Daredevil: Born Again recupera a un personaje clave y no llega solo

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Miguel Á. Fernández
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Royce Johnson confirma su regreso como el sargento Mahoney en la temporada 2, y lo hace junto a un viejo conocido: The Punisher

Después de que muchos fans se preguntaran por qué uno de los pocos policías decentes de Hell’s Kitchen no aparecía por ninguna parte, la respuesta por fin ha llegado con fuerza. Royce Johnson, quien dio vida al sargento Brett Mahoney en Daredevil, Jessica Jones y The Punisher, ha compartido unas fotos en Instagram que lo colocan de nuevo en el centro del meollo para la segunda temporada de Daredevil: Born Again.

Y no estaba solo. En las imágenes lo vemos acompañado por Charlie Cox (Daredevil), Deborah Ann Woll (Karen Page), Clark Johnson (Cherry)… y, atención, Jon Bernthal, que regresa como Frank Castle, alias The Punisher. Así que si alguien tenía dudas sobre si veríamos al vengador más brutal de Marvel en esta nueva etapa del justiciero de rojo, ya puede respirar tranquilo.

El regreso del castigo

Todo apunta a que la aparición de The Punisher en esta nueva tanda de episodios no será un simple cameo. De hecho, aunque el personaje tendrá su propio Special Presentation más adelante, este cruce con Daredevil podría servir como puente perfecto antes de su siguiente gran aparición: una colaboración con Spider-Man en Brand New Day, programada para el verano de 2026.

daredevil

Mientras tanto, el universo urbano de Marvel en Disney+ se sigue expandiendo. Con el reinicio de Daredevil: Born Again tras su caótica primera producción, Marvel ha apostado por rescatar a sus personajes más queridos (y violentos) para enganchar tanto a los fans clásicos como a los nuevos espectadores.

Sana Amanat, productora ejecutiva de la serie, no se ha cortado en declaraciones: “El panorama estaba abierto, y eso era liberador”, confesó. Y es que tras la remodelación creativa, la serie ha tomado un rumbo más fiel al espíritu de las primeras temporadas de Netflix, con más calle, más drama y menos “limpieza para todos los públicos”.

En cuanto al gran villano, Wilson Fisk, interpretado por el siempre imponente Vincent D’Onofrio, la serie promete llevarlo al límite. “Cuando le das a alguien sediento de poder su tesoro más preciado… ¿es suficiente? ¿O lo estruja hasta romperlo?”, soltó Amanat con dramatismo. La llamada Iniciativa Calles Más Seguras de Fisk ya ha empezado a cambiar las reglas del juego para los superhéroes.

Daredevil: Born Again recupera a un personaje clave y no llega solo

Jessica Jones, más que un cameo

Otra gran noticia para los que añoran el Defendersverse: Krysten Ritter vuelve como Jessica Jones, aunque solo con una participación puntual. Amanat la describe como el toque que corta la oscuridad de Daredevil: “No es alguien que suela hacer equipo, así que si está de vuelta es porque tiene un motivo muy personal. Aporta un punto sarcástico y ligero que equilibra el tono sombrío de Matt Murdock”.

Todo apunta a que esta segunda temporada será más ambiciosa y cohesionada que la primera, que sufrió múltiples parones y cambios de dirección. Ahora, con Dario Scardapane como showrunner, el reparto se completa con nombres como Wilson Bethel, Margarita Levieva, Elden Henson, Tony Dalton, Michael Gandolfini y Lili Taylor, entre otros.

En resumen, Daredevil: Born Again parece estar volviendo por la puerta grande, reuniendo a los pesos pesados de su universo televisivo y prometiendo choques tan intensos como esperados. La temporada 2 llegará en 2026, aunque Marvel aún no ha soltado la fecha exacta. Mientras tanto, todos los episodios de la primera están ya disponibles en Disney+.

Daredevil: Born Again recupera a un personaje clave y no llega solo

Aunque no tenga superpoderes ni un traje espectacular, Brett Mahoney representa una rara avis dentro del caos marvelita: un agente de la ley incorruptible en una ciudad infestada de corrupción y justicieros encapuchados. Su regreso podría marcar un contrapunto interesante entre la ley y la justicia callejera que encarnan Daredevil y Punisher, sobre todo si se convierte en el nexo entre ambos mundos.

¿Aliado o amenaza para Daredevil?

El reencuentro entre Matt Murdock y Frank Castle no será precisamente un abrazo de colegas. Sus métodos siguen siendo antagónicos: mientras Daredevil se aferra a un código moral que evita matar, Punisher no tiene problemas en vaciar un cargador si cree que lo merece el objetivo. La tensión está garantizada, y puede que esta vez la diferencia entre héroe y villano sea más difusa que nunca.

Los animes de ciencia ficción más perturbadores de la historia

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Jesús Reche Alonso
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animes

Distopías, horror existencial y humanidad rota: un viaje por el lado más incómodo de los animes sci-fi de la historia

Los animes de ciencia ficción más perturbadores de la historia

La ciencia ficción en el anime siempre ha tenido dos caras. La del asombro tecnológico y la del espejo incómodo que refleja lo peor de nosotros como especie. Naves espaciales, androides y futuros imposibles pueden ser fascinantes… o profundamente desoladores, dependiendo de quién cuente la historia.

Anime de ciencia ficción perturbador

Porque sí, el anime de ciencia ficción también sabe meter el dedo en la llaga. Hay obras que no buscan consolar al espectador, sino sacudirlo, dejarlo pensativo y, en ocasiones, bastante tocado. Mundos sin esperanza, sistemas opresivos, violencia sin glamour y finales que no regalan abrazos. Y precisamente por eso, son inolvidables.

Hablar del anime de ciencia ficción perturbador es hablar de títulos que no temen mostrar un futuro roto ni cuestionar la moral humana. No siempre son explícitos en su violencia; a veces lo más inquietante es la frialdad con la que normalizan el horror.

Uno de los ejemplos más duros es Now and Then, Here and There, una joya infravalorada que mezcla isekai y ciencia ficción para retratar un mundo devastado por la guerra y la indiferencia. Sin recrearse en el espectáculo, su crudeza nace de la apatía social y de cómo la supervivencia se convierte en una condena. No es nihilista, pero sí una advertencia muy seria.

Historias demasiado explicitas

Más explícita es Parasyte: The Maxim, donde la invasión alienígena ya ha comenzado… dentro del cuerpo humano. El terror corporal y la violencia gráfica conviven con una reflexión sorprendentemente humana sobre la convivencia y la empatía. Su protagonista evoluciona a la vez que el espectador se pregunta quién es realmente el monstruo.

Si lo que inquieta es el control social, Psycho-Pass juega en otra liga. Su distopía no necesita ruinas ni monstruos: basta un sistema que decida quién es culpable antes de actuar. La serie incomoda porque su mundo se parece demasiado al nuestro, y porque plantea preguntas sobre justicia, libre albedrío y vigilancia que cada año resultan más actuales.

Luego está Gantz, donde la muerte es solo el principio. Convertir el más allá en un juego sádico contra alienígenas es la excusa perfecta para despojar a los personajes de cualquier ilusión de heroicidad. Aquí la vida tiene precio, los puntos mandan y la redención es opcional… y rara.

Los animes de ciencia ficción más perturbadores de la historia

Violencia que va directa al corazón

Elfen Lied apuesta por una violencia emocional todavía más cruel. Bajo su fachada de anime sangriento se esconde una condena directa a la humanidad, incapaz de convivir con lo diferente. Su final no ofrece esperanza ni redención: solo la amarga conclusión de que, quizá, los verdaderos monstruos nunca fueron los mutantes.

En el terreno del exceso puro están M.D. Geist y Genocyber, OVAs noventeras donde la sutileza brilla por su ausencia. Violencia desatada, cuerpos destrozados y ciencia usada como arma sin ningún tipo de ética. Son productos extremos, incómodos incluso para fans curtidos, pero también un retrato honesto de una época del anime sin frenos ni complejos.

Más cerebral, pero igual de perturbadora, es Serial Experiments Lain. Anticipándose a la era digital, disecciona la identidad, la soledad y la disolución del yo en la red. Su final, tan poético como devastador, plantea un sacrificio silencioso que sigue resonando décadas después.

La corona de lo perturbador

Blue Gender tampoco se queda corta: humanidad al borde de la extinción, insectos gigantes y un protagonista que despierta en el peor futuro posible. La desesperanza es constante, y cada victoria sabe más a derrota que a salvación.

Y, por supuesto, Neon Genesis Evangelion. Empezó como mecha, terminó como una crisis existencial animada. Depresión, ansiedad, soledad y el fin del mundo servidos con simbolismo y angustia psicológica. No es solo perturbadora: es asfixiante, y por eso sigue siendo irrepetible.

Los animes de ciencia ficción más perturbadores de la historia

Estos animes no están hechos para pasar el rato. Están pensados para incomodar, para dejar poso y para recordarnos que el futuro no siempre es brillante… especialmente cuando lo construimos nosotros.

Michael J. Fox rompe su silencio sobre el despido de Eric Stoltz en Regreso al Futuro

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Miguel Á. Fernández
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Regreso al Futuro - Fortnite - Midjourney

El actor por fin cuenta su versión sobre uno de los cambios de reparto más comentados de la historia del cine

Durante décadas, el reemplazo de Eric Stoltz por Michael J. Fox en Regreso al Futuro ha sido una de esas anécdotas legendarias de Hollywood que todo el mundo conoce, pero pocos han comprendido del todo. Ahora, el mismísimo Fox decide contar su versión de los hechos en su nuevo libro Future Boy: Back to the Future and My Journey Through the Space-Time Continuum, aclarando muchos de los rumores que han circulado desde 1985.

“Yo simplemente salté al tren en marcha”, confiesa Fox en una charla con Entertainment Weekly, recordando cómo se incorporó al rodaje seis semanas después de que Stoltz ya hubiera grabado un buen puñado de escenas. “No tenía pasado con la película. No tenía historia con ella. Pero entré y lo hice.”

El despido de Eric Stoltz

En su libro, escrito junto a Nelle Fortenberry, Fox explica que el cambio de actor se llevó con un secretismo casi militar. De hecho, Fortenberry afirma que el estudio logró ocultarlo durante días: “Consiguieron mantener en secreto que Eric se había ido y que Michael llegaba al proyecto, hasta que Michael ya había empezado”.

Regreso al futuro - Michael J. Fox

Sin embargo, cuando la noticia estalló, los titulares fueron demoledores. La producción se tildó de “caótica” y de estar al borde del desastre. Fox recuerda esa sensación: “Muchos pensaron que iba a ser un fracaso. Que todo era un lío monumental.”

En realidad, el proceso fue mucho más cuidadoso de lo que parecía. Según el actor, Zemeckis, Gale y Spielberg movieron las piezas con una precisión quirúrgica, asegurándose de no detener el rodaje hasta tener todo bien atado con Fox. La decisión final no fue por falta de talento, sino por una cuestión de tono.

“Lo que Eric hacía era simplemente otra versión,” aclara Fox. “Tenía un punto más trágico, más shakesperiano. Yo simplemente jugué con lo que tenía, que era ligereza y humor.” Y ese enfoque terminó siendo justo lo que la película necesitaba.

Regreso al futuro + Michael J. Fox

Aunque Regreso al Futuro cambió radicalmente con Fox al frente, él insiste en que no existió ningún tipo de rivalidad ni mal rollo con Stoltz: “Lo que ocurrió no nos convirtió en enemigos ni en rivales destinados. Éramos dos actores entregados, nada más.”

Al final, Future Boy no solo sirve como memoria personal, sino como una especie de corrección histórica. Fox desmonta los mitos y devuelve humanidad a una historia que, durante años, ha estado cargada de morbo.

El Marty McFly que pudo haber sido

Aunque quedó fuera del montaje final, el trabajo de Eric Stoltz sigue siendo una de las grandes “leyendas perdidas” del cine de los 80. Según múltiples fuentes, su enfoque más serio y dramático del personaje hizo que muchas escenas no funcionaran como esperaban los directores. Pero eso no lo convierte en un mal actor, ni mucho menos. De hecho, Stoltz tuvo luego una carrera sólida en películas independientes y en televisión, demostrando su talento en otros registros. La historia de Stoltz es, en parte, una advertencia de cómo incluso los proyectos más prometedores pueden dar un giro inesperado por decisiones de tono y química entre actores.

Michael J. Fox rompe su silencio sobre el despido de Eric Stoltz en Regreso al Futuro

Cómo Michael J. Fox marcó una generación

El impacto de Michael J. Fox en la cultura pop no se limita a haber salvado una película. Su interpretación de Marty McFly se convirtió en el modelo a seguir para el héroe juvenil de los 80, un chico común metido en una situación extraordinaria, con encanto natural, reflejos rápidos y una energía contagiosa. A diferencia de otros protagonistas de la época, Fox aportó una mezcla única de comedia física, ingenuidad y carisma que conectó con el público de inmediato. Ese equilibrio entre vulnerabilidad y valentía convirtió a Marty en un icono cinematográfico atemporal.

Además, el personaje trascendió el cine. Marty McFly se volvió un símbolo de lo que significaba soñar a lo grande en medio de la rutina. Mientras otros héroes de los 80 eran musculosos o invencibles, Marty representaba al chaval normal con una guitarra, un monopatín y muchas ganas de cambiar su destino. Y gracias a Fox, lo consiguió.

Repasamos las veces que El hombre de hielo fue el mutante más poderoso del equipo

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Jesús Reche Alonso
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El hombre de hielo

Durante años El hombre de hielo fue el alivio cómico, pero cuando Bobby se lo toma en serio, hasta el Infierno baja la calefacción

Repasamos las veces que El hombre de hielo fue el mutante más poderoso del equipo

Durante décadas, El hombre de hielo ha sido tratado como el “chico del hielo”, el que sirve refrescos fríos y suelta bromas incómodas en mitad de una batalla. Una etiqueta injusta para un mutante que, con el tiempo, ha demostrado estar muy por encima de la media del equipo de Charles Xavier. Porque sí, Robert “Bobby” Drake es Omega Level… y eso no se regala en una caja de cereales. Lo interesante de Iceman no es solo lo que puede hacer, sino todo lo que decide no hacer. Cuando los guionistas le sueltan la correa, Bobby pasa de simpático secundario a amenaza global con sonrisa congelada.

Uno de los X-Men más poderosos

Uno de los primeros avisos llegó en el cine. En X-Men: La decisión final, una película bastante discutible (siendo generosos), el duelo entre El hombre de hielo y Pyro dejó claro que Bobby estaba evolucionando. No solo resistió a su opuesto natural, sino que transformó todo su cuerpo en hielo sólido, algo que hasta entonces no habíamos visto en pantalla. Headbutt incluido. Amistad rota, ego intacto.

Pero donde el personaje empieza a dar miedo es cuando entendemos cómo funcionan realmente sus poderes. El hombre de hielo no “crea hielo”: controla la energía térmica. Eso le permite ver el calor corporal de otros seres vivos, actuando como un radar térmico con patas, detectar enemigos ocultos y manipular la temperatura a nivel molecular. Básicamente, un Predator mutante con mejor sentido del humor.

En los cómics, su potencial se dispara. En el Universo Ultimate, Bobby descubre sus poderes congelando un Centinela en seco, deteniendo una máquina diseñada para aniquilar mutantes. No mal para un chaval que aún no sabía de lo que era capaz. Y en X2, aunque la continuidad hiciera aguas, salva a Lobezno de Stryker levantando un muro de hielo gigante. Detalles que parecen pequeños… hasta que no lo son.

Habilidades nivel Omega

El verdadero terror llega cuando El hombre de hielo congela desde dentro. Literalmente. Bobby puede bajar la temperatura de los fluidos internos de un ser vivo, provocando la muerte en segundos. Su versión de La Era de Apocalipsis no tiene reparos en usarlo, llegando incluso a congelar el corazón de su propio padre. Sobrevive, sí. Trauma incluido, también.

En animación tampoco se queda corto. En Lobezno y los X-Men, crea una pista de aterrizaje improvisada en mitad del océano, levantando un iceberg lo bastante estable como para salvar al equipo. Apoyo moral, chistes… y milagros glaciares cuando hace falta.

Repasamos las veces que El hombre de hielo fue el mutante más poderoso del equipo

Uno de los momentos más bestias del personaje llega cuando se recompone a sí mismo tras quedar vaporizado. Sí, Bobby muere… más o menos. Usando el vapor del ambiente y el agua del entorno, se reconstruye desde cero, demostrando que su cuerpo no está limitado a una forma física concreta. Regeneración versión hielo.

El potencial que Marvel tardó décadas en tomarse en serio

Durante mucho tiempo, Bobby Drake fue víctima de su propio carisma. Mientras otros mutantes lidiaban con traumas, destinos trágicos o dilemas morales imposibles, Iceman parecía atrapado en el rol del amigo simpático que nunca termina de madurar. Esa percepción —tanto dentro del equipo como entre los lectores— hizo que Marvel tardara años en explotar de verdad su poder, algo que hoy resulta casi cómico viendo de lo que es capaz cuando deja de contenerse.

La comparación con otros X-Men es inevitable. Mientras Lobezno es letal a corto alcance y Magneto depende del metal, Bobby juega en otra liga: controla un elemento omnipresente, puede alterar ecosistemas enteros y sobrevivir a su propia destrucción. No necesita armadura, garras ni discursos grandilocuentes. Solo bajar unos grados la temperatura… y decidir hasta dónde quiere llegar.

A veces sus poderes salen de la seriedad

Y luego está ese momento glorioso en el que El hombre de hielo congela el Infierno. En Amazing X-Men, Bobby convierte una dimensión demoníaca en una postal navideña. “Pensé que aquí haría más calor”, dice antes de bajar el termostato del averno. Sarcasmo nivel dios.

Repasamos las veces que El hombre de hielo fue el mutante más poderoso del equipo

Porque sí, El hombre de hielo llega a ser literalmente un dios. En Savage Avengers, se revela que es descendiente de gigantes de hielo. Suma eso a ser Omega Level y el resultado es un Bobby Drake capaz de plantar cara a ejércitos de simbiontes él solo. Si eso no es ser el X-Men más poderoso durante un rato, que baje Knull y lo vea.

32 años después la regla más absurda de los Power Rangers sigue sin tener sentido

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Jesús Reche Alonso
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32 años

Hace 32 años Zordon impuso tres normas sagradas, pero una de ellas nunca se tomó demasiado en serio ni siquiera por la propia serie

32 años después la regla más absurda de los Power Rangers sigue sin tener sentido

Mighty Morphin Power Rangers no solo marcó a toda una generación, también sentó las bases de un fenómeno global que aún sigue dando guerra. Cinco adolescentes con actitud, trajes de colores chillones, robots gigantes y villanos que explotaban al final del episodio. Todo muy lógico… hasta que rascas un poco en sus reglas internas y descubres que una de ellas hacía aguas desde el primer día.

La regla que nunca funcionó

Porque sí, ser un superhéroe adolescente ya es complicado de por sí, pero hacerlo siguiendo normas contradictorias roza el absurdo. Y hay una, en concreto, que con el paso del tiempo se ha revelado como la más ridícula de todas.

Cuando Zordon recluta al primer equipo, deja claras tres normas básicas: no escalar los combates, no usar los poderes para beneficio personal y no revelar jamás su identidad secreta. Sobre el papel suena bien. Moral, responsabilidad y secretismo. El pack completo del superhéroe noventero.

La tercera regla empieza a romperse constantemente.

A diferencia de las dos primeras, que sí se respetan con cierta coherencia, la identidad secreta se convierte en un coladero narrativo. Los Rangers se transforman en mitad de parques, institutos o calles concurridas, sin demasiada preocupación por quién pueda estar mirando. Vamos, discreción nivel megazord en un escaparate.

En la serie original hay numerosos momentos en los que terceros descubren o intuyen quiénes son los Rangers. El caso más evidente es el de Bulk y Skull, que llegan a conocer la verdad… aunque convenientemente les borran la memoria al final del episodio. Todo solucionado. Aquí no ha pasado nada.

Una regla que cambiaba de importancia

Pero la cosa se pone aún más surrealista cuando Rocky, Adam y Aisha descubren la identidad del equipo original. En lugar de perder los poderes, como dictaría la norma, son premiados convirtiéndose en nuevos Rangers. Blanco y en botella: la regla no era tan sagrada.

El mensaje implícito es claro: Zordon solo aplicaba la norma cuando le interesaba, y a veces ni eso. De hecho, en muchas ocasiones ni siquiera parecía enterarse de que alguien había visto demasiado.

32 años después la regla más absurda de los Power Rangers sigue sin tener sentido

Más que una regla, aquello parecía una sugerencia muy educada.

Cuando la saga decidió mirar hacia otro lado

Lo más llamativo es que la serie nunca se molestó en justificar del todo esta contradicción. Nadie pierde poderes por revelar su identidad por accidente. Nadie es castigado seriamente. Y cuando la norma estorba a una buena historia… simplemente se ignora.

Con el paso de las temporadas, la tercera regla va perdiendo peso hasta quedar en un segundo plano. Las dos primeras siguen siendo pilares morales, pero la identidad secreta pasa a ser algo flexible, adaptable a la narrativa del momento.

Y entonces llega uno de los momentos más icónicos de toda la franquicia.

En el final de Power Rangers in Space, los Rangers revelan públicamente su identidad ante todo Angel Grove. Un acto de valentía, humanidad y cierre emocional que culmina con el sacrificio de Zordon para acabar con el mal en la galaxia. Es una escena potente, emotiva y recordada por fans de todo el mundo.

Y, por supuesto, habría sido imposible si la famosa tercera regla siguiera vigente.

Ese momento deja claro algo que la saga ya sabía: las identidades secretas no siempre enriquecen la historia, y a veces limitarse a ellas es más un lastre que una virtud.

Power Rangers más allá del secretismo

A partir de ahí, la franquicia evoluciona sin complejos. En temporadas posteriores, ser Ranger pasa de ser un secreto a convertirse en un trabajo. Series como Power Rangers Lightspeed Rescue o Power Rangers SPD apuestan por equipos organizados, respaldados por instituciones, donde todo el mundo sabe quiénes son y qué hacen.

32 años después la regla más absurda de los Power Rangers sigue sin tener sentido

Los zords dejan de ser animales místicos y se convierten en vehículos. Los cuarteles son públicos. La amenaza es constante y visible. Y, sorpresa: funciona de maravilla.

Lejos de arruinar la magia, este enfoque añade realismo y profundidad. Los Rangers ya no solo luchan contra monstruos, también protegen civiles, toman decisiones estratégicas y asumen responsabilidades profesionales. Y lo hacen sin esconderse detrás de una excusa que la propia saga nunca supo gestionar bien.

Al final, el tiempo ha puesto las cosas en su sitio. Mighty Morphin Power Rangers fue una serie inolvidable, pero no perfecta. Su regla más absurda sobrevivió más por tradición que por lógica, hasta que la franquicia decidió seguir adelante sin mirar atrás.

Y sinceramente, fue una de las mejores decisiones que pudo tomar.

Repasamos 10 juegos míticos de los 90 que hoy son prácticamente injugables

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Jesús Reche Alonso
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juegos

Cuando la nostalgia choca de frente con juegos de cámaras imposibles, bugs letales y decisiones de diseño que hoy darían vergüenza ajena

Repasamos 10 juegos míticos de los 90 que hoy son prácticamente injugables

Los años 90 fueron la gran revolución del videojuego, la década en la que el salto al 3D prometía mundos infinitos, libertad total y experiencias nunca vistas. Spoiler: no siempre salió bien. Muchísimos títulos fueron conejillos de indias tecnológicos, y algunos pagaron el precio envejeciendo como la leche al sol.

Juegos de los 90 que hoy son injugables

Porque una cosa es recordarlos con cariño… y otra muy distinta volver a jugarlos hoy sin perder la paciencia. Aquí va una selección de clásicos noventeros que, por controles, bugs o decisiones absurdas, han quedado atrapados en su época.

Durante aquella transición salvaje del 2D al 3D, los estudios experimentaban sin red. No existían estándares claros para cámaras, control de personajes o interfaces. Y eso se nota. Mucho. Algunos juegos lograron evolucionar; otros quedaron como documentos arqueológicos interactivos.

Un príncipe y una fantasía final

Prince of Persia 3D quiso llevar una saga legendaria al terreno tridimensional… y tropezó con todo. Cámara errática, combates lentos y saltos imprecisos convierten cada fase en una lucha contra el propio juego. No fue hasta The Sands of Time cuando la franquicia entendió cómo debía moverse en 3D.

Final Fantasy VI, pese a ser uno de los JRPG más queridos de la historia, arrastra un problema serio en sus versiones originales: un bug capaz de corromper la partida guardada si se usa una habilidad concreta en el momento equivocado. Raro, sí. Pero suficiente para arruinar decenas de horas de juego.

El problema de las cámaras

Virtual On: Cyber Troopers perdió gran parte de su esencia cuando cerraron sus servicios online. Sin multijugador, este espectáculo de mechas ultrarrápidos se queda cojo, y hoy solo puede disfrutarse de forma completa con emulación y mods.

Bubsy 3D es casi una lección de lo que no se debe hacer en un plataformas tridimensional. Cámara rebelde, controles torpes y un diseño de niveles confuso lo convierten en un suplicio más que en un reto. El odio que recibe no es casualidad.

La versión de Resident Evil 2 para Game.com es un ejemplo de ambición mal entendida. Intentar meter un survival horror tan complejo en una portátil limitada dio como resultado rendimiento desastroso y mecánicas mutiladas. Valiente intento, pésimo resultado.

Repasamos 10 juegos míticos de los 90 que hoy son prácticamente injugables

Lo mismo ocurre con Duke Nukem 3D en Game.com. Sin posibilidad de mirar libremente ni correr, el shooter pierde toda su identidad, quedando como una sombra irreconocible del original.

Bugs y más bugs

Superman 64 es directamente una leyenda negra. Anillos imposibles, controles criminales y bugs que bloquean la partida hacen que incluso volar resulte frustrante. Un manual de cómo destrozar a uno de los mayores iconos del cómic.

Mario Artist, pensado como herramienta creativa para el 64DD, sufre hoy por la rareza del periférico y funciones online desaparecidas. Fue avanzado para su tiempo… pero ese tiempo ya pasó.

Plumbers Don’t Wear Ties ni siquiera entra en la categoría de “mal juego”. Es una presentación de diapositivas incómoda, sin decisiones reales y con una estética que duele a la vista. Más que jugarlo, hay que sobrevivirlo.

Y cerramos con Myth II: Soulblighter, un juegazo con una trampa mortal: un bug de desinstalación capaz de borrar partes del disco duro. Sí, literalmente. Un riesgo que hoy no compensa ni por nostalgia.

Cuando la nostalgia se estrella contra la realidad

Volver a estos títulos es también asomarse a una época sin manual de instrucciones, donde los estudios aprendían a base de golpes. Muchos de estos juegos no son malos por concepto, sino por haber llegado demasiado pronto. El salto al 3D pilló a la industria con el pie cambiado y se notó en cámaras imposibles, controles sin pulir y decisiones técnicas que hoy resultarían impensables. Aun así, sentaron bases que otros supieron aprovechar después, convirtiendo sus errores en lecciones valiosas para el futuro del medio.

Repasamos 10 juegos míticos de los 90 que hoy son prácticamente injugables

También es interesante comparar estos desastres con los pocos que sí envejecieron con dignidad, como Super Mario 64 o Metal Gear Solid. La diferencia no estaba solo en el talento, sino en entender al jugador y adaptar la tecnología al diseño, no al revés. Por eso, aunque algunos de estos juegos sean hoy injugables, su legado sigue vivo, recordándonos que el progreso en los videojuegos siempre ha ido de la mano del ensayo, el error… y alguna que otra catástrofe digital.

Estos títulos son hijos de su tiempo, y eso no los hace menos importantes. Pero también demuestran que no todo clásico merece ser revisitado sin avisos previos. A veces, el mejor recuerdo es precisamente eso: un recuerdo.

Hace 41 años EE. UU. y japón unieron fuerzas para crear la franquicia de robots más rentable de la historia

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Jesús Reche Alonso
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41 años

Repasamos cuando EE. UU. y japón chocaron hace 41 años y salieron transformándose en una franquicia inmortal

Hace 41 años EE. UU. y japón unieron fuerzas para crear la franquicia de robots más rentable de la historia

Durante décadas, hablar de robots gigantes ha sido casi sinónimo de Gundam. Japón, mechas, pilotos adolescentes con trauma existencial… ya sabes. Pero hay otra franquicia que, sin pedir permiso, se coló en todas las casas del planeta, vendió juguetes como si no hubiera un mañana y terminó conquistando Hollywood a base de explosiones y metal parlante. Sí, hablamos de Transformers. Y no, no es solo americana. Tampoco solo japonesa. Es un glorioso híbrido.

La franquicia de robots más exitosa del mundo

Lo que muchos fans aún pasan por alto es que Transformers nació como una colaboración real entre Estados Unidos y Japón, mucho antes de que eso estuviera de moda. En 1984, Hasbro y Takara sellaron una alianza que acabaría dando forma a la franquicia de robots más lucrativa de todos los tiempos, mezclando anime, cómic estadounidense y marketing ochentero sin ningún tipo de vergüenza.

La semilla de Transformers no nació en un guion, sino en una estantería de juguetes. Takara llevaba años experimentando con líneas como Diaclone y Micro Change, figuras transformables que no tenían personalidad ni historia propia. Hasbro vio el potencial… y decidió que aquello necesitaba algo más: una mitología que enganchara a los niños más allá del plástico.

Ahí es donde entra Marvel Comics. Literalmente. Jim Shooter, Denny O’Neil y compañía ayudaron a construir el lore original: Autobots, Decepticons, Cybertron, Optimus Prime… Todo eso que hoy damos por sentado nació como una estrategia para vender juguetes. Y funcionó absurdamente bien.

El auge de los robots motorizados

Mientras tanto, la competencia no se quedaba quieta. GoBots llegó antes a las tiendas, pero carecía de una narrativa potente. Hasbro aprendió rápido: sin historia, no hay imperio. Incluso llegaron a asegurarse licencias de mechas japoneses como el VF-1 Valkyrie de Macross, reciclado en Occidente como Jetfire, aunque con cambios por temas legales. Un caos delicioso.

El anime también fue clave desde el principio. La serie original se emitió en Japón, pero tras la tercera temporada, Takara decidió ir por libre. En lugar de adaptar la cuarta temporada estadounidense, creó su propia continuidad animada, comenzando con Transformers: The Headmasters. Y aquí es donde todo se volvió muy japonés.

Hace 41 años EE. UU. y japón unieron fuerzas para crear la franquicia de robots más rentable de la historia

Los Headmasters dejaron de ser alienígenas simbióticos para convertirse en robots pequeños que controlaban cuerpos mayores, una idea más cercana al mecha clásico. A eso le siguieron Super-God Masterforce y Transformers: Victory, con diseños más heroicos, exagerados y claramente influenciados por el género Super Robot. Star Saber, diseñado por Kunio Okawara, es el mejor ejemplo de esa etapa gloriosamente anime.

Spin off del producto original

Aunque la popularidad bajó en los 90, la franquicia nunca desapareció. Beast Wars —sí, la de los animales en CGI que al principio parecía una locura— fue un éxito. En Japón tuvo incluso animes exclusivos, y más tarde llegarían Car Robots (Robots in Disguise en Occidente) y la Trilogía Unicron, completamente animada al estilo japonés.

Pero si hay algo que explica el dominio absoluto de Transformers es esto: los juguetes nunca dejaron de venderse. Ni un solo año importante sin figuras nuevas. Clásicas, modernas, reinterpretadas, de colección, de lujo… Transformers siempre ha estado en las estanterías, algo que muy pocas franquicias pueden decir.

Hoy, líneas como Age of the Primes mezclan personajes de todas las continuidades, incluyendo el anime. Algunas figuras alcanzan precios obscenos en el mercado de coleccionismo, y no es raro que piezas antiguas en buen estado se vendan por miles de euros. Todo suma.

Un producto sumamente rentable

En cifras, Transformers ha generado decenas de miles de millones de dólares en cuatro décadas. Compite de tú a tú con gigantes como Neon Genesis Evangelion, aunque este último depende en gran medida del mercado japonés y del pachinko. Transformers, en cambio, es global, transversal y generacional.

¿Su único rival real? Mobile Suit Gundam. Con más de 40 años de historia, toneladas de anime y un imperio de maquetas Gunpla, Gundam es el gran titán japonés. Pero incluso ahí hay conexiones: Takara revivió Diaclone en los 2010, coexistiendo con Transformers y cerrando un círculo histórico precioso.

Hace 41 años EE. UU. y japón unieron fuerzas para crear la franquicia de robots más rentable de la historia

En cine, las películas de Transformers han recaudado miles de millones, superando ampliamente a cualquier estreno cinematográfico de Gundam. Aunque ahora estén en pausa, su impacto global es incuestionable. Y en cómics, la franquicia vive otra edad dorada gracias al Energon Universe, con ventas espectaculares y un revival histórico del material clásico de Marvel.

Pensar que todo empezó como un reciclaje de juguetes japoneses suena casi ridículo. Pero 41 años después, Transformers sigue rodando, transformándose y dominando el mercado. Oriente y Occidente lo intentaron juntos… y crearon un monstruo imparable.

Booster Gold sigue vivo (aunque sea en desarrollo) y Kumail Nanjiani aún suena como protagonista

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Miguel Á. Fernández
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El héroe viajero en el tiempo del DCU todavía no tiene fecha, pero sí tiene rostro y podría ser el que todos están rumoreando

Pese al silencio oficial, la serie de Booster Gold sigue sobre la mesa en DC Studios, y, si nos fiamos de las filtraciones más recientes, Kumail Nanjiani (Eternals, Silicon Valley) sigue atado al proyecto. La producción, anunciada a bombo y platillo en 2023 como parte del primer capítulo del nuevo Universo DC liderado por James Gunn, ha tenido un desarrollo más lento que una tortuga con jet lag. Aun así, no ha desaparecido del mapa, y eso, en este mundillo, ya es mucho decir.

La serie nos contará la historia de Michael Jon Carter, un fracasado jugador de fútbol del siglo XXV que, tras tocar fondo, roba tecnología futurista y viaja al pasado (nuestro presente) para reinventarse como superhéroe y figura mediática. Un personaje que mezcla carisma, torpeza y ansias de fama, ideal para un actor con el tono cómico y trágico de Nanjiani… si finalmente se confirma.

Kumail Nanjiani

Booster Gold, la serie que no se rinde

Desde hace más de un año, el nombre de Kumail Nanjiani ha sonado como el favorito para dar vida al vanidoso pero entrañable Booster, aunque nunca se ha confirmado oficialmente. De hecho, fue el propio actor de Blue Beetle, Xolo Maridueña, quien en 2024 alimentó la llama durante la GalaxyCon Raleigh, asegurando que Nanjiani estaba dentro y que le entusiasmaba una posible colaboración entre sus personajes en el futuro del DCU.

Los rumores volvieron a coger fuerza en agosto de 2025, cuando apareció en redes una imagen de Nanjiani abrazando a James Gunn. ¿Casualidad? Difícil de creer. Sobre todo si sumamos las pistas lanzadas por el conocido scooper Apocalyptic Horseman, quien, ante preguntas de fans, dejó caer un escueto pero contundente: “Oh, it’s happening”.

Booster Gold sigue vivo (aunque sea en desarrollo) y Kumail Nanjiani aún suena como protagonista

Otro punto interesante en este culebrón ha sido el cambio de manos en el guion. Originalmente ligado a Danny McBride (The Righteous Gemstones), el proyecto pasó a estar en manos de David Jenkins, creador de Our Flag Means Death, quien confirmó en julio de 2025 que estaba escribiendo el piloto y sería el showrunner si el proyecto avanza. En sus propias palabras: “¡Es verdad, gente! Estoy escribiendo un piloto sobre este adorable tontorrón para HBO Max. Es un honor trabajar para James Gunn y heredar este proyecto de Danny McBride, dos de mis héroes creativos.”

Por su parte, James Gunn se ha mostrado cauteloso. En una entrevista en 2024 con Josh Horowitz, explicó que aún no estaban listos para iniciar la producción. Según él, la prioridad es tener un guion sólido antes de mover una sola cámara, algo que, visto lo visto, se agradece.

booster gold dc comics

Booster Gold aún no tiene fecha de estreno, pero la siguiente serie del DCU, Lanterns, llegará a HBO Max en 2026. Así que, si todo va bien, es posible que veamos a nuestro viajero del tiempo dorado después de eso. O no. Con estos proyectos, nunca se sabe.

Una apuesta arriesgada pero con mucho potencial

Aunque no es de los personajes más conocidos del universo DC, Booster Gold ha ganado popularidad entre los fans por su tono irreverente y su potencial como antihéroe mediático, muy en la línea de Deadpool (aunque sin romper la cuarta pared). Su origen como figura pública en busca de redención puede conectar fácilmente con una audiencia que ya ha abrazado a personajes como Peacemaker o el propio Harley Quinn en sus facetas más humanas.

Además, su relación con Blue Beetle podría abrir una nueva vía dentro del DCU para explorar dinámicas más ligeras y cómicas, necesarias para equilibrar los tonos oscuros que suelen dominar este universo. Todo dependerá del enfoque final y, claro, de si el proyecto consigue por fin pasar del papel a la pantalla.

¿Wonder Woman en camino? Superman: Man of Tomorrow podría presentar a la amazona antes de su película en solitario

Por
Miguel Á. Fernández
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Un nuevo rumor sobre Superman y Wonder Woman apunta a que el reparto de la misteriosa heroína del film se cerrará en cuestión de semanas

El universo cinematográfico de DC se sigue cocinando a fuego lento, pero los ingredientes que se van filtrando apuntan a una receta bastante potente. Superman: Man of Tomorrow, la secuela protagonizada por David Corenswet como el nuevo Hombre de Acero, ya tiene fecha de rodaje para abril de 2026 y parece que Brainiac será el gran villano de la función, encarnado por Lars Eidinger. Pero eso no es lo único interesante: una figura femenina misteriosa está en el punto de mira del casting, y todo apunta a que podría ser ni más ni menos que Wonder Woman.

Aunque la identidad del personaje aún no ha sido confirmada oficialmente, según Nexus Point News, DC Studios está buscando a una actriz alta, de complexión fuerte y en torno a los 30 años, para interpretar a una “guerrera”. ¿Te suena a alguien? Sí, a nosotros también. El perfil encaja como un guante con Diana Prince, y más aún sabiendo que ya hay planes para su propia película, escrita por Ana Nogueira (Supergirl: Woman of Tomorrow).

wonder woman

¿Wonder Woman en Man of Tomorrow?

El rumor ha cobrado fuerza gracias al conocido filtrador Apocalyptic Horseman, que respondió en X (antiguo Twitter) a una pregunta sobre Diana con una afirmación que ha disparado las alarmas: “Si esa heroína misteriosa es ella (y creo que lo es), sabremos quién es en un mes más o menos”. Más adelante, matizó que se refería a la actriz, no necesariamente a la revelación oficial del personaje, lo que no hace más que aumentar el misterio.

La teoría más extendida es que DC quiere repetir la jugada de Marvel con Spider-Man o Black Panther, que debutaron en películas corales antes de tener sus propias entregas. Introducir a Wonder Woman en una superproducción como Man of Tomorrow permitiría testar la recepción del público y crear un hype progresivo de cara a su película en solitario, que aún se encuentra en fase de escritura.

¿Wonder Woman en camino? Superman: Man of Tomorrow podría presentar a la amazona antes de su película en solitario

El propio Horseman señaló que este sería el siguiente gran fichaje del nuevo DCU. Y no es para menos: estamos hablando de uno de los pilares fundamentales de la editorial, un personaje con un peso simbólico, narrativo y comercial incalculable. Por mucho que intenten mantenerlo en secreto, un rol tan grande es complicado de esconder durante mucho tiempo.

Así que si los rumores son ciertos, podríamos estar a punto de conocer a la nueva Diana Prince del cine.

Wonder Woman, una pieza clave para el nuevo DCU

Presentar a Wonder Woman en Man of Tomorrow no solo tendría sentido narrativo, sino también estratégico. El nuevo universo de DC necesita caras reconocibles y queridas, y pocas lo son tanto como la amazona. Su aparición reforzaría el concepto de universo compartido, algo que James Gunn y Peter Safran buscan consolidar tras años de idas y venidas en Warner.

¿Wonder Woman en camino? Superman: Man of Tomorrow podría presentar a la amazona antes de su película en solitario

Además, Wonder Woman representa una figura de autoridad, equilibrio y fuerza, perfecta para contrastar con el caos que Brainiac traerá al mundo en esta historia. Su presencia aportaría un matiz épico y emocional que podría elevar la película por encima de una simple secuela de Superman.

¿Quién llevará el lazo de la verdad esta vez?

Aunque todavía es pronto para dar nombres, la elección de actriz será crucial para el futuro del personaje en el cine. Después del legado de Gal Gadot, DC tiene la complicada tarea de encontrar una sucesora que conquiste tanto a los fans como al gran público. Y, seamos claros, si están buscando a alguien “alta, fuerte y guerrera”, más vale que la candidata tenga carisma de sobra.

Man of Tomorrow tiene previsto estrenarse el 9 de julio de 2027, y promete marcar un antes y un después en la nueva etapa del DCU. Si además introduce a Wonder Woman… la jugada puede ser redonda.

Descubre los mejores momentos de Daredevil perfectos para enamorarte del hombre sin miedo

Por
Jesús Reche Alonso
-
Daredevil

Hacemos un viaje a través de los mejores reinicios y etapas esenciales de Daredevil

Descubre los mejores momentos de Daredevil perfectos para enamorarte del hombre sin miedo

Desde que Daredevil irrumpió en Marvel en 1964, Matt Murdock ha sido el típico personaje que parece secundario… hasta que te lees un par de historias y te preguntas cómo demonios has vivido sin él. Porque sí, Jon, Marvel tiene muchos héroes, pero pocos tan humanos —y tan peligrosamente adictivos— como el abogado ciego de Hell’s Kitchen.

Frank Miller y John Romita Jr. redefinieron al héroe con The Man Without Fear

Los recién llegados suelen encontrarse con un dilema: ¿por dónde narices empiezo con Daredevil? No estás solo. Entre reinicios, retcones, etapas legendarias y reinvenciones mil, su bibliografía parece una carrera de obstáculos. Pero aquí viene lo bueno: Daredevil tiene más puntos de entrada perfectos que la mayoría de héroes de Marvel, y varios de ellos son directamente obras maestras del género.

Antes de meternos en harina, empecemos por donde empieza todo fan: preguntándonos quién convirtió a este héroe en lo que es hoy y por qué tanta gente lo considera el personaje más sólido del universo callejero de Marvel.

Si Matt Murdock tuviera DNI superheroico, The Man Without Fear sería la foto. En esta miniserie, Frank Miller decidió reconstruir al personaje desde la cuna, explorando su infancia, su entrenamiento, su relación con Elektra y el papel fundamental de Stick. El resultado fue una versión más cruda y compleja que hizo que medio fandom se enamorara del personaje para siempre.
En apenas cinco números, Miller y Romita Jr. trazaron una hoja de ruta emocional que sigue marcando el tono del héroe hasta hoy.

La serie de Netflix convirtió esa esencia en carne, hueso y golpes secos

Cuando en 2015 Netflix lanzó su adaptación, muchos pensaron que sería simplemente “una serie más de Marvel”. Pues no. Daredevil se convirtió en la referencia absoluta del género por su enfoque callejero, su violencia estilizada y su compromiso brutal con el material original.
La química entre Charlie Cox y Vincent D’Onofrio, la narrativa de largo recorrido y el respeto absoluto al ADN de Matt hicieron de la serie una puerta de entrada inmejorable. Y sí: ahora que está en Disney+ nadie tiene excusa para no darle al play.

Descubre los mejores momentos de Daredevil perfectos para enamorarte del hombre sin miedo

Kevin Smith sorprendió con un Daredevil roto y espiritual en Guardian Devil

A finales de los 90, Kevin Smith entró en Marvel por la puerta grande y entregó una historia intensa, religiosa y emocional, donde Matt debe proteger a un bebé que podría ser el salvador o el destructor del mundo.
Con arte de Joe Quesada, Guardian Devil mezcla intriga, culpa, tragedia y relaciones personales al límite, en uno de los arcos más influyentes de toda la era Marvel Knights.

El Daredevil de 2003

La película de Ben Affleck llegó en plena fiebre superheroica, y aunque fue vapuleada en su estreno, el montaje del director le dio un giro y terminó convirtiéndose en obra de culto.
Con guiños a Guardian Devil, una Elektra memorable y un Kingpin imponente, el film es una curiosidad histórica que muchos fans nuevos disfrutan más de lo que admitirían.

Born Again, el golpe que le rompió la vida… y lo elevó a mito

Si un lector novato pregunta por LA historia de Daredevil, la respuesta es automática: Born Again. Aquí Miller destruye a Matt pieza a pieza, después de que Kingpin descubra su identidad gracias a una Karen Page hundida en adicciones.
El viaje de reconstrucción es tan brutal y humano que marcó un antes y un después en el cómic de superhéroes.

Bendis modernizó al personaje y le dio un tono imposible de imitar

La etapa de Brian Michael Bendis mezcló thriller legal, corrupción política y crimen urbano como si fuera una serie de HBO.
Matt Murdock fue desenmascarado públicamente, Echo debutó y Kingpin se convirtió en un villano tridimensional. Una lectura perfecta para quienes buscan un Daredevil adulto y afilado.

Mark Waid demostró que Daredevil también puede sonreír

Después de tanto drama, Mark Waid ofreció una visión más luminosa, jugando con las habilidades sensoriales del héroe y alejándolo temporalmente del tono sombrío habitual.
Una etapa fresca, creativa y muy accesible para quienes quieren empezar sin tanto sufrimiento.

Daredevil: Yellow: nostalgia, amor y un traje complicado de defender

Jeph Loeb y Tim Sale revisitan los primeros días de Matt con un estilo cálido, melancólico e íntimo. Es un homenaje directo a Karen Page y un retrato precioso del Matt más joven y torpe.
Además, funciona como lectura independiente sin necesidad de conocer nada previo.

Descubre los mejores momentos de Daredevil perfectos para enamorarte del hombre sin miedo

Chip Zdarsky reinventó al héroe para una nueva generación

Entre 2019 y 2023, Zdarsky firmó una de las mejores etapas modernas: Elektra como Daredevil, Kingpin desatado en Devil’s Reign y un Matt más humano que nunca.
Un reinicio perfecto para lectores actuales y un ejemplo de cómo actualizar un mito sin perder su esencia.

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