Avengers: Doomsday apuesta por lo físico, adiós al croma, hola al cine de verdad

El nuevo enfoque visual de Avengers: Doomsday sorprende hasta a los propios actores del UCM

Marvel Studios está listo para romper una de sus tradiciones más arraigadas con Avengers: Doomsday, y lo hará de la mano del diseñador de producción Gavin Bocquet. En lugar de depender del omnipresente croma azul y los efectos digitales que han caracterizado a sus películas durante más de una década, esta nueva entrega optará por decorados reales y efectos en cámara, llevando al UCM por un camino inesperado y mucho más artesanal.

Un nuevo rumbo visual para los Vengadores

En una reciente entrevista con Young Indy Chronicles, Bocquet explicó que esta apuesta por lo físico no es solo un guiño nostálgico, sino una declaración de intenciones. La escena postcréditos de Thunderbolts, que enlaza directamente con Avengers: Doomsday, ya daba pistas de lo que estaba por venir: todo lo que se ve fue captado directamente en cámara, sin retoques posteriores. “Todo en ese set era físico… incluso la pantalla que grabamos”, aseguró.

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Esta secuencia se rodó con solo tres días de margen para postproducción, lo que obligó a maximizar el uso de elementos físicos: “Usamos un fondo realista, un cielo de Nueva York detrás de la ventana, y una pantalla con el monitor que mostraba la nave de los 4 Fantásticos aproximándose”, detalló. El resultado dejó descolocados incluso a los actores, que según Bocquet comentaron: “Es la primera vez que estamos en un set de Marvel donde todo es real”.

Cine artesanal en el universo más digital

Lo más llamativo es que esta no será una excepción, sino la norma a seguir durante todo Avengers: Doomsday. El propio Bocquet explicó que el 80% de los sets interiores se construyeron con fondos físicos o pintados, alejándose del típico mar de pantallas verdes que suele envolver las producciones del estudio. Esta decisión no solo afecta al apartado visual, sino también al trabajo de los actores, que ahora pueden interactuar con escenarios tangibles en lugar de imaginar que todo lo que los rodea será añadido por ordenador meses después.

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Esta dirección ha sido respaldada completamente por los hermanos Russo, directores del proyecto y veteranos del UCM tras títulos como Infinity War y Endgame. “Joe y Anthony están muy a favor”, comentó Bocquet. Eso sí, reconoce que en ciertas secuencias, por pura escala o complejidad, seguirán utilizando efectos digitales cuando sea inevitable.

Homenaje al cine clásico con una visión moderna

Gavin Bocquet no es ajeno a este tipo de enfoque. Su experiencia previa en The Young Indiana Jones Chronicles —una serie que también apostaba por efectos prácticos— le ha servido como inspiración. “El cine es un arte de ilusión, y si podemos hacer la ilusión físicamente… deberíamos”, sentenció. Una declaración que suena casi como un grito de guerra contra la saturación de CGI que ha invadido gran parte del cine comercial actual.

Avengers: Doomsday apuesta por lo físico, adiós al croma, hola al cine de verdad

Con Avengers: Doomsday, Marvel parece decidido a recuperar la magia del cine tangible, apostando por un equilibrio entre espectáculo visual y autenticidad escénica. Este cambio no solo podría refrescar una fórmula que muchos fans consideran agotada, sino también elevar la experiencia cinematográfica a un nuevo nivel, más visceral y envolvente.

La clave está en el escenario real

Esta nueva filosofía de rodaje no solo embellece lo visual, sino que también cambia el juego interpretativo. Cuando los actores pueden tocar, sentir y moverse en escenarios reales, sus reacciones se vuelven más naturales y creíbles. En un universo como el de Marvel, repleto de dioses, alienígenas y dimensiones paralelas, esta dosis de realidad puede ser justo lo que necesita para volver a conectar emocionalmente con su público.

Además, este enfoque tiene otra ventaja: evita la fatiga del espectador ante el abuso del CGI. Al igual que Mad Max: Fury Road o The Dark Knight, Avengers: Doomsday busca demostrar que se puede ofrecer acción a gran escala sin depender de un ordenador para cada plano. ¿Será este el primer paso de una nueva era en Marvel? Si es así, no será solo un cambio visual, sino toda una revolución creativa.

El origen de Pennywise toma un giro inesperado en It: Welcome to Derry

El episodio 6 conecta al famoso payaso con un personaje clave de la serie y lo cambia todo

El terror en Derry no solo se arrastra por las alcantarillas: esta vez ha llegado directo al árbol genealógico. El sexto episodio de It: Welcome to Derry, titulado In the Name of the Father, ha soltado una bomba narrativa que promete redefinir todo lo que creíamos saber sobre Pennywise. Y sí, incluye niñas desaparecidas, maquillaje siniestro y un legado familiar de pesadilla.

En este capítulo, Ingrid —aparentemente una simple empleada del asilo Juniper Hill— se convierte en la pieza central de una revelación que conecta directamente con el mismísimo Pennywise. Resulta que su padre fue un artista de circo que se hacía llamar “Pennywise el Payaso Bailarín”, y sí, el parecido con la criatura es escalofriante. Lo peor de todo: Ingrid está convencida de que el monstruo que habita las cloacas es, de alguna forma, su padre transformado.

La conexión entre Ingrid y Pennywise lo cambia todo

Todo comienza cuando una niña internada asegura que un payaso le habla a través de las tuberías. Ingrid, sin pensárselo mucho —y con esa ingenuidad que solo trae el trauma—, la lleva al sótano. El resultado: un cara a cara con It, que devora a la niña tras disfrazarse como el padre de Ingrid, ahora bajo su forma humana: Bob Gray.

El origen de Pennywise toma un giro inesperado en It: Welcome to Derry

Desde entonces, Ingrid ha caído bajo el influjo del ente, creyendo que es su progenitor atrapado en una forma monstruosa, y ha empezado a actuar en consecuencia. Confiesa haber sido ella quien se disfrazó de Pennywise en el cementerio, usando el viejo traje de su padre. No solo eso: ha estado atrayendo a más niños al payaso, convencida de que así lo traerá de vuelta.

Mientras tanto, Lilly escapa despavorida, y una turba influenciada por la oscuridad de Pennywise se dirige al bar donde se esconde Hank, el padre de Ronnie. ¿Estamos ante una revuelta humana impulsada por un ente cósmico? Exacto. El horror va más allá del maquillaje.

El episodio cierra con Ingrid completamente transformada en Pennywise, vestida como su padre, abrazando el legado oscuro con una mezcla perturbadora de devoción y locura. El nivel de mal rollo ya se ha disparado, pero lo mejor —o lo peor— está por venir.

El origen de Pennywise toma un giro inesperado en It: Welcome to Derry

¿Por qué Pennywise eligió esa forma? ¿Fue una casualidad o parte de un plan más siniestro para atraer a los más pequeños? La serie juega con esa ambigüedad maldita que tanto nos gusta, y apunta a que las respuestas podrían llegar en los últimos dos episodios que se emiten cada semana en HBO Max hasta el final de temporada, previsto para el 14 de diciembre.

Un monstruo con historia

La idea de que Pennywise tomara la forma de un payaso ya nos inquietaba en la novela de Stephen King, pero ahora, con esta serie, la criatura adquiere una dimensión aún más personal y retorcida. No es solo un disfraz para cazar niños: ahora tiene rostro, pasado y herederos. La tragedia de Ingrid mezcla ternura, horror y locura, llevándonos a un terreno que ninguna de las películas había pisado.

It Pennywise

It: Welcome to Derry está expandiendo el universo con valentía, llenando los huecos entre los flashbacks de los filmes de Andy Muschietti y el material literario original. Y con figuras como Taylour Paige, Jovan Adepo o Madeleine Stowe en el reparto, la serie está demostrando que puede jugar en primera división del terror televisivo.

La danza final se acerca… y será sangrienta

Con solo dos capítulos por delante, todo apunta a un clímax brutal donde se decidirá si Ingrid logra su enfermizo reencuentro con su padre-clown o si Lilly y el resto consiguen detener el ciclo de horror que consume a Derry cada generación. La batalla contra Pennywise se vuelve más íntima y emocional, y eso la hace todavía más aterradora.

La serie, producida por Warner Bros. Television y liderada por los hermanos Muschietti y Jason Fuchs, cuenta con nueve episodios en total, de los cuales ya se han emitido seis. Si lo que viene mantiene este nivel de intensidad, podemos estar ante uno de los spin-offs más valientes y perturbadores del universo King.

La película de The Legend of Zelda apunta a un Hyrule inspirado en Breath of the Wild

Las primeras imágenes del filme de The Legend of Zelda desatan teorías sobre su ambientación, estética y reparto protagonista

Hyrule cobra vida en imagen real y no, no parece una locura. Las primeras fotos del rodaje de The Legend of Zelda, la esperada adaptación cinematográfica de la saga de Nintendo, han encendido el hype como si acabáramos de abrir un cofre al ritmo del mítico sonidito. En ellas, vemos a Bo Bragason como Zelda y a Benjamin Evan Ainsworth como Link, y aunque ambos encajan visualmente con sus personajes, lo que más ha captado la atención de los fans no son sus caras… sino el mundo que los rodea.

La ambientación recuerda poderosamente a Breath of the Wild, y no solo por el paisaje abierto y naturalista que se deja entrever. El traje azul de Zelda, la postura con arco y el propio estilo visual apuntan claramente hacia el videojuego de 2017 que revolucionó la franquicia. Un título que no solo redefinió el gameplay de la saga, sino también el papel de la princesa Zelda, que por fin dejaba de ser la damisela en apuros para tener un peso narrativo real.

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Una aventura a lo Breath of the Wild

Los fans están conectando las pistas como si de un puzzle sheikah se tratara. En las imágenes reveladas, vemos a Link y Zelda juntos, en lo que parece un momento de exploración o vigía, con el fondo robando protagonismo. Y es que Breath of the Wild no se entiende sin su mundo abierto, donde el jugador se pierde —literalmente— en los vastos parajes de Hyrule. El hecho de que la película se esté rodando en Nueva Zelanda, tierra de El Señor de los Anillos, no hace sino alimentar esta idea de que el entorno será tan protagonista como sus personajes.

Ahora bien, adaptar literalmente Breath of the Wild sería un error. El formato cinematográfico pide una narrativa más acotada que el “haz lo que quieras” del videojuego. Pero sí sería inteligente heredar el espíritu del juego: su tono melancólico, la sensación de libertad, la relación entre Zelda y Link, y el trasfondo emocional que ambos arrastran.

La clave está en equilibrar elementos clásicos (mazmorras, Epona, objetos icónicos) con lo aprendido en los últimos juegos. No se trata solo de una aventura con espadas y monstruos, sino de una historia de sacrificios, legado y reconstrucción. Y eso, llevado al cine con mimo, puede funcionar maravillosamente.

La película de The Legend of Zelda apunta a un Hyrule inspirado en Breath of the Wild

Zelda, por fin en el centro de la historia

Una de las grandes bazas de Breath of the Wild y Tears of the Kingdom fue mostrar a una Zelda más proactiva, con agencia y una historia propia. Si las imágenes filtradas nos dicen algo, es que la película podría estar apostando fuerte por esta versión del personaje. En la foto conjunta, ella lleva el arco, está al frente. Él, detrás. Una inversión simbólica de los roles tradicionales que los fans de siempre sabrán apreciar.

El título de la franquicia ha confundido a más de uno durante décadas —sí, Zelda es ella, no él— y quizás este sea el momento perfecto para corregir esa percepción y darle a la princesa el lugar que merece en la gran pantalla. Por lo pronto, su presencia ya parece equipararse a la de Link, algo impensable en adaptaciones más antiguas.

Nintendo ya ha jugado a mezclar elementos antes

Quien espere una adaptación 1:1 de un juego de Zelda va a salir decepcionado. Nintendo no funciona así. Lo vimos con Super Mario Bros. La Película, donde se mezclaban mundos y referencias de múltiples juegos sin seguir una historia concreta. Lo importante era la esencia, y parece que en The Legend of Zelda harán lo mismo.

La película de The Legend of Zelda apunta a un Hyrule inspirado en Breath of the Wild

Por tanto, es probable que la película tome como base Breath of the Wild, pero no se limite a él. Habrá referencias a otras entregas, como las clásicas mazmorras, la Trifuerza, los objetos mágicos o enemigos míticos como Ganon. Y si de verdad quieren ganarse a los fans de toda la vida, más vale que suene alguna versión del tema principal.

Una oportunidad única para una saga legendaria

The Legend of Zelda tiene todos los ingredientes para convertirse en un hito cinematográfico del cine de fantasía: un universo rico, personajes carismáticos, historia épica, acción y nostalgia a raudales. Lo difícil será contentar a todos los fans sin caer en la sobrecarga de guiños o en tramas demasiado simples.

Lo que ya sabemos —o mejor dicho, intuimos— es que habrá aventura, habrá exploración, y que por primera vez, Link y Zelda pelearán juntos desde el primer fotograma. Si la película logra capturar el alma de Hyrule como lo hizo el juego, tenemos una joya en camino.

Este fan se ha marcado el mejor traje de Batman que hemos visto fuera del cine, y parece sacado de Año Uno

Batman: Año Uno

El diseño de este cosplay demuestra que un traje fiel al cómic de Batman puede funcionar sorprendentemente bien en acción real

Hay trajes de superhéroes que lucen geniales en las viñetas pero que, cuando saltan a la pantalla, se transforman en algo completamente distinto. Batman, sin ir más lejos, es el mejor ejemplo: un personaje con decenas de adaptaciones y apenas un par que se han atrevido a ir de frente con su estética de cómic. Y aun así, alguien tenía que hacerlo bien. Entra en escena un cosplayer que no solo ha clavado el diseño de Batman: Año Uno, sino que ha dejado claro que, con estilo y buen ojo, lo que funciona en papel también puede funcionar en pantalla.

@ParkerPeterPete ha compartido en X (sí, Twitter, el de toda la vida) un traje absolutamente espectacular, que reproduce con fidelidad enfermiza el atuendo del Batman de Frank Miller. Desde los tonos grises y negros hasta esa icónica capucha con los ojos completamente blancos —sí, blancos, como los de Deadpool o Spider-Man—, cada detalle está cuidado al milímetro. ¿El resultado? Un cosplay que parece más una prueba de vestuario para el cine que una creación amateur.

batman año uno frank miller

Un Batman de cómic que sí se ve bien en la vida real

Durante años se ha debatido si un traje completamente fiel a los cómics funcionaría en una película. La excusa habitual: “queda ridículo”, “no se ve realista”, “necesita ser más táctico”. Por eso, en casi todas las películas de Batman se ha optado por versiones militarizadas, llenas de placas, correas y materiales duros. Salvo excepciones como la serie de los 60 o el Batman v Superman de Zack Snyder, que se atrevió a adaptar el traje de El regreso del Caballero Oscuro, pocos se han acercado a lo que vemos en las viñetas.

Pero este cosplay demuestra que una visión fiel puede tener presencia, dramatismo y fuerza, y sin necesidad de armaduras dignas de Iron Man. Obviamente, no es lo mismo un disfraz que un traje cinematográfico, pero el impacto visual que tiene este diseño es innegable.

Este fan se ha marcado el mejor traje de Batman que hemos visto fuera del cine, y parece sacado de Año Uno

Eso sí, no se trata de decir que este debería ser el traje del Batman de James Gunn, ni mucho menos. La clave está en que el diseño puede servir de inspiración. Con los ajustes necesarios para integrarlo en el universo cinematográfico —como ya hizo Snyder con el de Affleck—, es perfectamente viable un Batman que luzca más comiquero y menos robótico.

El camino a seguir en el cine de DC

A la espera de que The Brave and the Bold nos presente a un nuevo Caballero Oscuro dentro del DCU de Gunn y Safran, el regreso más cercano del personaje será en The Batman Part II, que tiene previsto su estreno para el 1 de octubre de 2027. Matt Reeves ya apostó en su primera entrega por un enfoque más detectivesco y crudo, con un traje funcional pero estilizado. ¿Dará un paso más hacia lo visualmente icónico?

Batman año uno

Por ahora, este cosplay ha dejado el listón altísimo. Y también ha lanzado un mensaje claro a los diseñadores de vestuario de Hollywood: no subestiméis la fuerza de los cómics.

¿Y si el futuro de Batman ya está entre nosotros?

Este tipo de creaciones no solo alimentan el entusiasmo de los fans, sino que también ponen contra las cuerdas a los diseñadores de las grandes producciones. Si un aficionado puede lograr este nivel de fidelidad, ¿por qué no arriesgar un poco más en el cine? La clave está en encontrar el equilibrio entre lo funcional y lo simbólico, y este traje demuestra que no es un imposible.

El Batman del futuro podría aprender mucho del pasado… y de sus propios fans. Porque al final, lo que mueve a este personaje no es solo su entrenamiento o su tecnología, sino la iconografía que lo hace eterno. Y esa capa, esa silueta y esos ojos blancos siguen siendo tan intimidantes como hace más de 80 años.

Star Wars: Duel of the Fates – Episodio IX que nunca vimos (y tal vez merecíamos)

Kylo Ren

El guion rechazado de Colin Trevorrow ofrecía una conclusión más audaz, oscura y emocional para la saga Skywalker

Mientras El ascenso de Skywalker intentó contentar a todo el mundo (y no terminó contentando a casi nadie), el guion original de Colin Trevorrow para el Episodio IX de Star Wars, titulado Duel of the Fates, se ha convertido en un fascinante “¿y si…?” dentro del fandom galáctico. Este borrador filtrado propone un cierre mucho más valiente y coherente, que elimina el regreso de Palpatine, evita el fanservice forzado y deja huella con decisiones narrativas de peso.

Duel of the Fates, el Episodio IX alternativo

Desde el inicio, el guion de Trevorrow planta cara con una galaxia oscurecida bajo el dominio férreo de la Primera Orden, sin espacio para la esperanza… a menos que el plan secreto de la Resistencia, liderado por Leia, funcione. En lugar de resucitar villanos, el guion construye sobre lo ya establecido, profundizando en las consecuencias de Los últimos Jedi y explorando con seriedad la redención, el legado y el conflicto interior.

Star Wars

Kylo Ren no es un alma en pena en busca de redención automática. Es un líder consumido por el poder, aislado en Mustafar, obsesionado con superar a su abuelo. En su viaje encuentra un Holocrón Sith que lo guía hacia Tor Valum, un antiguo maestro del Lado Oscuro que ofrece un entrenamiento brutal. Mientras tanto, Rey sigue luchando con su identidad, empuñando un sable doble (sí, como Darth Maul), estudiando antiguos textos Jedi y creyendo, contra toda lógica, que aún hay bondad en Kylo.

La historia alterna acción, viajes, traiciones y momentos de introspección con un ritmo sólido. Rose Tico tiene por fin un papel importante (algo que El ascenso de Skywalker le negó sin piedad), Finn lidera una rebelión de stormtroopers liberados, y Poe y Chewbacca ayudan a Rey en su búsqueda. Todo desemboca en Mortis, un planeta mitológico cargado de simbolismo dentro del universo Star Wars, donde se librará la batalla final.

kylo rey star wars

En lugar de resurrecciones sin explicación, la Fuerza se manifiesta a través de la dualidad: luz y oscuridad, pasión y control, tradición y cambio. Cuando Kylo, deformado física y espiritualmente, ciega a Rey en combate, no es una visión Disney-friendly de redención lo que lo detiene. Es el recuerdo de su madre, Leia, quien consigue que Ben Solo resurja brevemente para devolver la vida a Rey… a costa de la suya.

El final no es perfecto, pero sí coherente, simbólico y emocionalmente satisfactorio: Rey sobrevive, revela su verdadero nombre (Rey Solana) y, junto a Finn y Rose, entrena a una nueva generación de Jedi. La Resistencia ha ganado, pero no por milagros divinos, sino por unidad, sacrificio y esperanza real.

El Kylo Ren que pudo haber sido

Este guion ofrece un Kylo Ren más complejo, más temible y trágico. Sin necesidad de Palpatine como marioneta, su caída es más personal y desgarradora. Su viaje hasta Tor Valum y su enfrentamiento ilusorio con Darth Vader muestran la lucha entre el legado y la identidad, un tema que Abrams apenas arañó. El sacrificio final de Ben Solo, más que una redención apresurada, se convierte en una elección cargada de consecuencias y humanidad.

star wars shawn levy

¿Por qué se descartó este guion?

Disney no lo ha explicado oficialmente, pero los rumores apuntan a diferencias creativas y al miedo de alejarse demasiado de lo comercialmente seguro. Trevorrow fue reemplazado por J.J. Abrams, quien optó por una versión más conservadora y apresurada. Sin embargo, muchos fans siguen creyendo que Duel of the Fates hubiera sido una conclusión más arriesgada y fiel al espíritu original de la saga.

En un universo donde todo puede reescribirse o reinterpretarse, este episodio perdido se mantiene como una de las grandes oportunidades desaprovechadas de Star Wars. Tal vez no hubiera sido perfecto, pero al menos habría sido valiente. Y eso, en una galaxia lejana, muy lejana, es lo mínimo que merecíamos.

Netflix viaja a la Antigua Roma con su reboot de Assassin’s Creed

El salto a la acción real de Assassin´s Creed promete sangre, conspiraciones y personajes históricos que podrían cambiarlo todo gracias a Netflix

Netflix va con todo. Después del tropiezo que supuso Assassin’s Creed en cines en 2016, la plataforma está dispuesta a redimirse adaptando la exitosa saga de Ubisoft en forma de serie. Y no, no nos van a mandar de vuelta al Renacimiento ni a la Revolución Francesa. Esta vez, la historia apunta a la mismísima Antigua Roma, un terreno hasta ahora inexplorado en los videojuegos de la franquicia.

Una guerra secreta en tiempos de emperadores

Según fuentes como Nexus Point News y GameFragger, la serie se ambientará en el periodo del emperador Nerón, entre los años 54 y 68 d.C. ¿Te suena? Fue uno de los líderes más polémicos del Imperio romano, y sí, estará acompañado de figuras históricas como Séneca el Joven, su tutor. Así que prepárate para una trama que mezcle política, traiciones y la eterna lucha entre Assassins y Templarios.

netflix assassin´s creed

Toby Wallace, actor de Euphoria, ha sido confirmado como uno de los protagonistas, aunque los detalles de su personaje están aún bajo llave. Lo que sí sabemos es que será parte de un reparto coral, compuesto en su mayoría por personajes jóvenes, lo que apunta a una narrativa con múltiples perspectivas y conflictos internos.

Robert Patino (DMZ) y David Wiener (Halo) se encargan de liderar el proyecto como showrunners y productores ejecutivos. Les acompañan nombres clave de Ubisoft, como Gerard Guillemot y Margaret Boykin, garantizando que el ADN del videojuego no se pierda en la transición a televisión.

El primer adelanto oficial ya nos da una pista clara de lo que podemos esperar: “Un thriller trepidante centrado en la guerra secreta entre dos facciones que luchan por el futuro de la humanidad: una busca el control total, la otra defiende el libre albedrío.”

Netflix viaja a la Antigua Roma con su reboot de Assassin's Creed

Los pilares de la serie

Los creadores han querido dejar claro que esto no es solo una historia de parkour con túnicas. “Estamos hablando de propósito, identidad, fe, poder, violencia, sexo, codicia y venganza,” declaran Patino y Wiener. En resumen: lo tiene todo para enganchar a los fans de la saga y a los que simplemente buscan un buen drama histórico con toques de ciencia ficción.

El enfoque promete ser más profundo que en otras adaptaciones del videojuego. Aquí no solo se trata de asesinar objetivos con estilo, sino de explorar las conexiones humanas a través del tiempo y la cultura, algo que siempre ha estado presente en la franquicia, pero que ahora cobrará mayor protagonismo narrativo.

Assassins Creed 2

Un paso arriesgado, pero necesario

Lanzarse a contar una historia en la Roma de Nerón es una jugada ambiciosa, pero también lógica. La ambientación ofrece un contexto rico en conflicto, decadencia y figuras históricas magnéticas, ideales para los giros argumentales que definen a Assassin’s Creed. Además, el hecho de que los juegos no hayan explorado aún esta época da a los guionistas espacio para innovar sin traicionar el canon.

Por ahora, no hay fecha de estreno confirmada, pero con Netflix acelerando la producción y apostando fuerte por la franquicia, es probable que tengamos novedades a lo largo de 2026. ¿Será este el salto que los fans llevaban años esperando? Si todo sale bien, podríamos estar ante el verdadero inicio de un universo compartido digno de Assassin’s Creed en televisión.

Además, este nuevo enfoque televisivo podría marcar un antes y un después para Ubisoft, que lleva años intentando expandir su universo más allá del videojuego. Si la serie triunfa, no sería extraño ver spin-offs, precuelas o incluso conexiones directas con próximas entregas de la saga. En otras palabras, Netflix podría convertirse en el Animus definitivo, llevando a los fans a épocas aún inexploradas… y sembrando el terreno para futuras temporadas cargadas de ambición.

Deadpool y Lobezno apuntan a Doomsday y Secret Wars

Rob Liefeld

Un informe de Forbes deja entrever el regreso de Deadpool y Lobezno para los próximos eventos multiversales de Marvel

La bomba que muchos fans del Universo Cinematográfico Marvel llevaban años esperando podría haber estallado por fin… y casi sin querer. Según un nuevo informe de Forbes, Ryan Reynolds y Hugh Jackman no solo volverán a enfundarse los trajes de Deadpool y Lobezno en su película conjunta de 2024, sino que también tendrían un papel destacado en las próximas entregas de Avengers: Doomsday y Secret Wars.

Aunque Marvel sigue con su tradicional hermetismo, el artículo de Forbes —centrado inicialmente en el presupuesto desorbitado de Deadpool y Lobezno— suelta una frase que ha incendiado las redes: “Deadpool y Lobezno también están previstos para protagonizar las dos próximas películas de los Vengadores aptas para todos los públicos del UCM”. Una línea que, para muchos, equivale a una confirmación en toda regla.

deadpool y lobezno

Deadpool y Lobezno en Avengers

La comunidad marvelita ya fantaseaba con esta posibilidad desde hace tiempo. Los rumores llevaban meses dando vueltas por medios especializados y foros. Pero lo llamativo aquí es que Forbes no lo presenta como una teoría, sino como una afirmación, basada, eso sí, en información cruzada con otros medios como That Park Place y The Standard. Aun así, esta mención concreta solo aparece en Forbes, lo que le da ese sabor a filtración accidental.

Ahora bien, también existe la posibilidad de que no sea más que una repetición disfrazada de las especulaciones que todos conocemos, y que Forbes haya metido la pata al presentar como hecho lo que aún está en el aire.

A nivel narrativo, tendría todo el sentido del mundo. Deadpool y Lobezno ha sido, hasta la fecha, la película más centrada en el multiverso de todo el UCM, incluso por encima de Doctor Strange en el Multiverso de la Locura. El viaje entre dimensiones y el cruce de personajes de diferentes franquicias es su esencia, y resulta difícil imaginar un desenlace multiversal sin sus protagonistas dando guerra.

Deadpool y Lobezno apuntan a Doomsday y Secret Wars

El regreso de Jackman también ha dejado pistas. En The Graham Norton Show, cuando le preguntaron si volvería como Lobezno, soltó un “Quizá. Ya no digo ‘nunca jamás’. He hecho diez películas, creo que tienen material de sobra para una versión mía con IA”. Una frase entre bromas, pero que no cierra la puerta a nada.

Por su parte, Ryan Reynolds también jugó al despiste. En una entrevista con Entertainment Weekly, cuando le preguntaron si metería referencias a John Candy en Avengers: Doomsday, respondió: “Tengo cuatro. Claro, las he escrito en casa en pijama y nadie las ha visto, ni he pisado el set. Pero eso es todo lo que diré”. Vamos, que lo niega con una sonrisa y la puerta abierta.

De ser cierta la implicación de ambos, estaríamos ante un movimiento estratégico para asegurar el hype de las próximas fases del UCM, que últimamente ha tenido más tropiezos que aplausos. Marvel necesita figuras fuertes, carismáticas y queridas por el público. Y Reynolds con Jackman son el dúo perfecto para prender fuego a la taquilla… y al multiverso.

Deadpool y Lobezno marvel y dc kevin feige

Fechas para el calendario:

  • Deadpool y Lobezno ya está disponible en Disney+.
  • Avengers: Doomsday llegará a los cines el 18 de diciembre de 2026.
  • Avengers: Secret Wars aterrizará justo un año después, el 17 de diciembre de 2027.

Un multiverso con olor a redención

El regreso de Lobezno y Deadpool no solo representa un guiño a los fans veteranos, sino también una oportunidad para revitalizar la narrativa multiversal del UCM, que muchos sienten que ha perdido fuelle. Después de una Fase 4 irregular y una Fase 5 con altibajos, Marvel necesita reencontrarse con lo que mejor sabe hacer: juntar héroes con química explosiva y darles espacio para brillar. Si estos dos se suman al final de fiesta, el espectáculo está garantizado.

Daredevil: Born Again podría sufrir un retraso y los fans ya están temblando

Daredevil

Una simple modificación en el portal de prensa ha encendido todas las alarmas entre los fans de Daredevil

Daredevil: Born Again podría sufrir un retraso y los fans ya están temblando

Los fans del Diablo de Hell’s Kitchen llevaban meses respirando tranquilos pensando que Daredevil: Born Again regresaría puntual el 4 de marzo de 2026. Sin embargo, basta una línea cambiada en el portal de prensa de Disney+ para que medio internet entre en pánico colectivo… porque claro, en este universo ya nadie cree en los milagros de producción exprés.

Un aviso que trae malos recuerdos a los fans

El presunto detonante del drama es que el texto oficial ha pasado de “Debuts on Disney+ March 4, 2026” a un escueto “Debuts on Disney+ in 2026”. Qué ilusión, qué misterio, y qué manera tan fina de abrir la puerta a un posible retraso sin decir absolutamente nada. Disney+ no ha confirmado ni desmentido nada, pero los fans ya han encendido las antorchas digitales.

En redes sociales, el ambiente oscila entre el sarcasmo y el llanto desconsolado. “Un año de margen era demasiado bonito para ser verdad”, lamentaba un usuario. Otro tiraba directamente por la vía dramática: “Crying and screaming”. Y no falta quien apunta a la teoría conspiranoica de turno: “Tienen que rehacer todo porque se han olvidado de Frank Castle”, comentaba un fan, recordando el revuelo reciente al confirmarse que The Punisher no aparecerá en esta segunda temporada.

Hay Born Again para rato

Con todo, el proyecto sigue más vivo que nunca, y hay motivos de sobra para mantener el hype encendido. Krysten Ritter vuelve como Jessica Jones, su primera aparición desde 2019, lo que ha encendido a la comunidad marvelita nostálgica. Charlie Cox retoma el traje (o más bien, el sufrimiento perpetuo) de Matt Murdock, y Vincent D’Onofrio regresa como ese Kingpin que te mira y ya te arrepientes de haber nacido.

El director Aaron Moorhead, tras el final de la primera tanda de episodios, ya dejó caer pistas interesantes: la temporada 2 será una “historia de resistencia” contra el alcalde Fisk, lo que suena a guerra sucia, conspiraciones políticas y hostias aseguradas en callejones mal iluminados. Vamos, exactamente lo que los fans quieren después de tanto baile de reestructuración interna en Marvel Studios.

Pero el posible retraso no es solo un capricho del destino. La industria vive un momento en el que los procesos de postproducción son cada vez más largos, y Disney lleva años reajustando estrategias, calendarios y expectativas. Si Born Again necesita unos meses más para no salir rana, lo lógico es que lo retrasen. Otra cosa es que lo dijeran claramente… pero pedir claridad a un estudio en época de reorganización es como pedirle a Matt Murdock que deje de meterse en líos.

Daredevil: Born Again podría sufrir un retraso y los fans ya están temblando

El legado del diablo de Hell’s kitchen dentro del UCM

Matt Murdock no es solo uno de los personajes más queridos de Marvel, sino también uno de los que mejor ha sobrevivido a cambios de etapas, plataformas y estrategias dentro del estudio. Su éxito inicial en la serie original abrió la puerta a un tipo de narrativa más cruda y callejera que luego inspiró a otras producciones del UCM. En este sentido, su regreso continuado demuestra la necesidad de mantener historias más terrenales, alejadas de los grandes crossovers que a veces saturan al público. Y por eso Born Again ha generado tanta expectación: porque conecta con ese espíritu de drama urbano que muchos fans echan de menos.

Además, la química entre Charlie Cox y Vincent D’Onofrio sigue siendo uno de los pilares más sólidos del personaje. La dinámica entre Daredevil y Kingpin se ha convertido prácticamente en una marca registrada, y su enfrentamiento político en esta nueva etapa promete elevar esa tensión al máximo. Con la incorporación de Jessica Jones al tablero, la serie podría recuperar ese equilibrio entre acción, thriller y relaciones complejas que definió la era dorada de los héroes callejeros de Marvel.

Lo que viene para Daredevil y su rincón del UCM

Si nada cambia, Daredevil: Born Again temporada 2 seguiría prevista para el 4 de marzo de 2026, colocándose antes de Spider-Man 4 en julio y Avengers: Doomsday en diciembre. Vamos, que 2026 apunta a ser un año en el que los fans vayan a vivir pegados al sofá.

Daredevil: Born Again podría sufrir un retraso y los fans ya están temblando

Mientras tanto, toda esta incertidumbre también abre una puerta curiosa: ¿y si el cambio en la web no es un retraso… sino un adelanto? Sí, es improbable, pero déjame soñar. Ya bastante tragedia tenemos encima sabiendo que Frank Castle no va a unirse a la fiesta.

Sea como sea, lo que está claro es que los próximos episodios llegarán cargados de acción, reencuentros esperados y un Matt Murdock con más problemas que tiempo libre. Y oye, eso siempre es una buena noticia.

Tim Cain defiende el misterio en los videojuegos: “Si lo cuentas todo, los jugadores no querrán nada”

Tim Cain

El co-creador de Fallout, Tim Cain, explica por qué algunos enigmas deben quedarse… sin resolver

Tim Cain defiende el misterio en los videojuegos: “Si lo cuentas todo, los jugadores no querrán nada”

El co-creador de Fallout, Tim Cain, ha vuelto a dejar una reflexión jugosa para diseñadores y fans: los videojuegos necesitan misterios, espacios en blanco donde el jugador pueda teorizar, discutir y, sobre todo, querer volver. Vamos, justo lo contrario de esos mundos donde todo está explicado en 27 cinemáticas y 500 coleccionables que nadie lee.

El caso Harold

En un vídeo publicado en YouTube y titulado Leaving Some Mystery, Cain lanza un consejo que podría tatuarse medio estudio de desarrollo: “No hace falta responder a todas las preguntas que pueda tener el jugador”. Y para demostrarlo, pone un ejemplo que cualquier amante de Fallout conoce: Harold.

Según Cain, en Fallout nunca se explicó del todo qué demonios era Harold, y eso no fue un descuido ni una falta de presupuesto: no hacía falta para la historia. Su existencia, sus rarezas y su aura de incógnita funcionaban precisamente porque nadie del juego se paraba a soltar una enciclopedia andante explicándolo.

El desarrollador aclara que dejar misterio significa que no exista ninguna exposición directa: ni un NPC contando la chapa, ni un libro, ni un archivo de ordenador enterrado en un sótano. El equipo puede saber la respuesta —para evitar contradicciones internas—, pero el juego no debe decirla. Así se construyen universos que respiran, que no se sienten fabricados a la vista del jugador.

Dos tipos de misterios según Tim Cain

Cain diferencia dos formas de plantear un enigma en un videojuego:

  1. El misterio con pistas, donde el jugador puede construir una teoría bastante sólida, pero jamás recibe una confirmación explícita.
  2. El misterio inexistente internamente, donde ni el equipo tiene la respuesta y, por tanto, el juego jamás podrá ofrecerla. No hay solución porque no se creó una.
Tim Cain defiende el misterio en los videojuegos: “Si lo cuentas todo, los jugadores no querrán nada”

Ambas funcionan si están ejecutadas con coherencia. Lo importante, insiste, es no caer en la tentación de explicarlo todo.

El motivo real

Cain es muy claro con la razón de fondo: dejar preguntas abiertas permite explorarlas más tarde. En expansiones, DLC, secuelas o incluso material transmedia. Si una saga quiere tener recorrido, necesita semillas sin germinar, enigmas que los jugadores quieran ver desarrollados en próximas entregas.

Pero también deja caer algo interesante: no todos los misterios tienen por qué resolverse jamás. Algunos existen solo para mantener vivo el mundo, para darle textura. Como en la vida: no lo sabemos todo, y aun así las cosas tienen sentido.

El misterio como herramienta narrativa en Fallout

Dentro del universo Fallout, uno de los mejores ejemplos de esta filosofía es la evolución del propio Harold a lo largo de la saga. Su presencia —siempre rara, siempre inquietante, siempre un poco tragicómica— demuestra cómo un personaje construido alrededor de lo desconocido puede convertirse en un elemento inolvidable sin necesidad de explicaciones detalladas. La mezcla de humor negro, mutación progresiva y un pasado solo insinuado hizo que los jugadores sintieran verdadera curiosidad por él, reforzando esa sensación de mundo vivo y lleno de historias que ocurren fuera de cámara. Harold funciona porque no intenta explicarse, porque guarda silencios que enriquecen el viaje del jugador en cada nueva entrega de la franquicia.

Además, la existencia de personajes como Harold ha servido para comparar la narrativa clásica de Fallout con la tendencia moderna a sobrecargar de lore cada rincón de un juego. Mientras otras franquicias optan por explicar cada detalle mediante cinemáticas o archivos interminables, Fallout —especialmente en sus primeras entregas— demuestra que menos es más cuando se trata de construir universos memorables. Ese equilibrio entre lo que se cuenta y lo que se sugiere es precisamente lo que mantiene viva la conversación entre los fans durante años, fomentando teorías, debates y hasta reinterpretaciones completas del mundo postapocalíptico… todo sin necesidad de cerrar cada incógnita.

Su consejo final para diseñadores: menos respuestas, más ganas de volver

Cain remata su idea con una frase que, sí, suena a bofetada de realidad para más de un estudio obsesionado con la exposición:
“Si lo cuentas todo, los jugadores no querrán nada.”

Tim Cain defiende el misterio en los videojuegos: “Si lo cuentas todo, los jugadores no querrán nada”

Y añade:
“Está bien dejar algo de misterio. Será bueno para ti. A la gente le gustará.”

Un mensaje que llega en un momento donde las sagas gigantescas tienden a sobreexplicar cada rincón de su lore. Cain recuerda que parte del encanto de Fallout —y de cualquier RPG memorable— es esa sensación de que siempre hay algo fuera de plano, algo por descubrir… o algo que nos acompañará sin respuesta toda la vida.

Un jugador de ARC Raiders provoca una visita policial real por gritar “¡me han disparado, reanímame!” en un motel de California

ARC Raiders

Un malentendido épico en ARC Raiders convierte una simple partida en PS5 en una escena digna de película

Un jugador de ARC Raiders provoca una visita policial real por gritar “¡me han disparado, reanímame!” en un motel de California

Un motel cutre, una noche de Acción de Gracias, y un jugador entregadísimo a su partida. La mezcla perfecta para que la policía acabe llamando a tu puerta pensando que estás sufriendo un ataque real. Y sí, todo ocurrió por culpa —o gracias, según se mire— del proximity chat de Arc Raiders, ese sistema que permite escuchar a otros jugadores cerca… y que a veces se vuelve demasiado convincente.

Una partida que rebasó la realidad

El protagonista de esta historia es YoMopho, un jugador que compartió su odisea en Reddit y cuya vivencia fue confirmada por el departamento de policía de Seaside, California. ¿La razón de la visita? Un huésped del motel escuchó a alguien gritar “¡me han disparado, por favor levantadme!”, lo que en el contexto de la vida real suena menos a videojuego y más a “llama al 112 ya”.

Los agentes no tardaron en presentarse en su habitación. Y claro, cuando llamaron a la puerta con un estruendoso “¡Policía, abra ya!”, el jugador quizá deseó haber guardado la partida antes, por si acaso.

El juego que está revolucionando la forma de jugar

La escena, según cuenta él mismo, habría sido digna de sketch: una puerta con pestillo, un jugador desconcertado y unos agentes convencidos de que dentro había heridos. Mientras tanto, todo se había originado quince minutos antes, en plena raid en el mapa Blue Gate. YoMopho había encontrado dos granadas Wolfpack y un rifle raro —el sueño húmedo de cualquier “rat”—, pero un Rocketeer le reventó en cuanto asomó la cabeza.

Desesperado, tiró de proximity chat para que algún alma caritativa lo levantara: “¡Heeelp, estoy acabado, reanímame, me han disparado, por favor levantadme!”. Un jugador cercano llegó a verlo… pero decidió huir porque el Rocketeer seguía rondando. Un héroe, desde luego, pero de los que se van antes de que empiece la pelea.

El malentendido que nadie vio venir

Cuando la policía llegó, YoMopho asegura que les gritó “FRIENDLY”, el típico llamamiento pacífico entre jugadores. Sorpresa: no funciona en la vida real. Los agentes entraron, comprobaron que aquello era solo un gamer echándole demasiadas ganas al asunto, y se marcharon regalándole una mirada mezcla de cansancio vital y “tío, por favor”.

Aun así, él se lo tomó con humor. “Me estaba partiendo de risa cuando abrí la puerta”, comenta. Incluso quiso hacerse una foto con los agentes, pero… parece que no estaban para selfies.

El jugador, veterano del ejército (aunque no de combate), confesó que lo que más miedo le daba no era la policía, sino que alguien estuviera haciéndose pasar por un agente para asaltarlo. Y de paso, aprovechó para contar que había vuelto al gaming tras un tiempo complicado: Arc Raiders ha sido su vía de escape, recordándole lo mucho que disfrutó en su día Battlefield 1942.

Un jugador de ARC Raiders provoca una visita policial real por gritar “¡me han disparado, reanímame!” en un motel de California

La tensión de ARC raiders y su curioso legado

Arc Raiders no solo destaca por su gameplay frenético, sino también por cómo ha recuperado ciertas sensaciones de los shooters clásicos que marcaron a toda una generación. Para jugadores como YoMopho, que vivieron de lleno la era de Battlefield 1942 y sus mods legendarios, volver a sentir esa adrenalina es casi terapéutico. El diseño sonoro, la presión en los enfrentamientos y el sistema de extracción recuerdan a una mezcla entre Escape from Tarkov y las batallas campales más tácticas. Ese equilibrio entre caos y estrategia es precisamente lo que ha llevado a muchos a engancharse al título… y, en este caso, a provocar un susto monumental en un motel californiano.

Además, el proximity chat de Arc Raiders se ha convertido en una de sus señas de identidad. La posibilidad de oír y ser oído por jugadores cercanos crea un espacio donde cada encuentro puede convertirse en una alianza improvisada o en una traición instantánea. Esa espontaneidad genera historias memorables como la de YoMopho, pero también ha disparado los memes y las anécdotas virales. Al final, lo que hace grande a este tipo de juegos es precisamente eso: momentos imprevisibles que solo pueden surgir cuando la experiencia se siente tan real que incluso un simple “¡revíveme, me han disparado!” puede desatar una intervención policial digna de Hollywood.

Un jugador de ARC Raiders provoca una visita policial real por gritar “¡me han disparado, reanímame!” en un motel de California

Un juego tan intenso que ya provoca llamadas al 112

Aunque lo ocurrido es para nota, también dice bastante sobre el juego: pocas cosas hay más halagadoras que tu tensión in-game sea tan realista que tus gritos acaben en manos de la policía. Al menos nadie salió herido, salvo el orgullo del jugador… y quizá el Rocketeer que terminó riéndose en su cara cuando nadie acudió a levantarlo.

Para el motel, probablemente será una anécdota más. Para YoMopho, una historia legendaria que contar. Y para Arc Raiders, un inesperado testimonio de que su proximity chat funciona demasiado bien.