Fede Álvarez se baja de la dirección de Alien: Romulus 2

Aunque Alien: Romulus (2024) revivió la saga con éxito, su director Fede Álvarez no repetirá en la secuela

En una entrevista durante el Universal Studios Halloween Horror Nights, el cineasta Fede Álvarez reveló:

“Acabamos de terminar el guion de la secuela de Romulus. Pero voy a ceder la dirección”, explicó. Álvarez confirmó que seguirá vinculado como productor junto a Ridley Scott y que ya están buscando un nuevo director para el proyecto de la popular saga:

“Escribimos la historia porque nos encanta lo que empezamos con Romulus y queremos continuarla”, agregó.

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La decisión responde a un proyecto personal del director que había postergado con su coguionista: “Sentimos que era el momento adecuado para trabajar en una película original. Pero no puedo adelantar nada al respecto”, adelantó.

Por el momento, la trama de la esperada Alien: Romulus 2 se mantiene en secreto y 20th Century Studios no ha anunciado una fecha de estreno.

Star Trek: Strange New Worlds estuvo a punto de terminar con una película en lugar de una última temporada corta

series de ciencia ficción

Los planes iniciales apuntaban a un cierre en dos horas, pero los showrunners lograron algo distinto

A veces, el viaje de una tripulación estelar no acaba como imaginaban sus fans ni sus propios creadores. Ese fue el caso de Star Trek: Strange New Worlds, que estuvo muy cerca de despedirse con una película de dos horas en lugar de una temporada final. La idea sonaba tentadora para algunos, pero resultaba demasiado limitada para un equipo que llevaba años construyendo personajes, relaciones y dilemas cósmicos.

En la convención STLV: Trek to Vegas, la actriz Rebecca Romijn reveló que Paramount llegó a ofrecer ese formato reducido, aunque la propuesta no convenció a los showrunners Akiva Goldsman y Henry Alonso Myers. Según la intérprete de Número Uno, “no podíamos cerrar tantas tramas en tan poco tiempo”. Y gracias a esa resistencia, la serie tendrá finalmente una quinta temporada abreviada de seis episodios en lugar del final cinematográfico.

Star Trek Strange New Worlds

El camino no ha sido sencillo. La producción acaba de terminar su cuarta temporada —que Romijn calificó como “tan buena”— y se prepara para afrontar esa tanda final de capítulos. Para los fans, el anuncio genera una mezcla de emociones: tristeza por la despedida y alivio porque al menos habrá un cierre digno y no un corte abrupto como ocurre con tantas series canceladas sin previo aviso.

Los seguidores del universo trekkie saben bien lo duro que resulta quedarse con preguntas sin respuesta. Series como Star Trek: Enterprise acabaron con un final polémico, mientras que otras nunca llegaron a atar todos sus cabos. Por eso, la posibilidad de ver cómo Pike, Spock, Número Uno y compañía reciben una conclusión planificada se siente como un privilegio.

De un tono ligero a la expectación dramática

La tercera temporada —que aún tiene pendiente su último episodio en Paramount+— ha sido recibida con opiniones divididas. Algunos critican su tono más ligero, mientras que otros disfrutan de ese aire despreocupado que contrasta con los momentos de tragedia que, inevitablemente, acechan en el horizonte. Y es que en Star Trek siempre hay lugar tanto para la comedia como para el sacrificio heroico.

Romijn lo resumió con gratitud: “Nos sentimos afortunados de tener una quinta temporada. No todas las series lo consiguen. Y sabemos hacia dónde vamos y qué nos ocurre. No siempre se da ese lujo”. Su comentario refleja el valor de poder diseñar un final consciente, algo que para una franquicia con tantos fans resulta fundamental.

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¿El inicio de un nuevo Star Trek clásico?

El futuro tras Strange New Worlds está rodeado de especulaciones. Con gran parte de la tripulación clásica del Enterprise ya en escena, no son pocos los que creen que Paramount prepara un semi-reboot de la serie original de los años sesenta. Sería un paso lógico, teniendo en cuenta el éxito de esta precuela y la buena recepción de actores como Ethan Peck en el papel de Spock.

Un proyecto así conectaría directamente con la mitología más reconocible de la saga, manteniendo fresco el legado mientras abre la puerta a nuevas generaciones de fans. Lo cierto es que Star Trek rara vez permanece mucho tiempo fuera de la pantalla, ya sea en series, películas o animación.

Star Trek: Strange New Worlds estuvo a punto de terminar con una película en lugar de una última temporada corta

La importancia de un final con rumbo claro

El hecho de que los creadores hayan rechazado la idea de la película y apostado por seis episodios extra demuestra un respeto notable hacia la audiencia. En un panorama donde muchas producciones acaban de manera abrupta, tener tiempo para cerrar arcos narrativos se percibe como una victoria. Y no es solo para los espectadores: también los actores agradecen poder despedirse de sus personajes con coherencia.

El episodio final de la temporada tres se estrenará el 11 de septiembre en Paramount+, y será el penúltimo paso antes del desenlace que ya se perfila en el horizonte. Hasta entonces, los fans pueden repasar algunos de los capítulos más emblemáticos de la franquicia para alimentar la espera.

James Gunn aclara por qué el DCU no tendrá cómics oficiales en su canon

La estrategia de DC Studios sorprende a los fans que esperaban nuevas historias en viñetas

Cuando pensamos en universos compartidos, la mayoría imaginamos películas, series… y cómics que expanden la experiencia. Sin embargo, James Gunn acaba de echar un jarro de agua fría a los fans del DCU: por mucho que se publiquen novelas o cómics inspirados en las películas, no formarán parte del canon oficial.

El director y actual jefe creativo de DC Studios respondió en Threads a un fan que le preguntaba si le gustaría ver un cómic narrando los orígenes de Clark Kent en el nuevo universo cinematográfico. Su respuesta fue clara: la continuidad solo abarcará lo que se vea en pantalla, tanto en cine como en televisión. Nada de novelas juveniles ni adaptaciones en viñetas será reconocido como parte de la historia oficial.

Canon DCU

Este comentario despeja también las dudas sobre la novela Welcome to Metropolis, un título juvenil que funcionaba como precuela de la película Superman. Aunque muchos pensaban que era una pista para el futuro de la saga, Gunn confirmó que no, que ese material no tiene valor dentro de la continuidad del DCU. Para el director, mantener un canon coherente ya es suficientemente complicado con tantas producciones audiovisuales, así que añadir cómics o novelas solo enredaría más las cosas.

La decisión ha generado debate en redes sociales: algunos fans aplauden la claridad y la intención de evitar contradicciones, mientras que otros sienten que se pierden oportunidades narrativas para profundizar en personajes secundarios o explorar huecos entre películas.

El futuro de Superman en el cine

Más allá de esta polémica, Gunn ya prepara terreno para el siguiente gran capítulo. Ha anunciado que la secuela se titulará Superman: Man of Tomorrow y llegará a los cines el 9 de julio de 2027. Una vez más, él mismo tomará las riendas de la dirección y el guion, reafirmando su apuesta personal por el Hombre de Acero.

El regreso de David Corenswet como Clark Kent y Rachel Brosnahan como Lois Lane está confirmado, al igual que Nicholas Hoult en el papel de Lex Luthor. Sin embargo, la incógnita sigue siendo quién más volverá del reparto de la primera entrega.

DC

Rumores y nuevas incorporaciones

Entre los rumores más sonados, se habla de la posible aparición de Jason Momoa como Lobo y de que Milly Alcock retomaría su papel de Supergirl, tras su debut anterior. Estas incorporaciones podrían marcar un giro importante hacia un universo más coral, acercando a Superman a otros héroes y villanos de DC que todavía esperan su momento de brillar en la gran pantalla.

En Superman (2025), el público ya disfrutó de un reparto repleto de caras conocidas: Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, Wendell Pierce como Perry White, Mikaela Hoover como Cat Grant, Beck Bennett como Steve Lombard, María Gabriela de Faría como The Engineer, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Anthony Carrigan como Metamorpho, Frank Grillo como Rick Flag Sr., Edi Gathegi, Isabela Merced como Hawkgirl y Nathan Fillion como Green Lantern, entre otros.

DC

Un éxito que asegura continuidad

La primera película obtuvo el sello Certified Fresh en Rotten Tomatoes con un 83%, y su recaudación superó los 600 millones de dólares en taquilla mundial. Estos números no solo confirman el interés por la visión de Gunn, sino que garantizan que Warner y DC Studios sigan apostando fuerte por el proyecto.

La gran pregunta ahora es si Man of Tomorrow mantendrá el tono luminoso y esperanzador que conquistó al público o si Gunn se atreverá a oscurecer el relato, como ya ha hecho en otras producciones. Lo que está claro es que Superman sigue siendo la joya de la corona del nuevo DCU y que su evolución marcará el rumbo del resto de películas.

Black Canary en Clayface, la foto de rodaje que ha encendido a los fans del DCU

Clayface

Un simple cartel en el set ha desatado teorías sobre la llegada de Dinah Lance

En el mundo del cine de superhéroes basta con una imagen filtrada para encender la mecha de las teorías. Eso es justo lo que ha ocurrido con Clayface, la nueva apuesta de DC Studios. Una fotografía tomada durante el rodaje en Reino Unido muestra un rótulo con dos palabras que han hecho vibrar a los fans: Black Canary y Gotham City.

Aunque a primera vista pueda parecer un simple detalle de atrezzo, el eco en redes sociales ha sido inmediato. Los seguidores del universo DC se han lanzado a especular si Dinah Lance, la superheroína conocida por su grito sónico, podría hacer su debut en la película de James Watkins.

Clayface en el DCU

El proyecto que dirige Watkins no es un blockbuster al uso. Se trata de una película de corte body horror, escrita por Mike Flanagan junto a Hossein Amini, que reinterpreta al villano clásico de Batman como un actor en decadencia cuya vida cambia tras un procedimiento médico experimental. El resultado es una transformación grotesca que recuerda a referentes como The Fly de Cronenberg o la reciente The Substance.

Con Tom Rhys Harries al frente como Clayface y Naomi Ackie en un papel todavía envuelto en misterio, la cinta promete ser uno de los títulos más oscuros del nuevo DCU. Además, está producida por James Gunn, Peter Safran, Lynn Harris y Matt Reeves, lo que confirma que el proyecto encaja en la nueva hoja de ruta del universo compartido.

¿Easter egg o aparición real?

La gran pregunta es si el cartel visto en el set es solo un guiño para los más atentos o si realmente prepara el terreno para la llegada de Black Canary. No sería la primera vez que DC juega con los fans mediante referencias escondidas, pero la elección de un personaje tan emblemático sugiere algo más.

Dinah Lance es una pieza clave en los cómics de DC desde la Edad de Plata. Heroína callejera, líder ocasional de los Birds of Prey y miembro destacado de la Liga de la Justicia, su presencia abre muchas puertas. La sola mención de su nombre despierta esperanzas de ver también a Oliver Queen, alias Green Arrow, ya que ambos forman una de las parejas más icónicas del cómic estadounidense.

Black Canary en Clayface, la foto de rodaje que ha encendido a los fans del DCU

El peso de Black Canary en DC

A lo largo de los años, Black Canary ha aparecido en series animadas, videojuegos y adaptaciones televisivas como Arrow o Birds of Prey. En el cine, fue interpretada por Jurnee Smollett en Aves de Presa (y la fantabulosa emancipación de Harley Quinn), cinta que no logró consolidar al personaje dentro del anterior DCEU. Ahora, el reboot encabezado por Gunn brinda la oportunidad de reintroducirla con fuerza en la gran pantalla.

Que su nombre aparezca vinculado a Clayface es especialmente curioso, ya que no existe un lazo directo entre ambos en los cómics. Esto refuerza la idea de que la película podría expandir la red de héroes y villanos de Gotham más allá de Batman, introduciendo piezas clave para futuros proyectos.

Teorías y expectativas

En Twitter y foros especializados, las reacciones no se han hecho esperar. Muchos usuarios celebran la posibilidad de que Black Canary aparezca antes de lo previsto en el DCU, mientras que otros especulan con que el cartel simplemente forme parte del mundo ficticio de Gotham. Sea como sea, la filtración ha conseguido lo que toda producción sueña: que los fans hablen de ella sin parar.

Lo interesante es que Gunn, experto en alimentar expectativas sin confirmar nada, no ha hecho declaración alguna al respecto. El silencio de DC Studios solo aviva la intriga. Y dado que Clayface tiene previsto estrenarse el 11 de septiembre de 2026, queda mucho tiempo para que surjan nuevas pistas.

Clayface

Un villano con sabor a clásico del terror

Más allá del debate sobre Black Canary, la propia elección de Clayface como protagonista ya es un movimiento arriesgado. En los cómics, Basil Karlo y sus sucesores encarnan al villano como un monstruo de arcilla capaz de cambiar de forma y adoptar múltiples identidades. Watkins y Flanagan, sin embargo, parecen decididos a centrarse en el drama humano y el horror corporal, un terreno poco explorado en las adaptaciones de superhéroes.

Este enfoque conecta al personaje con una larga tradición de cine de monstruos trágicos, desde El fantasma de la ópera hasta El hombre elefante. Convertir a Clayface en una metáfora de la obsesión por la fama y la autodestrucción promete dar al DCU un tono más adulto y perturbador.

Lo que está en juego para el DCU

Si Clayface logra convencer al público y la crítica, podría marcar un antes y un después dentro del universo compartido de Gunn y Safran. Y si además introduce a Black Canary, sentaría las bases para futuros equipos como los Birds of Prey o incluso la Liga de la Justicia renovada.

El cartel con el nombre de Dinah puede ser un mero detalle decorativo, pero también podría ser la primera pieza de un puzzle mucho mayor. Los fans tendrán que esperar a nuevos anuncios oficiales, pero mientras tanto, la expectación ya está servida.

Un tesoro Pokémon olvidado aparece en un armario tras casi 30 años

Un cartucho azul intacto esconde un error de impresión que lo convierte en una joya única

La mayoría de los coleccionistas de videojuegos sueñan con tropezar algún día con un hallazgo que parezca salido de una fantasía. Pues bien, un afortunado jugador de Pokémon ha hecho precisamente eso al rescatar de un viejo armario una copia de Pokémon Azul completamente sellada, olvidada durante casi tres décadas. Lo increíble es que este cartucho no solo está intacto, sino que guarda un detalle que lo transforma en una pieza de museo.

El usuario de Reddit conocido como sausagenpeppers compartió la foto de su hallazgo y, como era de esperar, encendió la envidia de toda la comunidad. La caja aún conserva la clásica pegatina de KB Toys, símbolo de la época dorada de los 90. Según explicó, sus padres compraron Pokémon Rojo y Pokémon Azul durante las navidades de su lanzamiento. La copia roja terminó abierta y disfrutada, mientras que la azul quedó olvidada, sellada y esperando este glorioso redescubrimiento.

Pokémon azul sellado con error de impresión

Lo más llamativo de este hallazgo no es únicamente su estado impecable, sino un fallo de impresión en la caja que multiplica su valor. En el texto trasero se puede leer que para completar la Pokédex hay que intercambiar con un amigo que tenga la versión Azul, cuando lo correcto sería que dijera “Rojo”. Un error aparentemente menor, pero que convierte a esta tirada inicial en un auténtico santo grial para coleccionistas.

Los especialistas creen que estas cajas defectuosas pertenecen a las primeras remesas de la traducción al inglés. Solo unas pocas sobrevivieron al paso de los años, por lo que cualquier ejemplar en buen estado ya se considera extremadamente raro.

Cuánto puede valer esta reliquia

Las cifras que se manejan en el mercado de coleccionismo marean a cualquiera. Hay copias graduadas con la nota 9.6 de Wata Games que se ofrecen en subastas por más de 120.000 dólares, aunque eso no garantiza que se vendan. Un ejemplar en estado 9.4 sí llegó a cambiar de manos recientemente por 1.536 dólares. En cualquier caso, la copia de sausagenpeppers está en un estado tan increíble que podría alcanzar fácilmente miles de euros si decidiera ponerla a la venta.

Claro que siempre queda la tentación de hacer lo impensable: romper el precinto y jugarlo como si fuera 1999. Sería un sacrilegio para cualquier coleccionista, pero también un gesto romántico que recordaría que los videojuegos están hechos para disfrutarse.

Pokémon

Nostalgia noventera

Este hallazgo nos transporta a una época en la que el fenómeno Pokémon apenas comenzaba. Muchos recuerdan la emoción de elegir entre Charmander, Squirtle o Bulbasaur, el uso del cable Link para intercambiar criaturas y esas largas partidas en la pantalla verdosa de la Game Boy. Encontrar una copia virgen de aquella era es como abrir una cápsula del tiempo, un recordatorio físico del impacto cultural que tuvo la franquicia.

Además, no es el primer caso en que un error de imprenta dispara el valor de un producto de entretenimiento. En el mundo del cómic, por ejemplo, variantes con portadas defectuosas se cotizan hoy como auténticas joyas. Lo mismo ocurre en la música, donde discos con etiquetas mal impresas alcanzan precios impensables.

Un tesoro Pokémon olvidado aparece en un armario tras casi 30 años

¿Vender o guardar?

La gran pregunta es qué hará su dueño. Podría conservarlo como un trofeo personal, venderlo para obtener una buena suma de dinero o convertirse en leyenda rompiendo el precinto. Sea cual sea la decisión, lo cierto es que este Pokémon Azul se ha ganado un lugar en la historia de los videojuegos retro.

Lo que parece seguro es que historias como esta seguirán alimentando la pasión por coleccionar, recordándonos que los armarios, altillos o trasteros pueden esconder auténticos tesoros.

Reseña de Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos

Ed Brubaker se une a un montón de autores para revelar la historia secreta del inicio del Capitán América en un tomo de lujo a cargo de Panini Comics

Panini Comics vuelve a publicar otro tomo de lujo con dos nombres que al estar juntos siempre funcionan bien: Steve Rogers y Ed Brubaker. En esta ocasión se trata del tomo Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos, donde nos adentraremos en los inicios del Capitán América y en la vida en solitario del Soldado de Invierno entre otras cosas…

Reseña de Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos

Rogers begins

Este integral empieza fuerte. Estamos en plena Segunda Guerra Mundial y vamos a vivir esos primeros tiempos en los que el Capitán América era un héroe bélico americano desde el punto de vista de su inseparable compañero Bucky Barnes. Empezamos en la época de la América en blanco y negro, la que tanto añoran muchos americanos de hoy en día sin haberla vivido, y acompañaremos a esta pareja desde su adiestramiento hasta la “muerte” de Bucky, pasando por mucho puñetazo a los nazis y por la participación de los Defensores originales. Y todo ello para desembocar en un presente en el que el Soldado de Invierno se gana cada día la redención por los pecados del pasado…

Pero la auténtica estrella de este primer arco en el que Brubaker está acompañado en el guion por Marc Andreyko es sin duda el dibujante Chris Samnee, que con su estilo limpio nos transporta directamente ochenta años atrás. El dibujante hace aquí un trabajo excepcional y su estilo casa a la perfección con el tipo de historia que se nos relata. Una lástima que solo le tengamos en este primer arco, aunque los que recogen el testigo no son mancos precisamente…

Y es que precisamente es otro magnífico artista como Francesco Francavilla al que veremos en el siguiente arco, ya ambientado en la actualidad. En esta ocasión la historia, donde James Asmus complementa a Brubaker, contiene bastantes elementos terroríficos, y Francavilla utiliza su habitual paleta de colores de tonos cálidos introducir a Steve y a Bucky en una trama muy alejada de lo que habitualmente vemos en la serie del Capitán América. Y, en esta ocasión, eso es algo muy bueno.

Reseña de Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos

Soñadores americanos

A continuación tenemos el arco que da título al tomo. En esta ocasión es el genial Steve McNiven el principal responsable del apartado gráfico. En esta ocasión tendremos una trama oscura en la que el pasado del Capi tendrá una importancia vital y en la que la venganza es el motor de todo. Compartiendo protagonismo con Steve tendremos a Sharon Carter, a Nick Furia y un joven muy poderoso llamado Jimmy Jupiter, que posee la habilidad de visitar un reino imaginario (aunque los lectores habituales ya sabrán esto, ya que este personaje fue creado en 1941).

En la segunda parte del arco cambiamos de dibujante y se incorpora toda una leyenda: Alan Davis. Desde luego, el nivel visual del tomo está por las nubes. Ahora tendremos también la presencia de Ojo de Halcón y la de Halcón (que mal viven estos dos personajes juntos debido a las polémicas traducciones de sus nombres de batalla), que se suman a las escenas de acción en las que Davis se luce con su especial habilidad para la narrativa y con su dominio de la anatomía humana. Si bien es cierto que su trazo puede resultar en ocasiones descuidado, a estas alturas aún sigue siendo una estrella de las viñetas.

Reseña de Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos

El Soldado de Invierno

El último gran arco argumental presente en este tomo tiene como protagonista absoluto a Bucky, y será en esta ocasión otra estrella como es Butch Guice quien ponga al Soldado de Invierno en acción junto a una Natasha Romanoff que pocas veces ha estado mejor. Probablemente esta es la historia que más recuerda a esos primeros números de la etapa de Brubaker en la serie del Capitán América junto a Steve Epting.

Romanoff y Bucky se verán inmersos en una trama de espionaje al más puro estilo Guerra Fría en la que no solo compartirán escenas de acción enfrentándose, por ejemplo, a gorilas gigantes armados, sino también cama. Pero a pesar de todo esto sigue siendo una historia que transcurre en el Universo Marvel, por lo que la aparición de un villano como el Doctor Doom acabará siendo no solo coherente sino también agradable.

En definitiva, estamos ante un tomo que por su heterogeneidad podría parecer un complemento innecesario a la larga etapa de Brubaker con el personaje de Rogers pero que viendo cada uno de los arcos presentes acaba siendo uno de los mejores que nos podemos encontrar. Y si además tenemos en cuenta el apartado visual, se concluye que este tomo es imprescindible para los seguidores del personaje.

El tomo de Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos publicado por Panini Cómics en tapa dura contiene 544 páginas a color con un tamaño de página de 18,3 x 27,7 cm e incluye la traducción de la edición americana de los números Captain America and Bucky 620-628, Captain America 1-10 y Winter Soldier 1-5. El tomo incluye además todas las portadas de los números incluidos, una introducción escrita por David Aliega y una amplia sección de extras al final. El precio de venta recomendado es de 62 € y se puso a la venta en julio de 2025.


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Marvel Integral. Capitán América: Soñadores americanos

Una misteriosa figura del pasado de Steve Rogers ha vuelto a escena, lo que provoca que algunos secretos salgan a la luz. ¡Es el siguiente capítulo en la vida del más importante héroe de Marvel! Además, el camino en solitario del Soldado de Invierno y descubre la historia secreta de los primeros días de existencia del Capi. ¿Cuál fue su primera misión junto a Bucky? ¿Qué conecta aquellas aventuras con los hechos más recientes?

Autores: Francesco Francavilla, Giuseppe Camuncoli, Ed Brubaker, Steve McNiven, Chris Samnee, Marc Andreyko, James Asmus, Alan Davis y Butch Guice

Peacemaker borra a la primera Suicide Squad del canon del DCU con un gran giro

Un flashback inesperado reescribe la historia de Rick Flag y June Moone

La segunda temporada de Peacemaker ha vuelto a sacudir el tablero del universo DC. El episodio 3 no solo recupera a Rick Flag Jr. y June Moone, sino que también introduce un retcon enorme que borra del mapa la visión de David Ayer en Suicide Squad (2016). En apenas unos minutos, la serie de James Gunn ha reconfigurado cómo debemos entender la continuidad del DCU, y de paso, ha dejado a muchos fans con la boca abierta.

El momento clave llega en un flashback cargado de tensión emocional entre Rick y Emilia Harcourt. Durante su charla, Rick menciona a su novia June, describiéndola como una hechicera que podría “abrir un agujero en el planeta” si la relación se torciera. La frase no es un simple chascarrillo: confirma que June seguía teniendo poderes mágicos, algo que contradice por completo el desenlace de la película de Ayer, donde la joven terminaba separada de Enchantress y, aparentemente, sin habilidades sobrenaturales.

Peacemaker

Peacemaker temporada 2

La escena no se queda ahí. Harcourt le recuerda a Rick que debe partir en unas horas rumbo a Corto Maltese, enlazando directamente con los sucesos de The Suicide Squad (2021). Incluso se reutilizan imágenes del filme para reforzar la conexión y dejar claro que esta es la línea temporal oficial del DCU. El problema es que, al hacerlo, la existencia de la primera Suicide Squad queda en entredicho.

Este detalle implica que la versión de 2016 o nunca ocurrió tal cual o fue alterada de manera drástica. El romance entre Rick y June sigue presente, pero ahora ella mantiene la identidad de Enchantress hasta justo antes de que él sea asesinado por Peacemaker en la misión de Corto Maltese. Es un cambio enorme que suma otro retcon a la lista, después de aquella broma sobre Justice League y “la Liga de la Justicia/Gang” en la primera temporada.

Peacemaker

El papel de June Moone en el nuevo canon

Lo interesante de este giro es que revaloriza al personaje de June Moone, al darle continuidad como portadora de Enchantress dentro del DCU. Esto abre la puerta a que podamos volver a verla en futuras entregas, ahora ya sin las limitaciones de la antigua continuidad. Para los fans, supone un guiño inesperado que además da más peso emocional a la figura de Rick Flag, un héroe cuya muerte ya había dejado huella en el público.

El diálogo también muestra que entre Rick y Harcourt existía cierta intimidad, aunque ninguno de los dos quiso dar un paso definitivo. Rick llega a insinuar que dejaría a June si Harcourt quisiera estar con él, pero ella lo rechaza, recordándole que probablemente solo eran amigos que habían ido demasiado lejos. Este matiz humano añade una capa más de dramatismo al destino de Rick y refuerza la sensación de pérdida cuando lo vemos morir en The Suicide Squad.

Peacemaker borra a la primera Suicide Squad del canon del DCU con un gran giro

Un DCU en plena reescritura

Con esta jugada, Gunn y su equipo han dejado claro que el DCU no está atado a las viejas versiones cinematográficas. Al contrario, parece que irán tomando lo que les interesa y reescribiendo lo demás para que encaje en su nueva visión. Eso genera debate entre los seguidores: algunos celebran la limpieza de una película tan criticada como la de 2016, mientras otros sienten que se está borrando parte de la historia de los personajes.

Lo cierto es que esta táctica mantiene viva la expectación. Cada episodio de Peacemaker no solo avanza en la trama del propio antihéroe, sino que también sirve de plataforma para redefinir el universo DC en pantalla. Y con revelaciones como la de June Moone, queda claro que nadie está a salvo de ser rescatado, reinventado o eliminado según lo dicte la narrativa.

Spielberg quiso dirigir la película de Call of Duty pero Activision se asustó con sus condiciones

Spielberg

El legendario director Steven Spielberg presentó una propuesta junto a Universal, pero la compañía prefirió ceder menos poder creativo

Spielberg quiso dirigir la película de Call of Duty pero Activision se asustó con sus condiciones

Cuando hablamos de adaptaciones de videojuegos al cine, pocas noticias habrían sido tan sonadas como esta: Steven Spielberg quiso dirigir la película de Call of Duty. Sí, el responsable de Jurassic Park, E.T. y Salvar al soldado Ryan se ofreció a llevar al cine una de las franquicias más exitosas de los videojuegos modernos. Sin embargo, según ha revelado Puck News, el proyecto se quedó en el aire porque Activision se asustó con las condiciones del famoso “Spielberg Deal”.

Una visión especial para la saga

El acuerdo incluía nada menos que control absoluto sobre la producción y la campaña de marketing, además de corte final y un presupuesto de primer nivel. Para cualquier estudio, un caramelo tentador… pero también una apuesta arriesgada. Activision, que quería mantener un férreo control sobre su licencia más valiosa, optó finalmente por la oferta de Paramount, que les dejaba mayor margen de decisión.

La elección resulta curiosa, porque Spielberg no solo es uno de los cineastas más influyentes de la historia, también es un confeso fan de la saga. Su productora, Amblin, llegó a preparar un pitch junto con Universal Pictures, pero la negociación no prosperó. Al final, Paramount se llevó el gato al agua y, aunque todavía no hay director ni reparto confirmados, el estudio ya ha dejado clara su ambición: quieren replicar la fórmula de Top Gun: Maverick.

David Ellison, CEO de Paramount, lo explicó con contundencia: “Nos acercamos a esta película con el mismo compromiso inquebrantable que nos guió en Top Gun: Maverick, asegurándonos de cumplir los altos estándares que la franquicia y sus fans merecen”. Un listón bastante alto, teniendo en cuenta que la secuela de Tom Cruise se convirtió en todo un fenómeno global.

Un choque de visiones

El contraste entre ambas propuestas es revelador. Spielberg buscaba libertad creativa total, probablemente con una visión más cercana al realismo bélico que ya mostró en Salvar al soldado Ryan o la miniserie Hermanos de sangre. Activision, en cambio, parece inclinarse por un enfoque más controlado y comercial, asegurándose de que la película sirva tanto como espectáculo como para reforzar la marca.

Aquí es donde muchos fans se preguntan qué hubiera sido de un Call of Duty dirigido por Spielberg. ¿Un retrato crudo y visceral de la guerra, con la épica y el dramatismo que solo él sabe crear? ¿O algo más híbrido, buscando equilibrar fidelidad histórica con acción palomitera?

Spielberg quiso dirigir la película de Call of Duty pero Activision se asustó con sus condiciones

Ocupado con otro proyecto

Por supuesto, Spielberg no se ha quedado de brazos cruzados. Su próximo proyecto ya está en marcha: una cinta de ciencia ficción escrita por David Koepp, guionista de Jurassic Park, y con un reparto estelar encabezado por Emily Blunt, Josh O’Connor y Colin Firth. El estreno está previsto para el próximo verano, por lo que los fans del director tendrán igualmente cita en la gran pantalla.

Mientras tanto, la película de Call of Duty sigue sin fecha de estreno. Paramount y Activision aún tienen que resolver quién se pondrá detrás de las cámaras, pero lo cierto es que las expectativas son altísimas. No hablamos de cualquier franquicia: Call of Duty lleva décadas siendo uno de los videojuegos más vendidos del planeta, con millones de jugadores cada año.

Un futuro incierto pero prometedor

La decisión de dejar pasar a Spielberg puede parecer arriesgada, pero también encaja con la tendencia actual de las adaptaciones de videojuegos. Cada vez más estudios buscan el equilibrio entre dar a los creativos cierta libertad y mantener a las editoras satisfechas. Lo vimos con The Last of Us en HBO, donde Naughty Dog tuvo un papel central en el proceso.

Spielberg quiso dirigir la película de Call of Duty pero Activision se asustó con sus condiciones

Quizá Activision aprendió de esos casos, pero prefirió un camino distinto: menos riesgo artístico, más control de marca. La incógnita ahora es si ese enfoque será suficiente para entusiasmar a los fans de toda la vida y, al mismo tiempo, enganchar a nuevas audiencias.

El sable láser de Darth Vader rompe récords y se vende por 3,6 millones de dólares

sable láser

El sable láser de Darth Vader, una pieza histórica de Star Wars alcanza una cifra nunca vista en subasta

El sable láser de Darth Vader rompe récords y se vende por 3,6 millones de dólares

Cuando pensamos en objetos icónicos del cine, pocos alcanzan el estatus mítico del sable láser de Darth Vader. Ese mismo que vimos en duelos memorables de El Imperio Contraataca y El Retorno del Jedi acaba de hacer historia, no en la gran pantalla, sino en una subasta en Los Ángeles. La pieza se ha convertido en el artículo más caro jamás vendido de Star Wars, alcanzando la friolera de 3,6 millones de dólares. Lejos de ser una simple réplica, se trata del arma original empuñada en pantalla por David Prowse, el imponente actor que dio cuerpo al Señor Oscuro, y también por su doble de acción Bob Anderson en algunas de las escenas más intensas de la trilogía original.

Un objeto icónico

La casa Propstore, especializada en reliquias cinematográficas, fue la encargada de sacar a puja este tesoro. Lo sorprendente no fue solo el precio final, sino la rareza de la pieza: es considerado el único sable “héroe” con uso verificado en pantalla que se ha ofrecido jamás en una subasta pública.

El resultado no solo marcó un récord dentro de la saga galáctica, sino que también consolidó a Propstore como referente en el mundo del coleccionismo de cine. Tal y como explicó su COO, Brandon Alinger, este momento es una demostración del poder cultural que todavía tiene Star Wars y de cómo los fans perciben estos objetos como auténticos fragmentos de mito moderno.

Una reliquia construida con ingenio

Pese a su apariencia futurista, el sable tiene un origen mucho más terrenal. Fue ensamblado a partir de un mango de flash de cámara británica, acompañado de cables eléctricos, piezas de calculadora y una placa de circuito. Esta mezcla de elementos reciclados y creatividad dio vida a un arma que, en pantalla, transmitía una sensación de poder sobrenatural. Durante décadas permaneció guardado en una colección privada, lo que añade aún más atractivo a su historia.

El precio alcanzado —2,9 millones más primas y comisiones— lo convierte en el objeto más valioso de la franquicia vendido en una puja, superando récords anteriores y demostrando que la nostalgia sigue siendo un motor económico imparable.

El sable láser de Darth Vader rompe récords y se vende por 3,6 millones de dólares

Un desfile de tesoros de cine

Aunque el sable de Vader se llevó todos los titulares, la subasta estuvo plagada de objetos que cualquier coleccionista soñaría con tener. Entre ellos se encontraban el cartel de la estación de tren de la Plataforma 9 ¾ de Harry Potter, la brújula del capitán Jack Sparrow de Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra, el casco de Sauron visto en La Comunidad del Anillo, el lanzallamas de Ellen Ripley en Aliens y hasta el látigo y el cinturón de Indiana Jones usados por Harrison Ford en La última cruzada.

Cada uno de estos objetos conecta directamente con momentos que han marcado a generaciones de espectadores. Pero ninguno logró despertar tanta emoción ni alcanzar semejante cifra como el sable rojo del Señor Oscuro de los Sith.

El valor de un mito

Más allá del precio, este tipo de ventas reflejan el impacto que sagas como Star Wars han tenido en la cultura popular. No es solo un arma de atrezo; es el símbolo de la lucha entre luz y oscuridad, un recordatorio de cómo el cine puede convertir simples piezas de metal y plástico en artefactos de leyenda.

El sable láser de Darth Vader rompe récords y se vende por 3,6 millones de dólares

En tiempos en los que las sagas se reinventan constantemente, la venta del sable de Darth Vader es una prueba de que el legado de George Lucas sigue tan vivo como hace casi cincuenta años. Y que, para muchos coleccionistas, tener en sus manos un pedazo de esa historia bien vale millones.

El regreso más esperado, Street Fighter revela tráiler retro y un reparto explosivo

Una película de culto de los 90 vuelve con sorpresas que nadie esperaba

Cuando parecía que las adaptaciones de videojuegos ya habían tocado techo, Street Fighter resurge con fuerza. Legendary ha presentado un teaser con estilo retro que no incluye metraje real, pero sí confirma algo que los fans llevaban años deseando: un reparto repleto de caras conocidas, un estreno asegurado y un guiño directo a los nostálgicos de los recreativos de 1993.

La película, dirigida por Kitao Sakurai y ahora distribuida por Paramount Pictures, ha fijado su lanzamiento para el 16 de octubre de 2026, unos meses más tarde de lo previsto inicialmente. La espera promete merecer la pena, ya que la producción llega arropada por un acuerdo de tres años entre Paramount y Legendary, un movimiento estratégico que ya está dando de qué hablar.

Street Fighter película

El argumento sitúa la acción en 1993, el mismo año en que Street Fighter II arrasaba en las máquinas arcade. Ryu (Andrew Koji) y Ken (Noah Centineo), separados y enfrentados por viejas heridas, reciben la llamada de Chun-Li (Callina Liang) para participar en un nuevo World Warrior Tournament. Lo que empieza como un choque de estilos de lucha pronto se convierte en una conspiración que podría obligar a los dos protagonistas a pelear entre sí.

La sinopsis lo deja claro: este no será un simple torneo de puñetazos y patadas, sino un viaje lleno de traiciones, secretos y demonios personales que pondrán a prueba la lealtad de los luchadores más icónicos.

Un reparto de impacto que mezcla cine, lucha libre y música

Si algo ha sorprendido a los seguidores es el casting variado y explosivo. Jason Momoa como Blanka, Cody Rhodes como Guile, Roman Reigns como Akuma y hasta 50 Cent como Balrog son solo algunos ejemplos de cómo la película mezcla estrellas de Hollywood, música y wrestling.

A ellos se suman David Dastmalchian como M. Bison, Orville Peck como Vega, Vidyut Jammwal como Dhalsim, Olivier Richters como Zangief y el luchador japonés Hirooki Goto como E. Honda, en una elección que ya está generando aplausos entre los fans. El reparto se completa con Mel Jarnson (Cammy), Rayna Vallandingham (Juli), Eric André (Don Sauvage) y Alexander Volkanovski (Joe), entre otros.

Street Fighter

Nostalgia y nuevas alianzas en Hollywood

Más allá del casting, este proyecto simboliza una nueva etapa para Legendary. La alianza con Paramount busca dar salida internacional a franquicias de gran calibre y, al mismo tiempo, abrir espacio para películas que conecten con públicos más jóvenes y con los nostálgicos. Tal y como explicaron los directivos de Paramount y Legendary, Street Fighter es el inicio de una colaboración a largo plazo que pretende crear sagas capaces de competir en la taquilla mundial.

De los recreativos a la gran pantalla

El reto no es menor. La saga ya tuvo adaptaciones en los 90, con la recordada cinta protagonizada por Jean-Claude Van Damme y Raul Juliá. Aunque en su día recibió críticas mixtas, con el tiempo se convirtió en un clásico de culto, y hoy muchos la recuerdan con cariño. Esta nueva versión parece buscar un equilibrio entre la fidelidad al videojuego original y la espectacularidad de las producciones actuales.

El regreso más esperado, Street Fighter revela tráiler retro y un reparto explosivo

Los guiños al año 1993 no son casuales: es el momento en el que la saga alcanzó su cima en popularidad. Recuperar esa estética arcade y trasladarla a un público que ya ha madurado es una jugada que puede convertir esta adaptación en un fenómeno tanto para quienes crecieron con el mando en la mano como para quienes descubran ahora el universo de Street Fighter.

¿Qué esperar de este torneo mundial?

El teaser retro ha sido suficiente para despertar el hype, pero las incógnitas son muchas. ¿Veremos combates tan icónicos como Ryu vs. Sagat o Guile vs. Bison? ¿Se mantendrán los ataques clásicos como el Hadouken o el Sonic Boom con un toque visual actualizado?

Por ahora, lo que está claro es que la apuesta es arriesgada y ambiciosa. Un casting tan variado, una ambientación cargada de nostalgia y la intención de construir una nueva franquicia podrían colocar a esta película en el radar como una de las grandes citas del 2026.