Wyatt Russell se la jugó en el rodaje de Thunderbolts, “Estuve a tres centímetros de ser el tipo con cicatriz”

Wyatt Russell - USAgente

El actor que interpreta a John Walker en el UCM acabó en el hospital tras un accidente con los efectos prácticos de Thunderbolts

Durante el rodaje de Thunderbolts, la próxima película del Universo Cinematográfico de Marvel, la acción se volvió demasiado real para Wyatt Russell. Y no hablamos de efectos especiales generados por ordenador, sino de una situación que terminó con el actor en el hospital tras un golpe en la cabeza que casi le deja una cicatriz permanente.

En una entrevista reciente con Entertainment Weekly, varios miembros del reparto compartieron anécdotas del rodaje, y la de Russell se lleva la palma. “Me graparon la cabeza. Tres centímetros más abajo y habría sido el tipo con la cicatriz el resto de mi vida”, contó entre risas. Pero más allá del humor, su experiencia revela lo arriesgado que puede ser un rodaje cuando se apuesta por efectos prácticos por encima del CGI.

thunderbolts

El lado más físico del UCM vuelve con fuerza

Desde hace tiempo, Marvel Studios se ha volcado casi por completo en los efectos digitales, pero Thunderbolts parece ir en otra dirección. Según el reparto, la película dirigida por Jake Schreier apostó por un enfoque más físico y tangible: decorados reales, trajes hechos a mano y escenas de acción sin tanto croma verde. Y aunque eso le da un toque más auténtico al resultado final, también conlleva ciertos riesgos.

Florence Pugh (Yelena Belova) compartió que tuvo que enfrentarse a escorpiones reales en el desierto durante una escena, mientras que David Harbour (Red Guardian) temía caerse encima de ella al bajar unas escaleras corriendo. Pero el susto más grande vino cuando un listón de madera —un “two-by-four” típico en obras— rozó la cara de Russell y le golpeó en la línea del cabello, provocándole una herida abierta que requirió grapas. Como diría cualquier madre: eso no es divertido, Wyatt.

Julia Louis-Dreyfus, también presente durante la entrevista, le preguntó: “¿Te pusieron grapas en la cabeza?” a lo que Russell respondió: “Sí, me graparon en el hospital”. Con humor negro, añadió que podría haberle venido bien para su carrera: “Muchos papeles con cicatrices molonas. Habría sido bueno para mi carrera”.

thunderbolts

Un accidente que refleja los límites de los efectos prácticos

Aunque todos coinciden en que los efectos prácticos aportan una dosis extra de realismo que el CGI no puede igualar, la anécdota de Russell plantea una pregunta importante: ¿hasta qué punto vale la pena poner en riesgo a los actores y al equipo técnico para lograr esa autenticidad?

No es la primera vez que alguien del UCM acaba herido durante una escena de acción. Tom Holland, Robert Downey Jr., Letitia Wright y Chris Evans han sufrido desde fracturas hasta esguinces mientras filmaban. Pero el caso de Russell es probablemente uno de los más serios. Tal vez este incidente empuje a Marvel a reforzar sus protocolos de seguridad en rodajes tan intensos.

De hecho, David Harbour advirtió del peligro justo antes del accidente. Según explicó, le dijo al equipo: “Esto es peligroso, tenemos que agacharnos justo debajo de ese listón. ¿Podemos no hacerlo?” Pero la producción insistió: “Una vez más, solo una vez más”. Esa última toma fue la que envió a Wyatt al hospital. Ironías del cine de acción.

THUNDERBOLTS*

Un homenaje a los orígenes del UCM

Lo más curioso es que Thunderbolts busca precisamente recuperar el espíritu de las primeras películas del UCM, como Iron Man o El Soldado de Invierno, donde el uso de efectos prácticos y una narrativa más contenida eran marca de la casa. En ese sentido, la nueva cinta se desmarca de la sobrecarga multiversal de las fases 4 y 5.

Además, Thunderbolts se aleja de la típica estructura cargada de guiños y referencias cruzadas, ofreciendo una historia más centrada en los personajes y en su evolución como equipo. Según se adelanta, al final de la película los Thunderbolts ya se han convertido en una especie de familia disfuncional, y el epílogo revela que siguen operando como un equipo un año después, ahora bajo el nombre de “los Nuevos Vengadores”.

¿Veremos una secuela? A juzgar por la expectación, parece probable. Pero antes, habrá que ver cómo responde el público a este cambio de tono y enfoque en la nueva entrega de Marvel.

La Era Hiboria revive con un cómic-juego de fantasía épica que te hará surcar mares en busca de libertad

Un proyecto en Verkami fusiona cómic y librojuego en una experiencia brutal ambientada en la Era Hiboria del universo de Conan

Cuando lo pierdes todo, solo te queda luchar. En “Viajes y Aventuras en la Era Hiboria”, la libertad no es un regalo, es una conquista sangrienta. Tu pueblo ha sido destruido, tus seres queridos esclavizados, y tú, encadenado en la bodega de un barco, compartes destino con otros prisioneros. Pero algo en ti se niega a aceptar el yugo. Algo salvaje. Algo digno de una leyenda.

Inspirado en el universo brutal y lleno de mística de Conan el Bárbaro, este nuevo proyecto de Boris Ramírez Barba, publicado por Maldragón Editorial, propone una experiencia totalmente inmersiva que mezcla lo mejor del cómic y del librojuego clásico. Su campaña de crowdfunding en Verkami ya está dando que hablar entre los fans del género.

era hiboria verkami

Viajes y aventuras en la era hiboria

Con una narrativa cruda y poderosa, el proyecto arranca con un prólogo que actúa como tutorial, presentándonos a un protagonista encadenado y obligado a viajar al sur en una galera. Pero tras una revuelta inesperada, el destino cambia: te haces con el control del barco y, con él, de tu futuro. A partir de ahí, se abre un vasto mundo por explorar, plagado de peligros, alianzas, magia antigua y ejércitos que siguen tus pasos… o se arrodillan ante ti.

¿Suena bien? Pues esto es solo el principio. La obra está compuesta por dos libros que se complementan:

  • El Libro de Leyendas, un cómic a color en gran formato (29,5 x 22,5 cm, 72 páginas).
  • El Libro de Aventuras, un librojuego en blanco y negro, tamaño A5, ilustrado, que será la guía de tu camino.

Ambos se combinan con un mapa de exploración, una hoja de personaje, dados personalizados y, si decides lanzarte de lleno, increíbles addons coleccionables.

La jugabilidad es muy sencilla, con un sistema accesible incluso para quien jamás haya probado un librojuego, pero lo bastante profundo para enganchar a veteranos del rol. Tu personaje se define por su fama, su ejército y su equipamiento, y cada decisión afectará el rumbo de tu historia. ¿Serás un conquistador sanguinario o un libertador implacable?

era hiboria verkami

El uso del mapa

Cada casilla del mapa (marcadas con letras y números) esconde una sección específica en el Libro de Aventuras, lo que recuerda a una especie de sandbox de fantasía épica en papel. Y sí, la sensación es parecida a la de un videojuego de mundo abierto, pero con la magia de las ilustraciones hechas a mano y una narrativa en la que tú mandas.

Por si fuera poco, el proyecto ofrece varios add-ons que enamorarán a cualquier coleccionista. Desde una camiseta exclusiva hasta una moneda metálica para usar en el mapa como marcador, pasando por una caja de madera hecha a mano por Infinity Collection, limitada a solo 20 unidades. También puedes añadir títulos anteriores del autor como los cómic-juegos Worm Gnosis o Alas de Metal.

El alma detrás de esta joya es Boris Ramírez, artista alicantino con una carrera que abarca desde la ilustración histórica hasta la fantasía pura. Ha trabajado con museos, músicos, editoriales independientes y se ha ganado un hueco en el corazón de los fans del cómic alternativo en España.

era hiboria verkami

La editorial tras el proyecto

Maldragón Editorial vuelve a apostar por talento nacional con un producto que, más que un cómic o un librojuego, es una declaración de amor al género sword & sorcery. Además, la editorial recalca que este es un proyecto libre de inteligencia artificial, hecho con mimo y pasión por personas reales.

Las aportaciones en Verkami cubrirán el trabajo del autor, el diseño, la impresión, los envíos y las recompensas desbloqueables para todos los mecenas. Sí, cuanto más gente se sume, más contenido exclusivo tendrás sin pagar extra.

Si creciste con los relatos de Robert E. Howard, si flipaste con Conan o si simplemente te apetece sumergirte en un mundo donde puedes ser héroe, tirano o ambas cosas, “Viajes y Aventuras en la Era Hiboria” te está esperando con la espada en alto. ¿Te atreves a embarcarte?

San Diego Comic-Con Málaga 2025, lo que necesitas saber para no quedarte sin tu entrada

San Diego comic con 2023

El mayor evento ‘geek’ del mundo aterriza por primera vez en España y promete revolucionar Málaga

Prepárate, porque la San Diego Comic-Con Málaga 2025 no es un simple evento, es un antes y un después para los fans del cine, los cómics, el anime, el cosplay y todo lo que huela a cultura pop. La primera edición europea de la convención más emblemática del planeta se celebrará del 25 al 28 de septiembre en el Palacio de Ferias y Congresos de Málaga, y la venta de entradas comienza el 15 de mayo. Eso sí, hay truco: solo quienes se hayan pre-registrado podrán optar a comprar su pase.

cómo conseguir tu entrada para la comic-con málaga 2025

¿Quieres asegurarte un sitio en este hito histórico? Pues lo primero que tienes que hacer es ir ya mismo a la web oficial de la SDCC Málaga 2025 y completar el pre-registro. Este pa so es obligatorio para obtener un ‘Registration ID’, que será la llave para acceder a la venta de entradas cuando se abra el 15 de mayo en la plataforma VivaTicket. Sin ese código, no hay opción a pase.

No es una reserva, pero sí una prioridad de compra. Y ojo, porque ya son miles los fans registrados. Si no quieres quedarte fuera, no lo dejes para última hora.

comic-con malaga

Las entradas serán exclusivamente diarias, y no habrá abonos de varios días. La idea, según ha comentado la organización, es que más gente pueda asistir, aunque sea solo una jornada.

Precios especiales para el primer año

Para celebrar esta primera edición, se ha lanzado un precio especial de bienvenida: 50 euros por día. Esto significa que si vas los cuatro días, pagarás 200 euros en total. Pero este regalo solo será en 2025. A partir de 2026, el precio subirá hasta 80 euros por día, es decir, 320 euros por el evento completo.

Cada entrada incluye el pase diario y un ‘welcome pack’, y es personal e intransferible. Así que si vais en grupo, cada uno deberá tener su propio Registration ID, siempre que sea mayor de 14 años. ¿Y los más peques? Los menores de 13 años podrán entrar gratis si van acompañados de un adulto con entrada.

Animacomic 2013

Una convención con vocación internacional

La San Diego Comic-Con Málaga 2025 no es solo un experimento, es el inicio de algo mucho más grande. El acuerdo entre Comic-Con International, Dentsu Media, la Junta de Andalucía y el Ayuntamiento de Málaga garantiza que habrá evento durante al menos tres años, hasta 2027. No estamos hablando de un evento cualquiera: esta será la primera filial europea de la SDCC, que hasta ahora solo había salido de San Diego para montar una edición en Orlando.

Se espera que este año asistan 60.000 personas, y habrá más de 300 horas de actividades durante sus cuatro días: panels exclusivos, invitados de lujo, presentaciones sorpresa, áreas de videojuegos, anime y manga, y por supuesto, concursos de cosplay a nivel top.

También se ha abierto una oficina permanente en Málaga, lo que demuestra que la organización va en serio. La Comic-Con no está improvisando: quiere convertir Málaga en el nuevo punto caliente del entretenimiento friki en Europa.

San Diego Comic-Con Málaga 2025, lo que necesitas saber para no quedarte sin tu entrada

Una oportunidad única para los fans españoles

Los que llevamos años soñando con ir a San Diego, ya no tenemos que cruzar el charco. La Comic-Con viene a casa. Y no estamos hablando de una copia barata: es la misma organización, con el mismo estándar de calidad, el mismo mimo por los detalles y la misma pasión por la cultura geek.

Este evento promete convertirse en una cita obligada en el calendario friki, no solo de España, sino de toda Europa. Si eres fan del cine de superhéroes, los videojuegos, el manga, los juegos de mesa o cualquier universo fandom, la SDCC Málaga 2025 es tu sitio.

Y recuerda: si no haces el pre-registro antes del 15 de mayo, te quedarás sin la posibilidad de comprar entrada. Hazlo ya y prepárate para vivir algo histórico.

El debut de Bulma en el anime

La primera vez que Bulma apareció en un anime.

Información general sobre Bulma

Como sabe todo aquel que esté iniciado, aunque sea mínimamente, en el mundo del anime, Bulma es uno de los más famosos personaje de la franquicia de Dragon Ball, gracias al buen hacer de Akira Toriyama. Nacida en el año 733 y miembro de la que posiblemente sea la familia más rica de la Capital del Oeste, es conocida por ser una exitosa científica, hija del doctor Brief y de Bikini. Además, tiene una hermana mayor llamada Tights, está casada con Vegeta (aunque en su juventud fue novia Yamcha) y es la madre de Trunks y de Bra, pero ¿crees que lo sabes todo sobre ella?

El debut de Bulma en el anime

Aunque el manga Dragon Ball vio la luz por primera vez en 1984, no fue hasta 1986 que fue emitido en televisión en formato de anime, el cual, sin lugar a dudas, ha ayudado mucho a que la franquicia haya cosechado el éxito del que aún goza en la actualidad. En el primer capítulo del mismo, que aquí fue titulado Bulma y Son Goku (al igual que el cómic al que adapta), pudimos ver a los dos personajes mencionados, además de a Pilaf y su banda, compuesta por Mai y Shu.

Sin embargo, al contrario de lo que les sucede al resto de los que hemos citado en el párrafo anterior, la protagonista de este artículo no debutó de forma audiovisual en ese capítulo, puesto que ya había hecho su aparición en otro anime, tal y como se puede comprobar si se continúa leyendo este artículo hasta el final.

El cameo de Bulma

¿Acaso lo que hemos dicho en el párrafo anterior significa que Bulma fue creada, inicialmente, para otra franquicia pero acabó siendo uno de los personajes principales de Dragon Ball? La respuesta es mucho más sencilla. En el paso del tiempo entre la publicación del manga protagonizado por Son Goku y su adaptación al anime, concretamente en 1985, vio la luz Rimenba Mai Ravu (cuya traducción al español sería Recuerdos de mi amor), la tercera película de la franquicia de Urusei Yatsura (Esos odiosos extraterrestres, en nuestro idioma), que contó con un cameo de Bulma, como muestra la imagen que corona este artículo.

Para poner en antecedentes a todos los lectores, cabe aclarar que Urusei Yatsura es un manga humorístico, obra de Rumiko Takahashi, que estuvo en circulación desde 1978 hasta 1987, cuyo argumento gira en torno a una raza de extraterrestres que vienen a invadir nuestro planeta, aunque permiten que un habitante Tierra elegido al azar compita contra ellos para, si resulta ganador, evitar la invasión. El humano seleccionado resulta ser un estudiante mujeriego conocido como Ataru Moroboshi.

El debut de Bulma en el anime

Pese a que el manga mencionado en el párrafo anterior no sea obra de Akira Toriyama, eso no quiere decir que el cameo de Bulma no pueda ser considerado como canónico, ya que la aventura narrada en esa película (o, como mínimo, esa escena en cuestión de la misma) podría haber tenido lugar cuando la chica aún era una estudiante, ya que la secuencia tiene lugar dentro de un aula, lo que la situaría antes de que la joven atropellara a Son Goku en su búsqueda de las bolas de dragón.

Aunque es de suponer que Akira Toriyama llegaría a un acuerdo con Rumiko Takahashi para permitirle usar a Bulma antes de que apareciera por primera vez en el anime de Dragon Ball, la verdad es que se trata de un cameo tan breve que, si pestañeas durante unos segundos, puedes llegar a perdértelo.

Otro conocido cameo en la franquicia de Dragon Ball

El debut de Bulma en el anime

Tampoco es que esta aparición de Bulma sea un caso aislado, ya que la franquicia del anime de Dragon Ball también se ha cruzado con otras a lo largo de su andadura, siendo el más llamativo de todos el caso de Arale, protagonista del manga Doctor Slump, que se dejó ver tanto por la serie original, a la que pertenece la imagen que acompaña a este apartado, como en un capítulo de Dragon Ball Super, aunque cabe reconocer que se trata de un caso muy específico, ya que Akira Toriyama es el autor de ambos mangas.

Otro conocido cameo en el mundo del anime en general

El debut de Bulma en el anime

No obstante, no debemos dejar de tener en cuenta que lo de Bulma es un simple cameo, mientras que hay otros mangas, de autores muy diferentes, cuyos protagonistas han llegado a tener interacciones mucho más cercanas, como es el caso de los personajes más exitosos de Monkey Punch y Gōshō Aoyama, a los que mostramos en la imagen superior, tal y como ya nos encargamos de comentar en su momento.

Conclusiones

En definitiva, si eres fan del personaje femenino más importante de la franquicia de Dragon Ball y quieres presumir de haber visto todo lo relacionado con Bulma que se haya realizado en formato anime, ya has descubierto que si no conocías le existencia de esta película de extraterrestres, aún tienes una tarea pendiente.

El caparazón azul de Mario Kart llega a LEGO con un set exclusivo y difícil de conseguir

Mario Kart

Una filtración desvela el set centrado en el objeto más temido y amado de Mario Kart, pero conseguirlo no será tan fácil

El caparazón azul de Mario Kart llega a LEGO con un set exclusivo y difícil de conseguir

¿Te imaginas tener el poder del temido caparazón azul de Mario Kart en la estantería de tu habitación? Pues eso es justo lo que promete el nuevo set de LEGO inspirado en el objeto más polémico de la saga de carreras de Nintendo. Pero antes de que corras a buscarlo, mejor te avisamos: no será tan sencillo como añadirlo al carrito de la compra. Una imagen filtrada por el perfil especializado BlogsBrick en X (sí, el antiguo Twitter) ha adelantado el lanzamiento de un set LEGO que recrea con todo detalle el caparazón espinoso, conocido por los fans como el blue shell. Ese que siempre arruina la partida cuando estás a punto de cruzar la meta en primer lugar.

LEGO y Mario Kart se unen para homenajear el arma definitiva

Con 234 piezas y un diseño que clava la estética del ítem original, este set está previsto para lanzarse en mayo de 2025. La figura muestra el caparazón en su versión más icónica: azul con pinchos plateados, flotando como si estuviera a punto de arrasar con el primer clasificado de la carrera.

Lo más interesante (y frustrante para algunos) es que este set no estará a la venta de forma independiente. Según la filtración, se tratará de un artículo exclusivo, solo accesible a través del programa LEGO Insiders Rewards o como recompensa por alcanzar cierto gasto mínimo en productos seleccionados.

¿Qué significa esto para los fans? Básicamente, que si quieres hacerte con el caparazón azul, tendrás que comprar otros sets de LEGO o canjear puntos del programa de fidelidad, acumulados tras gastar dinero real. No se ha revelado aún el precio oficial ni las condiciones exactas para conseguirlo, pero todo apunta a que no será barato ni rápido.

De terror en las pistas a tesoro de coleccionista

El momento elegido para lanzar este set no es casual. Coincide con el estreno de Mario Kart World, la nueva entrega de la saga que llegará junto con la Nintendo Switch 2 el próximo 5 de junio. Esta versión renovará varios elementos clásicos del juego, incluyendo —cómo no— al mismísimo caparazón azul, que recibirá un lavado de cara brutal.

En las demos oficiales y los vídeos promocionales ya se ha podido ver cómo el blue shell será más destructivo que nunca. Ahora podrá interactuar con el entorno, incluso generando tsunamis al chocar contra el agua, y tendrá nuevas mecánicas que permitirán esquivarlo si se usa correctamente un ítem como la pluma. Todo esto eleva aún más el estatus mítico del objeto… y su nivel de odio entre los jugadores.

El caparazón azul de Mario Kart llega a LEGO con un set exclusivo y difícil de conseguir

La jugabilidad dejará de estar limitada solo a las pistas: los personajes podrán explorar el mundo, dando una dimensión mucho más abierta y variada al título. En este contexto, el caparazón azul se convierte no solo en un arma letal, sino en una amenaza impredecible.

Un homenaje para los verdaderos fans

El lanzamiento de este set de LEGO no solo sirve para celebrar el regreso del objeto en el nuevo juego, sino que también funciona como una pieza de coleccionismo nostálgica para quienes han crecido con la saga Mario Kart. Es uno de esos objetos que no solo decoran, sino que cuentan una historia: la de todas esas veces en las que ibas primero y, de repente, la pantalla se volvía azul…

LEGO y Nintendo llevan años colaborando con sets como el de Super Mario interactivo, los circuitos modulares o incluso versiones de la NES clásica en piezas de construcción. Pero este nuevo caparazón azul supone una oda al multijugador competitivo, ese que tantas amistades ha puesto a prueba a lo largo de las décadas.

El caparazón azul de Mario Kart llega a LEGO con un set exclusivo y difícil de conseguir

Por el momento, LEGO no ha confirmado oficialmente la existencia del set, pero teniendo en cuenta la filtración y el calendario del lanzamiento del nuevo juego, la noticia oficial podría estar a la vuelta de la esquina. Y cuando llegue, más vale estar preparado para hacer hueco en la estantería… y en el bolsillo.

La secuela de Alita: Ángel de combate resurge con fuerza tras seis años en silencio

Alita

El director Robert Rodriguez confirma que el regreso de Alita está más cerca de lo que pensábamos

La secuela de Alita: Ángel de combate resurge con fuerza tras seis años en silencio

Tras seis años sin una secuela y con el proyecto vagando por el limbo hollywoodiense, Alita: Battle Angel 2 vuelve a la conversación con una actualización que ha puesto a los fans a soñar de nuevo. Y es que ha sido el propio Robert Rodriguez, director de la primera entrega, quien ha soltado la bomba durante su paso por el podcast The Joe Rogan Experience.

Una esperada continuación

“Sí, queremos hacer otra, sin duda”, soltó Rodriguez sin rodeos, dejando claro que la idea de una secuela no está enterrada, sino simplemente en pausa. Lo más loco es que, según comenta, parte del set original de Alita sigue intacto en su propio estudio, ocupando un aparcamiento con techos de 6 metros de alto y siete calles completas. “Es probablemente el set más grande en pie del país, si no del mundo”, asegura. Vamos, que no ha desmontado ni una farola de Iron City.

Este regreso a los focos reaviva las esperanzas de los que llevan años pidiendo más aventuras de la guerrera cíborg que enamoró en 2019. Porque, aunque la crítica no se puso de acuerdo, el público fue muy claro: Alita gustó, y mucho. Con un 91% de aprobación de los espectadores en Rotten Tomatoes (frente al 61% de la crítica), quedó demostrado que había hambre de más.

La historia, basada en el manga de Yukito Kishiro, nos presentó a Alita, una joven cyborg que despierta en un mundo futurista sin recuerdos, pero con un pasado letal escondido tras sus ojos grandes y su corazón mecánico. Su viaje de autodescubrimiento, con batallas épicas y momentos de humanidad pura, conectó con los fans del anime, la ciencia ficción y el cyberpunk por igual.

¿Por qué ha tardado tanto la secuela?

La respuesta tiene nombre y apellido: James Cameron. El creador de Avatar fue quien produjo y escribió el guion de Alita, y su agenda interplanetaria con Pandora ha hecho imposible que se centrase en esta saga. De hecho, la primera película ya tuvo su historia de retrasos, anunciada en 2003 pero no estrenada hasta 2019. Casi nada.

Lo interesante es que Cameron y Rodriguez ya dejaron caer que había material para varias películas, así que la posibilidad de una saga tipo trilogía nunca ha estado descartada.

Los fans no han parado de pedir una secuela

Desde 2020, las redes se llenaron de campañas con el hashtag #AlitaArmy, pidiendo incluso que la película se reestrenara en cines. Hasta el propio Cameron se unió a la causa. Porque cuando una comunidad se une con ganas, puede mover montañas… o al menos hacer ruido suficiente para que los estudios lo escuchen.

La secuela de Alita: Ángel de combate resurge con fuerza tras seis años en silencio

En cuanto al presupuesto, Alita: Ángel de combate costó entre 150 y 200 millones de dólares, y terminó recaudando más de 400 millones a nivel mundial. No fue un bombazo tipo Avatar, pero sí una cifra más que decente para una historia que, en principio, no venía con una fanbase masiva bajo el brazo (aunque los fans del manga original son muy fieles).

Esperar el momento adecuado

El mayor reto ahora es encontrar un hueco entre las mil producciones que tienen tanto Rodriguez como Cameron. El primero acaba de estrenar Spy Kids: Armageddon en Netflix, mientras que el segundo tiene programadas nuevas entregas de Avatar hasta 2029. ¿Podrá colarse Alita entre medias? Si nos fiamos de las palabras de Rodriguez, la intención está más viva que nunca.

Y ojo, porque Rosa Salazar, la actriz que da vida a Alita a través de CGI y captura de movimiento, también ha mostrado interés en volver. Sería impensable que alguien más tomara su lugar, dado que su interpretación fue una de las claves del encanto de la primera entrega.

Las claves del renacer de Alita

El regreso de Alita no es solo una secuela más: representa el triunfo del fandom frente a las decisiones de los estudios, el poder de una historia con alma y estética brutal, y una oportunidad de oro para ampliar un universo que, en plena era del streaming y las franquicias, tiene todo para brillar. A estas alturas, todo lo que necesita es una luz verde definitiva y una fecha de rodaje.

La secuela de Alita: Ángel de combate resurge con fuerza tras seis años en silencio

Mientras tanto, si aún no has visto la primera (o quieres revivirla), Alita: Ángel de combate está disponible en Blu-ray y en todas las plataformas digitales. Quizás sea buen momento para reencontrarse con ella… antes de que vuelva a las pantallas con más fuerza que nunca.

Evangelion cumple 30 años y Hideaki Anno explica cómo rompió el anime para siempre

Evangelion

El creador de la serie revela por qué el éxito de Evangelion nunca podrá repetirse

Evangelion cumple 30 años y Hideaki Anno explica cómo rompió el anime para siempre

Hace 30 años, un anime lo cambió todo. ‘Neon Genesis Evangelion’ irrumpió en la televisión japonesa en 1995 como un torbellino de acción mecha, angustia existencial y simbolismo que todavía seguimos intentando descifrar. Lo que muchos no sabían entonces —y que aún sorprende hoy— es que su creador, Hideaki Anno, lo hizo para sacudir una industria estancada… y en el proceso, se enfrentó a sí mismo.

Por qué Evangelion no volverá a ocurrir

En una entrevista rescatada de 1996, poco después del impacto inicial de Evangelion, Anno no se andaba con rodeos: “Los creadores llevaban diez años contando la misma historia. Y los espectadores parecían conformes. Pero eso no tenía futuro.” Con esa frase lapidaria, el director explicaba por qué decidió lanzar una bomba emocional y narrativa en forma de Eva-01.

Mucho antes de que Evangelion se convirtiera en un fenómeno, Anno era un joven obsesionado con el anime. Creció viendo clásicos como Space Battleship Yamato y Mobile Suit Gundam, series que combinaban ciencia ficción y drama humano con un detalle técnico asombroso. De esas raíces nació su pasión por la animación y su deseo de contar algo más profundo que una batalla entre robots.

Sus primeros pasos como animador los dio en ‘Super Dimensional Fortress Macross’, una serie que rompió moldes al mezclar combates espaciales, romance y conflictos personales. Sin embargo, aunque prometía un nuevo renacimiento del anime, la industria no estaba lista. En los años 80, con apenas unas 50 series al año en televisión, los estudios preferían ir sobre seguro, apostando por fórmulas conocidas: robots que vendieran juguetes, adaptaciones de mangas exitosos o nuevas entregas de franquicias establecidas.

Anno no encajaba en ese molde

Tras su paso por Nausicaä del Valle del Viento, de Hayao Miyazaki, cofundó Gainax, un estudio independiente nacido del fandom, con gente como Yoshiyuki Sadamoto y Hiroyuki Yamaga. Su primer proyecto, The Wings of Honnêamise, fue un fracaso comercial… pero con los años se convirtió en una obra de culto.

Después llegaría Gunbuster, un OVA que empezó como comedia estudiantil de mechas y acabó transformándose en un drama épico y emotivo. Ahí se empezó a ver lo que Anno era capaz de hacer: utilizar los códigos del anime clásico para llevarlos a lugares oscuros, adultos e inesperados.

El espejo de una mente rota

Cuando por fin llegó Evangelion, Anno ya no quería contar otra historia de héroes en robots. Quería hablar de sí mismo. Lo dice sin filtros en aquella entrevista de 1996: “Shinji refleja mi personalidad, tanto consciente como inconscientemente… Al hacer Evangelion descubrí qué tipo de persona soy. Reconocí que soy un idiota.”

Evangelion cumple 30 años y Hideaki Anno explica cómo rompió el anime para siempre

Ese nivel de vulnerabilidad no se había visto nunca en un anime de este tipo. La angustia de Shinji, la desconexión emocional de Rei, el trauma de Asuka… todos esos personajes no eran solo “profundos”, eran reflejos de heridas reales. Evangelion se convirtió así en una serie que no solo te hacía pensar, sino que te obligaba a sentir.

Y eso, claro, cambió el anime para siempre.

Un antes y un después en la historia del anime

¿Habrían existido joyas como Revolutionary Girl Utena o Cowboy Bebop si Evangelion no hubiera demostrado que el público quería más que acción y risas? Es difícil imaginarlo. Evangelion fue un parteaguas: la prueba de que se podían contar historias complejas, adultas y profundamente personales en horario de máxima audiencia.

Pero hay algo más: Anno no pretendía que Evangelion tuviera “sentido”. Años después diría que la serie solo “parece profunda” y que en realidad era una forma de enfrentarse a su propia depresión. Esa honestidad es lo que la hace única. No había estrategia de marketing, ni fórmula ganadora. Solo había necesidad, dolor… y una necesidad brutal de expresarse.

¿Puede repetirse un fenómeno como Evangelion?

Hoy, con más de 100 animes estrenándose cada año y plataformas que lo digitalizan todo, el panorama es radicalmente distinto. Todo tiene cabida. Todo encuentra a su público. Pero según las palabras del propio Anno, eso puede ser una trampa: “Los espectadores parecen satisfechos, y no hay sensación de urgencia.”

Lo que Evangelion tenía, y que hoy escasea, es esa urgencia. Esa necesidad de romper, de arriesgar, de incomodar. No por ser diferentes, sino porque no había otra forma de sacar lo que llevaban dentro.

Evangelion cumple 30 años y Hideaki Anno explica cómo rompió el anime para siempre

Quizá el siguiente Evangelion no será más espectacular ni más “raro”. Tal vez, será simplemente más honesto. Porque eso fue Evangelion al final: una serie que miró dentro cuando todos los demás solo miraban hacia fuera.

Descubre la conexión secreta de Andor con la trilogía secuela que casi nadie ha notado

Andor

Una ubicación clave de la Resistencia apareció de forma inesperada en los nuevos episodios de Andor

Descubre la conexión secreta de Andor con la trilogía secuela que casi nadie ha notado

La temporada 2 de Andor sigue tirando del hilo de la historia de Star Wars, y esta vez lo ha hecho con un guiño que solo los más observadores habrán pillado. En medio de alianzas peligrosas, operaciones encubiertas y traiciones imperiales, la serie ha llevado a sus personajes a un lugar que, sin saberlo, une directamente la Rebelión con la Resistencia… y no, no estamos hablando de Yavin 4.

El planeta que une pasado, presente y futuro en Star Wars

En los episodios 4 y 5, titulados “¿Has estado en Ghorman?” y “Tengo amigos por todas partes”, vemos a Wilmon Paak colaborar con Saw Gerrera y sus Partisanos en una misión que los lleva a una base rebelde. Hasta aquí todo normal… salvo por un detalle que te volará la cabeza si eres fan de la trilogía secuela: esa base está en D’Qar, el mismo planeta que más tarde servirá como cuartel general de la Resistencia liderada por Leia Organa.

La elección de D’Qar no es casual. Este planeta del sistema Ileenium apareció por primera vez en El despertar de la Fuerza como el refugio principal de la Resistencia. Aquellas colinas cubiertas de hierba y los hangares ocultos bajo tierra vuelven a escena en Andor, esta vez al servicio de los Partisanos de Gerrera, años antes de que Leia los reutilice.

Esta aparición transforma lo que sabíamos del planeta

En lugar de ser simplemente una localización de paso para la nueva trilogía, Andor lo coloca en el corazón de la lucha rebelde mucho antes de que Rey, Finn o BB-8 lleguen allí. El vínculo no solo es geográfico, sino simbólico: la lucha contra el Imperio y contra la Primera Orden comparten raíces más profundas de lo que pensábamos.

En este momento de la serie, Gerrera y su grupo están usando D’Qar como punto de preparación para atacar una estación imperial de combustible. Pero lo más interesante es el desarrollo de Wilmon Paak, que se ve empujado hacia la militancia tras descubrir que uno de los suyos era un informante imperial.

Una jugada maestra por parte de los guionistas que, sin necesidad de gritarlo a los cuatro vientos, crea un puente directo entre la trilogía original y la secuela.

Descubre la conexión secreta de Andor con la trilogía secuela que casi nadie ha notado

De la Rebelión a la Resistencia

Aunque Andor no detalla cuánto tiempo pasan los Partisanos en D’Qar, lo que sí deja claro es que su paso deja huella. Según el canon actual, la primera aparición cronológica del planeta es justo en esta etapa, en el 3 ABY. Después de la marcha de Saw Gerrera, D’Qar se convierte en un escondite para pilotos rebeldes y una ubicación segura dentro de la red de la Alianza, aunque nunca llega a ser una base oficial… hasta que Leia lo rescata del olvido.

Esto se explora también en novelas como Bloodlines, donde Leia decide dejar el Senado de la Nueva República y fundar la Resistencia. Lo hace junto a viejos aliados como Ackbar o Snap Wexley, y elige D’Qar precisamente por su historia rebelde, que ahora descubrimos en pantalla. La elección ya no parece tan aleatoria, ¿verdad?

Y aunque la base no dura mucho (en Los últimos Jedi vemos su evacuación y posterior destrucción), su peso narrativo crece con esta nueva pieza del puzle. Incluso Star Wars: Resistance, la serie animada, vuelve a D’Qar tras el ataque del Primer Orden, mostrando sus restos calcinados.

Una narrativa que por fin conecta todas las eras

Lo más potente de todo esto es cómo Andor borra las líneas divisorias entre la Rebelión y la Resistencia. Hasta ahora, las veíamos como entidades separadas, incluso aunque compartieran ideales. Pero con la presencia de Gerrera en D’Qar, ahora resulta natural verlas como parte de un mismo legado.

El uso de estrategias móviles por parte de los rebeldes, como vimos en Yavin 4 o Hoth, se refleja en los movimientos de los Partisanos y, más tarde, en la Resistencia, que huye de D’Qar a Ajan Kloss. Es un ciclo de resistencia perpetua, una evolución constante frente al enemigo, que ahora se muestra con coherencia a lo largo de la saga.

Y no es solo un detalle bonito para fans atentos. Este tipo de conexiones enriquecen el universo narrativo de Star Wars y ayudan a que todas las piezas, desde las películas hasta las series y cómics, encajen de forma orgánica.

Descubre la conexión secreta de Andor con la trilogía secuela que casi nadie ha notado

Una jugada brillante de Andor que va más allá del fanservice

El regreso de D’Qar no es solo un easter egg. Es una declaración de intenciones por parte de Andor: mostrar que todo en Star Wars está conectado, aunque no siempre lo veamos a simple vista. La serie sigue demostrando que puede aportar capas de profundidad sin dejar de contar su propia historia.

Y lo hace sin necesidad de cameos forzados ni referencias excesivas. Solo con un planeta, una base camuflada en el verde… y el eco de una lucha que nunca termina.

Lobezno desata su forma más salvaje y demoníaca hasta la fecha en Hellhunters

Lobezno

Lobezno estrena garras infernales… pero podrían costarle su alma

Lobezno desata su forma más salvaje y demoníaca hasta la fecha en Hellhunters

En un giro que nadie vio venir, Lobezno acaba de recibir un poderoso (y aterrador) nuevo look que lo convierte, literalmente, en una bestia infernal. Pero este power-up viene con un precio tan alto, que incluso Logan podría arrepentirse de haberlo aceptado. Todo se revela en Hellhunters #5, el nuevo capítulo del evento más sobrenatural del universo Marvel. Este cómic, que sirve como precuela a los eventos actuales del Hellverine, lleva a Logan hasta los confines del infierno… durante la Segunda Guerra Mundial. Sí, como lo lees: antes de convertirse oficialmente en el Hellverine que conocemos, Lobezno ya había experimentado una transformación diabólica, y Hellhunters nos está contando cómo empezó todo.

Lobezno desata su forma más salvaje y demoníaca hasta la fecha en Hellhunters

Una versión demoniaca nunca antes vista

La historia se sitúa en 1944, en pleno campo de batalla de la Segunda Guerra Mundial. Allí, un grupo de élite liderado por Sgt. Nick Fury, con Peggy Carter, Bucky Barnes, Ghost Rider y el propio Lobezno , intenta detener a un villano nazi conocido como Hauptman Bruckner. ¿La sorpresa? Este Bruckner logra robar los poderes del Ghost Rider original… y todo el grupo termina tocado por ese fuego infernal.

Lobezno no sale ileso, claro. En lugar de las clásicas garras de adamantium, ahora vemos llamas saliendo directamente de sus nudillos. Pero eso no es lo más impactante: le brotan cuernos de la cabeza, los codos, las rodillas… y hasta los antebrazos. Un espectáculo grotesco, y al mismo tiempo brutalmente épico.

Como si eso fuera poco, su piel se torna rojo sangre, sus dientes se afilan como los de un demonio hambriento, y sus ojos arden con fuego infernal. Es un Logan que mezcla lo salvaje del mutante con la furia ardiente del Motorista Fantasma.

¿Qué significa esto para el personaje?

Aunque este tipo de fusiones no son nuevas en Marvel —ya hemos visto versiones demoníacas de Lobezno en portadas alternativas o líneas temporales alternativas—, lo que ocurre en Hellhunters #5 es diferente. Aquí, la transformación tiene un peso narrativo real, y según los autores Phillip Kennedy Johnson y Adam Gorham, no solo afecta lo físico… sino también la mente de Logan.

Es posible que, por primera vez, Lobezno esté realmente perdiendo el control. Ya no hablamos de un “berserker” con sed de sangre, sino de una criatura infernal consumida por la oscuridad.

Todo queda en familia

Esta evolución también podría estar relacionada con lo que ocurre actualmente en la línea principal de Marvel. Su hijo Daken, bajo el alias de Hellverine, ha demostrado ser una versión aún más letal que su padre, dominando perfectamente esta mezcla entre mutante y entidad infernal. ¿Será que Hellhunters busca preparar el terreno para un enfrentamiento entre ambos?

Lobezno desata su forma más salvaje y demoníaca hasta la fecha en Hellhunters

Y ojo, no solo Logan ha sido afectado. En este mismo número, Bucky Barnes también recibe una mejora sobrenatural en su brazo, robando parte del poder del Ghost Rider para combatir a los nazis demoníacos. Sí, el cómic no escatima en acción y momentos visualmente potentes.

La estética de este número es otro punto fuerte. Con portadas espectaculares de Declan Shalvey y el color alucinante de Frank Martin, Hellhunters #5 promete ser una de las entregas más memorables de esta saga. Si ya flipaste con Ghost Rider, Hellverine o los momentos más salvajes de Logan, este número es para ti.

Una fusión que enlaza perfectamente

Y aunque el concepto suene descabellado, Marvel logra que encaje perfectamente en su mitología. El pasado oscuro de Lobezno siempre ha sido parte de su identidad, y ahora, al sumarle elementos sobrenaturales, el personaje adquiere una nueva dimensión mucho más aterradora… y trágica.

Lobezno desata su forma más salvaje y demoníaca hasta la fecha en Hellhunters

A medida que se acerca el lanzamiento oficial el 30 de abril de 2025, los fans especulan si este nuevo look demoníaco tendrá repercusiones en las series actuales, o si se quedará como un recuerdo de guerra. Pero si algo está claro, es que Lobezno nunca volverá a ser el mismo.

Robert Rodriguez tenía un plan épico para Conan el Bárbaro pero Netflix impidió que desenvainara la espada

Conan

Descubre la trilogía visualmente alucinante y apadrinada por James Cameron de Conan el Bárbaro que nunca vio la luz

Robert Rodriguez tenía un plan épico para Conan el Bárbaro pero Netflix impidió que desenvainara la espada

Hace unos años, Robert Rodriguez estuvo a punto de revivir al icónico guerrero cimmerio con una trilogía tan ambiciosa como visualmente espectacular. ¿El problema? Netflix tenía los derechos de Conan el Bárbaro… y los dejó caducar sin mover ficha. Sí, lo que podría haber sido una nueva era para el personaje se quedó en el limbo de los proyectos olvidados.

Una revelación inesperada

La revelación vino de boca del propio Rodriguez durante una charla en el popular podcast The Joe Rogan Experience. A la altura del minuto 1:44:00, el director de Sin City y Alita: Battle Angel soltó la bomba: una trilogía de Conan estaba sobre la mesa y hasta James Cameron quería subirse al barco. Pero el barco se hundió antes de zarpar.

“Casi hice una película de Conan. Incluso convencí a James Cameron para que quisiera hacerla”, contó Rodriguez entre risas, sabiendo el peso de lo que estaba diciendo.

Robert Rodriguez y su particular visión del Bárbaro

Pero esto no era cualquier cosa. No hablamos de una adaptación genérica, sino de una trilogía bien pensada, con una evolución de personaje digna de saga legendaria. La idea era que Conan creciera con el actor, como pasó con James Bond y Daniel Craig.

“Iba a ser como una serie de James Bond”, explicó Rodriguez. “Empieza siendo ladrón, luego es mercenario y finalmente rey. Así el actor evoluciona con el personaje”. ¿Suena épico? Lo era.

Además, la idea visual era clara: hacer que Conan pareciera salido directamente de las pinturas clásicas de fantasía heroica, como las de Frank Frazetta. Rodriguez ya había explorado este estilo visual con Sin City, y lo llevó aún más lejos con Alita: Battle Angel, proyecto que también compartió con James Cameron.

“Le dije a Cameron: hagamos Conan y que parezca una pintura. Pero la tecnología aún no estaba lista, así que acabé haciendo Sin City”, recordó el director.

El momento perfecto pareció llegar en 2020, cuando Netflix adquirió los derechos de Conan el Bárbaro. Rodriguez no lo dudó y les presentó su trilogía completa. Pero en lugar de lanzarse a la aventura, la plataforma dejó pasar la oportunidad. Los derechos caducaron y el proyecto murió antes de nacer.

Robert Rodriguez tenía un plan épico para Conan el Bárbaro pero Netflix impidió que desenvainara la espada

Una decisión cuestionable

Una decisión que, con el tiempo, parece aún más extraña. Netflix estaba en plena expansión de contenido original, apostando por adaptaciones ambiciosas y universos propios. Pero ni siquiera la visión de Rodriguez ni el interés de James Cameron fueron suficientes para convencerles.

Desde entonces, los derechos del personaje han vuelto a Conan Properties International (CPI), que forma parte de Heroic Signatures, empresa encargada de gestionar las obras de Robert E. Howard, creador no solo de Conan, sino también de Solomon Kane y Kull el Conquistador.

¿Qué futuro le espera a Conan el bárbaro?

El fallido intento de Netflix no fue el primero. Amazon también trató de lanzar una serie de Conan, pero nunca despegó. Así que la pregunta que muchos fans se hacen es: ¿quién será el siguiente en intentarlo? ¿Disney+? ¿Apple TV? La franquicia aún tiene un potencial enorme, y su estilo encajaría perfectamente con la actual tendencia de fantasía oscura y antihéroes musculosos.

Mientras tanto, los fans seguimos soñando con esa trilogía que nunca llegó, con ese Conan cinematográfico que nos mostraría al guerrero como ladrón, mercenario y rey, con un estilo visual brutal y un desarrollo de personaje digno de leyenda.

Robert Rodriguez tenía un plan épico para Conan el Bárbaro pero Netflix impidió que desenvainara la espada

Y aunque por ahora todo se haya quedado en una anécdota contada en un podcast, queda claro que el interés por Conan sigue más vivo que nunca. Solo hace falta que alguien recoja la espada que Netflix dejó caer.