes de Apocalipsis. Marvel no lo confirma en este material filtrado, pero tampoco parece precisamente interesada en apagar esa especulación.
Más mutantes, más equipos, más caos
El tráiler también introduce a Nathaniel Richards en su identidad de Rama-Tut, una incorporación que puede cambiar por completo el alcance de la historia. Para quien no esté muy metido en la genealogía Marvel: hablamos de una variante temprana vinculada a Kang, así que sí, los viajes temporales podrían complicarse muchísimo más de lo esperado.
Pero quizá lo más jugoso para muchos fans sea la llegada de nuevos equipos.
Por un lado aparece X-Force, con una alineación bastante potente formada por Cable, Arcángel, Psylocke, Sunspot y Jubilo. Una combinación que apunta a acción mucho más agresiva y un enfoque menos clásico que el del equipo principal.
Por otro, también se deja ver X-Factor, con Havok, Polaris, Strong Guy, Wolfsbane, Multiple Man y Val Cooper. Marvel parece querer expandir este universo animado a lo grande, casi como si estuviera construyendo su propio miniuniverso mutante paralelo.
Marvel confirma ventana de estreno
Aunque el tráiler filtrado no incluye fecha concreta, sí sabemos oficialmente que la serie volverá en 2026.
“La temporada 2 de X-Men ’97 llegará en 2026. Estamos trabajando en ello ahora mismo. Es emocionante.”
También dejó claro el cariño personal que hay detrás del proyecto, explicando que resucitar esta serie era casi un sueño personal ligado a su infancia como fan de Marvel.
Una primera temporada que dejó el listón peligrosamente alto
No era fácil recuperar una serie tan querida sin destrozar el recuerdo colectivo. Pero lo hicieron.
Ciclope brilló como nunca, Magneto tuvo uno de sus mejores retratos en pantalla y episodios como Remember It dejaron bastante tocado emocionalmente a más de un fan.
Todas las actrices que han dado vida en live-action a la princesa Kitana.
Mortal Kombat es una de las sagas de videojuegos de lucha más famosa del mundo, que fue ideada por Ed Boon y Jon Tobias en 1992. Lo que, en un principio, empezó como una franquicia a la que solo se podía acceder a través de maquinas recreativas, acabó por dar el salto a las consolas domésticas. A día de hoy, la saga sigue contando con montones de adeptos. Su nivel de éxito ha llevado a la franquicia a extenderse hacia otros productos, tales como cómics, series de televisión y películas.
Aprovechando el reciente estreno de Mortal Kombat II en el cine, los últimos productos mencionados en el párrafo anterior, son en los que nos interesa detenernos en este caso, ya que, al igual que hicimos en su momento con Johnny Cage, si continuas con la lectura de este artículo hasta el final, podrás sumergirte en el repaso a todos los actrices que han interpretado nada menos que a Kitana, princesa de Edenia y uno de los personajes femeninos más conocidos de Mortal Kombat, a lo largo de su andadura por la faceta audiovisual de esta franquicia.
Talisa Soto
Esta actriz se encargó de dar vida a Kitana en las películas Mortal Kombat (1995) y Mortal Kombat: Aniquilación (1997). En esta saga, la princesa decide convertirse en una aliada de Liu Kang y el resto de guerreros de la Tierra para enfrentarse contra las fuerzas de Shang Tshung. Para preparase para este papel, la actriz practicó kung fu, taichí chuan y wung durante cinco semanas, además de la lucha con palos brasilera para la segunda parte. Destaca por ser la primera en interpretar al personaje y por ser, hasta la fecha, la que le ha dado vida durante más tiempo en el cine.
Dara Tomanovich
Esta actriz también se metió en la piel de Kitana, como pudimos ver en el episodio 5 de la serie Mortal Kombat: Conquest (1998 – 1999), titulado La Esencia. Aunque cabe destacar que esta versión de la franquicia no está considerada como canónica, la intérprete merece formar parte de este listado simplemente por haber adaptado a este personaje.
Christine Bannon-Rodríguez
Esta artista marciales, que figura como una de las campeonas mundiales más destacadas de Estados Unidos, hizo de doble de riesgo de Dara Tomanovich como Kitana en las escenas más peligrosas del ya citado capítulo de la serie Mortal Kombat: Conquest.
Audie England
Esta actriz también se metió en la piel de Kitana dentro de la serie Mortal Kombat: Conquest, ejerciendo de sustituta de Dara Tomanovich, como pudimos ver en los episodios 12 y 22, titulados Sombra de duda y Venganza, respectivamente. En la prematura cancelación de este espacio televisivo, la princesa parece ser asesinada por orden de Shao Kahn, sin que podamos saber si había intención de traerla de regreso en una tercera temporada que nunca se hizo realidad.
Samantha Jo
Esta fue la actriz que se encargó de dar vida a Kitana en la serie web Mortal Kombat: Legacy (2011 – 2013) en los capítulos 5 y 6 de la primera temporada, titulados Kitana y Mileena, parte 1 y Kitana y Mileena, parte 2, respectivamente, en lo que supuso su debut en el mundo de la actuación, y en el 5 de la segunda (14 de la serie completa), llamado Kitana y Mileena llegan al torneo. No obstante, ser fan del personaje y ser una artista de las arte marciales debió de jugar mucho en su favor.
Sophia Xu
Esta niña interpretó a una joven versión de Kitana en la recientemente estrenada Mortal Kombat II, como hemos comentado al principio del artículo, de modo que los espectadores pudimos presenciar los fatídicos acontecimientos que la princesa tuvo que sufrir en su infancia, en lugar de oírlo relatado de su boca o de la otro personaje que conociera dichos sucesos.
Adeline Rudolph
No podemos terminar este listado sin hablar de la actriz que nos ha mostrado la versión adulta de Kitana en Mortal Kombat II, cuya importancia argumental dentro de la trama justifica que la volvamos a ver en la secuela, como integrante del grupo de los héroes, siempre que el resultado del filme en taquilla sea favorable, que es lo que parece que va a suceder.
Conclusiones
A la hora de elegir a la mejor versión de Kitana, hay que tener en cuenta que Dara Tomanovich, Christine Bannon-Rodríguez y Audie England la interpretaron en una adaptación no canónica, mientras que Samantha Jo solo le dio vida en tres capítulos de una serie, por lo que, sin desmerecer el papel de Talisa Soto, el galardón es para Adeline Rudolph, quien, con la ayuda de Sophia Xu, es la que más ha profundizado en la historia y orígenes del personaje, además de que parece que su encarnación de Kitana no ha hecho más que comenzar.
Es difícil que veamos una nueva encarnación del personaje que eclipse a Adeline Rudolph en el futuro cercano, ya que eso solo podría suceder si la actriz fuera reemplazada o si el filme resultase un fracaso y decidieran reiniciar la franquicia desde cero, aunque, de momento, no parece haber planes al respecto de ninguno de los dos casos.
En los cómics de Marvel, Doctor Doom es considerado el gran enemigo de Reed Richards y los Cuatro Fantásticos. Aunque Doom apareció brevemente en la escena postcréditos de Los Cuatro Fantásticos: primeros pasos, todavía no compartió pantalla con el personaje de Pascal.
Además, el director Matt Shakman ya había comentado anteriormente que Reed Richards será una figura muy importante dentro del futuro del UCM, destacando su faceta como científico, líder y protector de su familia. Esto alimentó las teorías sobre un posible liderazgo de Reed en futuros equipos de Vengadores.
Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026, mientras que Vengadores: Secret Wars se estrenará el 17 de diciembre de 2027. Ambas películas estarán dirigidas por Anthony Russo y Joe Russo, responsables de éxitos como Vengadores: Infinity War y Endgame.
Lo curioso de este regreso es que no se trata de un simple lavado de cara nostálgico. Patlabor vuelve expandiendo su propia cronología original, jugando con una idea bastante inteligente: el futuro que imaginaba en su día ya ha sido alcanzado por nuestra realidad. Lo que entonces parecía ciencia ficción cercana ahora es prácticamente pasado tecnológico, y eso abre una puerta narrativa bastante jugosa.
El manga original se publicó entre 1988 y 1992, acumulando 22 volúmenes y construyendo un universo peculiar dentro del mecha. Porque Patlabor nunca fue simplemente robots peleándose porque sí. Su gran gancho estaba en trasladar esos enormes mechas al día a día policial, mezclando burocracia, humor y acción con una naturalidad que hoy sigue resultando bastante refrescante.
Lo interesante es que este nuevo capítulo parece jugar con el paso del tiempo dentro de la propia continuidad. La web oficial incluso deja caer que “la realidad ha alcanzado la historia en 2026”, una frase que prácticamente define todo el enfoque de este regreso.
Por un lado está Patlabor EZY, el nuevo anime que estrenará su primera parte en cines japoneses este mismo año. Esta nueva producción explorará cómo ha cambiado la Sección 2 de Vehículos Especiales de la policía, uno de los elementos más emblemáticos de la franquicia.
Y por si faltaba algo, también llegará PATLABOR the Case Files, un nuevo videojuego previsto para verano de 2026. Todavía no tiene fecha exacta, pero su simple anuncio confirma que esto no es una ocurrencia puntual, sino una auténtica operación de resurrección de marca. La jugada tiene bastante sentido. En una industria obsesionada con rescatar franquicias dormidas, Patlabor tiene más argumentos que muchas otras para justificar su vuelta.
El rival de Gundam que jugaba otra liga
Comparar Patlabor con Gundam es inevitable, pero también un poco injusto. Mientras la franquicia de los Mobile Suits apostaba por conflictos bélicos, política y drama militar, Patlabor siempre prefirió un enfoque más terrenal y extraño.
Aquí los robots —los famosos Labors— no eran únicamente armas de guerra. También eran maquinaria industrial, herramientas policiales y parte de la rutina urbana. Esa aproximación hacía que el universo resultara mucho más cercano, casi como si Ghostbusters hubiera decidido patrullar Tokio con mechas.
Eso sí, según la versión que consumieras, el tono podía cambiar bastante. El manga era considerablemente más cómico, mientras que las películas dirigidas por Mamoru Oshii ofrecían una visión mucho más oscura, filosófica y adulta. La serie de televisión, por su parte, encontraba un término medio bastante cómodo.
Porque si el mundo de Patlabor estaba ambientado en un futuro cercano que ya hemos sobrepasado, la gran pregunta es evidente: qué ocurre cuando tu propia ciencia ficción envejece dentro de la historia?
Ese detalle puede convertir este regreso en algo mucho más interesante de lo habitual. ¿Siguen siendo útiles los antiguos Labors? ¿Cómo encajan personajes clásicos como Noa Izumi en este nuevo escenario? ¿Ha cambiado realmente el mundo o solo la tecnología? Si Patlabor juega bien sus cartas, puede lograr algo complicado: ser un regreso nostálgico que también tenga algo nuevo que decir.
Blumhouse recupera Something Is Killing the Children, una de las joyas más salvajes del cómic moderno, y ya prepara doble adaptación tras el intento fallido de Netflix
Jason Blum ha vuelto a poner el proyecto en el radar con un mensaje breve pero bastante revelador. El jefe de Blumhouse ha asegurado que está “muy emocionado” por llevar esta historia a la pantalla, dejando claro que la adaptación sigue muy viva. Y no hablamos de una sola producción precisamente.
Blumhouse tiene entre manos una película en acción real y una serie de animación para adultos basada en el exitoso cómic de James Tynion IV y Werther Dell’Edera. Una apuesta doble que deja claro que el estudio quiere convertir esta licencia en algo grande.
La noticia llega además en un momento especialmente dulce para la obra original. Something Is Killing the Children ha vuelto a ganar visibilidad tras las nominaciones a los premios Eisner 2026, incluyendo reconocimiento para James Tynion IV como mejor guionista y para el especial A Monster Hunter Walks into a Bar. Jason Blum aprovechó precisamente esa celebración para recordar en redes sociales que sus planes siguen adelante.
Y tiene lógica. No estamos hablando de un cómic cualquiera. Desde su lanzamiento, la serie se ha convertido en una de las grandes sorpresas del terror moderno en viñetas, con más de dos millones de copias vendidas en todo el mundo. Una cifra que, fuera del ecosistema Marvel y DC, no se consigue precisamente por accidente.
Erica Slaughter no viene a hacer amigos
Si no conoces la obra, el gancho es tan simple como efectivo: cuando monstruos imposibles empiezan a matar niños, solo una persona parece capaz de detenerlos. Esa persona es Erica Slaughter, una cazadora tan letal como misteriosa que reparte respuestas con cuentagotas y violencia con bastante más generosidad.
Blum definió el material como una historia que conecta con “nuestros miedos más primarios”, algo con lo que es difícil discutir. Porque el cómic juega precisamente con esa sensación de horror infantil que mezcla oscuridad, imaginación y la terrible posibilidad de que los monstruos sí existan.
Por su parte, James Tynion IV tampoco ocultó su entusiasmo. El guionista ha reconocido que esta obra cambió su vida y su carrera, y que encontrar un socio que entendiera el potencial del universo de Erica era clave. Según él, Blumhouse era el aliado perfecto.
Lo que Netflix no supo aprovechar
Aquí viene el giro curioso. Porque esta adaptación no empezó con Blumhouse.Netflix intentó sacar adelante una serie basada en el cómic, con Baran bo Odar y Jantje Friese —los responsables de Dark y 1899— implicados en el desarrollo.
De hecho, el proyecto avanzó bastante más de lo que muchos imaginaban. Se llegó a trabajar en guiones y en material preliminar, pero a finales de 2024 la plataforma decidió no seguir adelante. Otra víctima más del cementerio de proyectos prometedores del streaming.
Lo interesante aquí es que Something Is Killing the Children no es solo una historia cerrada con una protagonista potente.Es un universo que puede expandirse con relativa facilidad. Ya lo demostró el spin-off House of Slaughter, cuyo primer número arrasó en ventas.
Eso explica que Blumhouse no se haya limitado a una única película. La combinación de acción real y animación sugiere una estrategia más ambiciosa: explorar distintas capas del mismo mundo sin limitarse a un solo formato.
Y sinceramente, viendo cómo Erica Slaughter encaja entre iconos modernos del horror, cuesta no pensar que estamos ante una futura favorita entre los fans del género.
“Da un giro enorme”, explicó Bettany en declaraciones a Josh Horowitz. Según el intérprete, la producción consigue sentirse como parte del UCM, funcionando como el cierre natural de la historia iniciada en WandaVision y continuada en Agatha All Along, pero al mismo tiempo manteniendo identidad propia.
Lo interesante es dónde arranca la historia. Recordemos que la última vez que vimos a Vision fue en su versión blanca, alejándose tras recuperar sus recuerdos gracias a su contraparte creada dentro del Hex de Wanda. Ahora, ese Vision deberá reconstruirse emocionalmente, recuperar humanidad y descubrir qué significa realmente existir.
Ultron ha vuelto
James Spader regresará como la icónica inteligencia artificial que intentó destruir a la humanidad en Avengers: Age of Ultron. Bettany no quiso revelar demasiado, pero sí confirmó algo especialmente interesante: la relación entre Vision y Ultron será uno de los pilares narrativos de la serie.
“Es delicioso. Es divertidísimo en esta serie. Me encantó volver a trabajar con él”, comentó Bettany sobre Spader. Una respuesta aparentemente sencilla, pero que deja entrever que Marvel quiere explotar la peculiar conexión entre creador y creación.
Un reencuentro cargado de implicaciones
No hablamos de cualquier dinámica. Ultron es, en muchos sentidos, el padre de Vision. Aunque el héroe acabó convirtiéndose en algo completamente distinto, sus raíces están directamente conectadas con aquella IA genocida creada por Tony Stark y Bruce Banner.
Eso convierte su reencuentro en una mina dramática. ¿Puede Vision comprender mejor quién es enfrentándose a quien representa su origen más oscuro?
Y no es el único cabo suelto que Marvel pretende resolver.
Porque VisionQuest también servirá para cerrar definitivamente la llamada trilogía de WandaVision. Eso implica que el personaje podría reencontrarse con varios elementos clave de su pasado: la Bruja Escarlata, si realmente sigue viva, y los gemelos Billy y Tommy Maximoff.
Marvel lleva tiempo moviendo piezas en esa dirección. Billy ya ha ganado relevancia recientemente y Tommy también formará parte de esta historia, así que todo apunta a una reunión emocional que muchos espectadores llevan esperando desde hace años.
¿Camino directo hacia Secret Wars?
La otra gran revelación llegó cuando Bettany fue preguntado por Avengers: Secret Wars. Su respuesta fue tan breve como reveladora.
“Creo que sí”, dijo entre risas, aunque inmediatamente matizó que con Marvel nunca se sabe realmente nada hasta el último momento.
Aun así, que Bettany responda de esa forma no parece casualidad.
Con Secret Wars planteándose como el gran evento multiversal definitivo del UCM, resulta lógico pensar que Vision pueda regresar. Especialmente si VisionQuest consigue devolver al personaje una identidad plenamente funcional y emocionalmente completa.
Un reparto lleno de inteligencia artificial y nostalgia marvelita
También veremos a T’Nia Miller como Jocasta, otro personaje con fuertes conexiones con Ultron en los cómics.
Todo esto sugiere que VisionQuest será mucho más que una historia de superhéroes convencional. Parece una mezcla de ciencia ficción existencial, drama familiar y nostalgia marvelita con consecuencias importantes para el futuro del estudio.
Y siendo sinceros, después de una etapa irregular en Disney+, Marvel necesitaba exactamente una serie así.
El lejano país de los estanques, publicado por Planeta Cómic, es la adaptación de la novela homónima de Lorenzo Silva, a través de Rodolfo Santullo y Carol Medina
La novela gráfica El lejano país de los estanques adapta la primera entrega de la célebre serie policiaca creada por Lorenzo Silva, publicada originalmente en 1998 y galardonada con el Premio Ojo Crítico. La obra supuso el nacimiento literario de Rubén Bevilacqua, por aquel entonces sargento de la Guardia Civil y Virginia Chamorro, guardia de la Benemérita; una de las parejas de investigadores más importantes de la novela negra española contemporánea.
En esta versión publicada por Planeta Cómic, el universo de Lorenzo Silva se traslada al noveno arte gracias al guion de Rodolfo Santullo y al trabajo gráfico de Carol Medina. El resultado no es una mera traslación literal de la novela, sino una reinterpretación visual que conserva la esencia del género negro mediterráneo y el tono desencantado de los personajes originales.
La trama
La historia arranca con el hallazgo del cadáver de una joven austriaca en una urbanización mallorquina. La víctima, Eva Heydrich, aparece desnuda y colgada en circunstancias inquietantes, mientras todas las sospechas apuntan inicialmente hacia una mujer suiza vinculada sentimentalmente con ella.
El caso lleva al sargento Rubén Bevilacqua y a la novata Virginia Chamorro, ambos investigadores de la Unidad Central Operativa (UCO) de la policía judicial a infiltrarse en el ambiente turístico de Mallorca, entre urbanizaciones de lujo, extranjeros adinerados y personajes moralmente ambiguos.
Más allá del misterio criminal, la obra funciona como un retrato de la España turística de finales de los noventa, mostrando un espacio donde conviven el hedonismo, la corrupción y cierta decadencia moral bajo la apariencia de un paraíso vacacional. El relato mezcla la investigación policial clásica con diálogos cargados de ironía y observaciones sociales muy propias de Silva.
Aunque el argumento sigue las convenciones del género negro, lo más atractivo continúa siendo la dinámica entre Bevilacqua y Chamorro. Él es culto, además de escéptico y sarcástico; mientras que ella es reservada y metódica. La relación entre ambos aporta humanidad y equilibrio a una trama que podría haber derivado únicamente hacia el suspense criminal.
El guion de Rodolfo Santullo
La adaptación de Rodolfo Santullo demuestra un gran respeto por el material original. El guionista entiende que la fortaleza de la novela no reside únicamente en el misterio, sino en la voz narrativa y en la psicología de los protagonistas. En consecuencia, el cómic mantiene el tono reflexivo y el humor seco característico de Bevilacqua sin saturar las páginas con texto excesivo.
Santullo sintetiza con habilidad una novela relativamente compleja en apenas 120 páginas, seleccionando las escenas esenciales y manteniendo un ritmo muy fluido. La investigación avanza de forma clara y cinematográfica, evitando que el lector se pierda entre las subtramas o las explicaciones demasiado literarias.
También destaca cómo el guion aprovecha el lenguaje visual para reemplazar parte de la introspección presente en la obra de Silva. Muchas emociones y tensiones se transmiten mediante los silencios, las miradas o las composiciones de página, algo fundamental en una buena adaptación al cómic.
El dibujo y color de Carol Medina
El apartado gráfico de Carol Medina es probablemente el elemento más distintivo de esta novela gráfica. Su estilo combina el realismo expresivo con una narrativa visual muy limpia, favoreciendo siempre la claridad de la lectura. Los personajes poseen una personalidad propia y los escenarios mediterráneos, con una estética como los pósteres de Corrupción en Miami, transmiten tanto la belleza como una sensación latente de corrupción y peligro.
Especialmente notable es el uso del color. Medina emplea una paleta cálida y luminosa para representar el entorno vacacional mallorquín, pero introduce unos contrastes fríos y unas sombras densas en las secuencias más turbias de la investigación. Ese juego cromático refuerza la dualidad central de la historia como es la coexistencia entre el paraíso turístico y la violencia oculta bajo la superficie.
La artista también maneja muy bien los tiempos narrativos. Las escenas de conversación tienen naturalidad y ritmo, mientras que los momentos de tensión criminal recurren a unas composiciones más cerradas y expresivas. El resultado visual recuerda por momentos al polar europeo contemporáneo, con una puesta en escena elegante y sobria.
En definitiva, El lejano país de los estanques es una adaptación sólida y muy competente de una novela fundamental dentro del género negro español contemporáneo. El cómic consigue conservar el espíritu literario de Lorenzo Silva mientras explota las posibilidades visuales del medio gracias al trabajo conjunto de Rodolfo Santullo y Carol Medina.
La obra funciona tanto para lectores habituales de Bevilacqua y Chamorro como para quienes se acerquen por primera vez a estos personajes o hayan leído cómics como: File number, Olvido culpable, Over, Destrozados o American Paranoia.
Su combinación de suspense policial, crítica social y atmósfera mediterránea ofrece una lectura entretenida y madura, reforzada por un apartado gráfico elegante y perfectamente coherente con el tono de la historia.
La edición
El lejano país de los estanques está publicado por Planeta Cómic, con una encuadernación en tapa dura, con unas medidas de 18.3 x 25.5 cm, a color y una extensión de 120 páginas.
Más que una simple adaptación, esta novela gráfica demuestra cómo el cómic puede reinterpretar con personalidad propia una obra literaria reconocida sin perder profundidad ni identidad.
El cuerpo desnudo de una joven austriaca pende atado de las manos en un chalet mallorquín. Ni los signos de violencia, ni la pestilencia de una muerte estival ocultan su inquietante belleza. En el revólver hallado en la basura abundan las huellas de una sesentona suiza de fama libertina, pero la vida turbia de la joven, Eva Heydrich —un ser irresistible consagrado tanto al placer como a la destrucción—, sugiere que la sencillez del crimen es tan sólo la punta de un iceberg.
En Madrid, la Guardia Civil confía el caso al experimentado sargento Rubén Bevilacqua, o «Vila» para sus compañeros, ex-psicólogo desempleado para quien Jung era sólo un aficionado, y a la inexperta agente Virginia Chamorro, cuya eficacia policiaca será puesta a prueba por primera vez. De incógnito entre nudistas teutones, turistas desenfrenados y mafiosos locales, Bevilacqua y Chamorro se adentrarán en el reverso oscuro de una apacible urbanización mallorquina tratando de desentrañar los últimos días de la joven asesinada.
El primer caso de la ya famosa pareja, Bevilacqua y la agente Chamarro, de la aclamada novela de Lorenzo Silva, cobra vida gracias al dibujo de Carol Medina y del guion de Rodolfo Santullo.
Kripke también reveló que el guiño a Supernatural con la mención del “Impala” fue añadido durante la postproducción como homenaje final al actor y a la serie en la que trabajaron juntos.
Por otro lado, el showrunner dejó escapar un detalle importante sobre el futuro de Homelander. Durante una charla en YouTube, insinuó que el personaje moriría en el desenlace de la quinta temporada, algo que rápidamente generó debate entre los seguidores.
Aunque el universo de The Boys seguirá expandiéndose con producciones como Vought Rising y The Boys: Mexico, muchos fans esperan que la serie principal consiga cerrar su historia con un final a la altura.
La quinta temporada se emite actualmente en Prime Video.
La saga de ‘Halloween’ a lo largo de la historia ha generado críticas mixtas, pero aún con sus altibajos siempre ha atraído al espectador.
La saga de ‘Halloween’ lleva a sus espaldas nada más y nada menos que 13 películas, contando con secuelas, reboots y líneas temporales alternativas. Desde que se estrenó la película original en 1978 la saga ha pasado por altibajos, incongruencias narrativas, epicidad, aciertos y mucho más.
Es por ello que a continuación vamos a ordenar todas las películas de la saga de ‘Halloween’ de peor a mejor, para analizar en que ha fallado y en qué ocasiones fue un acierto tomar ciertas decisiones; ¡Vamos alla!
Halloween III: la noche de las Brujas (1983)
Resulta curioso que una película titulada Halloween III sea tan radical en todos sus aspectos. Desde el guión hasta la atmósfera se sienten totalmente independientes de la saga de Michael Myers, tanto es así que hasta el mismo Michael no aparece en ningún momento de la cinta.
La película cuaja como película de terror, pero al ser un ranking en el que se está valorando la saga original en la que el significado del Halloween es el propio Michael Myers, no puedo puntuarla por encima de ninguna otra.
Halloween Ends (2022):
Cuando la saga estaba en un punto delicado tras la crítica profesional de Halloween: Kills, muchos pensaban que la última entrega en la que se enfrentarían Lauire Strode y su archienemigo Michael Myers sería épica, y aunque la batalla final tenga cierta epicidad, no deja de ser un producto mal vendido, mal contado y sin ningún ápice de querer resultar coherente con los fans.
Halloween 6: la maldición de Michael Myers (1995)
Una de las entregas más disparatadas y deshonestas dentro del cánon Myers, ya que en ella se había perdido por completo el sentido común dentro de la saga. Ya nada era interesante, no hubo ningún atisbo de querer hacer un producto coherente, y ni si quiera la mejora en el diseño de la máscara de Michael Myers con respecto al despropósito de la de la anterior hizo que destacara absolutamente en nada.
Halloween II (2009):
La secuela de la bestial Halloween: el origen de Rob Zombie no pintaba del todo mal, ya que se seguía manteniendo firme en su atmósfera opresiva y sucia, pero no convenció a prácticamente nadie. No obstante, estamos ante una secuela entretenida y con una buena dosis de violencia.
Halloween: resurrection (2002)
Es imposible no pensar que esta película fue la única responsable de arruinar el final perfecto que nos dejó Halloween: H20. Por lo demás, una secuela poco convincente pero efectiva, y aunque la más “secuelitis” de todas al no aportar absolutamente nada, es entretenidísima y tiene buenas muertes. Eso sí, no le perdonamos al guionista lo que hizo introduciendo a Busta Rhymes en la ecuación.
Halloween 5: la venganza de Michael Myers (1989)
Con un inicio propio de una película de Scary Movie, Michael Myers aún sin poder ver su rostro, se notaba cansado, e incluso triste (lo sabrá quién haya visto la película), ya no era el de antes. Su argumento es tan mediocre que podríamos decir que estamos ante el peor guión escrito de toda la saga, y aunque el diseño de la máscara de Michael se corona como el peor de todos, lo cierto es que resulta más entretenida que Halloween: resurrection.
Halloween: el origen (2007)
A partir de este puesto, se encuentra el ranking con las mejores películas de Halloween, las que considero más astutas y mejor realizadas.
Halloween el origen, dirigida por Rob Zombie, y estrenada en el año 2007, trajo de vuelta a Michael Myers por todo lo alto en un reboot que dejaba claro que nuestro antagonista era aún más maligno de lo que creíamos, ya que esta entrega nos muestra a un Michael más descabellado, más cruel y despiadado, con un origen perverso más que acertado, que hace que lleguemos a entender el por qué la locura de este mal personificado.
Halloween 4: el regreso de Michael Myers (1988)
Tras el fracaso que supuso Halloween III en 1983, alguien tenía que tomar la batuta para incitar a Michael Myers a que saliera de su escondite e iniciara una nueva oleada de muertes entre los jóvenes de Haddonfield. De la mano de Dwight H.Little (director de la posterior Anaconda 2), Halloween 4 supuso el regreso de Michael Myers después de los sucesos de Halloween II:sanguinario (1981), y ¡Qué regreso!, ya que esta secuela mantenía muy bien el nivel con respecto a las dos primeras, y conectó muy bien los hechos de todo lo visto anteriormente. Creo que sin este regreso, Michael habría tardado mucho más en “levantarse de la tumba”, o quien sabe si quizás no existirían tantas secuelas después de esta.
Halloween II: sanguinario (1981)
La continuación de la original Halloween expandía muy bien lo ocurrido en aquella noche de 1978, conectando los hechos en la misma noche que en aquella primera película de John Carpenter. Esta primera secuela de 1981 obtuvo el hándicap que cualquier fan de la saga esperaría, y es que su mayor defecto es ser hija de la obra que lo inició todo.
Por lo demás, la secuela más eficiente y lógica de toda la saga.
Halloween kills (2021):
La secuela de Halloween de 2018 es por mucho la más entretenida de todas, ya que ofrece justo lo que vende, una noche de Halloween en la que todo el peso de la trama recae en Michael Myers, mostrándonos mucha más sangre que en cualquier película de la saga (inclusive Halloween: el origen), y continuando la que fue una de las mejores de la franquicia, Halloween 2018. Laurie Strode no ofrece mucho de su personaje, pero tampoco importa, en esta entrega solo queríamos gozar de “la forma” dando cuchilladas a diestro y siniestro. Una buena secuela.
Halloween H20 (1998):
Halloween: veinte año después es la secuela perfecta para la línea temporal original de Halloween, y que conecta de maravilla con Halloween II (1981). La ambientación es sublime, muy en la línea póstuma a Scream (1996) y Scream 2 (1997), la historia y el guión son simples pero muy efectivos,Jamie Lee Curtis lo hace de maravilla retomando su papel de Laurie Strode, y lo hace resurgiendo de sus cenizas y sentando cátedra una vez más de lo que es ser una final girl de manual, todo ello orquestado, y valga la redundancia, por una banda sonora que le suma epicidad a la banda sonora original de John Carpenter.
Después de una nefasta y caprichosa Halloween 6, que Steve Miner (director de H20) trajera de vuelta a Michael Myers de esta manera tan magistral, simplemente me parece CINE.
El final? Uno de los mejores finales que una película de terror puede tener; concluso, sencillo e inteligentemente épico.
La noche de Halloween (1978):
Era evidente que la original “La noche de Halloween” (1978) de John Carpenter era la número 1 en este ranking.
El clásico que inventó el slasher y que sentó unas bases potentes para que títulos como “Viernes 13” o más tarde “Scream” fueran lo que son a día de hoy.
Halloween fue, es y será siempre una obra maestra, una película inteligente, ágil y poderosa en todos sus apartados.
Las luces y las sombras juegan un punto a favor, se nota que Carpenter era un genio, y que supo en todo momento donde posicionar a Myers para dar esa sensacion amenazante tan enigmática y tan poco encriptada.
