Scooby-Doo vuelve en acción real con las primeras imágenes de la serie más oscura de Netflix

Scooby-Doo

La pandilla más famosa de la animación y Scooby-Doo regresan con un misterio más inquietante de lo esperado

Scooby-Doo vuelve en acción real con las primeras imágenes de la serie más oscura de Netflix

La nostalgia siempre acaba volviendo… pero no siempre de la forma que esperamos. Netflix ha decidido apostar por un enfoque más oscuro y misterioso para una de las franquicias más queridas de la animación: Scooby-Doo. Y lo hace con Scooby-Doo: Origins, una serie en acción real que ya ha arrancado su producción y que empieza a dejar pistas de por dónde van los tiros. Las primeras imágenes ya están aquí, y aunque no muestran al personaje más esperado, sí nos dejan claro algo: la historia no va a ser tan ligera como recordamos. La pandilla de Mystery Inc. vuelve… pero con un tono más cercano al suspense juvenil que al humor desenfadado clásico.

El origen de Mystery inc. como nunca lo habíamos visto

El punto de partida de Scooby-Doo: Origins es precisamente lo que promete su título: los comienzos del grupo antes de convertirse en los cazadores de misterios que todos conocemos. En este caso, la historia se sitúa durante un verano aparentemente tranquilo… que acaba torciéndose de forma inquietante.

Todo arranca cuando Shaggy y Daphne se ven envueltos en un misterio relacionado con un cachorro de gran danés perdido que podría haber presenciado un asesinato sobrenatural. Sí, suena más turbio de lo habitual para Scooby-Doo, y ese parece ser precisamente el objetivo de la serie.

Casting joven y reconocible para una nueva generación

El reparto también apunta claramente a esa reinvención moderna. Maxwell Jenkins da vida a Fred, mientras que Mckenna Grace se mete en la piel de Daphne, Abby Ryder Fortson será Velma y Tanner Hagen interpretará a Shaggy.

Lo interesante aquí no es solo quiénes son, sino cómo se presentan: versiones más jóvenes, más imperfectas y con secretos propios. Nada de grupo perfectamente cohesionado desde el minuto uno. Aquí cada personaje parece tener algo que ocultar.

Y sí, hay un detalle que ha llamado mucho la atención: Scooby-Doo no aparece en estas primeras imágenes, aunque sí se deja ver su huella. Una forma bastante clara de decir: paciencia, todavía queda para verle.

Una historia más oscura y emocional

Uno de los puntos clave de esta nueva serie es el tono. Según la sinopsis oficial, los protagonistas se verán arrastrados a una pesadilla que amenaza con sacar a la luz sus secretos más profundos.

Esto marca una diferencia importante respecto a otras adaptaciones. Aquí no se trata solo de resolver un misterio, sino de explorar la dinámica del grupo y cómo se forjan sus vínculos bajo presión.

Scooby-Doo vuelve en acción real con las primeras imágenes de la serie más oscura de Netflix

Además, la implicación de nombres como Greg Berlanti en la producción refuerza esa idea de una narrativa más emocional y serializada, algo que ya hemos visto en otras series juveniles con cierto toque oscuro.

Detrás de cámaras

El proyecto está liderado por Josh Appelbaum y Scott Rosenberg, responsables de llevar esta nueva visión a la pantalla bajo el sello de Midnight Radio. También destaca la dirección del primer episodio a cargo de Toby Haynes, conocido por su trabajo en series con una estética muy cuidada.

Berlanti, por su parte, no ha ocultado su entusiasmo, recordando su relación con los creadores originales de la franquicia, William Hanna y Joseph Barbera, y destacando que esta nueva historia busca capturar el espíritu original desde una perspectiva diferente.

El gran misterio

La gran incógnita sigue siendo Scooby-Doo. Todo apunta a que el personaje será creado mediante CGI, lo que explica su ausencia en este primer vistazo. La decisión no es menor, ya que el diseño y la integración del personaje serán clave para que la serie funcione.

Y aquí está uno de los mayores retos: equilibrar realismo y fidelidad al personaje sin caer en lo extraño o artificial. No sería la primera vez que una adaptación en acción real tropieza justo en ese punto.

Una apuesta arriesgada pero con potencial

No nos engañemos: reinventar Scooby-Doo no es tarea fácil. Es una franquicia con décadas de historia, múltiples versiones y una base de fans muy exigente. Apostar por un tono más oscuro puede ser un acierto… o un error si se pierde la esencia.

Sin embargo, hay motivos para ser optimistas. La idea de explorar el origen del grupo, profundizar en sus relaciones y construir un misterio más elaborado puede darle una nueva vida a la marca, especialmente entre el público más joven.

Eso sí, todo dependerá de cómo se ejecute. Porque una cosa está clara: los fans no solo quieren nostalgia, quieren una buena historia.

Scooby-Doo vuelve en acción real con las primeras imágenes de la serie más oscura de Netflix

Lo que podemos esperar en los próximos meses

Con el rodaje ya en marcha, es muy probable que en las próximas semanas empiecen a filtrarse más imágenes del set. Y, con suerte, algún primer vistazo oficial a Scooby.

Hasta entonces, Scooby-Doo: Origins ya ha conseguido lo más difícil: generar curiosidad. Ahora solo queda ver si está a la altura del misterio que promete.

El choque imposible que Star Trek llevaba décadas evitando

Star Trek

Un nuevo cómic rompe el canon de Star Trek y enfrenta al capitán más mítico con su enemigo más aterrador

El choque imposible que Star Trek llevaba décadas evitando

Hay encuentros que los fans imaginan durante años… y que parecen imposibles hasta que alguien se atreve a romper las reglas. Eso es exactamente lo que acaba de hacer Star Trek con su próximo movimiento narrativo: poner cara a cara a James T. Kirk con los Borg. Sí, ese duelo que jamás vimos en pantalla ni en el canon clásico por fin será realidad. Y no hablamos de un simple guiño o una escena anecdótica. La nueva entrega del cómic The Last Starship promete un enfrentamiento directo que redefine la historia de la saga. Un combate entre dos símbolos opuestos del universo Star Trek, donde la individualidad de Kirk choca contra la fría lógica colectiva de los Borg.

Kirk contra los Borg

La historia llega de la mano de IDW con el número 8 de Star Trek: The Last Starship, previsto para el 17 de junio de 2026. Este arco narrativo sitúa a Kirk en una misión inesperada: perseguir a la Reina Borg Agnes Jurati hasta una estación espacial inédita llamada Deep Space Hope.

El concepto ya es potente de por sí: una especie de “nueva Deep Space Nine”, pero en un contexto mucho más oscuro y desesperado. Aquí no hay exploración optimista, sino supervivencia tras un evento devastador que ha cambiado la galaxia para siempre.

Y es que todo ocurre después del llamado Burn, una catástrofe que dejó el dilitio inservible y provocó el colapso de gran parte de la tecnología galáctica. Un escenario ideal para que los Borg resurjan con fuerza, aprovechando el caos.

Un regreso a la vida con segundas intenciones

Uno de los elementos más intrigantes de esta historia es que Kirk ha sido resucitado por los propios Borg. No es un detalle menor: plantea una pregunta clave que sobrevuela toda la trama. ¿Por qué?

El capitán más icónico de la Federación vuelve a la vida en un momento crítico, y lo hace gracias a sus enemigos. Eso introduce un conflicto narrativo muy potente: Kirk no solo lucha contra ellos, sino que también necesita entender qué papel juega en sus planes.

En paralelo, la Reina Borg Agnes Jurati —personaje conocido por Star Trek: Picard— actúa con una agenda propia. Ya no es la villana clásica, sino una figura híbrida que mezcla humanidad y colectividad, lo que complica aún más el enfrentamiento.

El choque imposible que Star Trek llevaba décadas evitando

El nuevo tablero de juego

La estación Deep Space Hope se convierte en el epicentro de la historia. Un lugar que simboliza la última chispa de esperanza en una galaxia rota, pero que también sirve como escenario perfecto para la confrontación.

Aquí es donde Jurati intenta asimilar la energía de la nave U.S.S. Omega, dejando atrás a la tripulación. Sin embargo, comete un error clave: subestimar a Kirk, que decide seguirla hasta el interior de la estación.

Este movimiento marca el inicio de un duelo que va más allá de lo físico. Es una batalla ideológica, donde se enfrentan dos formas de entender el universo: la libertad individual frente a la uniformidad absoluta.

Los Borg más inquietantes que nunca

Si algo ha definido a los Borg desde su primera aparición es su capacidad para generar miedo. Introducidos en Star Trek: The Next Generation, se convirtieron rápidamente en uno de los villanos más icónicos de la franquicia.

Su concepto sigue siendo igual de perturbador: una mente colmena que elimina la individualidad y convierte a sus víctimas en piezas de un engranaje perfecto. Y en esta historia, ese terror se intensifica.

La presencia de la Reina Borg añade un componente casi psicológico. No es solo una líder, sino una figura que conecta emocionalmente con sus víctimas, algo que ya vimos en su relación con Picard en First Contact.

Aquí, sin embargo, el enfoque es diferente. La versión de Jurati introduce matices, abriendo la puerta a un colectivo menos agresivo… pero igualmente peligroso.

Un enfrentamiento que puede cambiarlo todo

Las portadas del cómic ya dejan entrever que no será un simple choque de fuerzas. Una de ellas muestra a la Reina rodeada de rostros en agonía, mientras que otra, más inquietante, presenta a Kirk y a la Reina en un contacto casi vampírico.

Este tipo de imágenes apuntan a una narrativa más oscura y simbólica. No se trata solo de quién gana, sino de qué se pierde en el proceso. ¿Puede Kirk mantenerse intacto frente a una amenaza que absorbe identidades?

El choque imposible que Star Trek llevaba décadas evitando

La gran incógnita es si los Borg ven en él un salvador… o una herramienta para la destrucción. Ese dilema convierte la historia en algo mucho más interesante que una simple batalla.

Una jugada arriesgada que puede redefinir Star Trek

Durante décadas, Star Trek ha evitado mezclar ciertas líneas temporales y personajes clave. Este cruce rompe esa barrera, y lo hace en un formato que permite experimentar sin las limitaciones del cine o la televisión.

El resultado puede ser explosivo. Un Kirk fuera de su tiempo, enfrentado a una amenaza que nunca conoció, en un universo que ya no es el suyo.

Para los fans, es un regalo… pero también un riesgo. Porque cuando se tocan iconos tan grandes, cualquier decisión puede cambiar la percepción de toda la saga.

Lo que está claro es que este enfrentamiento no pasará desapercibido. Es el tipo de historia que redefine lo que creíamos posible dentro de Star Trek.

El nuevo logo de Los X-men anticipa su etapa más oscura en Marvel

X-men

Una imagen inquietante adelanta el conflicto que redefinirá a Los X-men

El nuevo logo de Los X-men anticipa su etapa más oscura en Marvel

Hay algo que no encaja en el nuevo símbolo de los X-Men. No es solo un rediseño más agresivo o moderno: es una declaración de intenciones. Marvel ha decidido dar un paso adelante… o quizá hacia un abismo del que no será fácil salir. Y lo ha hecho con un logo que parece sacado más de una alerta sanitaria que de un equipo de superhéroes. La sensación es clara: los mutantes ya no son vistos como salvadores, sino como un problema global. Ese cambio de percepción no llega de la nada, sino que conecta directamente con los eventos recientes del universo Marvel, donde las tensiones internas y externas han llevado a los X-Men a una situación límite.

Nuevo logo para Los X-men

Lo que más llama la atención de este nuevo diseño es su inspiración en el símbolo de riesgo biológico. Una decisión estética que no es casual, sino que refleja el miedo y la desconfianza que rodea ahora a la raza mutante. Lejos quedan los tiempos en los que el equipo representaba esperanza o evolución. Ahora, la narrativa apunta a algo mucho más incómodo: los mutantes como amenaza.

Este giro visual está directamente ligado a DNX #1, el próximo gran lanzamiento de Marvel Comics que marcará el inicio de una nueva etapa. En esta historia, los X-Men no solo tendrán que enfrentarse a enemigos externos, sino también a las consecuencias de decisiones pasadas que han cambiado su posición en el mundo.

Un conflicto que nace del futuro

La premisa de DNX parte de una idea potente: el futuro ya ha ocurrido… y ha dejado huella. Tanto Cíclope como el líder de 3K han visto lo que está por venir durante los eventos de Age of Revelation. Pero lo interesante es que cada uno interpreta ese futuro de forma completamente distinta.

Por un lado, los X-Men luchan por evitar ese destino oscuro. Por otro, 3K pretende abrazarlo y convertirlo en una realidad inevitable. Este choque de visiones convierte la historia en algo más que una simple batalla: es una guerra ideológica sobre qué significa ser mutante en el mundo actual.

El regreso de una amenaza conocida

En el centro de todo este caos está una figura clave: Bestia. O mejor dicho, lo que queda de él. Durante años, fue uno de los mutantes más respetados del universo Marvel, pero su evolución reciente ha sido todo menos heroica.

Tras los eventos en Krakoa y su paso por X-Force, Bestia cruzó demasiadas líneas. Experimentos secretos, paranoia creciente y la creación de ejércitos de clones —incluyendo múltiples versiones de Lobezno— lo transformaron en alguien irreconocible. Ahora, bajo el alias de Chairman, se posiciona como uno de los principales antagonistas de esta nueva etapa.

El nuevo logo de Los X-men anticipa su etapa más oscura en Marvel

Y su plan no es precisamente pequeño: desatar el X-Virus en una zona densamente poblada. Una amenaza que encaja perfectamente con ese nuevo logo que presenta a los mutantes como un peligro biológico.

Los X-men buscan aliados inesperados

Ante una amenaza de este calibre, los X-Men no pueden luchar solos. Por eso, en DNX veremos cómo recurren a los Cuatro Fantásticos en busca de ayuda. Una alianza que promete momentos clave, especialmente teniendo en cuenta las diferencias históricas entre ambos equipos.

Esta colaboración no solo amplía la escala del conflicto, sino que también refuerza la idea de que estamos ante un evento que podría cambiar el statu quo de Marvel. No es una crisis más: es una reconfiguración total del tablero.

Una etapa que redefine a los mutantes

Detrás de este nuevo capítulo están Jed MacKay y Federico Vicentini, un equipo creativo que ya ha demostrado saber manejar historias de gran escala. Su objetivo aquí parece claro: llevar a los X-Men a un punto de no retorno.

Según el propio MacKay, DNX no solo continúa lo visto en Age of Revelation, sino que explora sus consecuencias directas. Eso implica cambios profundos en los personajes, en sus relaciones y en su lugar dentro del universo Marvel.

Una cita que marca el tono

El guionista lo dejó claro al hablar del proyecto: “Age of Revelation mostró el futuro, y DNX muestra el impacto de ese futuro en el presente. Los X-Men y 3K están en rumbo de colisión… y solo uno sobrevivirá”.

El nuevo logo de Los X-men anticipa su etapa más oscura en Marvel

No es una frase cualquiera. Es prácticamente una advertencia.

Fecha de lanzamiento y lo que está en juego

DNX #1 llegará el 2 de septiembre, y todo apunta a que será uno de los lanzamientos más importantes del año para Marvel. No solo por la historia en sí, sino por lo que representa: el inicio de una era donde los X-Men dejan de ser símbolos de esperanza para convertirse en algo mucho más ambiguo.

Y ese nuevo logo… no hace más que recordarlo.

Mister E: El primer simbionte de Marvel

Mister E

Descubre quién es Mister E y por qué está considerado como el primer simbionte de La Casa de las Ideas.

Como ya hemos comentado anteriormente, es un dato conocido de sobra por todo aquel que se considere fan de Spiderman que el traje alienígena que el alter ego de Peter Parker se trajo de Mundo de Batalla debutó en la aventura Invasion!, publicada en el cómic Secret Wars nº 8 (1984), escrito por Jim Shooter y dibujado por Mike Zeck, mientras que Veneno, creado a partir de la simbiosis de este ser extraterrestre con Eddie Brock, vio la luz en la historieta llamada simplemente Venom, perteneciente al ejemplar The Amazing Spider-Man nº 300 (1988), con guion de David Michelinie y dibujos de Todd McFarlane .

No obstante, aunque tardamos mucho en descubrirlo, la primera versión de un simbionte que hemos podido ver en los cómics de La casa de las Ideas fue un ser creado por la deidad Knull que responde por el nombre de Mister E (traducido al español como Mister Yo), tal y como se puede comprobar si se continúa leyendo este artículo hasta el final.

Todo empezó en la aventura titulada, precisamente, The Mistery of Mister E!, publicada en el cómic Marvel Spotlight nº 9 (1980), escrita por Bill Mantlo y dibujada por Steve Ditko, cuya portada reproducimos debajo de este párrafo. En esta historia, que, a día de hoy, permanece inédita en España, el Capitán Universo tenia que hacer frente a un enemigo que transformaba a sus víctimas en sombras corpóreas, al que pudo derrotar al exponerlo a la luz del Sol. Por supuesto, estamos hablando de Mister E. Aunque se le dio por muerto al final de aquella aventura, Peter David y Greg Land demostraron tener otros planes en mente, como veremos más adelante.

Mister E: El primer simbionte de Marvel

Saltamos ahora hasta el 2020, año en el que el guionista Donny Cates y el dibujante Ryan Stegman sacaron a la luz una miniserie llamada King Black (traducida a nuestro idioma como Rey de Negro), que tenía como personaje principal a Veneno. Como es habitual en La Casa de las Ideas, los eventos que tenían lugar en esta cabecera se hacían eco en otras colecciones con la intención de que pareciera que todo sucedía en un universo compartido. Y ese es, precisamente, el punto de interés de este artículo. A continuación, se muestra la portada del primer número de este evento.

Mister E: El primer simbionte de Marvel

Y es que resulta que, por aquella misma época, los ya mencionados Peter David y Greg Land estaban llevando a cabo unas miniseries ambientada en la época en la que el hombre araña lucía el uniforme que se trajo de las Guerras Secretas, sin saber que se trataba de un simbionte alienígena, bajo el nombre de Symbiote Spider_Man. Pese a transcurrir en el pasado, una de estas cabeceras, cuya primera portada puede verse bajo este párrafo, estaba relacionada con los eventos de Rey de Negro gracias a que el guionista y el dibujante se acordaron de Mister E y decidieron traerlos de vuelta y profundizar un poco más en su historia.

Mister E: El primer simbionte de Marvel

Todo empezó cuando Ned Leeds y Peter Parker fueron al Instituto Ravencroft para hacer una entrevista al recluso Alistair Smythe, sin saber que allí se iban a encontrar con Mister E, que iba a utilizar sus poderes para ocasionar tal cantidad de problemas que Spiderman acabaría necesitando contar con la colaboración de otros superhérores, como Caballero Negro, Mapache Cohete, Capitana Marvel y hasta del poderoso Vigilante y el villano Kang para solucionar el embrollo, que acabó solucionándose gracias a los poderes de luminosidad de Mónica Rambeau.

Aunque, finalmente, Mister E acabó por ser derrotado, decía considerar a Spiderman como su hermano, evidentemente por ir vestido con el traje alienígena, de manera que, dado que este villano hizo su primera aparición a principios de la década de los ochenta, cuando nadie en La Casa de las Ideas había hecho mención alguna a los simbiontes, no hay ninguna duda de que Peter David y Greg Land nos quisieron dejar claro que fue el primero de esta raza en aparecer en los cómics de Marvel, quizás inspirados por el evidente parecido físico existente entre Mister E y estos seres sintientes. Sin embargo, debido a la intercesión de Uatu, Spiderman no recordaría nada de esto.

No obstante, sabemos que estos dato no se dieron a conocer hasta bien entrado el siglo XXI, por lo que los reconocimientos que habían tenido hasta aquel momento Jim Shooter, Mike Zeck, David Michelinie y Todd McFarlane, los dos primeros por haber creado el uniforme alienígena y los otros por haberlo convertido en un icónico villano de Spiderman, no se los puede quitar nadie.

Aunque lo más probable es que no volvamos a ver a Mister E, no podemos confirmarlo de manera categórica, ya que no sabemos en qué momento a otro guionista se le puede ocurrir buscar entre los rincones más desconocidos de Marvel para traer de vuelta a un personaje que casi nadie recuerda y, por tanto, no hay quien lo haya echado de menos.

Erin Moriarty afrontó uno de sus momentos más difíciles mientras grababa una escena clave de The Boys

Erin Moriarty es Luz Estelar en The Boys

Cuando el rodaje se vuelve un reto físico: la experiencia de Erin Moriarty en The Boys

Erin Moriarty, conocida por su papel de Annie/Starlight en The Boys, compartió recientemente cómo atravesó una etapa muy complicada durante la grabación de la quinta temporada. Según relató, uno de los episodios más importantes, titulado “King of Hell”, coincidió con el momento más crítico de sus problemas de salud, aún sin diagnosticar en ese entonces.

Durante el rodaje, la actriz experimentó síntomas severos que afectaron su movilidad. En una publicación en redes sociales, explicó que llegó a perder parcialmente la capacidad de caminar debido al entumecimiento en sus pies, lo que provocó varias caídas. Incluso sufrió una lesión en la rodilla la noche previa a filmar una de sus escenas.

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  • Erin Moriarty es Luz Estelar en The Boys
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Moriarty también expresó su frustración ante la situación y la falta de información sobre este tipo de condiciones. Más adelante, confirmó que fue diagnosticada con la enfermedad de Graves, un trastorno autoinmune que afecta la tiroides y puede provocar síntomas como pérdida de peso, temblores y problemas oculares.

En su testimonio, la actriz de The Boys animó a otras personas a prestar atención a su salud y no ignorar señales del cuerpo. Aseguró que, tras iniciar el tratamiento, comenzó a notar mejorías en apenas un día.

Erin Moriarty afrontó uno de sus momentos más difíciles mientras grababa una escena clave de The Boys

La información fue difundida originalmente a través de sus redes sociales, donde Moriarty decidió visibilizar su experiencia para concienciar sobre este tipo de enfermedades.

Superman: un personaje casi perdido en los cómics de DC vuelve con un papel clave y peligroso

El regreso de un olvidado de DC que podría cambiar el destino de Superman

El universo de Superman introduce un cambio importante con la reaparición de un personaje casi olvidado que ahora apunta a convertirse en antagonista. En Superman #37, creado por Joshua Williamson y Dan Mora, la historia sigue a Superboy Prime, quien intenta redimirse tras su pasado violento mientras busca ganarse la confianza de la Liga de la Justicia.

En paralelo a sus esfuerzos como héroe —y su vida cotidiana trabajando en una tienda de cómics— surge una trama secundaria que toma fuerza en las últimas páginas: una aparente admiradora que, lejos de ser inofensiva, forma parte de un grupo misterioso que busca un “sacrificio perfecto”. Todo apunta a que esta figura está vinculada con Witchfire, quien será clave en el próximo enfrentamiento.

  • Superman: un personaje casi perdido en los cómics de DC vuelve con un papel clave y peligroso
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Witchfire, creada por Kurt Busiek y Tom Grummett, debutó en 2002 como Rebecca Carstairs, una artista con habilidades mágicas que decidió usar sus poderes para el bien tras un encuentro con lo sobrenatural. Sin embargo, su historia siempre fue ambigua y quedó inconclusa tras la cancelación de su serie.

Años después, el personaje fue reinterpretado en una trama ligada a la magia de Hécate, donde obtuvo poderes como una de las elegidas por la diosa. Aunque su destino parecía sellado tras su muerte y la desaparición de su alma, su regreso abre nuevas posibilidades.

Superman

Ahora, con su reaparición, queda la duda de si actuará como villana o como una figura moralmente ambigua. Lo que está claro es que su conexión con la magia supone un serio desafío para Superboy Prime, especialmente dada su conocida vulnerabilidad a este tipo de poder.

El cómic ya está disponible en tiendas, mientras los lectores esperan el próximo capítulo de este enfrentamiento cargado de incertidumbre.

‘Maracuda’: una joya de la animación rusa infantil que sorprende en la era de piedra

Maracuda

Un joven inseguro, un pájaro extraterrestre sin control y una tribu prehistórica en apuros: ‘Maracuda‘, la nueva película de Viktor Glukhushin llega a los cines españoles de la mano de Vercine con una propuesta familiar que funciona mejor de lo esperado.

Maracuda: cuando la prehistoria se pone de tu lado

El cine de animación occidental —estadounidense sobre todo, con el anime japonés como segunda gran fuerza— tiene tan bien establecido su territorio que cualquier intrusión desde otras latitudes genera una mezcla de curiosidad y escepticismo. Maracuda llega desde Rusia (título original: Marakuda, 2025) con la honesta ambición de contar una historia de iniciación ambientada en el Paleolítico, y lo consigue con más solvencia de la que cabría esperar.

El protagonista es Maracuda, hijo del líder de su tribu, un chico curioso y torpe que no termina de encajar en el molde de guerrero que su padre, Rock, le tiene reservado. A su lado crece su hermana Spring, mucho más capaz y determinada; y en la sombra acecha Zambo, el leal asistente del líder que, cuando las circunstancias se lo permitan, no tardará en mostrar su verdadera naturaleza. El detonante que pone todo en marcha es Tink, un peculiar pájaro extraterrestre cuyo aliento de humo rosa transforma todo lo que toca —incluido, accidentalmente, al propio Rock, convertido de repente en una oruga. A partir de ahí, la aventura se despliega con buen ritmo en un frondoso bosque prehistórico poblado de mamuts, dinosaurios, ardillas dientes de sable y una ruidosa comunidad de suricatas que veneran al ave como a una deidad.

«Un viaje iniciático canónico de tono positivo, contado con frescura y diversión»

El director: de los efectos visuales a la animación de autor

Detrás del proyecto está Viktor Glukhushin, cineasta que comenzó su carrera como diseñador y animador de efectos visuales colaborando con Timur Bekmambetov en producciones como Apolo 18 o Abraham Lincoln: cazador de vampiros. Su salto definitivo a la animación lo consolidó con La princesa y el monstruo, título que llegó a estrenarse en España, aunque el siguiente largometraje pasó más desapercibido. Con Maracuda, el director y su guionista habitual Aleksandr Arkhipov dan un paso adelante notable: los diseños son más sólidos, la animación ha mejorado de forma apreciable y el guion resulta más equilibrado, con un sentido del humor que funciona tanto para el público infantil como para los adultos que los acompañan.

Maracuda

Lo más destacable de la película no es su historia —que sigue los patrones clásicos del relato de iniciación sin grandes sorpresas— sino la manera en que Glukhushin construye su mundo. Los entornos prehistóricos tienen personalidad propia: la exuberancia de la flora y la rareza de su fauna no son mero decorado, sino que participan activamente en la trama. Hay momentos en los que la pantalla desprende una energía visual que hace olvidar que se trata de animación por ordenador, lo que no es poco mérito.

Una película para toda la familia, con matices

Maracuda no alcanza el nivel narrativo y emocional de las grandes producciones de Pixar o DreamWorks, y tampoco lo pretende. Lo que ofrece es un entretenimiento familiar honesto, con personajes bien definidos —el padre autoritario que aprende a ser vulnerable, la hermana fuerte que supera sus propios prejuicios, el amigo inesperado que enseña lo que nadie más podía enseñar— y una galería de secundarios cómicos que mantienen el ritmo en los momentos más flojos del metraje.

Maracuda

La película también tiene su carga de valores sin caer en el didactismo fácil: la responsabilidad, la empatía entre padres e hijos, la valentía entendida como comprensión y no como fuerza bruta. Todo ello envuelto en una estética algo gamberra —más directa y menos pulida que la animación anglosajona— que le da cierto carácter diferenciador. Los diálogos, eso sí, son el punto más débil: en ocasiones pecan de simplicidad y reducen la profundidad de algunos momentos que podrían haber dado más de sí.

En definitiva, Maracuda es una de esas sorpresas que agradece encontrarse en la cartelera familiar: una propuesta que no aspira a más de lo que puede dar, pero que lo da con convicción y entretenimiento garantizado.

Maracuda

Ficha técnica

Título originalMarakuda
País / AñoRusia, 2025
DirecciónViktor Glukhushin
GuionAleksandr Arkhipov
MúsicaMikhail Chertishchev
Voces originalesProkhor Chekhovskoy, Pyotr Ivashchenko, Marina Lisovets, Eliza Martirosova, Diomid Vinogradov
Duración90 minutos
PúblicoApta para todos los públicos
Distribución en EspañaVercine
Estreno24 de abril de 2026

Planeta Cómic: Novedades para mayo 2026

Planeta Cómic muestra sus novedades para mayo 2026, donde destaca la publicación de Battle Beast, la obra de Robert Kirkman y Ryan Ottley ambientada en el universo de Invencible

Planeta Cómic muestra sus novedades para el mes de mayo 2026, donde destaca entre el resto de publicaciones la publicación de las aventuras en solitario de Battle Beast, el carismático personaje salido de las páginas de Invencible que cuenta en esta ocasión con la pareja formada por Robert Kirkman y Ryan Ottley como creadores. A continuación podéis ver el listado completo de novedades para este mes, dividido en secciones:

Comic USA
Novela gráfica
Manga

Planeta Cómic

Star Wars: Maul – Señor de las sombras | Capítulos 5 y 6: cuando el Imperio complica aún más las cosas

Maul Star Wars

El Imperio ocupa Janix, un Inquisidor entra en escena y Maul se niega a irse. Los episodios 5 y 6 de la nueva serie animada de Lucasfilm para Disney+ confirman que la apuesta por el Señor de la Sombra iba siendo hora.

Star Wars: Maul – Señor de las sombras

La serie de animación de Lucasfilm disponible en Disney+, estrenó el 20 de abril sus dos nuevas entregas. Los capítulos 5 y 6 —”Inquisition” y “Night of the Hunted”— elevan considerablemente las apuestas de la trama y, de paso, demuestran que este Maul de los primeros días del Imperio tiene todavía mucho que decir.

spoiler La Casa de EL

Capítulo 5, “Inquisition”: el Imperio llega y lo complica todo

El episodio arranca con un Destructor Estelar Imperial sobrevolando Janix City y los primeros TK troopers —los stormtroopers de la primerísima etapa, antes de que los clones quedaran oficialmente en el olvido— marchando por las calles. Quien dirige la operación es el teniente Blake, un oficial que llega a la comisaría local sin ningún interés en hacer amigos: su primera jugada es interrogar a la jefa de policía Klyce y dejar caer que el detective Lawson será el siguiente.

Ray Park Darth Maul obi-Wan Kenobi star wars

Mientras tanto, Maul no tiene la menor intención de marcharse de Janix, para irritación de sus propios aliados. Looti Vario, con sus operaciones de contrabando paralizadas por el bloqueo Imperial, protesta abiertamente; Maul le señala la puerta, pero el miedo al Imperio resulta más persuasivo que cualquier argumento, y Vario se queda. Los mercenarios mandalorianos de Rook Kast, en cambio, empiezan a dar señales de hartazgo.

El episodio introduce al Inquisidor Marrok —ya visto en Star Wars: Ahsoka y Star Wars: Tales of the Empire—, que se encarga de interrogar a Lawson con una pregunta muy concreta: cómo sobrevivió al ataque a la guarida de Maul cuando casi todo su equipo no lo hizo. Paralelamente, los Jedi Maestro Eeko-Dio Daki y su Padawan Devon Izara intentan huir de la ciudad en metro, lo que deriva en una persecución por las vías mientras Daki arrastra las consecuencias físicas de su enfrentamiento previo con Maul. El episodio cierra con Lawson llegando a casa, agotado y mentalmente deshecho, solo para encontrar a Daki e Izara refugiados en su salón y a su hijo Rylee en medio de todo.

“El miedo al Imperio resulta más persuasivo que cualquier argumento: Vario se queda.”

Capítulo 6, “Night of the Hunted”: sables de doble hoja y alianzas incómodas

Si el episodio 5 era el de la presión creciente, el 6 es el de la olla que explota. Marrok aparece literalmente cortando la puerta del apartamento de Lawson con su sable de luz; el duelo subsiguiente acaba con el piso en llamas, Devon robando a la fuerza —literalmente, gracias a la Fuerza— uno de los transportes imperiales que sobrevuelan el edificio, y una persecución aérea sobre los tejados de Janix que el propio Lawson evalúa con una mezcla de queja e incredulidad ante las dotes como piloto de Devon.

La trama lleva al grupo hasta el casino de Rheena Sul, una antigua cazarrecompensas, cuya historia con Lawson —se deben mutuamente la vida— queda esbozada con suficiente entidad como para resultar interesante. El reparo mayor del episodio llega aquí: la separación forzada entre el Maestro Jedi y su Padawan, que ocurre porque Daki ordena a Devon y Rylee que bajen en el ascensor mientras él y Lawson repelen a los stormtroopers. La maniobra tiene más de artificio narrativo que de lógica de personajes —nada impedía que todos cogieran el ascensor a la vez—, y la serie no hace demasiado esfuerzo por disimularlo.

Maul - Señor de las sombras

El clímax llega en un tren en marcha: Marrok ha acorralado a Devon y Rylee cuando aparece Maul desde lo alto del vagón. La alianza resultante —el enemigo de mi enemigo, etc.— culmina en un enfrentamiento a tres donde tanto Maul como Marrok despliegan sus sables de doble hoja, un detalle visual que funciona a la perfección. Devon resuelve la situación separando los vagones del convoy y dejando al Inquisidor atrás. La escena final muestra a Marrok reportando su fracaso a una figura holográfica no identificada a la que llama “mi señor”, cuya identidad —¿Vader? ¿el propio Palpatine?— queda como el gran interrogante para las próximas entregas.

“La alianza entre Maul y Devon no es confianza: es aritmética. Y ambos lo saben.”

Valoración: dos episodios que aprietan las tuercas

Estos dos capítulos confirman el pulso narrativo de Star Wars: Maul – Señor de las sombras. La llegada del Imperio no es un simple cambio de decorado: obliga a cada personaje a recalcular su posición. Maul se aferra a Janix por razones que tienen más que ver con Devon que con cualquier plan estratégico. Lawson, que solo quería mantener a su hijo al margen, ve cómo eso ya no es posible. Y Devon empieza a acumular dudas sobre quién es exactamente su enemigo.

Maul - Señor de las sombras

La coreografía de los duelos es uno de los puntos fuertes de la serie: la pelea en el tren y el cruce de sables de doble hoja tienen su propio peso visual sin necesitar comparaciones con nada anterior.

Los dos capítulos merecen notas altas, lo que indica que la serie no solo aguanta el tirón sino que va a más. El único lunar reiterado es ese instante en el casino que separa a Daki y Devon de forma un tanto artificiosa. No es un fallo grave, pero sí uno de esos momentos en que la estructura se nota demasiado.

La película de Street Fighter prepara una avalancha de referencias para conquistar a los fans

El reparto de Street Fighter adelanta una película cargada de guiños al videojuego clásico

La próxima adaptación de Street Fighter promete ser un festín para los seguidores más fieles. Según el propio elenco, la película incluirá cerca de un centenar de referencias ocultas al icónico videojuego, desde frases emblemáticas hasta movimientos y detalles inspirados en niveles secretos. Así lo recoge una entrevista publicada por Fandango.

Noah Centineo, quien da vida a Ken Masters, explicó que uno de los objetivos principales fue trasladar la esencia del juego al cine con la mayor cantidad de guiños posible. En la misma línea, el músico y actor Curtis ’50 Cent’ Jackson aseguró que los fans sentirán una fuerte dosis de nostalgia al reconocer elementos que han formado parte de su vida durante años.

  • La película de Street Fighter prepara una avalancha de referencias para conquistar a los fans
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  • Street Fighter

Bajo la dirección de Kitao Sakurai, esta nueva versión busca superar intentos anteriores de llevar la saga a la gran pantalla, como la película de 1994 protagonizada por Jean-Claude Van Damme o el spin-off de 2009 centrado en Chun-Li, ambos con recepción crítica negativa.

El reparto lo encabeza Andrew Koji como Ryu, acompañado por Callina Liang, Roman Reigns, Cody Rhodes, Andrew Schulz y David Dastmalchian en distintos papeles clave del universo del juego.

La película de Street Fighter llegará a los cines el 16 de octubre de 2026, con la promesa de ofrecer una experiencia repleta de detalles que los fans querrán descubrir escena a escena.